Rappeur atypique, Paul ‘Sage’ Francis domine la scène du hip hop alternatif depuis la sortie de « A Healthy Distrust », son meilleur album paru à ce jour. Faut dire que le flow du natif de Providence est certainement l’un des plus impressionnants, actuellement. Pas pour rien que le gaillard a gagné de nombreuses ‘batlles’ avant d’entamer son parcours professionnel. Mais si Sage est parvenu à se forger une telle notoriété, c’est parce qu’il refuse d’adhérer aux stéréotypes du hip hop américain. Pas question de tourner des vidéos en compagnie de gros calibres, de grosses voitures ou de femmes-objets. Il n’est pas non plus du genre à se faire produire par Timbaland. Il préfère retravailler une compos du roi de la country, Johnny Cash, ou à collaborer en compagnie de Will Oldham, comme sur l’excellent opus « Sea Lion ».

Pour concocter son quatrième long playing, l’Américain a décidé de s’investir davantage. Tout simplement en invitant des pointures respectées de la scène indie. Aux manettes, tout d’abord. Elles ont été confiées à Brian Deck (Modest Mouse, Iron and Wine). En fait, le concept de « Li(f)e » impliquait une collaboration d’artistes n’ayant jamais bossé dans l’univers du hip hop. Francis explique : ‘I didn’t want them to write music they thought they should for hip hop’. Ainsi, lors du titre qui ouvre l’elpee, « Little Houdini », l’instrumentation a été déléguée à l’ex-Grandaddy, Jason Lytle. Il y entretient un climat western ‘enniomorriconesque’, sur lequel le rappeur vient poser son flow, tout en jouant à merveille sur l’intensité. Yann Tiersen signe « The Best of Times ». Excusez du peu ! Calexico apporte sa collaboration au superbe « Slow Man ». Et parmi la liste des collaborateurs figurent encore Chris Walla de Death Cab For Cutie, le défunt Mark Linkous de Sparklehorse ou encore DeVotchka. Bref, une œuvre qui réunit des compos de toute bonne facture, mais sans grande homogénéité. La succession de guests explique évidemment cette situation. Chaque artiste cherchant à marquer sa participation de son empreinte. N’empêche « Li(f)e » démontre une nouvelle fois que Sage Francis est un rappeur alternatif. Et qu’il n’en a rien à cirer des frontières préétablies. Après avoir avoué sa flamme pour la country et le folk, il a voulu rendre un hommage à l’indie rock, en conviant une belle brochette d’ambassadeurs du style. Le dossier de presse précise que cet album s’adresse aux fans de Danger Doom, Atmosphere, Calexico ainsi qu’à ceux de Bright Eyes. Difficile de faire plus éclectique. 

La scène rock anversoise semble se porter à merveille. Après avoir savouré l’excellent premier album éponyme de The City, c’est au tour de The Heartaches de faire pogoter la Belgique. Moins ancré dans le hard rock que celui de ses concitoyens de The City, le glaviot rock’n’roll déjanté des Heartaches mélange le meilleur du punk originel new-yorkais à celui des bas-fonds de Londres. Au diable les mélodies pop avilissantes de Green Day, Blink 182 et des autres poseurs du genre. Place à la puissance brute du punk originel.

Ces Anversois vénèrent les Clash, Ramones, UK Subs, Buzzcocks, Damned et Rancid ; et on le ressent dans leur musique authentique et sans fioritures. Un objectif que le punk rock aurait toujours dû respecter : celui d’une musique de la rue, sauvage et rebelle.

Née Betty Haskins, Betty LaVette aura bientôt 65 piges. Et pourtant, elle n’est pas prête de prendre sa retraite. Faut dire que la voix de cette chanteuse de soul tient toujours la route. Et à mon humble avis, elle ne déposera ses armes vocales, qu’après avoir rendu son dernier souffle. D’ailleurs, on en a la certitude après avoir écouté cet elpee, consacré à des reprises les plus émouvantes les unes que les autres. Faut dire qu’en un demi-siècle de carrière (NDR : elle l’a entamée dès 16 ans, à Detroit, dans le Michigan industriel) Betty s’est imposée comme une vocaliste de référence. Depuis son hit initial, « My Man – He’s a Lovin’ Man », elle en a fait du chemin. Des expériences qui lui ont permis, entre autres, d’accompagner Barbara Lynn et Otis Redding ! Elle avait opéré un come-back réussi, en 2005, lors de la sortie d’« I’ve Got My Own Hell to Raise », et confirmé ses excellentes dispositions en publiant « The Scene of the Crime », deux ans plus tard, une œuvre pour laquelle elle avait reçu le concours des Drive-By Truckers, et pas seulement à la production.

Ce nouvel elpee est consacré à des covers de classiques bien britanniques. Qu’ils soient pop, rock, soul ou r&b. La diva y interprète des compos de Pink Floyd (« Wish You Were Here »), Paul McCartney (« Maybe I’m Amazed »), Stones (« Salt on the Earth ») et même d’Elton John (« Don’t Let the Sun Go Down »), en y communiquant une passion et une intensité rares. Et pourtant, le challenge était pourtant plus que risqué ! Suivant la légende, Pete Townshend aurait fondu en larmes, à l’écoute de la cover du « Love, Reign O’er Me », un morceau figurant en bonus track. Toutes les plages de ce long playing ont subi une véritable cure de jouvence. Et Bettye LaVette, une des plus belles voix de la soul et du r&b en est la responsable…

A l’écoute de l’excellent remix du « Bye Bye Bayou » d’Alan Vega, opéré par LCD Soundsystem, on pouvait sérieusement commencer à envisager une suite au magique « Sound Of Silver », paru en 2007. Au cours des 3 dernières années, James Murphy s’est montré plutôt discret, alors que son label DFA n’a jamais été aussi productif. La crise économique ne semble d’ailleurs pas avoir touché l’écurie. Murphy et ses comparses viennent donc enfin de remettre le couvert en publiant « This Is Happening », un elpee qui surprend par sa maturité, d’une part ; mais d’autre part, pourrait constituer un des points d’orgue de l’année 2010.

Et pourtant, cet opus pourrait être le tout dernier opus du combo newyorkais. Murphy l’a d’ailleurs déclaré récemment au NME. Aussi il en a profité pour faire péter les bouchons de champagne en se jouant les soirées blanches d’Eddy Barclay, à sa manière. En premier lieu, l’enregistrement. Il s’est déroulé à ‘The Mansion’, célèbre villa du producteur Rick Rubin (Johnny Cash, Beastie Boys, etc.) qui a vu notamment l’enregistrement de « Blood Sugar Sex Magik » des Red Hot Chili Peppers ou encore cette même bâtisse qui apparaît durant la seconde saison de « Californication ». Et enfin, c’est entouré de tous ses proches que Murphy s’est pris pour le producteur superstar. Une sorte de gourou qui avait exigé de ses disciples de se vêtir de blanc, pour rendre l’ambiance plus fun. Néanmoins, il faut reconnaître que son choix était judicieux, car  –et il l’a reconnu– louer un studio ça douille et puis, c’était une belle opportunité de se rapprocher de L.A. Et pour cause, il ne faut pas oublier qu’il est également le responsable de bande originale de « Greenberg », le nouveau long métrage de Noah Baumbach. Dans cette superbe villa, James a installé son studio. En n’oubliant pas d’y accrocher une énorme bannière étoilée. Et c’est dans cette pièce, sous quelques boules à facettes, que LCD Soundsystem a pondu les neuf titres de cette nouvelle galette. De véritables perles aux sonorités très ‘classe’ ! Faut dire que dans l’univers de l’électro, James est bien le roi du monde ! Néanmoins, l’aspect mélodique est beaucoup plus palpable ; et puis James Murphy ose enfin chanter, et à la manière d’un crooner. C’est d’ailleurs un des aspects les plus surprenants de « This Is Happening ». Tout comme la durée des plages, dont sept ne descendent pas en-dessous des 6 minutes.

« Dance Yrself Clean » ouvre le bal. En douceur. Avant que ne s’abatte une tempête de sonorités cristallines, balisée par une rythmique susceptible de vous décoller les pieds du sol. Rock déjanté, « Drunk Girls » rend un bel hommage au Velvet Underground, et en particulier à son « White Light/White Heat » (NDR : merci Enzo). Emouvant, « All I Want » illustre les capacités vocales hors-norme de James. Le long playing regorge, bien sûr de hits potentiels. En particulier « You Wanted A Hit », un morceau pour lequel il a reçu le concours d’Al Doyle (Hot Chip). Il mérite un big up ! Mais à mes yeux et à mes oreilles, la palme revient à « Home ». Cette superbe compo, très riche également, lorgne manifestement vers Talking Heads. De quoi déjà rêver de vacances.

Après avoir concocté trois excellents albums et accompli trois tours du monde. LCD tire sa révérence. Murphy aura marqué (chamboulé), de son empreinte (de la cave au grenier) la scène électro. A l’aube de ses 40 ans, il a sans doute envie de se consacrer à d’autres projets. 

Artiste déchiré, controversé, Benjamin Biolay aime provoquer et s’écorcher publiquement. Ses célèbres coups de gueule dans le monde artistique francophone et son autosuffisance affichée lui ont d’ailleurs coûté une petite mort médiatique. Petite mort dont il a utilisé soigneusement les stigmates pour signer l’un des meilleurs albums de chanson française de cette décennie. Parmi ces fleurs du mal, a fini par éclore « La Superbe », essence magistrale d’un auteur-compositeur-interprète de génie aux dérapages capricieux qui le condamnent à marcher dans l’ombre d’un Gainsbourg. Ce dernier ouvrage lui a valu la reconnaissance méritée de ses pairs : il remporte trois victoires de la musique dont celle du meilleur album et de l’artiste interprète de l’année.   

Adoré ou détesté, le dandy lyonnais s’érige dès lors comme l’un des artistes les plus prolixes et les plus doués de sa génération. Bref, une icône masculine adulée par les femmes –détestée par leur mari– qui nous offre ce soir la quintessence de son cinquième album sur les planches de l’AB de Bruxelles. Ville chère à ses yeux où il a écrit (NDR : Biolay évoque le célèbre café-concert l’Archiduc), composé et enregistré (ICP) la majorité des sillons lumineux de son dernier opus.       

20h30. Sur un fond de décor noir, simple et intimiste, le dandy ténébreux investit les lieux et introduit « Même si tu pars », sur un ton serein et assagi. Un nouveau visage Biolay, plus calme, moins torturé, s’affiche d’emblée pour nous livrer un set qui gagne en valeur au fur et à mesure que la setlist avance. L’artiste se livre progressivement au public, communie crescendo d’anecdotes, d’humeurs de vie… et parvient finalement à tisser un lien doux et amical avec le public. L’atmosphère prend corps et donne de l’assurance aux compos. La voix grave et hésitante se rassure au fil des morceaux et finit par vaincre une timidité profonde. Puis, elle s’impose doucement comme si elle acquiesçait progressivement à l’autorisation tacite de s’inviter parmi nous. Sur « Night Shop », Benjamin Biolay se libère et se métamorphose furtivement en un délicieux raconteur d’histoires. Ensuite, les titres déboulent…

Armée de cinq musiciens (harpe, batterie, guitares, basse, claviers), la performance scénique peine cependant à trouver la grandiloquence du studio. Les arrangements et les compositions ‘live’ trahissent les finitions fines de l’album et ne parviennent que trop rarement à utiliser les aspérités de la scène pour donner vie aux textes. Victime d’un album presque parfait, le concert sue et se chagrine davantage de nostalgie sur les morceaux de « Trash Yéyé ». Ainsi, « Bien Avant », « Dans La Merco Benz » et « Qu’est-ce que ça peut faire », moins instrumentalisés, redonnent un supplément d’âme à l’AB.   

C’est d’ailleurs lorsque la ‘spleen machine’ se retrouve seule au piano, légèrement habillée d’une harpe délicate et de quelques percussions discrètes (« Nuit Blanche »), que les mélodies sombres et déchirantes retrouvent pleinement leur âme originelle.

« La Superbe » et « Qu’est-ce que ça peut faire » attendront encore une heure avant de crouler sous les innombrables brassées d’applaudissements d’un public absolument fan et conquis. Enfin, le concert se referme sur le plus intimiste « A l’Origine ». Trois rappels viendront  clôturer cette soirée aux paroles hautement émotives : le plus léger « Padam », le mélancolique « Les Cerfs-Volants » et l’authentique « Brandt Rhapsodie », sur lequel l’audacieuse harpiste palliera l’absence vocale de Jeanne Cherhal.     

Pas de gifle musicale étourdissante ce soir à l’AB. Plutôt les confessions intimes d’un homme fragile et sincère qui nous propose un nouveau profil touchant d’humanité et d’ironie amère…

(Voir aussi notre section photos) 

Phénomène issu de l’émission radio crochet ‘La nouvelle star’, Christophe Willem avait donné rendez-vous à ses fans mercredi soir, à Bruxelles. Quelques heures avant de m’y rendre, l’envie n’y était pas. Faut dire qu’en règle générale, ce genre de variété franchouillarde ne m’inspire pas beaucoup. Mais bon, j’avais sollicité et reçu une invitation ; j’étais donc tenu de répondre présent. Normal ! Allez, courage, quand faut y aller, faut y aller…

Pour ne pas changer les bonnes habitudes, lors d’un concert prévu à Forest, j’ai droit à ma dose de bouchons dès la sortie de l’autoroute et un mal de chien pour dénicher une place de stationnement. Mais tout vient à point à qui sait attendre et au guichet m’est remise une place de choix, face à la scène, juste derrière la table de mixage. Et un bon point, un ! Je m’installe et constate rapidement que le public n’est pas tout à fait celui auquel je m’attendais. Là où je croyais ne rencontrer que des jeunes (et moins jeunes) femmes, force est de constater que Christophe Willem attire, tout comme Tintin, les jeunes de 7 à 77 ans, tant de sexe masculin que féminin. Manifestement non, Christophe Willem n’est pas que le héros des ménagères de moins de 50 balais, loin de là…

Il est vingt heures pétantes lorsque Sky, petit bout de femme, seule au monde, nous apparaît, isolée face à 6 000 personnes, ne disposant comme seule arme, qu’une guitare acoustique. Mais visiblement, cette situation ne l’effraie pas. Courageusement, elle entame sa première chanson et révèle au public une facilité de voix assez déconcertante ainsi qu’un jeu de cordes très au point et non moins efficace. Se baladant tant en français qu’en anglais, la belle nous met en forme durant la petite demi-heure que lui a accordée son  ‘patron’… (NDR : elle est également invitée à former un duo dans le spectacle de l’ex-nouvelle star, dont elle n’était que choriste lors de la tournée précédente). Et cela marche. Très bien même. Oscillant entre Zazie et Sheryl Crow, les titres qu’elle nous propose sont tout à fait de nature à mettre l’assemblée en appétit. La demi-heure est donc vite avalée et digérée.

Il ne faut pas plus d’une vingtaine de minutes pour que l’idole, que toute la salle attend, fasse son apparition. Et quelle apparition ! Après un générique (sur un écran super géant) digne d’un film à gros budget, Christophe Willem opère une entrée remarquée et remarquable. Suspendu à un câble par la main gauche et le micro dans l’autre, il descend tel un artiste de cirque, au milieu de l’arène, tout en entamant son premier titre « Berlin », repris directement par 6 000 chœurs plus qu’enthousiastes. Et c’est un euphémisme ! Tout au long des deux heures de spectacle, ce sera une constante. La foule chantera et dansera. Et déjà à ce moment-là, bien que ne connaissant quasi rien de son répertoire, le doute m’habite. Je me demande où je suis tombé. Plutôt habitué à l’odeur d’un joint pourri, j’ai pour une fois dans le nez des parfums plus chics les uns que les autres ! Ça change…

Sur scène, ils sont sept outre la vedette : trois choristes, dont deux superbes créatures, un trio basse-guitare-batterie et une claviériste rompue à tous les exercices dont ceux des effets sonores spéciaux. Et bien sûr, Sky qui viendra interpréter quelques duos dont une fabuleuse reprise de « Why » d’Eurythmics. C’est la soirée du strass et des paillettes, le retour des années disco, un spectacle son et lumières fabuleux, un clip vidéo gigantesque de deux heures. 

Ce grand déglingué sans allure nous en met plein la vue et les oreilles. Il nous bluffe complètement en usant de sa voix d’une justesse remarquable et jouant à la fois au chauffeur de salle, au comédien, à l’humoriste, au danseur. Il va même jusqu’à descendre au milieu de la fosse pour entraîner sur le podium Micheline (non non, j’sais pas qui c’est) en compagnie de laquelle il interprètera le titre suivant tout en esquissant un pas de danse. Et là je me dis : ‘Très fort le bougre’. Et je me surprends à battre la mesure, à sourire, rire même. Ben oui, je m’amuse, beaucoup même. La bonne humeur est contagieuse !

Après « Trash », morceau électro-pop surpuissant, Christophe honore ses comparses en les mettant en évidence chacun à leur tour. Visiblement authentique, sympa et relativement rare… D’une simplicité et d’un naturel assez convivial, il arrive à mettre Bruxelles dans sa poche (ben oui, moi aussi) ! Cinq bonnes minutes seront nécessaires à la reprise du ‘concert’. Le public acclamant son idole durant de longs moments au son du célèbre refrain de « Seven nation army » dont il avoue ne pas connaître les paroles, sans quoi…

Le calme revenu, il choisit d’entamer « Why » en duo avec Sky. Sur fond bleu azur, ce titre renaît de ses cendres et confirme tout le talent d’interprète de ce grand bigleux hors du commun. La belle ne le quitte plus pour la fin du show et voit son statut de choriste passer à celui de complice…

On épinglera aussi tout l’humour dont une certaine dose d’autodérision qui caractérise le personnage. Projetant d’immenses photos de lui-même en arrière-plan, il n’a visiblement pas choisi les clichés les plus avantageux et n’en a cure. Cela marche et fait à nouveau (sou)rire les plus pincés, s’il y en avait… Le ‘Coffie Tour’ arrive déjà à sa fin, plus d’une trente, seize titres passés à la vitesse de la lumière. Et pour une fois, le son était à la hauteur, les ingénieurs ont fait du bon boulot dans cette salle à l’acoustique minable. 

Les lumières s’éteignent sur le final de « Heartbox ». Mais des milliers de mouchoirs blancs s’agitent et réclament le retour de la star. Et sans manière, sans chichi, sans faire patienter de longues minutes ses fans, il revient. Seul au piano pour interpréter « Si je tombais », superbe ballade qui dénote un peu dans le répertoire de ce showman complètement déjanté. Et une fois de plus ça marche. Il peut tout se permettre, rien à dire il est doué le mec ! Avant de tirer sa révérence, il se demande s’il n’a pas oublié un titre. Et celui que tous attendaient, le seul que je connaissais réellement, « Double jeu » terminera la soirée de la même manière qu’elle avait commencée. Sur les chapeaux de roues.

Ben franchement, moi je lui tire le mien à ce gars. Il m’a blousé. De la première à la dernière minute. Il m’a invité à une grosse fête où tout le monde s’amuse, tout le monde rigole. Où la bonne humeur est ou devient obligatoire. Il ne nous laisse pas le choix. Ce mec-là, c’est un remède contre tout ce qui va mal ou pas bien. C’est un mélange de ‘Prosac’ et de gélules survitaminées.

Et puis basta avec le reste. Faites comme moi. Partez avec des pieds de plomb et revenez en chantant, heureux…

(Organisation Live Nation) 

L’écurie Vampisoul nous propose un voyage à travers l’âge d’or colombien du label Discos Fuentes. Maître des rythmiques endiablées durant les 60’s et 70’s, Antonio Fuentes Estrada est la première personne à avoir lancé un label en Colombie. Créé en 1934, à Carthagène, Disco Fuentes est surtout notoire pour ses disques mélangeant savamment sonorités afro telles que la cumbia, le fandango ou encore le porro. Souvent comparée à la Motown, pour sa démarche unique en son genre, l’écurie colombienne vient de refaire surface par la grâce de Vampisoul, dont le travail de fouilles dans les archives des musiques du monde devient de plus en plus impressionnant

Le premier volume de « The Afrosound Of Colombia » est double. En outre, il est enrichi d’un superbe booklet incluant notes, photographies rares et biographie d’artistes. Un bel objet collector, comme toute réédition de qualité qui se respecte.

Impeccablement remasterisée, l’œuvre est découpée en 43 titres. Des compos caractérisées par leur richesse musicale. Ici la musique vient du cœur. Elle est dansante, ensoleillée, mais avant tout le fruit d’un mélange de rythmes latino et de percussions frénétiques. Et les inconditionnels du R’n’B à deux cents peuvent d’ores et déjà passer leur chemin ! Au bout du compte, on se rend compte que la Colombie ne se limite pas à la coke et Pablo Escobar ! A cet égard, il faut remercier Monsieur Fuentes, pour son incroyable feeling ! En signant des groupes ou artistes comme Wgandia Kenya, Afrosound ou encore Michi Sarmiento, le label Disco Fuentes va rencontrer un énorme succès, et surtout faire vibrer toute la République du Nord-Ouest de l’Amérique du Sud. En outre, le concept Fuentes est indissociable de Fruko, l’enfant terrible du label qui apportait sans aucun doute un plus au sein de l’écurie ! Véritable génie déchaîné, on doit à Fruko des titres aussi excitants que « Flores Silvestres », « El Ausente » ou encore l’excellent « Tihuanaco », caractérisé par ses bongos et congas jubilatoires ! Hautement recommandable à toutes celles et tous ceux en recherche perpétuelle de nouvelles sensations !

Paru il y a presque deux ans, cet opus est le résultat d’un travail solo de Vinc, mieux (?) connu comme guitariste au sein de la formation suisse Ever Since. Alors, la question à deux balles : Ever Since, cékiça ???

Voilà, voilà. Ever Since est un groupe de ‘melodic dark metal’ (ben oui ça existe) helvétique, connu seulement par les spécialistes du genre ou par les autochtones du pays du gruyère et de Fendant (vin blanc du coin). On soulignera tout de même que ce combo compte plus de dix ans d’existence et trois albums à son actif.

Après avoir collaboré une décennie aux réalisations des hardeurs helvétiques, Vinc se la joue perso depuis 2008.

Elpee entièrement écrit, joué et interprété par cet amateur de néo métal, ce ‘Project’ se veut avant tout autobiographique. En une petite dizaine de titres, Vinc nous raconte les déboires de sa vie sentimentale sous forme d’un voyage sombre, torturé et mélancolique. Autant dire tout de suite que « My Story » ne transpire ni de bonne humeur ni d’hilarité… Vinc a donc concocté neuf morceaux inspirés d’une espèce de métal mélodieux (ça existe ce truc ?)

A vouloir mélanger les genres –guitares acoustiques, violons, violoncelles d’un côté et artillerie lourde de l’autre– on a l’impression que notre artiste s’emmêle les pinceaux, hésitant même entre la musique de film (voulait-il imiter le génial Mike Oldfield, responsable de la B.O. de « L’exorciste ») et l’opéra rock tragique ‘bon marché’. Hélas, le résultat est loin, très loin, d’atteindre un niveau intéressant. 

En un mot comme en cent cet album est ‘trop’. Trop lourd, trop sirupeux (violon, violoncelle), trop doux ou trop hard. Bref, il est totalement indigeste ; car Vinc a voulu enfiler des gants de velours à de grosses pattes velues. Ça le fait pas du tout. On dirait plutôt une grosse soupe préparée à l’aide de tout ce qu’il avait sous la main. Et cette mixture sonore devient du grand n’importe quoi. Des styles qui s’opposent et qui ne s’harmonisent pas du tout. Un peu comme si le grand ogre gourmand devenait gardien d’enfants dans une crèche de mioches. Bonjour les dégâts…

Bref, un ‘Project’ qui aurait mieux fait de rester à l’état de ‘projet’, tout simplement !