Ranking Roger, un des chanteurs du groupe britannique de ska The Beat est décédé en 2019. D’origine antillaise, il avait milité comme batteur chez les Dum Dum Dum Boys, avant de rejoindre le band de Birmingham, à la fin des 70’s. Et il avait également intégré le Big Audio Dynamite pour participer aux sessions de « Higher Power », en 1994, avant de rallier définitivement le line up lors de la réalisation du dernier opus de BAD, « Entering a New Ride » (1997).
Ranking Roger avait enregistré ses propres versions de « Red angel dragnet » et « Rock the casbash » du Clash (NDR : deux titres qui figuraient sur l’album « Combat rock »), mais elles étaient demeurées au stade de démo, avant de paraître sur un bootleg, sous la forme d’un single, en 2013.
Sony a donc décidé d’exhumer ces deux morceaux. En version numérique et sur un vinyle 7 pouces (NDR : sa sortie est prévue pour la fin du mois de mai).
« Red angel Dragnet » relate la violence qui sévissait dans les rues de New York, à l’époque, les lyrics se référant aux films ‘Taxi Driver’ et ‘Jack The Ripper’. Plus lente, l’adaptation ne convainc pas. A contrario, particulièrement dansante celle de « Rock The Casbah » nous entraîne sous le soleil des Antilles…
De son véritable nom Evángelos Odysséas Papathanassíou, Vangelis est décédé ce 17 mai 2022, à Paris. Ce compositeur, claviériste et percussionniste grec y avait d’ailleurs déjà vécu à la fin des 60’s.
Autodidacte, il a pourtant d’abord sévi dans le milieu du jazz. Ses premiers pas, il les accomplit au sein de The Forminx. Mais déjà, il s’intéresse à la musique électronique (certains médias le considèrent comme un des pionniers), puis commence à adapter des thèmes classiques pour les transformer en chansons pop, un peu dans l’esprit de Procol Harum (NDR : notamment pour l’orgue). Son premier grand succès, il le rencontre au sein d’Aphrodites’s Child, en compagnie du chanteur, feu Demis Roussos, du batteur Lucas Sideras et du guitariste Silver Koulouris. Son titre ? « Rain & Tears », une chanson inspirée du canon de Pachelbel. Le groupe va aussi publier un album culte incontournable, « 666 », en 1972, un œuvre qui va pourtant mettre fin à l’aventure du groupe hellène. Mais en même temps préfigurer la nouvelle orientation musicale de Vangelis : la prog. Il émigre d’ailleurs à Londres, fin des 70’s, et se lie d’amitié avec Jon Anderson, le chanteur de Yes. Il devait d’ailleurs remplacer Rick Wakeman, mais refuse finalement la proposition ; et c’est Patrick Moraz qui va reprendre la place derrière les claviers. Jon et Vangelis vont publier trois albums au cours des eighties et surtout décrocher deux énormes tube, « I hear you now » et « I'll Find My Way Home » (NDR : deux elpees qui portent le même titre, mais sans leur consentement mutuel, sortiront pendant les 90’s).
Vangelis se replonge alors dans les expérimentations synthétiques, mais surtout compose de nombreuses musiques de films qui deviendront cultes, comme celles consacrée à « Blade Runner », « Missing » et « Les Chariots de feu » … En tenant compte de ses collaborations, il doit avoir gravé une cinquantaine d’albums…
RIP
C'est à la suite de « Pilot Village Midnight », un premier Ep teinté de folk électrifié et minimaliste, sorti en 2013, que Renaud Ledru (guitare, voix) et Alexandre De Bueger (batterie) –aujourd'hui remplacé par Nicky Collaer– suscitent la curiosité de la presse belge.
Ce premier essai les amène à participer, l'année suivante, aux concours organisés par le Verdur Rock et le Concours-Circuit. Epreuves qu'ils remportent.
En 2015, « Dirty Road » permet au duo de fouler les planches du Botanique, de l'Ancienne Belgique, du Festival de Dour ainsi que des Ardentes.
Tout au long de « Wild Jalopy Of The Mist », son premier elpee, la paire développe son répertoire en proposant certains morceaux rock/garage et d'autres plus acoustiques.
Le combo revient ensuite aux racines de la musique américaine qui l’ont influencé, privilégiant les sonorités de guitare sèche à travers un nouvel Ep intitulé « And The Sky Dives Again ».
« Camouflage », second opus gravé en 2020, permet à la formation d'obtenir, non seulement d'excellentes critiques nationales, mais également outre-Quiévrain en récoltant notamment des articles favorables dans le Rolling Stone et Indie Music.
« Human Flare », polarisé sur le thème de l’humain et de ses relations aux autres, constitue le fuit d'exercices de style et d’expérimentations diverses.
Renaud expose et s'expose par caméras interposées. Décryptage.
Alaska Gold Rush fonctionne en binôme depuis sa création. Vous avez tous deux étés actifs au sein de divers projets en amenant une culture musicale différente. L'un apporte le côté garage et l'autre l’aspect ouaté du folk. Comment deux êtres que tout oppose parviennent-ils à s’accorder pour proposer un résultat parfaitement cohérent ?
Le groupe existe depuis plusieurs années maintenant. Je suis accompagné de Nicky (Collaer). Il se charge des drums depuis 2019. Avant de le rencontrer, je fonctionnais déjà en duo, mais en compagnie d’un autre batteur. Notre musique est le fruit de plusieurs années d'expérimentations. A l’origine, le projet était plutôt folk car je suis influencé par le folk américain. Est alors venue l'idée de mélanger cette influence folk aux rythmiques plus rock de manière à obtenir un produit plus alternatif. Nicki a rendu la chose plus dynamique et petit à petit le côté folk s'est effacé. Les deux styles ne s'opposent pas et le résultat reste cohérent. Nous ne sommes que deux et nous devons l'assumer pleinement. Je n'ai pas de réponse très précise à cette question, la musique d'AGR est tout bonnement le fruit d'expérimentations et de mélange de styles.
Perso, j’ai l’impression que vous fonctionnez davantage à l'instinct en laissant peu de place à la réflexion intellectuelle. Est-ce exact ?
Au contraire, la réflexion est omniprésente. Le fait d'être deux nous oblige à remplir l'espace sonore. Il n'y a pas, par exemple, de basse comme dans la plupart des formations. L'ennui peut alors vite se manifester parce que nous ne pouvons pas ajouter des éléments comme des samples ou des boucles. On est obligé d'aller à l'essentiel en construisant le morceau d'une certaine manière. Je pense clairement que nous avons trouvé notre style, du free folk garage, c'est-à-dire une musique sans limite et insouciante.
On imagine que si vous deviez vous entourer d'autres musiciens, vous perdriez le côté naturel et spontané qui forge votre marque de fabrique...
Lorsque le précédent batteur a quitté la formation, je me suis demandé s’il fallait conserver la formule. Finalement, le duo l'a emporté. Même si composer un groupe à deux reste une contrainte, il permet de se challenger et se renouveler. Dans le chef du batteur, l'exercice de style est très intéressant. Au sein de ses projets précédents, Nicky se limitait à un rôle d'accompagnateur en se servant de rythmiques basiques. Ici, il a carte blanche. Il a le devoir de remplir le morceau à lui seul. C'est une formule qui permet d'explorer un tas de perspectives. Lorsque nous nous produisons en live, le public est surpris que tant de consistance soit créée par si peu de musiciens. Je crois que si nous devions être davantage sur scène, notre musique aurait moins d’impact. Mais qui sait, peut-être qu'un jour nous n'aurons d'autres choix que de glisser vers une formation impliquant davantage de musiciens.
Un duo s'apparente à une vie de couple. Mais est-elle autant semée d'embûches ?
Être deux peut se révéler à la fois un avantage comme un inconvénient. Difficile par exemple de se reposer sur l'épaule d'une tierce personne au sein du combo.
J'ai de la chance, parce qu'avec Nicky, nous avons très vite matché tant humainement que musicalement. Sinon, le projet n'aurait pas fonctionné.
S’il fallait étiqueter ton projet, on dirait qu'il ressemble à celui de BRNS pour la rythmique syncopée et à Mountain Bike pour le côté garage et nonchalant. Qu'en penses-tu ?
Personne n'avait osé la comparaison jusqu'alors. Ce sont des groupes géniaux. Ils sont à la fois créatifs et cool.
Comparativement à BRNS, nous n’abordons pas tellement le rock progressif. Ce groupe baigne dans un registre un peu plus barré. Le folk reste présent dans notre musique. Nous sommes aussi très attachés tant au format des chansons qu'aux textes à proprement parler. Les moments purement instrumentaux ne sont pas nombreux non plus. Nous nous sommes inspirés de musiques alternatives. Alors, peut-être, y-a-t-il des relents de BRNS... En ce qui concerne la filiation à Mountain Bike, il y a en effet, cette nonchalance qui plane, ainsi que le volet garage et le rock lâché. Ce sont des groupes que nous apprécions beaucoup. La comparaison nous enchante.
Le nouvel album, « Human Flare », s'est construit autour du thème de l'humain et de ses relations aux autres. Peut-on y voir comme fil rouge, une discussion avec tes amis, des membres de la famille ou ton entourage ?
J'ai effectivement essayé de construire chaque morceau en mettant en exergue, non pas les humains en général, mais un humain en particulier. Ce n'était pas le postulat de départ, mais les choses se sont dessinées naturellement autour de cette thématique. Chacun des morceaux s'articule autour d'un dialogue avec un proche, un membre de ma famille ou encore un ami. L'idée était d'obtenir un instantané dans la vie de l'individu en imaginant le dialogue comme un retour dans le souvenir, une après-midi ou un événement particulier, par exemple.
C'est un LP positif, mais quelques compos lorgnent sur des sujets plus lourds comme la dépression. Je pense ici tout particulièrement à « Love Chameleon ». Une thématique aussi personnelle est-elle liée à un vécu ?
Oui, tout à fait ! Dans l'album, rien n'est inventé. J'aime l'idée de narrer des choses très personnelles. Ou encore de les transposer dans une autre situation. Je crois que ce sont les textes les plus personnels que j'ai écrits. Le disque est en substance très positif avec parfois une pointe de mélancolie qui est souvent perçue par l’auditeur lambda comme négative parce qu'elle renvoie à une forme de remémoration du passé. Si j’analyse la métaphore du coucher de soleil en fin d'été, certains y verront de la nostalgie, alors que perso je n'y distingue que du positif. L'album est à cette image. Si « Love Chameleon » aborde de la difficulté de s'en sortir, le refrain quant à lui reste optimiste. Ce dernier l'emporte sur le reste…
Chez Alaska Gold Rush, la corrélation entre musiques et images s’avère essentielle. Comment s'opère la mise en image d'une chanson ?
Nous avions le souhait de ‘clipper’ nous-mêmes. Chaque single est accompagné de sa vidéo. Je m'intéressais depuis un moment au cinéma et la prise de vue. Comme le texte, le clip raconte une histoire tantôt sociale, tantôt mélancolique et nostalgique. La vidéo suscite la réflexion soit en mettant en scène deux enfants ou encore, lorsqu’elle est décalée, communique un message.
AGR, c'est aussi une histoire de famille. Tes neveux, après avoir tourné dans « Dirty Road », jouent ici à la guerre dans la rivière tout au long d’« Arsonist ».
C'est exact ! Tu sais, lorsque nous n'aimons pas que les compos soient trop figées. Elles fluctuent. Tantôt, nous les ralentissons, tantôt, nous les accélérons. Nous pourrions jouer avec le clic, mais nous préférons ne pas utiliser cette formule. Il faut laisser la place à quelque chose de plus vivant. C'est pareil pour les images. On préfère du fait maison. On pourrait utiliser des drones et engager toute une équipe de post-production afin que les choses soient cadrées, mais cela ne nous intéresse pas. « Arsonist » aborde le thème de l'enfance avec mon meilleur ami. Il était donc nécessaire de pouvoir y faire participer des jeunes. Ce sont mes neveux qui s'y sont collés. Ils avaient déjà contribué à un de mes clips et étaient enchantés de réitérer l'opération. La vidéo a été tournée sur les lieux de mon enfance. Il s'agit de la maison de mes parents et du parking où j'allais jouer lorsque j'étais gamin. C'est à la fois personnel, humain, fragile et imparfait. Les clips étudiés ou léchés à outrance ne m’intéressent pas. Certains le font très bien et tant mieux pour eux.
Alexandre De Bueger est un des membres fondateurs de la formation. Il est remplacé aujourd'hui par Nicky Collaer. Il se dit que lorsqu'un musicien quitte un groupe, celui-ci perd une part de son âme...
Alex m'a annoncé qu'il souhaitait partir vivre à l'étranger. Le voyage devait se limiter à un aller simple. Après quelque temps, il est finalement revenu en Belgique. A l'époque, des concerts étaient programmés. J'ai donc dû lui trouver un remplaçant au pied levé en la personne de Nicky. Nous nous sommes découverts des atomes crochus très rapidement, tant au niveau musical que des relations humaines Nos influences sont différentes. Nos styles, aussi. Celui de Nicky a apporté un souffle nouveau et a contribué à explorer d’autres univers. J'ai d'ailleurs l'impression que la formation est récente alors qu'elle existe depuis quelques années déjà.
« OD on Sugar » aborde le thème de l'addiction. Mais contrairement à ce que l'on pourrait penser, cette addiction ne concerne ni le sucre ni les drogues, mais plutôt les discours édulcorés et bien-pensants. Pourquoi, selon toi, la censure et l’auto-censure, prennent-elles autant de place dans la société moderne ?
Je n'aborde pas la censure en tant que telle, mais plutôt d’un point de vue politique. La situation est identique en entreprise. Je m'explique. Pour faire passer une idée, quoi de mieux que de l'enrober. Cacher la vérité est bien plus aisé que de la montrer et ainsi pointer le côté négatif. Je ne suis pas convaincu qu'il y ait une forme de censure là-dessous. Ni même que la démarche soit nécessairement toujours consciente. Dans la société contemporaine, les faibles n'ont pas leur place, il faut donc rester fort quoiqu'il advienne. Lorsque j'ai écrit ce morceau, je suis parti de cette idée sous l'angle de la politique.
« Trampoline » traite du non-sens des bullshit jobs. Est-ce ce même genre de travail dont tu parles dans « The Window », un titre issu de ton projet solo Elvin Byrds ?
Oui, tout à fait. A ceci près que Trampoline survole plutôt le volet de la destruction et du non-sens du travail. Aujourd'hui, tout est devenu course à la réussite. Chacun œuvre pour soi, sans se soucier des autres. « The Window » reflète plutôt la conviction profonde qui fallait que je change d’air. Au travail, je ressentais le besoin de libérer mon esprit et d’envisager vivre autrement. Le jazz m'a permis de comprendre comment casser certains codes de la rythmique, ce qui a été libérateur dans ma manière de concevoir la musique. « The Window » traite de cette transition.
De fil en aiguille, j'ai découvert le free jazz. L'idée est que l'on puisse, à partir de codes établis, changer les choses, les bouger, parfois même les effacer. En conclusion, les deux morceaux sont complémentaires. Une même thématique, mais abordée sous un angle différent.
Tu bossais dans l'administratif, à la tête d'une petite équipe. Tu étais apprécié par les collègues et la Direction et pourtant tu as tout quitté. C'est une décision courageuse par les temps qui courent...
Quand j'ai décidé d’abandonner ce boulot et de ne me consacrer qu'à la musique, j'ai eu ce déclic par rapport au non-sens du travail que je réalisais. D'où cette décision ...
Tiens, à propos de ce projet solo, où en es-tu aujourd'hui ?
Comme je viens de te l'expliquer, j'ai plaqué ce travail parce que j'étais happé par la musique. Le projet solo est né dans la foulée. Un Ep est sorti fin 2021. J'ai préféré ensuite donner la priorité à Alaska. Effectivement, c'est un projet qui me tient à cœur parce que j'adore le folk et ses guitares acoustiques. Je me produis aussi devant un public différent. Les endroits où je joue en solo me permettent de discuter avec les gens. J'y interprète des compos personnelles, mais aussi des reprises de chants traditionnels folk américains, sans oublier, de musiciens que j'affectionne particulièrement. Si pour l'instant, cette aventure est mise entre parenthèses, je crois que je m'y consacrerai de nouveau dans quelques mois. La difficulté, c’est qu'il existe peu de scènes ‘folk’ en Belgique, surtout en Flandre d'ailleurs. C'est dommage parce que dans des pays comme le Canada, les Etats-Unis et dans une moindre mesure l’Allemagne et les Pays-Bas, il existe tout un réseau de salles qui sont parfaitement adaptées à ce format. Peut-être aussi que les artistes qui osent franchir le pas ne sont pas suffisamment nombreux. Sauf, peut-être les Canadiens et les Américains.
« Camouflage », paru en 2020, a permis de vous faire connaître en France. Est-il plus facile, pour un groupe wallon, de percer à l'étranger plutôt qu'en région flamande ?
Honnêtement, oui. Cette situation est navrante. En réalité, il s'agit d'un circuit tout à fait différent, un peu comme si tu te produisais dans un autre pays. Je crois qu’inversement, les difficultés sont les mêmes. Le Flamand aura du mal à réussir en Wallonie. Si on veut jouer en Flandre, on n’a pas d'autre choix que de dénicher un booker flamand, sinon cela risque de s'avérer compliqué. La presse, elle aussi, fonctionne avec des canaux distincts. Nous avons eu la chance de décrocher quelques dates dans le nord du pays. Les gens étaient relativement réceptifs à notre musique. D'une manière générale, le potentiel y est parce que les Flamands sont friands de musiques anglo-saxonnes. Beaucoup comprennent parfaitement l'anglais et apprécient les textes bien torchés. C'est ce qui fait sans doute notre succès là-bas. Le facteur rencontre y joue aussi pour beaucoup. Il faut avoir la chance de tomber sur la personne pour pouvoir tourner. Il s'agit d'un réseau à entretenir. Nous avons, par exemple, trouvé quelqu'un pour nous exporter en France. L’univers de la musique est difficile et il n'existe finalement que peu réponses face à toutes ces difficultés. J'en discutais encore avec notre attachée de presse flamande, il y a peu de temps. Elle rencontre des difficultés à trouver des partenaires dans la presse néerlandophone lorsqu'elle défend un groupe francophone. Les priorités sont différentes dans la promotion des artistes. Il ne s'agit pas de deux cultures distinctes, mais clairement les organisations culturelles ne sont pas identiques. Je reste convaincu que peu de Flamands regardent la RTBF. De même que les francophones bruxellois ou wallons n'iront pas s'aventurer sur la VRT.
Pour prendre le contre-pied de tes propos, j'ai été amené à interviewer Jasper Steverlinck, un artiste flamand alors que je suis francophone et que je m'y intéresse depuis toujours...
Tu sais, aujourd'hui, il y a une telle surcharge dans le domaine de la musique. Les artistes et les sorties d'albums se comptent à la pelle. Chaque presse se focalise sur sa priorité. S'il s'agit d'une presse flamande, elle va tout naturellement s'intéresser aux artistes flamands. Les artistes wallons ou bruxellois ne viendront qu'en seconde position. La presse francophone suivra exactement le même raisonnement. Ces manières de procéder rendent alors plus difficile le passage de la frontière linguistique pour un artiste…
Choisir à nouveau Gaethan Dehoux comme collaborateur te permet-il de fidéliser le son d'AGR ?
D'une certaine manière, oui. Je ne sais pas si nous coopérerons encore à l'avenir, parce qu'expérimenter un autre univers peut s'avérer intéressant. Pour l'album, l'accent a été placé aussi bien sur les mélodies que les prises de son. En concert, cependant, c'est plutôt l'énergie qui prime. Gaethan nous connaît parfaitement musicalement. Il est capable de prendre les bonnes décisions tant au niveau des arrangements que des prises de voix ou encore des intentions. En optant pour sa collaboration, nous étions certains de baigner dans une zone de confort avec en prime cette notion d'humain et de famille. Notions qui sont essentielles à nos yeux…
Photo : Alex Thomas
Après plus de 20 ans de carrière, Arsenal est devenu l’archétype du groupe festif et dansant. Ce qui explique, sans doute, pourquoi il est capable de remplir l’AB, six soirées sur une courte période, et pourquoi il est régulièrement invité lors de festivals majeurs (Werchter, Pukkelpop, Couleur Café, Rock Ternat, Lokerse feesten…), en Belgique.
Chaque album nous plonge au sein d’un univers différent et nous invite à traverser, tantôt le Brésil, le Japon, le Mali ou l’Afrique de l’Ouest, suivant les voyages opérés par les deux têtes pensantes, –en l’occurrence Hendrik Willemyns et John Roan– pour y puiser l’inspiration. Mêlant pop, hip hop et world music, et suivant les circonstances, électro, sa musique incite naturellement à la danse. Arsenal vient de publier un ‘best of’ sous la forme d’un double vinyle, mais son tirage est limité. Les supporting acts sont assurés par Tin Fingers et High Hi
Tin Fingers c’est le band de Felix Machtelinckx. Une formation anversoise dont les musicos se connaissent depuis les bancs de l’école. Elle pratique une dream pop vintage, catchy, mélancolique et terriblement efficace. Son premier elpee, « Groovebox Memories », est paru en juin 2021. Un nouvel opus devrait bientôt sortir… Après avoir gravé l’Ep « No Hero », en 2017, elle avait pris une pause et son leader s’était mis au service d’Arsenal pour écrire quelques chansons.
Le set s’ouvre à 19 heures, par « Adrenaline » (NDR : probablement une nouvelle compo) et à ce moment de la soirée, il n’y a pas grand-monde dans la salle. Outre Felix (NDR : il est vêtu d’une longue gabardine de couleur noire), préposé à la guitare et aux vocaux, le line up implique le guitariste Quinten De Cuyper, le drummer Marnix Van Soom et le bassiste Simen Wouters, ce dernier se chargeant également des backing vocaux. La voix de Machtelinckx est vraiment superbe. Son amplitude navigue à la croisée des chemins de celles d’Antony Hegarty, de Klaus Nomi, Blaudzun ou encore Thom Yorke. Elle peut se faire douce, mélodieuse ou grimper dans les aigus…
Setlist : « Adrenaline », « I’m Lost With Move », « Islandheade », « Boy Boy » », « Happy Family », « I Love The Countryside »
Etabli à Louvain, High Hi réunit la guitariste/chanteuse Anne-Sophie Ooghe, le batteur/chanteur Dieter Beerten et le bassiste Koen Weverbergh. Son dernier LP, « Return to dust » est paru en avril dernier, et le trio va nous en proposer de larges extraits.
Les harmonies vocales échangées entre Anne-Sophie et Dieter sont épatantes. La frappe du batteur est métronomique ; en outre, sa technique est impressionnante. Il dispose également d’un iPad, à sa droite. Vu le matos d’Arsenal, il n’y a guère d’espace pour déambuler sur le podium. Anne-Sophie tente quelques timides pas sur la scène qui s’avance dans la foule.
Oscillant entre shoegaze, new et cold wave, la musique du quatuor est manifestement influencée par les 80’s. Et tout particulièrement par U2 et Cure. Le concert s’achève par le single, Daggers » …
Setlist : « Due Date », « 94A9 », « Return To Dust », « Alligot », « Nu Nu », « All Cool All Fine », « Daggers ».
La salle est bondée lorsque le rideau se lève et le public découvre une forêt exotique luxuriante, tant en arrière-plan que sur les flancs. Un décor magique où on pourrait espérer que des oiseaux s’échappent. Ce ne sera pas le cas. Le line up du band accueille un nouveau venu, en l’occurrence le claviériste/ guitariste Lesley Troquet. Ce qui porte, circonstanciellement le nombre de guitaristes, à quatre ! Ils sont neuf musiciens sur les planches ! Léonie Ghysels se consacre toujours au chant et aux chœurs, épaulant ainsi les deux autres choristes, Judith Okon et Pauliene Mattheus. Installé à la droite du drummer, Dada Ravalison de Suarez se consacre aux djembés et percussions diverses.
Le set d’ouvre par l’excellent « Mr Doorman ». Le band entame ensuite un périple qui va nous conduire en Amazonie et tout particulièrement au Brésil ; un voyage dynamisé par une profusion de percus et de samples. Le public est de plus en plus chaud et sautille sur place. John et Léonie se trémoussent. A l’AB, Arsenal se sent comme à la maison. Il n’en oublie pas ses singles, « Amplify » mais également « In The Rush Of Shaking Shoulders ». John est partout à la fois : il danse, chante et se mêle aux chœurs. Et tout comme Léonie, il vient se mêler aux percus. Le groupe dépoussière son répertoire à l’aide de sonorités électro et de nombreuses percussions, à l’instar d’« Amelaka Motiga » ainsi que du magistral « Oyebo Soul ». « Temul (Lie Low) » est superbement interprété par une des deux choristes qui pour la circonstance, s’est postée sur l’avancée de scène. Le groupe s’autorise des morceaux moins connus comme « Rise & Fall », « Whale » ou l’atmosphérique « One Day At A Time ». Et « Saudade pt. 2 » nous rappelle que Hendrik et John ont également exploré l’Afrique de l’Ouest. Un titre parcouru de sonorités de guitares lancinantes. Felix monte sur l’estrade et interprète « Animal ». Léonie se dandine langoureusement pendant « Longee ». Et le concert de s’achever par Estupendo ». Avant qu’Arsenal n’accorde un rappel de quatre morceaux. Après avoir assisté à ce show, il ne fait aucun doute que le collectif est prêt à affronter les festivals d’été…
Setlist : « Mr. Doorman », « Amplify », « Amelaka Motinga », « Black Mountain (Beautiful Love) », « The Rise & Fall », « One Day at a Time », « Whale », « Either », « Temul (Lie Low) », « Saudade, Pt. 1 », « Saudade, Pt. 2 », « Eling Park », « Animal », « Sometimes », « Longee », « High Venus », « Estupendo ».
Rappel : « Fear of Heights », « The Coming », « Melvin », « Lotuk »
(Organisation : Live Nation)
Manifestement, les restrictions imposées dans l’univers des spectacles, par la pandémie, provoque aujourd’hui, chez le mélomane, une envie de retourner vivre des concerts en ‘live’. Après celui de Fletcher, on assiste, de nouveau, à la formation de files interminables, devant l’AB et ses rues adjacentes, pour celui de Dodie. Différence quand même, l’âge des spectateurs oscille entre 20 et 50 ans.
Dorothy Miranda Clark, aka Dodie, est née le 11 avril 1995. Originaire d'Epping, dans l’Essex, cette autrice-compositrice-interprète, autrice et vidéaste web s'est d'abord fait connaître grâce à ses vidéos de reprises de titres musicaux au piano et au ukulélé, avant de composer ses propres chansons.
Son dernier elpee, « Build a problem », est paru en 2021. C’est d’ailleurs dans le cadre d’une tournée destinée à promouvoir cet album, qu’elle se produit à Bruxelles, ce soir.
Sophie Dyson aka Sody assure le supporting act. C’est également une chanteuse et autrice-compositrice-interprète anglaise. Elle est née le 27 septembre 2000, à Londres Sur les réseaux sociaux, elle se présente comme suit : 'Being really honest is my thing' (Trad : Être vraiment honnête, c'est mon truc'). Un engagement qui se ressent dans l'écriture et l'interprétation de ses chansons, à la fois personnelles et empreintes d’une grande sensibilité.
Elle chante depuis l’âge de ses 10 ans, et après avoir participé à plusieurs concours, elle décroche un contrat chez Universal, en 2016. Pas d’albums à son actif, mais une trentaine de singles et/ou Eps.
Les cheveux blond platine, Sody est vêtue de noir. Une couleur qui lui va très bien, d’autant qu’elle est jolie. Sur les planches, elle est soutenue par un guitariste et un claviériste. Une TV led a été plantée au milieu du podium, et sur l’écran, on peut lire son nom en lettres capitales.
Elle entame son set par « Scary Part Of Me ». D’abord paisibles les ivoires finissent par s’emballer, dynamisés par l’intervention généreuse de beats électro. Surprenante, tantôt douce et chaleureuse ou alors mystérieuse, sa voix campe un hybride entre celles de Robyn, Gabrielle Aplin et Anne-Marie. Elle interprète une nouvelle compo, « Bedroom Ceiling » ; et elle est vraiment superbe. Dodie va d’ailleurs nous réserver l’un ou l’autre morceau en primeur, à l’instar de « Charlotte ». Elle se dirige vers les claviers avant d’attaquer « Hold It All Together », mais rencontre un petit problème de pied de micro qui se barre. Elle en rigole. D’ailleurs le souci technique est rapidement résolu. Elle semble ravie d’être sur scène. Classieuse, sa pop fait mouche. Et quand elle se limite au piano/voix, ses chansons deviennent magiques. « Maybe It Was Me » est légèrement teinté électro.
D’une durée de 40’, ce set s’achève par « Bitch (I Said It) », un morceau caractérisé par une intervention à la guitare particulièrement élégante. Une star en devenir ! Amazing show !!!
Setlist : « Scary Part Of Me », « Bedroom Ceiling », « Hold It All Together », « Charlotte », « Maybe It Was Me », « Butterfly », « Star Potential » (unreleased song), « What We Had », « Bitch (I Said It) ».
A 21h00 pétantes, les baffles crachent une musique préenregistrée. Le rideau s’ouvre, et on découvre, sur le podium, une estrade qui s’étale sur toute la longueur de la scène et sur laquelle ont pris place un drummer et deux claviéristes, une féminine qui se consacre également à la guitare (parfois les pecus, sur une caisse claire) et un masculin, à la basse. Sans oublier la violoncelliste et la violoniste.
Habillée d’une robe blanche à froufrous et d’un body blanc un peu trop court, Dodie joue d’une multitude d’instruments : guitare semi-acoustique, clarinette, claviers, percussions, ukulélé ou mandoline. Mais c’est surtout le duo violoncelle/violon qui apporte une dimension majestueuse aux compos, même si le falsetto mélodieux de Dorothy est susceptible de vous flanquer des frissons partout. Quant aux deux claviéristes, ils n’hésitent pas à s’affronter, à l’aide de leurs grattes, en duel, en front de scène.
Très présente sur les planches, la Britannique se révèle également particulièrement interactive. Deux spectateurs fêtent leur anniversaire, ce soir. Aussi elle leur souhaite joyeux, en s’accompagnant aux ivoires. Et elle a la gentillesse de dédicacer un ukulélé que l’un d’entre eux lui présente. En outre, entre chaque chanson, l’artiste discute et plaisante avec son public. Elle est vraiment sympa. Autant que Lisa Hannigham, que votre serviteur a toujours portée haut dans son cœur.
Si la setlist réunit de nombreuses chansons romantiques, la fin de parcours est nettement plus engagée. Ainsi, dans « Rainbow », elle évoque les luttes auxquelles sont confrontées les personnes qui tout comme elle, s'identifient à la communauté LGBTQ+. Cette chanson représente pour Dodie une redéfinition de sa bisexualité par rapport à l'époque où elle l’a déclaré publiquement, en 2017, à travers la vidéo « I'm bisexual - a coming out song ».
Et dans le même esprit, elle clôt son set par « She », une chanson qui explore le thème de la bisexualité.
Généreuse, Dodie va encore nous accorder six titres lors du rappel.
Un concert empreint d’émotion et chargé de sensibilité…
Setlist : « Air So Sweet », « Cool Girl », « I Kissed Someone (It Wasn’t You) », « Guilltless », « Human », « Special Girl », « Bad Song Mashup », « Sick of Losing Soulmates », « Non identifié », « Four Tequilas Down », « Non identifié », « Sorry », « When », « Before The Line », « Rainbow », « She ».
Rappel : « If I'm Being Honest », « Boys Like You », « Monster », « In The Middle », « Hate Myself », « Would You Be So Kind ? ».
(Organisation : Greenhouse Talent)
Fondé en 2015, à Bologne, Savana Funk est né de la rencontre entre l’Italien Aldo Betto (guitare), l’Anglais Blake C.S Franchetto (basse) et le Marocain Youssef Ait Bouazza (drums). Ils décident alors de développer un style original, en agrégeant musique touarègue, funk, blues, rock, psychédélisme et jazz. Mais il faut attendre 2018, pour qu’ils optent officiellement pour le patronyme Savana Funk.
« Tindouf » constitue son second LP. En empruntant le nom de cette ville algérienne située ne plein désert qui accueille un vaste camp de réfugiés, le band a voulu rendre hommage à toutes les victimes de l’immigration.
Sur ce nouvel opus, le trio a reçu le concours de quelques invités. Aux claviers, Nicola Peruch donne de l’épaisseur au son. Elena Majoni au violon et Gianluca Petrella au violon apportent également leur collaboration. Tout au long des huit plages ce long playing, Savana Funk parvient à créer un lien entre les différentes cultures, tout en démontrant la richesse du métissage…
Cet album alterne morceaux énergiques et caoutchouteux (« Fuga da Gorée », « Il ghepardo ») et pistes atmosphériques (« Afromoon », « Kiki »). Pas de longs exercices expérimentaux cependant, Savana Funk ayant plutôt choisi de nous séduire à l’aide de son expression sonore fouillée mais toujours accessible…
Sur son nouvel opus, « Tambour Vision », Bertrand Belin a décidé de se débarrasser des instruments acoustiques pour privilégier l’électronique.
Un tournant qu’il avait amorcé sur son elpee « Parcs ». Et plus de doute, il confirme cette orientation.
Première constatation, si l’aspect minimaliste des compos devrait plaire à certains, il risque fort de déplaire à d’autres.
L’artiste nous plonge au sein d’un laboratoire de sons et de mots. Mais si l’idée est excellente, il y manque parfois une certaine musicalité.
Son désir de s’aventurer dans l’électro-pop où le son prime, au détriment de la chanson française, laisse un peu perplexe.
Le texte est relégué au second plan et laisse la place aux sons des mots et de la musique. Alimentée par des synthétiseurs, cette pop a effectivement, pour vocation première, de céder à la consommation. Or, ce n’est pas le cas, car ici, la musique reste peu accessible pour le grand public. On a l’impression qu’il est le cul entre deux chaises, pour reprendre ses termes. Ou simplement qu’il ne calcule pas et fait sa popote, ses recherches musicales et sa collection de mots. Une question de goût.
On assiste à une performance de répétitions et de jeux de mots, plus parlés que chantés.
Certaines histoires sont encore relatées, comme dans le titre « Que dalle tout », chroniqué dans ces colonnes (à lire ou relire là)
mais il faut davantage extrapoler, à l’instar de « Pipe », par exemple. Là, on entre plutôt dans un registre d’impressions.
Sa démarche de recherche reste cependant intéressante car le propre de l’artiste n’est-il pas d’explorer de nouvelles terres artistiques quitte à perdre une partie d’auditeurs pour en gagner d’autres ? Les vrais fans, eux, comme nous, affronteront le challenge avec lui.
En concert :
16.11.22 - Sceaux - Théâtre Les Gémeaux
Digne représentant du J-Pop/Rock, le quatuor féminin japonais CHAI nous propose son troisième elpee, « Wink ». Militant depuis sa base arrière de Nagoya, il a suscité l’intérêt de Sub Pop (NDR : et c’est étonnant !), célèbre label issu de Seattle, après avoir accompagné, entre autres Gorillaz, sur le correct « Strange Timez ». Un opus qui tire un peu dans toutes les directions, se frottant tantôt à la pop bubblegum (l’irrésistible « ACTION ») ou puisant ses influences dans le hip-hop ou le r’n’b (« Maybe Chocolate Chips » qui bénéficie du concours du rappeur chicagoan Ric Wilson, mais encore « Nobody Knows We Are Fun »). Toujours engagées, les musiciennes de CHAI soutiennent également le mouvement ‘Black Lives Matter’, à travers cet excellent « ACTION ». Sous la houlette des producteurs Mndsgn et YMCK, la formation nous réserve un album hyper sucré mais qui se signale par un certain esprit punk… Mac deMarco valide en tout cas !
Ralph of London, c’est le groupe de Ralph Phillips, un auteur-compositeur, multi-instrumentiste et producteur, né à Hackney, en Angleterre. Avant de fonder cette formation, il a développé de multiples projets musicaux, artistiques et cinématographiques et a également assuré le rôle de musicien de tournée. Drummer, il a sévi chez Scritti Politti de 2006 à 2008 et milite au sein du band de l’ex-Felt Lawrence Hayward, Go-Kart Mozart, depuis 2011.
Ce Britannique a recruté ses musicos dans le Nord de la Fance, parmi lesquels on épinglera Diane Verspeeten qui partage les parties vocales avec lui. La voix de Ralph évoque étrangement celle de Green Gartside… le leader de Scritti Politti. Et lorsque les deux artistes les conjuguent en harmonie, on ne peut s’empêcher de penser à Chumbawamba (« White bred blues »). Naviguant à la croisée des chemins de la britpop, du folk et de la world, à cause des accès de polyrythmie africaine, de la new wave et de la synth pop, les 5 titres de cet Ep tiennent parfaitement la route ; des chansons élégantes, rafraîchissantes, auxquelles il manque sans doute quelques éclats de guitare pour les rendre incontournables. Mais ce n’est peut-être aussi qu’une question de goût…
Soirée de clôture pour l’édition 2022 des Nuits du Bota. Alors que DIIV se produit sous le chapiteau, un autre concert focalise l’attention d’un public branché indé/rock : celui de Wet Leg. Ce groupe s’était illustré fin 2021, lors de la sortie de ses deux premiers singles, vus des millions de fois sur les plateformes de streaming. Et aussi en décrochant cinq nominations aux NME Awards 2022, avant la sortie d’un premier elpee en avril dernier. Mais on peut déjà vous l’annoncer : le concert ne sera pas vraiment à la hauteur de ce buzz !
Heureusement les premières parties sont souvent le théâtre de bonnes surprises. Le Grand Salon (NDLR : baptisé le Musée le reste de l’année) est déjà bien rempli lorsque les locaux Ada Oda grimpent sur l’estrade. Et ses fans sont enthousiastes. Dans le public, juste à côté de votre serviteur, s’est glissé un vieil homme très élégant : Frédéric François. En fait, il s’agit du père de Victoria Barracato, la chanteuse du groupe. Elle accompagnait déjà son papa en duo dans certaines émissions de variété, il y a une bonne dizaine d’années. Heureusement, la musique proposée par le band, ce soir, sera résolument rock, teintée d’une petite touche de surf. Et pour en être persuadés, les membres du combo ont choisi des accoutrements estivaux mais bien punks…
Victoria est épaulée par des musicos expérimentés, dont le bassiste Marc Pirard ainsi que les guitaristes Alex De Bueger et Aurélien Gainetdinoff.
L’aspect binaire, limite schizophrène des compos et les paroles exclusivement chantées en italien constituent l’originalité de sa musique. Et parfois, elle nous fait penser à une variété un peu kitsch dispensée dans les shows télévisés en Italie. Les trente petites minutes du set sont toutefois bien remplies, les gratteurs s’autorisant des envolées de guitare rock garage, alors que la prima donna va manifester un dynamisme auquel on ne s’attendait pas…
Passons à univers diamétralement différent. En l’occurrence, celui des Américains Water From Your Eyes. Si à l’origine, la musique de ce duo baignait dans l’électro-pop, depuis la sortie de son cinquième opus, « Structure », elle a adopté un style indistinct, voguant quelque part entre rock, post-punk et synth-pop. De petite taille, la chanteuse semble effacée, alanguie, sa voix est même censée accentuer cette impression. Cependant, son air de ne pas y toucher intrigue et lui confère une certaine forme de charme. Entre ironie et introspection, elle parvient même à nous entraîner au cœur de son monde. Déroutante, la musique Water From Your Eyes est alimentée par des riffs de guitares hypnotiques et contagieux. Difficile de croire que le combo est issu de Brooklyn, comme Big Thief ou A Place To Bury Strangers. En outre, l’énergie libérée en ‘live’ donne envie de suivre attentivement l’aventure de cette formation.
La salle est bondée lorsque Wet Leg débarque. Il est 22 heures. On dénombre, quand même, pas mal de jeunes (sans tickets) à l’extérieur du Grand Salon, aussi. Pas étonnant, quand on sait que le site Ticketswap recensait plus de 500 demandes pour aucune offre. Dans la fosse, on croise de nombreux journalistes, sans doute à l’affût des mouvements opérés par cette nouvelle sensation anglaise. Produit par Dan Carey (NDR : déjà au service de Fontaines DC, Black Midi ou encore Squid) le premier elpee (NDR : un éponyme !), fraîchement sorti, laissait augurer une bonne soirée. Les deux natives de l’île de Wight, Rhian Teasdale et Hester Chambers, occupent bien le devant de la scène en début de set, chacune dans son style, comme sur « Wet Dream ». Caractérisé par une ligne de basse omniprésente, ce titre nous replonge dans l’univers des sœurs Deal (The Breeders), à moins que ce ne soit celui de Kristin Hersh voire, et la référence plus récente, de Karen O des Yeah Yeah Yeahs.
« Pieces of shit » et « Ur Mum » sont peuplés de gros mots. Parce qu’émargeant à la girl power, le band assume son féminisme, tant sur les planches que dans les lyrics.
Mais les morceaux qui s’enchaînent finissent par se ressembler, tellement ils souffrent d’un manque de relief. Et puis les deux frontwomen ne débordent vraiment pas d’enthousiasme, snobant tout dialogue avec le public. Même le (déjà) méga-tube « Chaise longue » sera rapidement expédié clôturant, au bout de 50 minutes, un set sans grande saveur.
Il n’y aura pas de rappel, malgré l’insistance de l’auditoire.
Paris-Match n’hésitait pourtant pas, dès le lendemain, à situer la performance parmi ‘les 5 concerts qui auraient enflammé les Nuits Botanique’ (sic).
Alors Wet Leg, plutôt un pétard mouillé ou un coup d’épée dans l’eau ? A vous de choisir !
Setlist Wet Leg : ‘Being in Love”, “Wet Dream”, “Supermarket”, “Piece of Shit”, ”Primo Skin”, “Too Late Now”, “Obvious”, “Oh No”, “I Don't Wanna Go Out”, ”I Want to Be Abducted”, ”Ur Mum”, ”Angelica”, ”Chaise Longue“
(Organisation : Les Nuits Botanique)
WET LEG - WATER FROM YOUR EYES - ADA ODA
Voir aussi notre section photos ici
« How to burn », c’est le titre du nouvel elpee de The Afghan Whigs, dont la sortie est prévue pour le 9 septembre 2022. Il s’agira de son 9ème opus.
La pandémie mondiale a contraint les musicos à bosser séparément et dans des lieux différents : Greg Dulli, son coproducteur Christopher Thorn et le batteur Patrick Keeler se sont retrouvés en Californie ; le bassiste John Curley, le guitariste Jon Skibic et le cordiste Rick Nelson ont enregistré leurs propres parties à Cincinnati, dans le New Jersey et à la Nouvelle-Orléans, respectivement.
Pour ses seconds rôles, Dulli a fait appel à plusieurs collaborateurs de longue date, dont le regretté Mark Lanegan, qui était un habitué des Twilight Singers de Dulli, un partenaire des Gutter Twins et un ami proche. Lanegan assure le rôle de choriste sur deux titres. Susan Marshall, Van Hunt et Marcy Mays ont également apporté leur collaboration à l’album.
Le clip du single « The Getaway » est à voir et écouter là
The Waeve, c’est un projet réunissant Graham Coxon et Rose Elinor Dougall. Il vient de sortir un premier titre autoproduit « Something Pretty » ; et il est en écoute ici
Graham Coxon, auteur-compositeur, guitariste et chanteur emblématique du groupe Blur, ainsi que créateur de bandes originales et Rose Elinor Dougal, artiste solo, collaboratrice de Mark Ronson et fondatrice de The Pipettes, se sont lancés dans des explorations timides de l'écriture de chansons. Très vite, elles ont donné naissance à un univers sonore inattendu. S'inspirant initialement d'un amour partagé pour la musique folklorique anglaise, les contes et les paysages de l’Albion, les collaborateurs ont pris confiance pour s'aventurer dans des eaux inconnues. La musique a été composée en lui communiquant une forme cinématographique. The WAEVE est la rencontre de deux musiciens au bord du gouffre, les thèmes de l'oubli et de la capitulation sont juxtaposés à des suggestions d'espoir et de lumière. Dans un contexte mondial brutal d'apocalypse et de désespoir imminents, Coxon et Dougall se sont efforcés de se libérer en faisant de la musique avec un optimisme aveugle et provocateur.
En travaillant ensemble, le duo a formé une nouvelle identité sonore singulière.
« Horsepower For The Streets », le cinquième elpee de Jonathan Jeremiah sortira ce 9 septembre 2022. En attendant, il nous propose son nouveau single, consacré au tire maître, et il est disponible sous forme de clip, là
Cette nouvelle chanson est sans doute l'essence même de la production musicale de Jonathan. Sa voix vibrante et soul et ses paroles profondes, rencontrent une section rythmique groovy et des cordes bien arrangées qui rappellent les productions iconiques de Lalo Schifrin, Michael Kiwanuka et Terry Callier.
Une grande partie du nouvel opus a été écrite à Saint-Pierre-De-Côle, dans la campagne au-delà de Bordeaux, pendant les pauses de la première tournée de Jeremiah en France, avant que l'album ne soit enregistré dans une église monumentale rénovée à Amsterdam, avec l'Amsterdam Sinfonietta, un orchestre à cordes de 20 musiciens.
En concert
18/09/2022 - Trix, Anvers
Responsable d’un cocktail entre punk-funk, electronica popping, rock psychédélique, post-punk et rock garage, The Lounge Society sortira son nouvel album, « Tired of liberty », ce 26 août 2022. Un disque qui fera suite à « Silk for the starving », un Ep, paru en 2021.
Les sessions du nouvel opus se sont déroulées au sein du studio de Dan Carey de Speedy Wunderground (Fontaines D.C., Kae Tempest, Wet Leg).
En attendant, il nous propose son nouveau single, « Blood money », sous la forme d’une vidéo ; et elle est disponible là
Ce morceau stigmatise la force corruptrice du pouvoir. Le groupe a d’ailleurs précisé, à ce sujet : ‘« Blood Money » est une réaction à la culture de la cupidité qui s'infiltre dans les couloirs du pouvoir à travers le monde. C'est un rappel qu'en fin de compte, nous souffrons tous aux mains d'élites intéressées, et c'est notre point de vue personnel sur les effets de la politique sale sur notre vie quotidienne et celle des gens que nous connaissons.’
The Lounge Society se produira dans le cadre du festival Everything UK à Gand, ce 20 mai.
Paolo Nutini sortira son nouvel album, "Last Night In The Bittersweet", le 1er juillet 2022. Ce sera sa première sortie originale depuis 2014.
"Last Night In The Bittersweet" est un véritable périple de 70 minutes au cours de laquelle il navigue entre le rock classique, le post-punk et le krautrock.
Les rythmes Motorik insistants de "Lose It" rappellent les groupes allemands du début des années 70, tels que Can et Neu, tandis que "Through The Echoes" se pose en futur classique intemporel dans la lignée de Ben E. King et Otis Redding.
L'album a été produit par Paolo, Dani Castelar et Gavin Fitzjohn.
Pour écouter "Through The Echoes", c’est ici et "Lose It" là
Dario Mars, le groupe de Renaud Mayeur, est de retour. En 2017, Renaud avait accordé une interview à Musiczine (à lire ou relire ici
). Renaud a beaucoup composé pour le cinéma. Ce qui a fortement influencé le nouvel album, qui est devenu au fil du temps un disque concept qui prolongerait /fusionnerait les univers de Morricone, François de Roubaix et Melody Nelson.
Le projet est ambitieux, élaboré longuement. Un gros travail a été opéré sur les arrangements de cordes. Faut dire que le groupe a eu la chance de travailler avec une partie de l'orchestre philharmonique de Liège.
Un album arrive à la rentrée, Jean-Jacques Burnel des Stranglers a chanté sur un titre, en français.
Son premier single, « Trust Me », est en écoute là
« Hell Stairs », le prochain Ep de CDSM, est à la fois glamour et sombre, chic et délabré, exaltant et écrasant. C'est l'hédonisme qui tinte dans votre verre, le changement qui fait vibrer le creux de votre poitrine. Bien sûr, c'est un mélange de post-punk, de darkwave et de no wave, mais c'est surtout une invitation à danser pour oublier la douleur, sous la forme de complaintes croonesques, de synthés grondants, de riffs de saxophone tourbillonnants et de cadences serrées. Vous avez maintenant la parfaite bande son clair-obscur pour une nuit au casino noir local. Vous êtes le bienvenu.
Si vous appréciez Viagra Boys, The Voidz, MGMT, Warmduscher, Fat White Family et Gorillaz, le contenu de ce premier Ep de la jeune pousse d'Atlanta devrait vous plaire.
Issu de cet Ep, « Concrete » est disponible sous forme de clip là
Le second elpee du band finistérien, Baston, paraîtra ce 13 mai 2022. Il fait suite à « Primates », sorti à la fin de l’année 2019.
Intitulé « La martyre », ce nouvel album est découpé en huit pistes qui font tous exclusivement référence à des boîtes de nuit du nord Finistère.
Bien loin de ses débuts garage pop ensoleillés en 2013, Baston continue de creuser le sillon d’une musique froide, hypnotique et lancinante, où les claviers viennent prendre de plus en plus de place, de la composition au mix.
Influencée par Cold Pumas, Drame et Beak>, la musique de Baston slalome habilement entre psychédélisme allemand, post-punk anglais actuel et new wave.
« Flash », le single, est disponible ici
Issu d’Omaha, l’auteur-compositeur-interprète Simon Joyner a récemment fêté ses cinquante ans. Ce songwriter américain enregistre depuis 1990. Et son nouvel elpee, « Songs From A Stolen Guitar » paraîtra ce 20 mai 2022.
Les chansons de Joyner, produites de manière plus méticuleuse et peut-être plus intentionnelle que sur ses précédents albums, sont d'autant plus claires, mettant en avant ses jeux de mots éblouissants et sa clairvoyance.
« Songs From A Stolen Guitar » a été enregistré dans plusieurs villes différentes. Joyner a enregistré sa voix et sa guitare à Omaha, le bassiste Wil Hendrix a ajouté ses lignes chez lui à San Francisco, Michael Krassner a enregistré ses parties de guitare et de piano chez lui à Phoenix, et le batteur/percussionniste Ryan Jewell a enregistré dans le Colorado. Cette chaîne musicale est ensuite revenue à Omaha où David Nance (guitares et chœurs), Ben Brodin (orgue et vibraphone) et Megan Siebe (alto et chœurs) ont fait des overdubs, ajoutant ainsi leurs contributions respectives.
Le clip de « Tekamah », compo qui figurera sur cet opus est disponible là
En concert :
14.05.2022 - Annecy, Le Brise Glace
15.05.2022 - Lyon, Le Sonic
16.05.2022 - Rouen, Le 106
17.05.2022 - Lille, Cafe Bulle
paraîtra ce 26 août 2022. En attendant, elle nous propose son nouveau clip « Forever In Sunset », réalisé par Noel Paul, ici
. Dans le monde de « All of Us Flames », la fin de l'empire capitaliste patriarcal semble à la fois imminente et inévitable, déterminant un tournant vers un chemin que nous ne pouvons pas encore voir mais que nous ne pouvons pas non plus éviter.
A propos de « Forever in sunset », Ezra a déclaré : ‘Parfois, on a l'impression que les crises frappent de plus en plus la population générale. Ils pensent que c'est la fin du monde. Mais les gens qui ont traversé une ou deux apocalypses personnelles ont quelque chose à leur apprendre. Le monde ne s'arrête pas, des merdes arrivent et si nous ne mourons pas, nous devons prendre soin les uns des autres’.
Basé à Anvers et Hambourg, le duo dream-pop The Day sortira le 16 mai 2022 la vidéo lyrique de son récent single "June". Et il est à découvrir là
"'June' est une véritable chanson de passage à l'âge adulte. Elle parle d'une amitié profonde qui s'est en quelque sorte perdue sur le chemin de l'âge adulte. Les paroles parlent de l'insouciance des adolescents, des frontières floues entre l'amitié et l'amour, de la vie dans l'instant. En même temps, des craintes et des inquiétudes apparaissent, à propos de son propre avenir, du monde lui-même. Plus on vieillit, plus elles prennent de la place et relèguent l'amitié au second plan jusqu'à ce qu'elle finisse par disparaître complètement.
Après l'amer "Empty", paru l’automne dernier, ce titre est déjà le deuxième aperçu du nouvel album de The Day, qui paraîtra à la fin de 2022.
SYML, c’est le projet de Brian Fennell. Producteur, programmeur, ingénieur, guitariste, percussionniste et pianiste de formation classique autodidacte, il milite également au sein du groupe indé Barcelona. Son second album solo réalisé en studio paraîtra en janvier 2023, un disque qui fera suite à un éponyme, sorti en 2019. Brian a passé les six derniers mois en studio, travaillant sur son deuxième opus. En février, il a publié "Sweet Home" et nous revient aujourd’hui avec un nouveau single intitulé "You and I", enregistré avec Charlotte Lawrence. Et ce titre est en écoute là
Claude Gueuille est un projet indie-pop qui se décline en wallon. Et il nous propose son premier single, "Coumère".
Ce projet veut, selon l'artiste, présenter le wallon comme une langue à part entière, en faisant oublier le côté ‘baraki’ qui lui colle à la peau chez les moins de 30 ans. Après tout, qui comprend les paroles de Sigur Ros, se demande-t-il ? Et de de jeunes groupes bretons, irlandais et catalans sont tous fiers de chanter dans leur langue ; alors pourquoi ne pas faire de la pop en wallon !. Il ajoute : ‘Je voudrais un peu faire oublier ce côté chansonnier comique qui colle à la peau de la chanson wallonne depuis des années, et qui n'attire finalement plus qu'un public de ‘vieux’’
Prêts à laisser vos préjugés au vestiaire ? Alors cliquez ici pour découvrir le clip de "Coumère"
"Variations", le nouvel album de Mermonte, sortira le 20 septembre 2022 !
Près de quatre années se sont écoulées depuis la sortie de son dernier opus, « Mouvements ».
Le band voulait l’enregistrer dans les meilleures conditions pour permettre à sa musique d’évoluer. Il a imaginé des morceaux plus sombres et moins acoustiques. Il a donc choisi le studio Garage Hermétique, son matériel (consoles, synthétiseurs), mais aussi les personnes qui le dirigent, en l’occurrence Nicolas Moreau et Pierre Legac. Les musicos y sont restés dix jours pour enregistrer de nouveaux morceaux dans ce lieu où tout était possible. En ressortent dix titres, qui composent ce disque, “Variations”.
Le teaser de l’album est disponible là
Le festival Inc’ Rock se déroule au cœur d’un lieu champêtre, situé juste derrière le magnifique site des carrières d’Opprebais, dans le Brabant Wallon. Les deux premières journées sont consacrées à la musique urbaine et la troisième, à laquelle votre serviteur assiste, s’adresse surtout au grand public. Elle attire d’ailleurs les familles ; depuis les enfants en bas âge jusqu’aux grand parents…
Deux podiums sont séparés chacun de 100 mètres de distance. Le timing est scrupuleusement respecté. Le soleil tape dur et il fait déjà très chaud lorsque Juicy grimpe sur l’estrade. Soit à 13h30. En fait, les filles auraient dû se produire bien plus tard…
Habituées du festival, Julie Rens et Sasha Vonk sont un peu considérées comme les geishas du r&b. Elles vont nous livrer de larges extraits de leur dernier opus, « Mobile », paru en mars dernier.
Le set d’ouvre par le r&b déjanté « Call Me » Les filles sont plantées derrière leurs claviers et Julie dispose de percussions au pied et de cymbales. Elles ont revêtu les mêmes costumes que lors de la présentation du dernier elpee, à l’AB, soit une combinaison en latex de couleur noire constituée d’un pantalon et d’une veste aux larges épaules, bardée probablement de crin de cheval (NDR : ces ensembles ont été confectionnés par Catherine Somers). Il n’y a pas grand monde dans la plaine, mais au fil de show, le public va devenir de plus en plus nombreux. « Late Night » se distingue par les superbes harmonies vocales conjuguées par les deux artistes. Les bonobos du clip n’ont pas été invités pour « Treffles ». Contemporaine, dynamique et plaisante, la musique de Juicy est dominée par les ivoires. Ce qui n’empêche pas la setlist de receler des morceaux plus rock et même rap. Baignant au sein d’une fusion entre jazz et lounge, « Youth » clôt le show…
Setlist : « Call Me », « Late Night », « Treffles », « Seed And Ride », « Bug In », « Truth », « Haunter », « Count Our Fingers Twice », « Common Future », « Youth ».
Un grand espace est réservé aux enfants. Y sont implantés des châteaux et des structures gonflables. Et puis, sur la petite scène, des spectacles sont proposés dans l’esprit des Déménageurs de Perry Rose. Monsieur Nicolas est à l’affiche. Le chanteur/guitariste en a créé un spécialement pour les petites têtes blondes, lors du confinement. Sur les planches, il est accompagné d’un bassiste/percussionniste. Rien de tel que ce type de concert pour éveiller ce jeune public à la musique, et tout particulièrement au rock, folk, et autres musiques contemporaines…
Saule est de retour. Il se produira sur la grande scène. Le géant montois est soutenu par le claviériste Xavier ‘O’ (Grandgeorge, Mister Cover, etc.), son fidèle bassiste et un batteur, barbu, casquette vissée sur le crâne. Baptiste assure le chant et la guitare semi-acoustique. Il va nous proposer des extraits de « Dare-Dare », son dernier elpee paru en 2021, un album consacré à la chanson française ; mais également des titres plus rock, comme une cover très électrique de « Dusty Men », et puis, en finale, une version instrumentale de deux morceaux enchaînés : le « Smells Like Teen Spirit » de Nirvana et « Insomnia » de Faithless. Il va même opérer un détour par le reggae et le folk.
Interactif, il s’autorise inévitablement un bain de foule, lors d’un concert qu’on pourrait qualifier de bordel organisé. Car, si sur les planches, il aime amuser la galerie, dans la langue de Voltaire, ses textes véhiculent des messages qui touchent les gens, qui leur parlent… Et à l’issue du spectacle, on pouvait voir le bonheur se lire sur les visages et dans les yeux des spectateurs…
Place ensuite à Coline et Toitoine. Ils se consacrent aux claviers. Elle se réserve le chant, les guitares et l’ukulélé ; et lui l’Ipad et autres machines.
Le falsetto de Coline est parfois très haut perché. Elle pourrait d’ailleurs postuler au Théâtre de La Monnaie. Lors des morceaux le plus dansants, Antoine injecte des beats vitaminés dans l’expression sonore. Le répertoire est interprété tour à tour dans la langue de Shakespeare ou de Molière. Le frère de Coline grimpe sur l’estrade afin de rapper et de slammer en compagnie du duo.
La paire nous réserve plusieurs morceaux issus de l’Ep « Soma », dont un punchy « OAEOA ». Des morceaux électro bien dans l’air du temps, rafraîchissants mais au sens mélodique préservé. Le duo n’en oublie pas son dernier single, « La Salle Aux lumières », une chanson intimiste, au cours de laquelle Coline dévoile l’histoire de sa première relation amoureuse avec une fille et décrit les différents états d’âme par lesquels elle est passée…
Ykons est une formation liégeoise considérée comme les Imagine Dragons belges. Outre cette source d’inspiration majeure, le band est également influencé par Coldplay et Snow Patrol. Pas étonnant que sa musique navigue dans la britpop. Les mélodies sont accrocheuses et l’instrumentation est impeccable. « Red Lights », « Time » et « Sequoia Tree » se révèlent particulièrement entraînants. A propose de Sequoia, c’est également une bière spéciale, conçue par des brasseurs et des musiciens d’Ykons. Une petite question, quand même : où la déguste-t-on cette Sequoia ?
Skarbone 14 est un collectif tournaisien qui pratique une forme de ska teinté de reggae et de punk. Le line up implique deux cuivres (trompette, trombone à coulisses). Ils sont 8 sur le podium, dont un vocaliste qui s’exprime dans la langue de Voltaire. La section rythmique est à la fois solide et efficace. Et la guitare s’enflamme circonstanciellement.
Le band nous entraîne vers les plages de Kingston où le sable est brûlant ; d’ailleurs les musicos se produisent, pour la plupart, pieds nus. « Pierre Richard » est du voyage. « Le Souffle D’un Sifflet » réchauffe l’ambiance festive. Les textes de « Le bagne des Nuisettes » et « Anonymousse » sont des morceaux à prendre au second degré, mais ils incitent la foule à danser, sans aucune prise de tête. « Moscow » égratigne Poutine. Le soleil tape, la bière coule à flots et les Tournaisiens transforment la fosse en immense dancefloor. Kiff assuré !
Wejdene, c’est la nouvelle icône du r’n’b français. Crinière au vent, sexy, habillée d’un short ainsi que d’un body noir moulant et chaussée de hautes bottes noires, elle attire un public d’ados. Et elle va en ramener des aficionados de cette tranche d’âge. Faut dire qu’elle n’a que 18 ans printemps.
Sa notoriété, elle l’a acquise grâce à ses mixtapes postées sur les réseaux sociaux. Sur les planches, elle est accompagnée par deux danseuses légèrement vêtues, mais également un drummer et un claviériste, alors qu’un molosse veille au grain à droite. De grande taille, musclé, il ressemble à Michael Jordan. Et il scrute l’horizon afin que personne n’essaie d’enlever les donzelles. Les jeunes filles pré-pubères sont à la fête ainsi que les petites têtes blondes, souvent perchées sur les épaules des parents voire des grands-parents. Pas trop la tasse de thé de votre serviteur ; il est donc préférable de s’éclipser…
Il y a du peuple devant le petit podium pour accueillir Dj Daddy K.. Si, si, souvenez-vous, c’est lui qui était associé à Benny B. pour interpréter le mégatube « Mais vous êtes fous ». Et Dj Daddy K. va rapidement mettre le feu dans la foule en diffusant une sélection de titres issus des 80’s et des 90’s… Heureusement, les pompiers ne sont pas loin. La police également. Tout le monde danse à l’écoute son mix entre hip hop et r’n’b. Connu à travers le monde, le Dj connaît son job et est reconnu mondialement. Particulièrement interactif, n’hésitant pas à reprendre les paroles de certaines chansons, au micro, le mec a littéralement retourné la plaine…
Kendji Girac clôt la dernière journée du festival. D’origine manouche, il est né à Périgueux, dans le Périgord. Bien qu’âgé de 25 ans, il est déjà considéré comme une star. Tout de blanc vêtu, il est armé d’une guitare de la même couleur. Il chante, tour à tour en français ou en catalan, ses nombreux tubes. Il est épaulé par un second guitariste, dont les interventions sentent bon Django, les Gipsy King et les Saintes-Maries-De-La-Mer. Il a également eu une petite pensée pour les mamans dont c’est la fête aujourd’hui…
A l’année prochaine !
Juicy + Monsieur Nicolas + Saule + Coline et Toitoine + Ykons + Skarbone 14 + Wejdene + Dj Daddy K. + Kendji Girac
(Organisation : Inc’ Rock)
Kurt Van Peteghem, le guitariste de Mad Dog Loose, et décédé, dix jours après Alain Allaeys.
Kurt était le guitariste de Mad Dog Loose. Il a participé aux divers EPs et au seul album du groupe en quatuor, « Material Sunset », paru en 1996. Il n'avait ensuite pas souhaité participer à la reformation en 2015.
Après le split de Mad Dog Loose en 1997, Kurt avait fondé Plastic Fish Factory (en compagnie de Kristel Eggers, Bart Westerduin et Luc Waegeman) et sorti un album intitulé « Get Out ». Ensuite il a monté Sticky Monster en 2003 en compagnie de Lode Sileghem, Ludo Huyge et Marnix Calsyn. Vers 2010, Kurt avait rejoint le groupe garage gantois The Mudgang auprès de Luc Van den Berghe, Jo De Bondt et Kurt De Waele.
Kurt a succombé à une hémorragie cérébrale, probablement le mardi 3 mai chez lui à Gand. Un voisin a découvert son corps sans vie. Kurt avait 56 ans.
Tom Barman, qui programmait des concerts sous le cinéma Cartoons à Anvers, avait ajouté sur l’affiche annonçant Mad Dog Loose ‘beetje Beatles, beetje Velvet, beetje fantastisch!’
RIP
Le concert de Larkin Poe a été reporté à 4 reprises, à cause de la pandémie. Mais il se déroule enfin ce 7 mai, au Cirque Royal de Bruxelles.
Larkin Poe est une formation drivée par les sœurs Rebecca et Megan Lovell. Originaires de Georgie, elles se sont établies à Nashville, au Texas. Le patronyme du band est inspiré du nom de leur arrière-arrière-arrière-grand-père, un lointain cousin de l’écrivain Edgar Allan Poe. Le combo s’est formé après la séparation du groupe de bluegrass familial, The Lovell Sisters. Pratiquant du folk à l’origine, le band s’est ensuite tourné vers le blues/rock. Votre serviteur avait pu assister au concert de Larkin Poe, à la Madeleine, en avril 2019.
C’est Ryan McMullan qui assure la première partie, un auteur-compositeur-interprète issu d'Irlande du Nord. Bien que talentueux pianiste et guitariste, son principal atout, c’est sa voix.
Sur scène, il est épaulé par un préposé aux ivoires. Ryan dispose de 3 guitares semi-acoustiques. Très interactif, il n’hésite pas à discuter avec le public… d’un accent irlandais à faire frémir n’importe quel interprète.
Le set d’ouvre par « Ghost ». Chargée d’émotion, sa voix est chaude et mélodieuse. Sincères et profondes, ses chansons sont parfois désenchantées. A l’instar de « Belfast City ». Sa version du « Jealous Guy » de John Lennon est absolument superbe. Cependant, il ne reprend pas « I am on fire » de Springsteen, comme on aurait pu l’espérer. Néanmoins, le public acclame la prestation de cet artiste dont la cote de popularité ne cesse de grimper en flèche…
Setlist : « Ghost », « If This Is The End », Jealous Guy » (cover John Lennon), « Static », « Belfast City », « Oh Susannah »
Chez Larkin Poe, Rebecca (NDR : la brune !) se consacre au chant et à la guitare électrique, et sa sœur, Megan (NDR : la blonde !) à la seconde voix et à une dobro trafiquée, dont elle se sert en position debout, comme une lap steel. Ben Harper y est d’ailleurs accro.
Sept énormes phares leds ronds posés sur pieds métalliques et fixés à une hauteur de 2m50, derrière les artistes, vont inonder la foule de leurs rayons lumineux. Les frangines sont soutenues par Robby Handley aux drums, planté sur une estrade, et Chad Melton à la basse.
Dès le morceau d’ouverture, « She's a Self Made Man », Megan traite subtilement sa gratte singulière à la slide ; et tout en jouant de son instrument, elle déambule sur les planches. Pas étonnant qu’elle soit surnommée ‘The Slide Queen’ par sa sœur. Quant à Rebecca, c’est sa voix qui est vraiment superbe. Elle donne quand même l’impression de mener la barque. Pourtant, elles sont très complémentaires. Les filles peuvent aussi compter sur de solides lignes de basse, susceptibles de vous remuer les tripes. A l’instar du bluesy « Keep Diggin’ ». Et également de « Trouble In Mind », point d’orgue du show, mais également pièce maîtresse du répertoire de la fratrie Lovell. Dont la combinaison des grattes fait merveille. Un répertoire qui oscille du blues au roots en passant par le rock’n’roll sudiste.
Pendant la reprise du « Preachin' Blues » de Son House, la foule reprend le refrain en chœur. Tout comme au cours de « Holy Ghost Fire », alors que les musicos se balancent. Cool, la cover du traditionnel « John the Revelator » nous entraîne dans le Delta. N’y cherchez cependant pas la présence d’alligators… Une nouvelle compo quand même, le single « Bad Spell » qui figurera sur le prochain elpee, dont la sortie est prévue pour 2023. Mais dans l’ensemble, au cours du set, Larkin Poe s’est concentré sur ses morceaux de roots rock, tels que « Mad As A Hatter », « Blue Ridge Mountions » ou encore « Wanted Women-AC/DC » qui a clôturé le concert.
Enfin, en rappel, on a eu droit à une chouette adaptation du « Come On In My Kitchen » de Robert Johnson.
Setlist : « She's a Self Made Man », « Keep Diggin' », « Trouble In Mind », « Bleach Blonde Bottle Blues », « Preachin' Blues » (Son House cover), « Holy Ghost Fire », « John the Revelator » [traditional] cover), « Back Down South », « Summertime Sunset », « Mad as a Hatter », « Bad Spell » (nouveau single), « Black Echo », « Blue Ridge Mountains », « Wanted Woman-AC/DC »
Rappel : « Come On in My Kitchen » (Robert Johnson cover)
(Organisation : Gracia Live)
Ce jeudi, le Grand Salon accueille trois formations, dans le cadre des Nuits Botanique. Un espace magnifique habituellement destiné aux expositions d’art. Mais pas grand monde dans cette salle, ce soir, qui peut contenir de 400 à 500 âmes. Trente personnes en début de soirée. Cinquante, au maximum, pour la tête d’affiche, Silverbacks. Les deux autres bands, O et Unik Ubik servent donc de supporting act.
O (NDR : c’est une autre histoire !) ouvre les hostilités. Réunissant Joe Henwood et Tash Kaery, ce duo a été propulsé sur les scènes indie, hip-hop et jazz londoniennes en puisant ses influences chez Radiohead, The Comet Is Coming ou encore Noname.
Portant de long cheveux blonds, vêtue d’un tee-shirt ‘kickers’, Tash se charge des drums. Elle est entourée de nombreuses cymbales, dont plusieurs sont superposées au-dessus d’un charleston. Elle paraît très à l’aise derrière ses fûts. De grande taille, barbu, Joe est coiffé d’une casquette à penne. Il se consacre au sax baryton, mais dispose de tout un éventail de pédales de distorsion et d’un pupitre équipé de boutons. Un matos qui lui permet de moduler et de déformer les sons de son instrument à sa guise.
Dès le premier morceau, « Ogo », le (maigre) public semble décontenancé. Faut dire que le couple est capable de mêler dub et beats cotonneux.
Poursuivi par les interventions distordues du sax, le drumming semble chaotique. Cependant, cet univers sonore expérimental et capricieux devient progressivement envoûtant. D’ailleurs, les spectateurs commencent à remuer la tête et même à esquisser quelques pas de danse. Un peu comme s’ils étaient ensorcelés par un chamane. Pourtant, la musique est exclusivement instrumentale.
Le band signale qu’il n’a pas encore enregistré sur support, mais que cette étape est proche. Enfin, que des tee-shirts et des gonies sont à vendre au stand merchandising. Un combo à suivre en 2022.
Changement de matos pour Unik Ubik, un quatuor tournaisien qui pratique un punk festif, déjanté, furieux, délirant, transgressif, d’obédience jazz et de tendance psychédélique ; bref, un peu fêlé. Défiant toute tentative d’étiquetage, cette belle équipe est animée par un vrai plaisir de jouer. En outre, les musicos ont opté pour des pseudos à coucher dehors. Jugez plutôt : à la guitare... Orkestralone Seb Dlay (Kofeee) ; à la basse... T.Raznor (Maria Goretti Quartet, Spagguetta Orghasmmond) ; au saxophone… JB (Louis Minus XVI, Cheikh de stael) ; et à la batterie… O'Von Pimpont ; von Basècles.
Répondant au doux nom de « I'm not Feng shui », son troisième opus avait déjà été présenté dans le cadre de l’édition 2021 des Nuits, lors d’un concert accordé à l’Orangerie.
On débute le set par une petite leçon de latin baptisée « Maximum Delirium Maxima ». La jam session débute. La voix est extatique et propice à la méditation. On se croirait au Tibet dans un temple bouddhiste, à moins que ce ne soit un chœur grégorien dont on est tombé sous le charme. Caractérisé par ses riffs répétitifs, « Dan-Jun » nous entraîne en Afrique de l’Ouest. Et lorsque le saxophoniste se déchaîne, tout en affichant une grande maîtrise de son instrument (il est capable de souffler dans deux saxophones à la fois, un baryton et un alto, comme David Jackson du Van der Graaf Generator), on ne peut s’empêcher de penser à l’Orchestre Du Belgistan.
Vraiment cools, le drummer et le saxophoniste ont enfilé des shorts. Légèrement bedonnant, le chanteur/guitariste entretient l’ambiance. Toujours le bonnet rivé sur la tête, il s’aide de deux feuillets pour exprimer des textes brefs et répétitifs. Car la musique est essentiellement instrumentale. ‘Santé’ crie-t-il en s’adressant à la foule tout en empoignant son verre rempli de gin.
Au cours du show, Unik Ubik revisite, à sa manière, 50 ans de musique rock, depuis The Ex à Television, en passant par The Clash, James Chance and The Contortions, et sous un angle contemporain, Black Midi ainsi que Crack Cloud. Et la liste est loin d’être exhaustive ! Funkysant, « Rolled In Flour » réveille en notre fors intérieurs les spectres de Tom Verlaine, Talking Heads et Brian Eno. Unik Ubik n’en oublie pas « I Am Not Feng Shui », le titre maître de son dernier opus, balance quelques riffs bien gras tout au long de « Gypsy’s Revenge » et sort ses griffes pendant « Panther ». A l’issue du set, nul doute que les musicos ont eu une envie irrépressible de se rincer le gosier…
Setlist : « Maximum Delirium Maxima », « Dan-Jun », « Rolled In Flour », « Gypsy's Revenge », « Mesmerize & Vanish », « TSA », « I Am Not Feng Shui », « Cab », « Right Or Contract », « Panther ».
Le renouveau du rock passe aujourd’hui par l’Irlande, et Dublin en particulier. IDLES, Fontaines D.C., Murder Capital ou encore Yard Act en sont les ambassadeurs les plus notoires. Il faudra y ajouter Silverbacks. Le band drivé par les frangins O'Kelly a publié son second LP en janvier 2021. Produit par Daniel Fox, le bassiste de Girl Band (devenu depuis Gilla Band), il s’intitule « Archive Material » et navigue quelque part entre post-punk, art-rock et garage rock slacker.
Impliquant trois guitaristes dont le chanteur (NDR : qui ne joue pas de son instrument en permanence), une bassiste et un drummer, le quintet grimpe sur l’estrade et attaque d’emblée « They Were Never Our People ». La voix de Daniel O'Kelly est plus déclamée que chantée. A la limite du slam, elle emprunte les inflexions de feu Mark E. Smith. Blonde, de petite taille et légèrement enveloppée, Emma Hanlon se charge de la basse, mais assure également les chœurs, d’une voix angélique, créant un élégant contrepoint à l’expression sonore chargée de testostérone.
Entre les morceaux, Daniel s’exprime dans un français maladroitement (en)chanteur ; il répète même, et à plusieurs reprises, la phrase ‘Ils s'entendent pas’, tout au long du titre maître du dernier elpee, le touchant « Archive Material ». Le combo a reconnu que Televison constituait une influence majeure. « Rolodex City » en est la plus belle illustration, même si on décèle des traces glanées chez The Fall, Pavement et même Cate Le Bon. Excellent !
Progressivement, le set devient puissant et plus énergique, mais sans jamais perdre le fil mélodique. Plus déjanté aussi, les grattes se répandant en larsens et riffs déstructurés, alors que la voix nonchalante de Daniel semble se vautrer sur ce lit électrique…
O + Unik Ubik + Silverbacks
(Organisation : Le Botanique)
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La grande salle de l’Ancienne Belgique est en mode Ballroom, c’est-à-dire que les balcons et les places assises ont été condamnées. Le concert est complet depuis belle lurette. La queue débute à l’entrée de l’AB, s’étend tout le long de la rue des Pierres et atteint l’entrée de ‘Music village’. Jamais vu une telle file d’attente ! La majorité du public est composé de jeunes adolescentes dont la moyenne d’âge ne doit pas dépasser les 17 printemps. Votre serviteur se sent un peu perdu au milieu de ces grandes ados…
Depuis la sortie de « Undrunk », Cari Elise Fletcher (28 ans), aka Fletcher, a le vent en poupe. Ce single remonte à janvier 2019. Depuis, l’artiste a gravé deux Eps et une volée de singles. Elle devrait bientôt publier son premier elpee.
Le supporting act est assuré par Taylor Cameron Upsahl, aka Upsahl. Née le 28 novembre 1998, cette auteure/compositrice/interprète et multi-instrumentiste américaine est issue de Phoenix, dans l’Arizona. A son actif, un album studio, un live, deux Eps et une volée de singles.
Vêtue d’un body et de bas noirs, elle alterne, guitare, basse et ivoires. Elle est soutenue par un sixcordiste et un drummer.
Puissantes, les interventions d’Upsahl à la guitare évoluent à la limite du métal. Très interactive, elle affiche une présence scénique dynamique qui fascine l’auditoire. Tout au long de « Drugs », « Lunatic » et « Lady Jesus », elle parvient à faire chanter et danser la foule. Faut dire que ses refrains sont accrocheurs. On est sans doute en présence d’une future star. Enfin, c’est un avis qui n’engage que votre serviteur…
Fletcher débarque sur le podium vêtue d’un bermuda et d’une veste à franges aux épaulettes d’officier de l’armée. Elle est soutenue par un drummer et deux guitaristes, dont une de sexe féminin, très complice avec Fletcher.
Agressif, le light show se focalise aussi bien sur les musicos que sur la foule.
Fletcher réinvente « I Kissed A Girl » de Katy Perry, en utilisant quelques paroles de la version originale afin de raconter sa propre histoire lorsqu’elle est passée à l'âge adulte. Les paroles sont significatives de l’esprit de la chanson : ‘J'ai embrassé une fille et je l'ai aimée. Je l'ai sirotée comme une démodée’. La pop star du New Jersey l’interprète sur le refrain du hit décroché par la Californienne, en 2008, au cours duquel elle racontait : ‘J'ai embrassé une fille et elle a aimé ça. C'est mieux que ce que j'imaginais’.
Après ce morceau dansant, elle nous réserve le plus paisible « Forever », un morceau dont les lignes de guitares particulièrement souples canalisent sa voix qui fluctue constamment.
Elle n’oublie pas « Cherry », enregistré en compagnie de l’icône lesbienne Hayley Kiyoko. Et exécute son dernier Ep, « The s(ex) tapes », dans son intégralité. Manifestement, Fletcher est également devenue une sorte de symbole lesbien au sein de la communauté LGBTQ (NDR : dans la salle, il y avait pas mal de couples féminins). Sa version du « Happier Than Ever » de Billie Eilish est particulièrement entraînante.
Le show va traverser quelques moments cocasses ; notamment, lorsque des sous-vêtements féminins atterrissent sur la scène, mais munis de leur étiquette et du prix. Fletcher a de quoi s’habiller pour l’hiver prochain. Et puis, lorsqu’elle a failli perdre son bermuda. Ce qui a déclenché l’hilarité dans la fosse, la forçant à aller se réajuster en coulisses. De retour sur l’estrade, elle entame alors une danse sensuelle avec sa guitariste.
Un peu de funk ou d’électro plus tard, elle n’oublie pas son tube « Undrunck ». Au sein des premiers rangs, les aficionados connaissent les paroles et les reprennent en chœur. Moment choisi par les spectateurs pour allumer leurs smartphones afin de parsemer l’auditoire d’étoiles. Pendant « If I Hated You », Fletcher s’allonge puis lève sensuellement les jambes en chantant « Sex (With My Ex) », une compo au cours de laquelle elle raconte avoir mal vécu une rupture amoureuse difficile. Très interactive, au cours du show, Fletcher prend plusieurs bains de foule, mais près du front de scène. Et le concert de s’achever par le très rock « Bitter », une nouvelle chanson.
Au cours du rappel, elle interprète « For cari », un inédit qu’elle déclare avoir écrit à un moment particulièrement déprimant de sa vie…
Setlist : « Girls Girls Girls », « Forever », « Cherry », « If You're Gonna Lie », « All Love », « Undrunk », « If You're Gonna Lie », « Fuck You for Ruining New York City for Me, Happier Than Ever » (cover Billie Eilish), « Silence », « If I Hated You », « Feel », « Sex (With My Ex) », « The One », « Shh...Don't Say It », « Bitter ».
Rappel : « For Cari », « Healing ».
(Organisation : Ancienne Belgique)
Another night in with Tindersticks…
Tindersticks célèbre les 30 ans de la sortie de son premier album (NDR : un éponyme), mais également celle d’un ‘best of’ (en mars dernier). Et quoi de mieux que les Nuits du Bota (et la classieuse salle Henry le Bœuf du Bozar) pour fêter cet événement, lors de sa tournée programmée dans des auditoires prestigieux. On se souvient, entre autres, de leur passage aux mêmes Nuits, en 2001, pour un quadruple concert, bénéficiant alors du concours de différents guests et ensembles musicaux.
Et ce soir, l’affiche nous promet fièrement, et à nouveau, la présence d’invités et d’un orchestre. Le concert est bien entendu sold out. Les portes se ferment sur le coup de 20h15, et les trois membres originaux du groupe s’emparent du front de scène, soit David Boulter, Neil Fraser et bien sûr Stuart Staples (moustache et grand chapeau vissé toute la soirée sur la tête). Ils sont suivis par Dan McKinna (NDR : il milite au sein du line up depuis 2007) qui alternera la basse et les claviers, durant toute la soirée.
La set list débute déjà par une surprise, en l’occurrence le délicat « Willow », issu du dernier opus solo de Stuart. Le batteur Earl Harvin (dernier arrivé dans le band, en 2010), rejoint discrètement le reste de la troupe, dans un début de concert toujours empreint de sérénité. Un violoncelliste intervient en fin de parcours pour « She’s gone », avant que l’orchestre annoncé, une douzaine de musiciens d’un ensemble à cordes, s’installe sur le côté droit du podium. Ce qui va communiquer une toute autre dimension au spectacle ! Véhiculant des accents empruntés à Calexico, le très rythmé « Her » réveille soudainement la foule. Et déclenche une première salve d’ovations.
Mais le point d’orgue de la soirée est atteint lors du mélancolique « Another night in », transcendé par les violonistes qui vous flanquent des frissons à chaque accord. Pas de temps mort, puisque « City sickness » embraie, un moment savouré, car ce titre figure rarement dans la set list de Tindersticks.
La tension retombe quelque peu pendant « How he entered » et la cover de Peggy Lee, « Johnny Guitar ».
Pendant ce temps on se demande également quand les guests annoncés vont donc débarquer ? Première réponse : lors du « Travelling light », en compagnie de Gina Foster.
Petite parenthèse et souvenir : l’une des rares fois où le duo original s’était produit sur les planches, pour interpréter ce titre, c’était dans le cadre du Cactus festival, à Bruges, en juillet 2000. En effet comme les Walkabouts étaient à l’affiche, Carla Togerson avait rejoint Stuart sur le podium et les deux artistes avaient dû s’aider d’aide-mémoires, avouant n’avoir jamais pu interpréter cette chanson ensemble, en live, auparavant.
Après ce deuxième pallier, orchestre et backing vocal renforcés, le show ne baissera plus d’intensité. Tout comme l’enthousiasme du public. Lors du dernier titre, « For the beauty », feutrée, l’instrumentation (principalement les claviers) laisse toute la place à l’amplitude vocale de Stuart, que l’on constate intacte malgré le poids des années.
Après déjà près de 2 heures de prestation, le public se demande s’il aura encore droit à un rappel, qu’il réclame ardemment. Il sera gâté par pas moins de quatre titres supplémentaires. Proposé sous une version longue, « My sister » bénéficie du concours d’un trompettiste qui y ajoute un crescendo. Sur « Tiny tears », l’orchestration, ici mélancolique et douce, tranche avec les tons graves poussés par la voix de fossoyeur baryton du leader. Un titre qui résume à lui seul une des grandes caractéristiques de la formation.
Et en final, après de longs remerciements, le leader entame un « For those… » qui sonne comme un au revoir, soutenu par Dan McKinna en backing vocal.
Une prestation de haut vol, sonnant comme un ‘best of’, qui cadre donc bien avec la compilation sortie en mars, « Past Imperfect : The Best Of Tindersticks '92-’21 ». A (re)découvrir d’urgence, pour parcourir la riche et longue carrière du band de Nottingham…
Setlist : ‘Willow”, “A Night So Still”, “Medicine“, “She's Gone“, “Sleepy Song“, “Her“, “Another Night In“, “City Sickness“, “How He Entered“, “Trees Fall“, “Pinky in the Daylight“, “Both sides of the blade“, “Johnny Guitar (cover de Peggy Lee)“, “Travelling Light“, “My Oblivion“, “Show Me Everything“, “This Fire of Autumn“, “For the Beauty“
Encore : ”My Sister“, “Harmony Around My Table“, “Tiny Tears”, “For those…”
(Organisation : Les Nuits Botanique)
Tindersticks
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Après deux années d’interruption, suite à la pandémie covid 19, le Roots & Roses est de retour. Et le festival se déroulera sur deux journées. Soit le 30 avril et le 1er mai. Il y a du soleil, mais le vent est glacial. Heureusement, la musique réchauffe les corps et les cœurs.
Le 30 avril a programmé l’affiche de 2020 et le 1er mai, celle de 2021. Il y a quand même quelques changements et surtout la défection de Pokey LaFarge (la guerre en Ukraine a créé une certaine confusion chez certains artistes américains) ; cependant Fred Maréchal a déniché quelques perles pour pallier à ces absences. Trois nouveaux noms sont ainsi venus rejoindre l’affiche. En l’occurrence Monsters, les BellRays et le Giant Sand de Howe Gelb. Au total, 29 groupes ou artistes étalés sur les deux jours. Une affiche ambitieuse, généreuse, riche de découvertes et d’inattendus. La programmation fait cependant la part belle aux groupes belges : Bertrand Lani & The Mudbugs, SONS, Deadline, Equal Idiots, High Jinks Delegation et Sloper. Et bien-évidemment, le supergroupe noir-jaune-rouge, créé pour la circonstance : The Italian Job qui réunit Marcella Di Troïa (Black Mirrors), Romano Nervoso, Lord Benardo (Boogie Beasts), Jérémy Alonzi (Experimental Tropic Blues Band) et Mario Goossens (Triggerfinger, Sloper !) Le collectif a enregistré le traditionnel hymne consacré au Roots & Roses ; ce sera assurément un moment à ne pas manquer le dimanche. Nouveau : un camping est accessible aux festivaliers. Et puis on retrouve les chapiteaux, l’espace détente, les stands food locaux ainsi qu’une foire aux vinyles et albums rares, à prix démocratique.
Passons donc en revue la journée du samedi :
Scène Roots : Bertrand Lani & The Mudbugs (11h30-12h05)
Bertrand, c’est le frère cadet de Frédéric, le leader de Fred and The Healers. Il a fondé son propre band, Bertrand Lani & The Mudbugs. Si la famille a biberonné ses fils au rock, au blues et à la country, il faut croire que la guitare servait déjà de hochet. Bertrand s’intéresse davantage à l’americana. Son backing group implique Valentin Marchal-Marchant (basse, contrebasse), Jean-Philippe Jasienski (batterie), Stéphane Pigeon (sax), Philippe Eliaers (trompette) ainsi que Jérémy Frisch (claviers). Bertrand se consacre au chant et aux guitares (électriques et semi-acoustiques). A ce jour, le combo a publié deux elpees, « Small Bowl » (2016) et « It Gets Bluer In A While » (2021). Ce n’est pas la première fois que Bert ouvre le festival.
Si Bertrand se plante au centre du podium, les cuivres (saxophone basse et baryton, trompette et trombone à coulisse) s’installent à gauche.
« Black Beard And blue Mood » nous entraîne à travers les grandes plaines du Far West. Titre maître du second opus, « It Gets Bluer In A While » embraie (NDR : en studio, Fred, Bruno Castellucci et Jack O Roonie avaient participé aux sessions). Bert est particulièrement cool et assure également à la sèche, notamment en picking. Tout au long de « A Amazing Journey », la richesse de la mélodie et la justesse des arrangements servent les mots de l’artiste.
« Countryside », titre maître du dernier opus, évoque la campagne de Maredret, où Bertrand et Fred ont passé leur enfance. On épinglera encore une superbe reprise de « Tout l’Amour » de Dario Moreno ainsi que « I’m Not A Cheater » qui achève un set bien équilibré, partagé entre titres paisibles et plus rythmés, d’une musique oscillant entre country (surtout), blues et soul…
Setlist : « Black Beard And Blue Mood », « It Gets Bluer In A While », « An Amazing Journey », « Somes Faces », « Countryside », « Tout L’Amour », « Movin’ With The Times », « Ice Cold Kisses », « I’m Not A Cheater ».
Scène Roses : Trixie And The Trainwrecks (12h10-12h50)
Fondé à Londres, ce duo réunit Trinity Sarratt et Charlie Hangdog. Elle est américaine et vit à Berlin depuis l’âge de 18 printemps. Il est britannique et s’est également établi dans la capitale de l’Allemagne.
Casquette vissée sur le crâne, lunettes fumées chaussées sur le nez, Trixie chante, joue de la guitare et en même temps se consacre aux percus : un charleston, une cymbale et une grosse caisse actionnée par une pédale au pied. Mais en début de concert, l’accessoire va se détacher ; ce qui va forcer un roadie à jouer au dépanneur. Charlie se réserve l’harmonica. Il a le souffle inépuisable. Elle a une voix puissante. La setlist privilégie les morceaux issus du troisième et dernier LP, « 3 Cheers To Nothing, gravé en 2018. Sarratt exprime ses sentiments de solitude et d'éloignement sur la ballade, « No Good Town ». Lorsqu’elle s’est rendue à San Francisco pour se produire en concert, elle a eu l’impression de ne plus être qu’une étrangère, dans sa ville d’origine. Country/blues ou americana, l’expression sonore dispensée par Trixie And The Trainwrecks, au cours de ce set, est à la fois harmonieuse et rythmée, parfois même sauvage, lorsque les cordes s’enflamment. Dommage que la prestation soit aussi courte…
Scène Roots : The Black Wizards (2h55-13h35)
The Black Wizards nous vient du Portugal. Ce soir, le quatuor est réduit à un trio. Comme ils se plaisent à le colporter, ces jeunes musicos sont nés à l’heure du numérique mais se consacrent à un son analogique.
Apre, la rythmique contraste avec la voix de la chanteuse/guitariste Joana Brito. Une voix tellement puissante qu’elle domine la section rythmique basse/batterie. Parfois, cette voix rappelle celle de Janis Joplin. Le stoner psychédélique de ce band puise manifestement ses sources dans les 60’s et les 70’s. Le volume sonore est peut-être un peu excessif, mais le concert est particulièrement au point, le power trio affichant une technique irréprochable. Ce qui n’empêche pas les compos de libérer une belle énergie et de procurer d’excellentes sensations…
Scène Roses : Moonshine Wagon (13h40 - 14h20)
Après le Portugal, cap sur l’Espagne. Ou plus exactement le pays basque.
Jean-Paul Wiseman (Classic 21), le présentateur signale que les musicos de Moonshine Wagon se produisaient la veille, à Bordeaux. Ils ont effectué le trajet en tour-bus et c’est Jack Daniels (NDLR : le musicien ou celui qui se siffle ?) qui les a tenus éveillés. Bien que se limitant à des instruments acoustiques (guitare, violon, contrebasse, percussions et banjo), le combo libère une belle énergie sur les planches. Il pratique une forme de bluegrass parfois teinté de punk. Les textes sont interprétés le plus souvent en anglais, mais également en basque. Ils vont littéralement mettre le feu dans l’auditoire. Et Jack Daniels est également de la partie, sur l’estrade. Barbus, trois d‘entre eux ont un look à la ZZ Top.
C’est la première claque du festival !
Scène Roots : Nine Pound Hammer (14h25- 15h05).
Nine Pound Hammer est issu de Lexington, dans le Kentucky. A sa tête, le chanteur Scott Luallen et le guitariste Blaine Cartwright, par ailleurs leader de Nashville Pussy, déjà vu au Zik-Zak d’Ittre. Son mélange huileux voire graisseux de blues, cow punk, hard et southern rock dépote et nettoie les portugaises, nonobstant un souci de préserver le sens mélodique…
Scène Roses : Jesse Dayton (15h10-15h50)
Né à Beaumont, mais établi à Austin, Jesse Dayton est un pur texan au parcours de vie incroyable. Il mène désormais une carrière solo indépendante, après avoir collaboré avec quelques-uns des plus grands noms de la scène américaine : de Willie Nelson à Townes Van Zandt en passant par Johnny Cash, Supersuckers et Social Distortion. Ce dernier a également collaboré avec le réalisateur de films d'horreur Rob Zombie pour composer quelques musiques de films. Ce sont toutes ses expériences qu’il répercute sur son dernier elpee, « Beaumonster ».
Jesse grimpe sur les planches, accompagné par une section rythmique classique basse/batterie. Entre bluegrass, country, americana et hillbilly, la musique proposée est harmonieuse, paisible et entraînante. Dayton rend de nombreux hommages à Johnny Cash. Et il est même capable de moduler sa voix qui ressemble alors étrangement à celle du Man In Black. En outre, il manifeste beaucoup d’interactivité. Ce qui colle parfaitement au style de ce power trio.
Scène Roots : The Morlocks (15h55-16h35)
Malgré 20 années de carrière The Morlocks n’a gravé que trois albums, à ce jour. Faut dire que fondé en 1984, le groupe s’est séparé en 1987 avant de se reformer en 2011. Originaire de San Diego, en Californie, il est responsable d’un garage/rock teinté de rock’n’roll et de punk.
Devenu une véritable institution dans le style, il libère une sauvagerie et une énergie qui évoquent tour à tour, Ramones, Jim Jones Revue, les Stooges et même les Stones. Faut dire que le quintet implique des ex-membres de groupes cultes comme Fuzztones, Cheeks, Link Wray ou encore Sonny Vincent.
Le band est toujours mené de main de maître par son charismatique chanteur à la voix écorchée, Leighton Koizumi. Riffs de guitares acérés, chargés de fuzz, drumming tribal, The Morlocks célèbre un retour aux sources de l’underground garage bien sale des années 60…
Scène Roses : GA-20 (16h40-17h20)
GA-20 est une formation issue de Boston dans le Massachussetts. Son patronyme n’est autre que le nom de l’amplificateur de guitare fabriqué par Gibson de 1950 à 1961.
C’est Matthew Stubbs qui a fondé le groupe, en 2018. Il a aussi accompagné Charlie Musselwhite (le binôme parfait de Ben Harper), à la guitare.
Le band pratique principalement du ‘chicago blues’. Pas de bassiste, mais deux guitaristes qui se servent de grattes issues des années 60 à 70 et de pédales de distorsion, communiquant à l’expression sonore des accents psychédéliques (NDR : une empreinte qui s’explique, puisque Matthew, barbu et la chevelure bouclée, est également le leader d’un combo psyché répondant au nom de The Antiguas).
Belle découverte !
Scène Roots : Sons (17h25- 18h10).
Sons est la première formation belge à se produire, dans le cadre de cette édition 2022 du Roots & Roses. Un quatuor anversois impliquant le guitariste/chanteur Robin Borghgraef, le bassiste Jens De Ruyte, son frère Arno à la seconde six cordes et le drummer Thomas Pultyn. Le magazine américain Rolling Stone n’en dit que du bien. Il a fait un tabac, au Trix d’Anvers, il y a quelques jours.
Il vient de publier son second long playing « Sweet Boy ». Et la setlist va privilégier les titres de cet LP.
Ces petits jeunes ont de l’énergie à revendre et dispensent un punk/rock/garage brut de décoffrage.
« Succeed » ouvre les hostilités. Les riffs de guitares sont lourds et particulièrement graisseux. Le band embraie par « LOVE », un morceau percutant et efficace de deux minutes qui raconte l’histoire d’une personne assassinée par un groupe d’homophobes. Et le reste du set va se révéler aussi saignant, démontrant que Sons est vraiment taillé pour le live….
Scène Roses : Jake La Botz (18h15- 19h00)
Jake La Botz est un habitué du festival, où il est apparu régulièrement, depuis 2004, en solo ou au sein de diverses formations. C’est un peu le chouchou du public lessinois. Jake mène une double carrière. Celle de musicien, d’abord. Puis d’acteur de cinéma. Il a ainsi été révélé par Steve Buscemi. Son dernier album, « They're Coming For Me », remonte à 2019.
Avant de véritablement lancer sa carrière musicale, il a joué dans la rue, les bars, les salons de tatouage, et même dans les églises, à Chicago. C’était au cours des 80’s. Et ce vécu se ressent dans sa musique. Il puise ses sources d’inspiration chez David ‘Honey Boy’ Edwards, l’ancien compagnon de route de Robert Johnson, mais également Homesick James et Maxwell Street Jimmy Davis. Que de belles références ! Enfin, sa musique oscille entre blues, delta blues et americana.
Le concert s’ouvre par le marécageux « Nickels and Dimes ». Puissante et claire, sa voix évoque celle de Fred Lani. Entraînant, « Shaken & Taken » baigne dans la country. Il n’en oublie pas son dernier single, « First McDonell's on the Moon » …
Scènes Roots : The Godfathers (19h05-20h05)
C’est au tour d’un des plus dignes représentants du pub rock anglais, encore en activité, de monter sur l’estrade. La naissance de The Godfathers remonte quand même à 1985. La formation est surtout connue pour son hit planétaire, « Birth, School, Work, Death » sorti en 1988. Et c’est la seconde fois qu’elle se produit au Roots & Roses.
Outre le chanteur Peter Coyne, le line up implique les guitaristes Steve Crittal et Alex McBain, le bassiste Darren Bitch et le drummer Tim James.
Peter Coyne affiche toujours la même rage matinée de classe british. Le combo nous propose un étonnant « Johnny Cash Blues », rendant ainsi un second hommage au maître de la country, ce samedi. « Unreal World » véhicule des accents funky. La setlist nous réserve « Lay That Money Down », un extrait du futur album qui s’intitulera « Alpha, Beta, Gamma, Delta ». « One Good Reason » constitue une petite perle pop énervée. Les chœurs montent en crescendo tout au long de « She Gives Me Love ». The Godfathers s’est montré convainquant tout au long du show grâce à une présence effective et un jeu de guitare tranchant comme un fil de rasoir. Une prestation qui s’est clôturée par l’inévitable « « Birth, School, Work, Death » …
Scène Roses : Flamin’ Groovies (20h10-21h10)
Les Flamin’ Groovies, c’est une autre légende du rock. Le groupe s’est formé en 1965, à San Francisco, par Ron Greco, Roy Loney et Cyril Jordan. Du line up originel, il ne reste plus que ce dernier. A l’origine, le band ramait à contre-courant du mouvement flower power célébré, alors, sur la West Coast, en proposant un rock’n’roll/blues survolté et hargneux.
Si en ‘live’ « Tore Me Down » et « Way Over My Head » se révèlent toujours aussi sauvages et incisifs, les titres les plus rock comme « Yes, It's True », « First Plain Home » et l'incontournable « Teenage Head » sonnent finalement très actuels, et pourraient facilement figurer au répertoire de bon nombre de bands qui ne jurent que par les sixties…
Scène Roots : The King Khan & BBQ Show (21h15-22h15)
King était annoncé comme le roi du Roots & Roses. Accompagné de son comparse Mark ‘BBQ’ Sultan, il devait repousser, au sein de sa troupe, les limites du blues doo-wop avant de les faire voler en éclats à coup de garage rock débridé. Il débarque sur le podium, en calbutte, torse nu et revêtu d’une cape noire. Il n’a vraiment pas l’air dans son état normal. Il est tellement défoncé qu’au cours de sa prestation, il part gerber du côté droit de la scène. On attendait que The King Khan & BBQ Show consacrel’apothéose du garage rock et de la soul psychédélique. On a eu droit à une vulgaire pantomime. Si bien que votre serviteur est allé voir ailleurs, si la nourriture était plus ragoûtante. Ce qui était, heureusement, le cas…
Scène Roses : The Black Lips (22h20 – 23h30)
The Black Lips clôture donc cette longue journée. Issue d’Atlanta, en Georgie, cette formation a connu, depuis sa naissance, de nombreux changements de musiciens. Si bien que du line up originel, il ne demeure plus que le chanteur/guitariste Cole Alexander et le bassiste Jared Swilley. Le duo est soutenu par le drummer Oakley Munson, le second sixcordiste Jeff Clarke et la saxophoniste Zumi Rosow, une véritable icône de la scène underground à Los Angeles qui s’est imposée dans l’univers de la mode, devenant l’ultime muse de Gucci.
Le rock garage de The Black Lips est interprété avec un maximum de dérision et sous une forme nihiliste, afin de pouvoir déboucher sur un grand moment festif et heureux. Le combo est venu nous présenter de larges extraits du nouvel album, « Sing In A World That's Faling Apart », dont le single « Odelia » constitue un futur hit en puissance. S’il est réputé pour ses shows provocateurs, cette outrance déborde d'énergie positive. Après « Sea Of Blasphemy », « Holding Me Holding You », « Gentleman » et « Dirty Hands », le public est sur les rotules. Bref une belle clôture pour ce premier jour de festival un peu frisquet. The Black Lips a démontré que le rock n’est pas mort, qu’il peut toujours être subversif et synonyme de contre-culture…
A demain !
(Organisation : Centre Culturel de Lessines)
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