Dimanche premier mai, c’est la fête du travail… et du muguet. Sous un soleil resplendissant, c’est également celle du Rock à Lessines et la seconde journée du Roots & Roses. Onze heures à l’horloge de l’église sonnent. Ce dimanche, l’affiche est celle qui était prévue en 2021. Mais à cause de la pandémie, le festival avait été annulé. Ou plus exactement reporté. La programmation y est cependant beaucoup plus éclectique que celle de la veille…
Scène Roots : Deadline (11h00-11h35)
Curieux, le groupe qui ouvre le bal, aujourd’hui, a choisi pour patronyme Deadline. Il s’agit d’un power trio qui pratique une forme de heavy-rock-punk-blues-roots. Issu de Charleroi, le combo s’est formé en 2013. A l’origine, il aiguisait ses cordes sur des riffs punks saturés, puis il a été touché par le maléfice de Robert Johnson. Depuis, les musicos sont hantés par les fantômes du blues et du roots.
Costards/cravates, ils sont sapés comme des traders de la Bourse de Londres. Les deux chanteurs, Quiet Ben et Simon Wray, échangent constamment leurs instruments (guitare, basse, harmonica), opérant ainsi des duels épiques, que canalise le drumming de Simon Blue King.
La setlist va nous réserver quelques extraits de l’Ep, « Those Who Inhabit This Land », gravé en 2018, de nouvelles compos et des reprises. Le début de concert est plutôt paisible, « Lair » et « The Armadillo Song » débarquant sur la pointe des pieds. Le calme avant la tempête électrique. Rythmique saccadée, cordes saturées, la tempête sonore peut commencer. Deux reprises : le « When I Was A Young Men » d’Allan Coe et le « Mannish Boy » de Muddy Waters. Il n’en manquait plus qu’une de Chuck Berry. A la fin du show, les instruments sont malmenés, jetés sur le plancher et contre les amplis. On se serait cru à la belle époque du Who.
Scène Roses : High Jinks Delegation (11h35-12h15)
High Jinks Delegation est un octuor cosmopolite, puisqu’il réunit des Américains, des Français et des Belges. En l’occurrence David Davoine (banjo, chant, trombone), Nora Helali (chant), Rebecca Samos (trompette, accordéon), Isabel Sokol-Oxman (violon), Nicolas Lebrun (harmonica, chant), Hervé De Brouwer (guitare), Jean-Luc Millot (drums, chœurs) et Simon Breux (chant, contrebassine*).
Le collectif pratique une musique inspirée par la tradition des ‘jugbands’ américains des années 30, en mêlant ragtime, blues, jazz et country. Et il va nous proposer de larges extraits de son album « One For The Road », paru en octobre 2021. Aux washboard, contrebassine trompette, clarinette et banjo se frottent la batterie, la guitare électrique et l’accordéon. Le set est vivifiant et bourré d’énergie. Ce qui incite le public à danser.
* La contrebassine est un instrument à cordes pincées artisanal fabriqué généralement à partir d'une bassine en tôle galvanisée tenant lieu de caisse de résonance (plus récemment en plastique), d'un bâton (de la taille d'un manche à balai - ustensile généralement utilisé - tenant lieu de manche) et d'une seule et unique corde, souvent du type corde à linge (source Wikipédia).
Scène Roots : Parlor Snakes (12h15-12h55)
Place ensuite à Parlor Snakes, un duo franco-américain établi à Paris. Sur les planches, Eugénie Alquezar et Peter K sont soutenus par des musicos qui varient selon les circonstances. Ce soir, le tandem est épaulé par un bassiste et un drummer. Portée par la voix élastique et intense d’Eugenie, la musique explore les croisements lugubres entre punk, garage/pop et psyché. Dans l’esprit de son dernier elpee, paru en 2019, « Disaster Serenades ». Mais est-ce vraiment du garage, de la pop ou du punk. Peut-être un peu de tout ça à la fois, concentré au sein d’un cocktail explosif et lascif…
Scène Roses : Siena Root (12h55-13h35)
Siena Root n’est pas une formation italienne, mais suédoise, issue de Stockholm, très exactement. Fondée à la fin des 90’s, elle puise ses influences majeures dans le rock psychédélique des années 60 et 70. Le quatuor compte quand même douze elpees au compteur dont le dernier, « The Secret Of Our Time », et paru en 2020. Première constatation, en général, l’orgue domine l’expression sonore, un orgue aux sonorités denses, vintages que se réserve Zubaida Solid. C’est également elle qui se consacre au chant, parfois à la seconde sixcordes, sa voix soul/blues surprenante évoquant même parfois celle de Janis Joplin. Et le tout est dynamisé par les cordes de guitare hurlantes et la grosse section rythmique basse/batterie…
Scène Roots : The Cynics (13h35-14h15)
Encore un groupe de vétérans ! Pratiquant du rock/garage, The Cynics est issu de Pittsburgh, en Pennsylvanie. Fondé en 1983, il s’est séparé en 1994, avant de se reformer en 2002. Il a souvent changé de line up, et aujourd’hui, il ne reste plus que le guitariste Gregg Kostelich comme membre originel, le chanteur Michael Kastelic ayant rejoint le band en 1985. Le quatuor est aujourd’hui complété par le drummer Pablo González ‘Pibli’ et le bassiste Angel Kaplan.
« Baby What Wrong » ouvre les hostilités. Les sonorités de gratte sont écrasantes. Michael Kastelic ne chante pas, il vocifère. Et Kostelich souffle dans son harmo. Un morceau réminiscent des prémices du punk, lorsque la désorganisation était au pouvoir. L’orgue Hammond infiltre généreusement « Way It's Gonna Be ». Les compos oscillent du punk au rock garage en passant par le rhythm’n’blues. D’abord paisible, « Get My Way » finit pas s’emballer et opère même un crochet par le psychédélisme. Le public jeune semble complètement subjugué. A tel point qu’il reste bouche bée à l’écoute de « You Got To Love » et « All These Streets ». On reprochera quand même au band de pousser un peu trop le volume sonore et puis surtout les hurlements incessants de Kastelic…
Scène Roses : Chatham County Line (13h35-14h15).
Outre-Atlantique, Chatham County Line est considéré comme une figure marquante de la scène roots. Fondé en 1999, à Raleigh, en Caroline du Nord, le band a publié 13 albums, dont le dernier, « Strange Fascination », est paru en 2020. Le trio est actuellement constitué de David Wilson au micro, de John Terer au banjo, à la mandoline et au violon, ainsi que du contrebassiste Greg Readling, parfois reconverti à la pedal steel.
Ces vieux routards s’inscrivent dans le renouveau de la scène bluegrass américaine. Et dès les premiers accords, le combo nous entraîne à travers les grandes plaines américaines. Sonorités acoustiques (mandoline, banjo, harmonia) et électriques (guitares, pedal steel) se fondent dans un bel ensemble. A l’instar de « Crop Comes In ». Parfois, on a l’impression de revivre des moments partagés autour d’un feu de camp, au cours de notre jeunesse. « Free Again » s’avère presque cajun, alors « Girl She Used To Be » bénéficie d’une intervention puissante au violon…
Scène Roots : The Italian Job (14h55-h15h40)
The Italian Job, c’est le nom d’un thriller des années 60. C’est aussi celui d’un projet éphémère, qui se produira une seule et unique fois au Roots & Roses 2022, alors qu’il était prévu déjà en 2020. Le groupe d’un soir réunit la crème des mafiosi du rock’n’roll qui militent en Belgique. On y retrouve ainsi Marcella Di Troïa (Black Mirrors) et Giacomo Panarisi (Romano Nervoso) aux vocaux, Lord Bernardo (Boogie Beasts) à l’harmonica, Jeremy Alonzi (Experimental Tropic Blues Band), qui a troqué sa guitare pour les claviers ainsi que Lucas Lepori (Romano Nervoso) et Mario Goossens (Triggerfinger, Sloper) derrière leurs fûts. Bon, Mario n’est pas vraiment italien. Mais il vu l’origine de son prénom, ça peut passer. Particularité, il y aura deux batteurs. A gauche, Mario Goossens, considéré comme le meilleur en Belgique.
Le collectif a composé un répertoire original spécialement pour la circonstance et va nous interpréter sa version de « Roots & Roses », l’hymne du festival composé par Fred Lani, en 2014.
Le set s’ouvre par « 21 St Century Boy ». Giac est aux drums. On n’entend pas assez la voix puissante de Marcella. Il y a 9 musiciens sur les planches, et ce n’est pas un exercice facile pour l’ingé-son, surtout quand se produisent des musiciens issus de différents horizons. Le temps de quelques réglages et on retrouve son timbre hanté et chamanique. En outre, elle ne tient pas en place. Tout comme l’harmoniciste. A contrario, assis derrière les ivoires, Jeremy affiche une paradoxale sérénité. La maîtrise technique de Mario à la batterie est impressionnante. Le set va osciller entre blues et rock’n’roll. Et lors de titres les plus percutants, la foule danse et même parfois pogote. Faut dire que les aficionados louviérois, liégeois et anversois ont débarqué en nombre…
Mais l’intensité atteint son point culminant sur « Mother Earth » et « May Satan Bless You ». La version du « Roots And Roses » de Fredéric Lani est attaquée sur l’avant-dernier titre de la setlist. Puis, le concert s’achève par « Let Sabath ». La foule en veut encore, mais il n’y aura pas de rappel.
Setlist : « 21 St Century Boy », « Mother Earth », « Child Hood Witch », « May Satan Bless You », « Gentle Boogeyman », « Angels Lullaby », « Roots And Roses », « Let Sabath »
Scène Roses : Equal Idiots (15h40-16h25)
Equal Idiots est un tandem réunissant Thibault Christiaensen (chant et guitare) et Pieter Bruurs (batterie). Originaire d’Hoogstraten, dans la province d’Anvers, il s’est véritablement révélé, l'automne 2016, lorsqu'il a remporté le prix du public lors du concours ‘De Nieuwe Lichting’ et atteint la finale du Humo's Rock Rally.
Le set s’ouvre par le garage/punk « Knife And Gun » et tout au long de « Hippie Men », on entend des chiens aboyer. Des bandes préenregistrées, vous vous en doutez. Le duo sulfureux reprend le « Ça Plane Pour Moi » de Plastic Bertrand. Ce qui met le souk sous le chapiteau. La foule reprend même les paroles en chœur. Les deux jeunes gaillards ne manquent, en outre, pas d’humour. Rien que le patronyme de la paire, en est une parfaite démonstration. Et musicalement, il s’inscrit dans parfaitement dans la lignée de Black Keys et Black Box Revelation.
Scène Roots : The Lords Of Altamont (16h25-17h10)
Il est assez incroyable qu’après plus de dix ans de Roots & Roses, The Lords of Altamont n’ait jamais figuré à l’affiche. L’injustice est donc réparée en 2022. Le line up réunit le guitariste Dani ‘Dani Sin’ Sindaco, le bassiste Rob Zim, le drummer Barry Bonkers et bien sûr le chanteur/claviériste Jake ‘The Preacher’ Cavaliere. Cet ex-Fuzztones et ex-manager des Cramps s’est installé, depuis quelques années, derrière les claviers pour les Sonics. Originaire de Los Angeles, en Californie, le combo puise ses références majeures dans le hard rock, le psyché/rock américain et le garage. Son sixième opus, « Tune in Turn on Electricity », est paru en 2021. Il constitue l’essentiel de la setlist.
Les sonorités d’orgue sont véritablement hypnotiques. Ce qui ne signifie pas que les riffs de guitare de Dabi Sin, les lignes de basse de Rob Zinn et la batterie serrée de Barry 'The Hatchet' van Esbroek jouent un rôle secondaire. Non, ces nuances apportent une forme de subtilité et d'originalité au son. Puissant ! Parfois un peu trop. Et des morceaux tempétueux comme « Death On The Highway », « Going Downtown » et « Cyclone » menacent et finissent par vous exploser à la figure…
Scène Roses : Sloper (17h10-17h55)
Il n’y a pas à dire, le timing est scrupuleusement respecté. Sloper, c’est le projet commun de deux batteurs d’exception qui a vu le jour en 2019. Celui de Mario Goossens (Triggerfinger), et la légende néerlandaise César Zuiderwijk (Golden Earring). Le line up est complété par le guitariste Fabio Canini et le chanteur/guitariste anglais Peter Shoulder.
Le chapiteau est plein à craquer pour assister à ce show ! Une estrade a été installée sur le podium. Mario s’y installe à gauche et César à droite. Ils sont séparés d’un énorme tambour placé en hauteur entre les deux. La grosse caisse de Mario est imposante. Assez technique, l’un des deux guitaristes déambule de gauche à droite et inversement. Il lui arrive de reproduire des solos, couché au sol. Pas de bassiste. Britannique, le second gratteur est coiffé d’une casquette en pied de poule. Les deux sixcordistes entrent régulièrement en duel, en se faisant face. César et Mario affichent de larges sourires. Détendus, ils font régulièrement le pitre et viennent même frapper sur les peaux des drums du voisin ; mais le plus génial, c’est que les deux batteurs soient capables de trouver un parfait équilibre dans leurs drummings respectifs. Les deux musiciens y expriment leur personnalité et leur jeu sans tomber dans le piège de la démonstration virtuose, qui n’est jamais loin dans ce genre de projet. C’est inévitable, Mario imite l’avion sur sa grosse caisse et incite l’auditoire à chanter et applaudir. C’était une figure de style attendue ! Un concert solide pour Sloper, dont la musique a parfois rappelé les meilleurs moments d’Eagles of Death Metal…
Scène Roots : The BellRays (18h00-19h00)
C’est la troisième fois que The BellRays se produit au Roots & Roses. Puissante, la voix de Lisa Kekaula se frotte parfois à la soul et au gospel. De temps à autre, elle se sert d’une cymbalette. Bob Vennum ne lésine pas sur les riffs énergiques. Le drumming sauvage voire tribal de Dusty Watson et les assauts de basse commis par Bernard Yin sont vraiment en phase. « Everybody Get Up » et « Perfect » remuent les tripes. « Third Time's The Charm » balance la purée. Sauf, que votre serviteur commence à avoir la dalle et qu’il est donc temps de se restaurer…
Il fait d’ailleurs l’impasse sur le set de Giant Sand…
Scène Roses : The Inspector Clouzo. (20h10-21h10)
Car il faut être fit and well pour assister à la prestation The Inspector Clouzo. Un duo gascon originaire de Mont-De-Marsan. Des rockers qui cultivent du bio, élèvent des canards ainsi que des oies. La moitié de l’année est consacrée à la ferme et l’autre au rock’n’roll. Le guitariste Laurent Lacrouts et le batteur Mathieu Jourdain ont fondé ce projet en 2008. Il y a du peuple sous le chapiteau pour assister au show. La combinaison de hard rock et de funk est toujours aussi efficace. Laurent signale ne jamais préparer de setlist, toujours bien militer au sein d’un band indépendant, de s'autoproduire et de se financer à 100%. chez Virgin Angleterre. Le tandem va nous réserver, en exclusivité, des morceaux issus du futur elpee qui sortira en 2023. Après le concert, Laurent a promis de transmettre la setlist à votre serviteur, fin de semaine, car mardi il fallait planter 6 hectares de maïs… N’empêche, à l’issue d’un tel festin gascon, il y avait de quoi être rassasié.
Il reste deux groupes à l’affiche : The Limiñanas et la formation helvète The Monsters qui clôture ce Roots & Roses. Votre serviteur a assisté à 26 concerts sur 29. C’est bien, il est fatigué et il décide de rejoindre ses pénates… Merci Fred Maréchal et Myriam Boone. A l’année prochaine, sans faute !
(Organisation : Centre Culturel de Lessines)
En gravant "Tambour Vision", mais sans trompettes, Bertrand Belin propose un album dénudé, mais pas dénué d'intérêt…
Après avoir joué dans la comédie musicale des frères Larrieu, ‘Tralala’, dont il a composé la musique, c'est le mode du huis-clos qu'a choisi Bertrand Belin pour son nouvel et septième elpee. En fait, un tête-à-tête face à son complice de longue date, Thibault Frisoni.
Le Breton aux paroles parfois granitiques, qui est aussi écrivain et comédien, dépouille, dans "Tambour Vision", sa musique. Une musique qui évoque quelquefois aussi bien Erik Satie qu'une cold wave épurée, organique et parfois ironique, tout en rendant hommage, dans les textes et la voix, à Kat Onoma ainsi qu’au regretté Alain Bashung au travers d'une fantaisie qui n'a rien de gratuite ni de… militaire.
L'opus est à ce point dépouillé que "Carnaval", le titre de la première chanson, constitue plutôt un appel à tomber le masque…
Pour "Carnaval", je voulais plutôt nous montrer tel que nous sommes, l'envers du décor, de l'homme comme je le signale dans la chanson. De renverser les codes sociaux, les valeurs de comportement, les évidences, les genres, de mettre les choses cul par-dessus tête.
Le mot cul revient d'ailleurs souvent dans l'album ?
Me rendant compte que tout le monde en avait un, je me suis dit qu’en parler allait intéresser les Français. (rires)
"Que Dalle Tout" révèle un aspect Mathieu Bogaerts, mais également électronique dépouillée à la Ellie et Jacno.
C'est en effet très dépouillé comme chez Mathieu Boogaerts auquel le morceau ressemble dans la pulsation, la manière d'agencer les rythmes entre eux qui est assez méticuleuse. Mais il s'agit d'une autre esthétique
"Tambour" adopte un profil années 80, cold wave, Stranglers époque "La folie"…
C'est sûr ! Une époque où les synthés étaient très présents, mais où l'on n'en avait pas complètement fini avec le rock, le punk ayant sévi juste avant. Ellie et Jacno procèdent de ce post punk qui vient s'aciduler avec les synthés. J'aime bien cette période que je n'ai pas connue, car j’étais trop jeune. Les synthés sont revenus en odeur de… sainteté depuis une vingtaine d'années ; soit en revisitant des œuvres très savantes, dans l’esprit de Pierre Henry, soit en se référant aux productions des années 80, comme celles de Madonna.
Mais d'autres musiciens comme ceux de Can, Alan Vega ou Martin Rev taquinaient aussi ces machines. J'ai davantage le goût de cette esthétique rock plutôt que de la variété du style Michel Berger, qui a suscité beaucoup d'émules en France.
J'aime les styles râpeux.
Paradoxalement, vous utilisez le mellotron que l'on associe plutôt à la vague psychédélique ?
Je l'utilise surtout pour les instruments à vent, bien que je me serve souvent du sax ou des flûtes, mais pas à la façon des Beatles sur "Strawberry Fields". Dans cette ambiance de sons synthétiques et de boîtes à rythmes qui caractérise cet album, le mellotron apporte une dimension analogique. Les non-spécialistes ont l'impression d'entendre des saxophones.
Dans "Que Dalle Tout, vous chantez ‘je viens d'une ligne de zéros’.
Il y a un côté déterminisme social dans la chanson. Pierre Bourdieu, sociologue disparu il y a tout juste 20 ans, cela vous parle ?
Oui, bien sûr, mais je chante ‘je viens d'une longue lignée de zéros et de uns’. Bourdieu m'intéresse, mais c'est avant tout mon expérience personnelle qui me parle.
Et puis des ausculteurs de transferts de classes et de l'atavisme, il y en a d'autres…
Quelque chose se joue du côté de l'héritage dans la vie : il y a ceux qui héritent d'une lignée d'ivrognes et d'autres d'une multinationale. On pourrait peut-être organiser des petits passages entre ces deux ensembles afin de partager les choses.
Mas je ne parle pas d'une lignée de zéros au sens péjoratif du terme. Les zéros et les uns signifient d'abord qu'il y a couples ; cela évoque ensuite le code binaire de l'informatique, de la sécurité sociale, de gestion des générations. C'est une allusion ironique au fait que nous ne faisons que passer dans les méandres de l'économie planétaire.
"Le Maître de Luth" me fait penser à Robert Wyatt…
Vous ne pouvez pas me faire plus plaisir. C'est une chanson qui subit les influences du jazz et d'un certain lyrisme opératique réalisé avec trois bouts de ficelle.
Et puis il y a le chant élégiaque de Robert Wyatt. Ainsi que cette forme de liberté la plus large possible, même si le résultat est assez caressant. Chez Wyatt, les formes musicales ne sont pas aussi tarabiscotées, mais elles sont accessibles et singulières en même temps. On devine beaucoup de gentillesse et de bonté chez Robert Wyatt.
Sur cet elpee, on sent une liberté qui évoque Eric Satie : un côté ironique, une audace, tout en restant dépouillé…
Il y a d'ailleurs sur "Que Dalle Tout" une petite citation des "Gymnopédies" dans la ligne de saxophone.
Satie m'a toujours paru sympathique ; outre sa musique dont j'aime particulièrement "Pièces froides", il s'agit d'un personnage qui évolue à la lisière de la musique savante, mais qui, dans la forme, a réussi à intéresser les amateurs de pop et de rock. Il pratiquait une forme musicale qui se transmet sans doute plus facilement que Schoenberg… (il rit)
Satie influence beaucoup les musiciens d'aujourd'hui, y compris les adeptes de la musique électronique.
On vous compare souvent à Bashung à cause de votre façon de chanter et de vos paroles cryptiques, …
Ce n'est pas insultant. Je suis né dans un monde où il était déjà chanteur. Il représente pour moi une des modalités possibles de la francophonie dans la musique rock et la pop.
Il y en a d'autres, mais mon goût me guide plutôt vers Bashung.
Quelqu'un qui s'intéressait à la fois à la musique dans son versant expérimental, et possédait en même temps un fort tropisme pour le rock blues américain… un appétit de modernité, un intérêt pour la poésie, contemporaine en particulier, une fantaisie dans le découpage de ses textes, combinée parfois à une profondeur tragique.
Je me reconnais dans ces éléments.
Charpentier comme lui, je travaille aussi le bois. Logique dès lors que nous partagions des troncs communs… (il sourit)
Voix fiévreuse, sens inné de la mélodie, Mélanie Isaac nous invite à plonger sous la “Surface”. Ce nouvel album découpé en neuf pistes voyage subtilement entre variété française et pop indé, tel un long baiser de Barbara à Dominique A sous les yeux de Sanson. Suite d’une escale à Astafort et d’une rencontre parisienne avec Antoine Graugnard, ce disque produit et arrangé en compagnie de Julien Lebart dans un studio de Rivesaltes, mixé et masterisé à Bruxelles par Erwin Autrique, nous plante dans un décor aux sonorités tant organiques qu’atmosphériques, fixant comme point de mire cet horizon intemporel.
Posant ses valises à Bruxelles dès 2012, elle remporte la ‘Biennale de la Chanson Française’ (parcours FrancoFaune de l’époque) mais aussi le premier prix ‘Franc’OFF’ aux Francofolies de Spa en 2019, après la sortie de son Ep “L’inachevée”, enregistré à distance entre Manchester et Gand. Elle foule les scènes avec puissance, délicatesse et la promesse de toujours y proposer, en groupe ou en solo, des interprétations uniques de son répertoire. On la retrouve, entre autres, en première partie de Jean-Louis Murat ou de Dani...
Dès ce printemps 2022, c’est seule sur les planches, équipée de sa Gibson firebird et de son piano, que Mélanie Isaac fait vivre son album.
Mélanie Isaac écrit de beaux textes, poétiques, soutenus par une musique de qualité. Et cela fait un bien fou.
Elle est décrite comme le nouveau coup de cœur des médias francophones publics belges. Le nôtre aussi.
Son magnifique single « Paradis Nord » chroniqué précédemment sur Musiczine (à lire ou relire ici)
ouvre ce nouvel opus.
« Surface », qui donne le nom à l’album, embraie. Très belle chanson, touchante, qui décrit la dure réalité parfois subie par le monde extérieur. Par extension, on comprend ce que Mélanie a dû traverser en tant qu’artiste pour arriver là où elle est aujourd’hui. Elle a tenu bon pour son bonheur et le nôtre.
« T’aimer plus fort » commence par cette géniale accroche au piano et à la batterie. Un message un peu flou que l’on devine bienveillant à propos d’une rupture mêlée à l’espérance que la relation continue.
« Rouge Indigo » ? Quel texte ! Baignant au sein d’un climat éthéré, cette compo permet de voyager d’îles en îles, de rivages en rivages ensoleillés. Un instant, un tableau, suspendu de plénitude avant l’orage annoncé.
Pour terminer, « Ne la regarde pas dans les yeux » célèbre une très belle alliance entre batterie, piano et une formidable ligne de basse. Un titre invitant à l’amour véritable, au-delà de la surface. La boucle est bouclée.
En concert
9 Juin - Saint-André-lez-Lille, FR - Le Zeppelin
23 Juillet - Spa, BE - Les Francofolies
Quickly, Quickly, c’est le projet de l’américain Graham Jonson dont l’ambition, depuis sa base arrière à Portland, est de transformer sa pop de chambre en un monde psychédélique complexe ! Inspiré par J Dilla, The Pharcyde et Burial, sur un premier album au titre mystérieux (« The Long & Short of It »), il développe des harmonies bien au-dessus de la moyenne. Plus question de parler de ‘bedroom pop’ tant l’ampleur de ses mélodies, pas si lo-fi que ça, fait mouche. Courrez, ‘vite vite’, découvrir Quickly Quickly !
Jennifer Lynn Wasner est à la tête de deux projets (un troisième baptisé Dungeonesse, auquel participait John Ehrens, semble abandonné, pour l’instant). Tout d’abord, son principal, Wye Oak, en compagnie d’Andy Stack, dont le dernier elpee remonte déjà à trois ans. Puis un solo, qu’elle a réactivé, au cours de la pandémie et pour lequel elle est choisi comme patronyme, Flock of Dimes, dont le premier opus, « If You See Me, Say Yes » remonte à 2016.
« If You See Me, Say Yes » constitue son second et il est paru chez Sub Pop.
Lors des sessions, l’Américaine a reçu le concours de toute une belle brochette d’invités dont Matt McCaughan derrière les fûts (notamment auprès de Bon Iver), Nick Sanborn à la production et aux synthés (moitié de Sylvian Esso) et encore Meg Duffy à la guitare (il milite au sein du band de Kevin Morby mais également chez Hands Habbit). Parcimonieuses, les orchestrations sont particulièrement léchées. La voix et le lyrisme de l’artiste font le reste.
Si « Head of Roses » fait la part belle aux guitares, on y rencontre également des éléments synthétiques, mais savamment dosés. L’œuvre alterne les climats malgré le ton ténébreux et des compos aux accents pop clairement définis. Ainsi, « Price of Blue » s’avère dense et entraînant tandis que « Walking » et « Lightning » se révèlent davantage minimalistes et introspectifs. On épinglera également le cotonneux « No Question », traversé par une magnifique intervention jazzy au saxophone ou encore le plus folk « Awake for the Sunrise ».
Un album intimiste au cours duquel la songwritrice parvient à nous émouvoir…
Quelques mois à peine après la sortie de son dernier album studio, « Baby Love », Jean-Louis Murat est de retour. Et il nous propose son 21ème elpee, « La vraie vie de Buck John ».
Si le titre évoque un célèbre cowboy héros de bandes dessinées publié dans un fascicule éponyme et tiré des films de l’acteur américain de western, Buck Jones, ne vous attendez cependant pas à tomber dans les poncifs d’un univers folk/blues.
Sur le fond, la figure stylistique empruntée par Bergheaud (à l’état civil) reste dans la même veine que ses ouvrages précédents.
A ceci près que, bricolé durant le confinement, Murat s’est fixé comme contrainte de n’utiliser que deux ou trois instruments (vous n’y entendrez pas de basse), l’unique intervention extérieure se limitant à celle de son complice Eric Toury, à la batterie, à la prise de son et au mixage.
L’Auvergnat réunit tous les éléments pour proposer un produit intéressant : un grain de voix séducteur, un groove funky (« Battlefield »), des gimmicks sautillants (« Où Geronimo rêvait ») et des mélodies inspirées par la thématique de l’amour. L’utilisation sporadique de synthétiseurs et sons typés ‘années 80/90’ (« Marylin et Marianne »), permettent aussi de souligner subtilement cet habillage en lui communiquant un caractère plus contemporain.
Pourtant, dans sa globalité, si le disque répond aux exigences de l’artiste et est traversé par des courants de bonne humeur (?!?!?), il fait figure pâle. Si, objectivement, il n’est pas déplaisant, il n’est probablement pas celui dont on parlera le plus. Pour plusieurs raisons.
Outre le minimalisme de la durée (une trentaine de minutes seulement), le disque souffre d’un manque de corps et fait preuve d’une certaine légèreté, même si l’une ou l’autre chanson s’en tire plutôt bien.
Et puis l’ensemble s’avère un peu trop linéaire. Tout en laissant un goût d’inachevé. Murat se complairait-il dans la facilité ?
Alors oui, en matière de goûts musicaux, il faut parfois se faire une raison. Lorsqu'on aime, tant mieux, mais lorsqu'on n'aime pas… difficile d’être objectif.
Klaus Schulze, figure de proue du krautrock et de la musique électronique allemande, est décédé à l'âge de 74 ans. La cause exacte du décès n'a pas été révélée, mais il était malade depuis quelques années.
D’abord percussionniste, mais également multi-instrumentiste, ce futur virtuose des synthétiseurs a fondé Ash Ra Tempel et milité sein de Tangerine Dream avant de se lancer dans une carrière solo. Il a marqué l'ère des synthés analogiques.
Influencé par Wagner, la musique stochastique de Xenakis et probablement par Stockhausen, même s’il a toujours nié ces références avant-gardistes, mais également le psychédélisme, il a créé un nouveau genre musical auquel vont se rallier de nombreux disciples.
En introduisant des sequencers et percussions électroniques dans sa musique, il est devenu, un peu avant Kraftwerk, le grand pionnier de la musique entièrement électronique et reste le principal artiste du courant de musique dite ‘planante’, à l'origine essentiellement germanique, une musique qui a souvent été assimilée au rock progressif. Il a aussi tracé la voie la new age et la techno. Et tout comme Brian Eno, à l’ambient. Prolifique, il a publié plus d’une soixantaine d’albums (sans compter les ‘live’) sous son nom et celui du pseudo Richard Wahnfried et on ne compte plus ses collaborations. Parmi lesquelles on épinglera celles qu’il a réalisées pour Steve Winwood, le percussionniste japonais Stomu Yamash’ta ainsi que l’ex-drummer de Santana, Michale Shrieve. Notamment. Et on en oublierait presque son rôle de producteur (Alphaville, Lisa Gerrard, Schiller, …)
RIP
Alain Allaey, le chanteur de Mad Dog Loose, tout premier groupe signé en 1995 par 62 TV records, est décédé probablement ce samedi 23 avril dans son appartement à Ypres, d’une crise cardiaque. Son papa n'a découvert son corps sans vie que le lundi 25 avril. Alain venait d'avoir 59 ans.
Le groupe se résumait d’abord à un duo avec Nico Mansy et deviendra rapidement un quatuor comprenant Kurt Van Peteghem, Armand Bourgoignie et Bernard Plouvier. Mad Dog Loose a sorti quelques EPs et un seul elpee dans les années 90 et s'était reformé (en trio) en 2015 pour encore sortir deux albums. Quelques-unes de leurs chansons ont eu une belle vie en radio : « Shiny Side », « Devil Waltz », « Versa », « Take Me Down ».
RIP
Après avoir publié trois singles (« Love When It’s Getting Bad », « You Don’t Have To Know » et « Treffles »), Juicy nous propose son quatrième, « Remain », un titre qui figure sur son dernier elpee, « Mobile », paru ce 18 mars 2022.
Tout en douceur, « Remain » clôture la traversée de cet album aux thématiques sociétales et tourmentées. Sur un air mélancolique, Juicy chante les petits fragments de vie que l’on gardera en mémoire lorsqu’il ne restera plus rien d’autre que nos souvenirs. Les moments simples et purs de partage et d’amour qui étaient plus forts que tout.
Comme pour leurs trois précédents singles, le collectif belge Gogol Flex a réalisé un court-métrage. La vidéo de cette quatrième et dernière partie s’installe dans une ambiance de folie. Les éclats et traces d’une scène de ménage brutale ainsi qu’un corps inerte jonchent le sol. Par un enchaînement sans queue ni tête, nous retrouvons Juicy à bord d’une fusée. Le duo s’envole pour échapper à l’explosion imminente de la terre. Focus ensuite sur le doux souvenir d’un repas de Noël en famille, dont on retrouvera les images et selfies familiaux perdus dans un vide intersidéral. Cet objet vidéo original fait partie d’un ensemble d’une série de 4 épisodes qui couvre la totalité de l’opus. « Remain » est la chanson phare de ce quatrième épisode. Ce premier LP sociétal et engagé est marquant de réalisme, frappé par l’époque que nous traversons. Écrit avant la rupture mondiale de mars 2020 et produit pendant, il fait état du désenchantement de Sascha Vonk et Julie Rens, enfants de leur temps, surinformés, désabusés, déprimés, révoltés. L’angoisse y est omniprésente, mais constamment et énergiquement repoussée.
Pour découvrir le clip, c’est ici
Juicy se produira en concert à l’Inc’ Rock à Incourt, au festival de Dour, aux Francos de Spa et un peu partout cet été.
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En se rêvant astronaute, héroïne ou exploratrice ultime, Angèle se construit dans son nouveau clip un environnement alternatif en réaction à un monde souvent trop anxiogène. Elle vit sa réalité en survolant la ville de New- York avec des super pouvoirs et cette légèreté qu’on a déjà tous imaginée. Une véritable invitation à aller chercher cette super version de nous-même, qui nous incite à vivre « Libre » !!!
Le clip de « Libre » est disponible ici
En concert
16.05.2022 - FOREST NATIONAL SOLD OUT
19.12.2022 - FOREST NATIONAL
20.12.2022 - FOREST NATIONAL
21.12.2022 - FOREST NATIONAL
22.12.2022 - FOREST NATIONAL
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Alicia Keys vient d'annoncer sa tournée mondiale avec Lous and the Yakuza comme invitée spéciale pour ses spectacles aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Belgique, en Norvège, en Suède, en Pologne et en République tchèque. Lous assurera également la première partie de deux spectacles de Gorillaz en Allemagne.
En Belgique :
01.06.2022 - Bruxelles @ Botanique
01.07.2022 - Werchter @ Rock Wechter Festival
Son nouveau clip « Kisé » est disponible là
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Editors vient de graver un nouveau single. Intitulé « Heart Attack », c’est sa première sortie depuis 2019, et le premier titre pour lequel le compositeur et producteur Benjamin John Power, lauréat du prix Ivor Novello, alias Blanck Mass, est intégré comme nouveau membre du groupe.
En parlant de ce changement, Smith explique : ‘Ayant travaillé avec le groupe pendant près de cinq ans, rejoindre Editors semblait être une progression naturelle plutôt qu'une décision à prendre. Nous savons que nous travaillons bien ensemble, que nous sommes sur la même longueur d'onde sur le plan créatif et que nous sommes tous des amis très proches. Faire partie d'un ‘conglomérat créatif’ est quelque chose que je n'ai pas connu depuis un certain temps maintenant, alors faire partie de quelque chose qui fonctionne de cette manière est à la fois libérateur et excitant à parts égales’.
Avec son intensité électronique pulsée, ses synthés inspirés des années 80 et ses pads de batterie épiques et entraînants, « Heart Attack » se distingue par ses sonorités gothiques et la voix couvrante de Tom Smith, le rendant instantanément reconnaissable. ‘« Heart Attack » est une chanson d'amour morbide’, a déclaré Smith.
Pour la vidéo, Editors a fait équipe avec le réalisateur et artiste visuel Felix Geen, qui a utilisé une technologie d'IA révolutionnaire pour créer un vaste voyage visuel sombre et psychédélique.
Le clip de « Heart attack » est disponible là
Bruce Hornsby a embrassé l'évolution constante de son style musical tout au long de sa carrière, en expérimentant aussi bien dans l’univers du jazz, du bluegrass, du rock, de la musique classique que de la country.
Le nouvel elpee du chanteur/compositeur/pianiste, sortira le 27 mai. Enregistré l'été dernier, il s’intitulera « Flicted ». Un premier extrait, « Sidelines », vient de paraître en vidéo. Il a bénéficié du concours d’Ezra Koenig de Vampire Weekend et Blake Mills à la guitare, qui coécrit, par ailleurs le morceau. A ce propos, Hornsby a déclaré : « Sidelines » est une chanson consacrée à l'hystérie sous diverses formes, depuis les procès des sorcières de Salem dans les années 1600 jusqu'à la panique actuelle liée aux pandémies. Et elle est disponible là
Le neuvième album studio de !!!, « Let It Be Blue » sortira le 6 mai 2022. Le groupe voulait des chansons modernes, minimales, avec des rythmes, des basses et quelques accroches vocales. Les paroles ont été inspirées par des chansons de Prince ainsi que par les grands auteurs de métaphores rap comme Andre 3000 et Lil Wayne. En attendant, il nous propose son troisième single, sous forme de clip vidéo, « Panama Canal ».
« Let it Be Blue » est un disque basé sur l’informatique, mais ce n’est pas le cas. En fait, produit par Patrick Ford, il est le résultat du partage de fichiers, de l'échange de stems, de particules de chansons, de petites idées en passe de devenir des morceaux de danse entièrement réalisés. Il a été conçu au cours des deux dernières années, avec des rêves de futurs dancefloors en tête.
Le clip de « Panama canal » feat Meah Pace et à voir et écouter là
Flasher est un duo réunissant le guitariste Taylor Mulitz et de la batteuse Emma Baker. Son nouvel opus, « Love Is Yours », paraîtra ce 17 juin.
La vidéo du titre maître a été réalisée par Camilla Smura (qui a également signé le clip du single « Sideways ») constitue un hommage au National Treasure, parce que, tout comme la salle du trésor cachée sous l'église Trinity, l'amour qui dure est la plus grande aventure que l’histoire n’ait jamais révélée.
« Love Is Yours » fait suite à « Constant Image », sorti en 2018. Il a été enregistré à Washington, D.C., sous la houlette d’un ami de longue date, Owen Wuerker, qui a également contribué à l'instrumentation en se consacrant à la basse, les percussions, les synthés et à la guitare.
Bien que les chansons traitent de la désillusion et de la perte, la musique évoque la chaleur et l'optimisme.
Le clip de « Love is yours » est à découvrir là
Laura Veirs publiera son nouvel LP, « Found Light », ce 8 juillet 2022.
« Found light » fait suite à « My echo », paru en 2020. Il est considéré comme l’album du divorce. En fait, c’est la dernière fois que son partenaire et père de ses deux fils, produisait un de ses disques. La séparation l'a amenée à s'interroger sur son identité en tant qu'artiste : cette partie d'elle, qui semblait liée à son partenaire depuis si longtemps, avait-elle été engloutie dans la séparation ? Ferait-elle à nouveau de la musique ? Historiquement, Veirs s'est occupée des éléments les plus fondamentaux de ses chansons - l'écriture et le chant - mais elle a toujours laissé les décisions d'arrangement et de production à son partenaire, jusqu'à la liste finale des morceaux. Bien qu'elle soit copropriétaire d'un studio avec lui, elle n'en a jamais pris la tête, et elle n'a jamais joué de la guitare tout en chantant sur bande. Bien qu'elle ait sorti une douzaine d'albums, elle se demandait si elle avait vraiment le savoir-faire nécessaire pour en faire un sans lui.
Absolument et catégoriquement : Oui. Après une série de brèves sessions (certaines avec le multi-instrumentiste de Death Cab for Cutie, Dave Depper, d'autres seules chez elle), elle a réservé du temps aux Jackpot Studios de Portland, puis a appelé son vieil ami Ismaily pour lui demander de se joindre à eux. Ils se sont entendus et ont décidé de coproduire l'album. Ismaily lui offre ses conseils et sa perspicacité, mais lui laisse l'espace nécessaire pour faire ses propres choix et inviter ses propres invités, comme Sam Amidon et Karl Blau. Elle a fini par chanter en jouant de la guitare, réalisant peut-être pour la première fois qu'elle était vraiment douée pour quelque chose qu'elle avait fait presque toute sa vie.
Le single principal "Winter Windows", avec ses guitares énergiques et fuzzées et ses percussions entraînantes, est une vitrine de cette libération féministe.
Le clip de « Winter windows » est à découvrir ici
« Cool Party » c’est le titre du nouveau single de Cocaine Piss, une chanson de fête mais à laquelle on n’est pas sûr de vouloir y aller. Et pourtant, alors que tu ne voulais pas t’y rendre, tu as passé la meilleure nuit de ta vie. La vidéo a été réalisée par Simon Medard et est disponible ici
Guillaume Ledent vient de graver un nouveau single, « Balek ». Il a été enregistré dans son studio, La Tanière du Panda, à Tournai et mixé au Detours Studio, à Bruxelles par Géraldine Capart. Les visuels sont de Fred Corio
L'album sortira en octobre 2022. Il devrait s’intituler « Fancy fair ». En attendant, Guillaume reprendra la route cet été avec son projet jeune public « Dérange Ta Chambre » dont l’opus, « Le mot dit » est paru juste avant la pandémie. Les premières dates de la tournée « Fancy fair » sont prévues pour cet automne.
« Balek » (locution verbale signifiant je m’en bats les c********) est en écoute ici
Prochains concerts :
- ATH - Chez Poupoun - 29 JUIN - DÉRANGE TA CHAMBRE
- ERE - Ferme des Coquelicots - 9 JUILLET (à confirmer) - DÉRANGE TA CHAMBRE
- LEUZE - JUIN - GUILLAUME LEDENT
- LESSINES - 17 JUILLET (Notre-Dame à la Rose) - DÉRANGE TA CHAMBRE
- SEPTEMBRE - Au B'Izou - DÉRANGE TA CHAMBRE
Arno Hintjens, mieux connu sous le nom d’Arno, est décédé ce 23 avril 2022 des suites d’un cancer du pancréas. Il aurait fêté ses 73 ans dans un mois.
Trilingue, il a d'abord surtout chanté en anglais avant de privilégier le français et parfois le flamand.
Il était capable de se réapproprier n’importe quelle chanson (pop, folk, blues, chanson française, variétés, …) et de la transformer en morceau rock ou cabaret. Il a ainsi notamment repris « Les filles du bord de mer » d’Adamo, « Le Bon Dieu » de Brel », « Comme à Ostende » de Ferré, « Elisa » de Gainsbourg », « All the Young Dudes » de Bowie, « Mirza » de Nino Ferrer, « Drive my car » des Beatles, « Jean Baltazaarr », un medley du « Jean Genie » de Bowie et de « La fille du père Noël » de Dutronc, et même « Vous les femmes » de Julio Iglesias. Mais il avait aussi et surtout son propre répertoire, au sein duquel des chansons comme « Les yeux de ma mère », « Vive ma liberté » et « Putain Putain », sont devenus des incontournables de sa discographie. Il a publié près d’une vingtaine d’albums solo, sans compter ceux qu’il a gravé au sein de ses projets alternatifs, Subrovniks, Charles et les Lulus ainsi que Charles & The White Trash European Blues Connection ; et puis lors de sa période pré-solo chez Frecklance, Tjens Couter et surtout TC Matic que votre serviteur avait découvert le 6 octobre 1980, à la VUB, en première partie de The Cure. C’est d’ailleurs en compagnie de ce groupe qu’il avait composé, début des eighties, « O la la la », « Elle adore le noir (pour sortir le soir) » et l’incontournable hymne à l’Europe, « Putain putain ».
Arno avait annoncé sa maladie en pleine promotion de son album « Santeboutique », paru en septembre 2019. Il avait dû interrompre sa tournée pour subir une opération. La pandémie ne lui a cependant pas permis de reprendre sa tournée. Et finalement, il a enregistré un nouvel opus, « Vivre » en compagnie du pianiste français Sofiane Pamart, elpee paru en mai 2021. Il était finalement remonté les planches en février dernier, programmant quelques dates à Bruxelles et à Ostende pour une tournée baptisée ‘Vivre’… Et lors de ces derniers spectacles, assis, amaigri, il parlait de son état de santé et reconnaissait ses excès, confession dont il faisait écho dans « Lady Alcohol ».
Il a finalement encore eu le temps d’enregister un nouvel LP au studio ICP d’Ixelles ; mais la date de sortie n’a pas encore été fixée.
Né le 21 mai 1949 à Ostende, ville côtière flamande à laquelle il est resté très attaché et dont il parle dans ses chansons, Il s’est lancé en solitaire, à partir de 1986.
Comme acteur, il a joué dans une dizaine de films dont ‘Camping Cosmos’ de Jan Bucquoy (1996), ‘Alors voilà’ de Michel Piccoli (1997), ‘Komma’ de Martine Doyen (2006) et ‘J’ai toujours rêvé d’être un gangster’ de Samuel Bencherit (2008), en compagnie de Bashung.
Icône de la scène belge, Arno incarnait une certaine belgitude, l'âme européenne et bien sûr celle d’un poète des bistrots et des bords de mer... Il a parfois été surnommé le Tom Waits belge.
Lors de ses interviews, il assénait de véritables punchlines complètement surréalistes. Invité sur un plateau dans une émission de télévision sur France 2, en 2004, après avoir eu son tour de table, et commençant à trouver le temps long, il s’était exclamé : ‘Mais je m’emmerde ici…’ En tout cas, là-haut, « Le Bon Dieu » ne risque pas de s’emmerder avec lui…
Suivant la volonté de l’artiste, ses cendres seront dispersées en mer du Nord au large de sa ville natale.
Un registre commémoratif est ouvert à partir du lundi 25 avril à l'ABCafe, de 18 à 23 heures, lorsque vous ne pourrez plus vous rendre à l'hôtel de ville de Bruxelles (11-18h).
RIP
Miles Kane se produisait à l’Aéronef de Lille ce vendredi 22 avril. Il y a bien moins de monde que pour Fontaines DC. Le balcon a été condamné, mais la fosse est quand même bien garnie. Le natif de Birkenhead est venu défendre son dernier et quatrième elpee, « Change the show », paru le 21 janvier dernier. Pas vraiment transcendant, à l’instar du précédent, « Coup de grace », paru en 2018. Mais c’est sur les planches, que le Britannique se transcende…
Le supporting act a presque terminé son show, lorsque nous débarquons dans la salle. Ce qui permettra quand même d’assister aux trois derniers morceaux du concert d’Oracle Sisters. Le trio a été formé par deux amis de longue date : Lewis Lazar (NDR : il est également peintre) et Christopher Willatt. Respectivement Danois et Irlandais du Nord, ils ont grandi ensemble à Bruxelles, écrivant et jouant de la musique. Ils ont déménagé séparément à New York et à Edimbourg et se sont retrouvés à Paris où ils ont commencé à travailler sur de nouvelles chansons. Le line up implique également Julia Johansen, une Finlandaise de grande taille, vêtue d’une minirobe plutôt sexy, mais laissant apparaître de longues jambes qui n’en finissent pas (NDR : en référence à une pub pour des collants, diffusée au cours des seventies). Et elle se consacre à la basse et aux claviers. Le trio pratique une forme de folk/pop teintée de rock et de psychédélisme. Falsettos, les harmonies vocales sont superbes et susceptibles de rappeler celles de Tahiti 80. Les deux autres musicos se partagent les grattes (acoustique pour l’un, électrique pour l’autre) et se révèlent plutôt doués. On n’en dira pas plus, mais ce groupe est manifestement à revoir…
Miles Kane débarque sur les planches. S’il se consacre le plus souvent à la guitare, il est soutenu par un autre soliste, un bassiste, un claviériste et un drummer. Le set s’ouvre par les très énergiques « Don’t let it get you down » et « Rearrange » que la foule reprend déjà en chœur. Le light show privilégie la couleur rouge, en référence à la teinte du dernier elpee (pochette, support, clip vidéo, …) La voix de Mike rappelle parfois celle de Marc Bolan ; et c’est flagrant sur les titres les plus glam comme « Cry on my guitar » et « Change the show ». Mais à partir du quatrième morceau, le concert vire au r&b bien british, soit dans l’esprit de The Style Council, les sonorités rognées de l’orgue accentuant cette impression. Une période entrecoupée du funk blanc « Coup de grace » (Gang of Four ? A certain Ratio ?), moment choisi par le claviériste pour marteler ‘tribalement’ deux toms que sont venus lui installer provisoirement un roadie. On a même droit à une ballade mid tempo au cours de laquelle Miles a abandonné sa gratte et puis à un « Tell me what you’re feeling » réminiscent du Spencer Davies Group. Le show va vraiment prendre son envol à partir de « Aviation », une compo de son side project The Last Shadow Puppets. Miles Kane nous réservera d’ailleurs encore un titre de ce band, « Standing next to me ». Le claviériste troque ses ivoires pour un saxophone, tout au long de « Never get tired of dancing », moment au cours duquel il rejoint le front de scène. Les cordes de Kane rugissent tout au long de l’excellent « Inhaler ». C’est vraiment un frontman. Il se cabre en arrière tout en pliant les genoux. Il harangue la foule qui réagit au quart de tour. Mais lorgne carrément vers la britpop (Richard Ashcroft ?) sur « Loaded ». A l’issue de l’hymnique « Don’t forget who you are », le public reprend les ‘la la la’ de la chanson alors que la chanson est terminée. Ce qui incite le band à jouer les prolongations du morceau. Avec une grosse acclamation de l’auditoire, à la clef. Petite pause pour « Colour of the trap », au cours duquel le soliste se consacre à la lap steel guitar, mais ses interventions manquent de relief (NDR : n’est pas Ben Harper qui veut !). La fin du concert s’emballe et redouble d’intensité électrique. « Change the show » est le théâtre d’un duel de grattes. Pendant « Give up », Miles présente ses musiciens qui en profitent pour s’autoriser un petit solo. Puis, lorsque la compo reprend son cours, le drummer se déchaîne. Et il récidive sur « Come closer » dont le public reprend en chœur les ‘Oooh, ooh, oooh, aaah, aaah, aaah’ à la fin du morceau. Ce qui inévitablement permet au combo de refaire le coup de la reprise dans une ambiance de folie. Et puis, le quintet tire sa révérence. Les baffles crachent le « Nutbush City Limits » de Tina Turner et les lumières se rallument. Rideau. Petite anecdote (merci Ludo), tout le long du concert, les musicos d’Oracle Sisters ont dansé, en coulisses… (voir notre section photos là)
Setlist
Don't Let It Get You Down
Rearrange
Cry on My Guitar
Nothing’s Ever Gonna Be Good Enough
Coup de grace
Tears Are Falling
Tell Me What You’re Feeling
Caroline
Blame It on the Summertime
Aviation (The Last Shadow Puppets song)
Never Get Tired of Dancing
Inhaler
See Ya When I See Ya
Loaded
Don't Forget Who You Are
Standing Next to Me (The Last Shadow Puppets song)
Colour of the Trap
Give Up
Change The Show
Come Closer
(Organisation : Aéronef)
Le dernier concert accordé par Sparks, en Belgique, remonte au 17 septembre 2019. A cette époque, il était venu défendre son album « Hippopotamus ». Sparks (Trad : étincelles) est considéré comme le duo le plus kitsch de la planète rock. Les frères Russel (75 ans) et Ron (77 ans) Mael ont fondé ce projet en 1968. Le monde les avait découverts en 1974, lors de la sortie du single « This Town Ain't Big Enough For Both Of Us », paru sur l’elpee « Kimono My House ». Le tandem vient de fêter ses 50 ans de carrière
La grande salle de l’AB est en configuration semi-flex, et elle archicomble. Après avoir été un des groupes phares du glam rock, Sparks est passé à la synthpop et la new wave, tout en s'inspirant du disco. Mais il a surtout eu le bon goût d’évoluer au fil des 5 dernières décennies. Sparks est considéré comme une influence majeure pour des groupes comme New Order et Depeche Mode, mais également par des formations et des artistes de rock alternatif tels que Morrissey, Siouxsie and the Banshees et Sonic Youth. Même Björk a reconnu avoir été inspiré par sa musique. Le duo a demandé de porter le masque buccal, afin de ne pas risquer une contamination susceptible d’interrompre sa tournée mondiale.
En 2022, Sparks reste vraiment d’actualité. Non content d’avoir signé un « Best Of » en trois volumes l’année dernière, il a sorti un documentaire (« The Sparks Brothers » par Edgar Wright), un film (« Annette », césarisé à Cannes et mis en scène par Léos Carax) et un nouvel opus, « A Steady Drip, Drip, Drip », précédé par le single « Please Don’t Fuck Up My World ».
Le set débute exactement à 20h15. Et c’est parti pour un show de 120 minutes découpé en 23 titres (NDR : 23, c’est également le nombre de long playings que le duo a gravés).
Derrière les frangins, un claviériste, deux guitariste et un bassiste sont installés sur une estrade qui fait toute la largeur du podium.
Entre chaque chanson, Russel s’exprime dans un français impeccable. Ron se plante à l’extrême-droite de la scène derrière ses claviers. Son look démodé est en total décalage avec celui de tous les autres musiciens, y compris son frère. Vêtements sobres, cheveux gominés, moustache en brosse à dents, pantalon noir trop court aux pattes d’éléphants ; il me fait penser à un personnage du musée Tussauds. Russel a enfilé un pantalon large (genre baggy trousers) et porte un pull de couleur noire.
Le set débute par « So May We Start », un extrait de la bande-son du long métrage « Annette ». Russell sautille sur place tout en chantant. On dirait qu’il est monté sur ressorts. Et il doit être en parfaite forme physique, puisqu’il va régulièrement sautiller tout au long des deux heures de set.
Il y a quelque chose de contagieux et insidieux dans chaque chanson des Sparks. Parce que Ron est un mélodiste hors pair. Et puis parce que ces chansons s'insinuent jusque dans votre âme tout en martelant votre cerveau. Les mesures de « When Do I Get to Sing 'My Way' » et « My Baby's Take Me Home » dansent dans notre tête et entre nos oreilles. Malgré son âge, la voix de Russell est encore très puissante, mais elle est aussi capable d’osciller du grave au falsetto en passant par le baryton d’opéra, avec une facilité déconcertante.
L’expression sonore est aussi susceptible d’emprunter une dimension symphonique, mais mise au service d’une pop originale et flamboyante. Cependant, sous les couches d'humour et d'ironie pointent toujours une émotion sincère.
La setlist inclut les inévitable hits comme « This Town Ain't Big Enough For Both Of Us », « Number One Song In Heaven » ou encore « When Do I Get To Sing My Way », mais aussi des surprises telles que l’échec commercial « Wonder Girl » et bien sûr la reprise du « Johnny Delusional » de Franz Ferdinand.
Avant d’attaquer « Stravinsky’s Only Hit », Russel signale que son frère avait effectué des recherches sur Stravinski avant de composer ce morceau. Outre, « We Love Each Other So Much », second extrait d’« Annette », la setlist nous réserve quelques extraits du génial « Lil’ Beethoven », un LP construit autour de collages de boucles vocales répétées inlassablement et arrangées de façon minimaliste. Le travail effectué sur les voix est phénoménal et chaque morceau recèle le petit détail qui force l’admiration. Pendant « I Married Myself », Russel se regarde dans un miroir vintage. Projetant une lumière éblouissante et chaleureuse sur notre existence, « I Predict » frôle le sublime. L’auditoire est alors aux anges.
Ron est toujours aussi impassible. Parfois il esquisse un demi-sourire pendant quelques secondes. Il se lève quand même pour rejoindre son frère afin de poser une voix de slammer sur « Shopping Mall of Love », avant de retourner derrière ses claviers. Mais c’est l’euphorie dans l’auditoire lorsqu’il se redresse une nouvelle fois, jette son manteau noir sur ses claviers et exécute une danse d’automate désarticulé, avant de revenir, derechef, tranquillement derrière ses ivoires. Le passionnant « The Rhythm Thief », le déferlement électrique provoqué par « My Baby’s Taking Me Home » et en rappel, « Suburban Homeboy », constituent les points d’orgue du concert de Sparks. Parfois, le backing group s’efface afin de laisser la fratrie donner toute la mesure de son talent…
Un vrai régal ! Impérial ! Du grand art ! Un des meilleurs concerts auquel votre serviteur a assisté depuis longtemps. Du grand art !
Setlist : « So May We Start », « Angst in My Pants », « Tips for Teens », « Under the Table With Her », « Get in the Swing », « I Married Myself », « I Predict », «Wonder Girl », « Stravinsky’s Only Hit », « Shopping Mall of Love », « Johnny Delusional » (FFcover), « We Love Each Other So Much », « Edith Piaf (Said It Better Than Me) », « Lawnmower », « Music That You Can Dance To », « The Rhythm Thief », « Never Turn Your Back on Mother Earth », « When Do I Get to Sing ‘My Way’ », « My Baby's Taking Me Home », « The Number One Song In Heaven », « This Town Ain't Big Enough For Both Of Us ».
Rappel : « Suburban Homeboy », « All That ».
(Organisation : Ancienne Belgique)
Fondé à Glasgow, en 2001, Franz Ferdinand a sorti une compile en mars dernier. Intitulée « Hits to the Head », elle fait suite au dernier album studio, « Always Ascending », son cinquième, qui remonte déjà à 2018. Si vous l’ignoriez encore son patronyme est une référence à l’archiduc autrichien, assassiné à la veille de la première guerre mondiale. Bref, ce soir, le band écossais se produit au Cirque Royal de Bruxelles…
Et il est aux trois-quarts vide pour accueillir, en supporting act, la formation néerlandaise Pip Blom. Il est 20 heures, et il faut croire que le temps estival a incité le public à s’éterniser devant l’entrée ou sur les terrasses aux alentours, qui elles, sont toutes bondées. Des conditions pas évidentes pour une première partie qui doit assurer un set de 30 minutes chrono.
Particulièrement marqué par la musique des 90’s, Pip Blom pratique une forme de rock garage porté par une voix féminine forte et mélodieuse. La prestation ne manque pas d’allure ; et pour preuve, les applaudissements sont nourris, malgré le remue-ménage provoqué par les spectateurs qui investissent progressivement les lieux…
Vers 21h15, les lumières déclinent et un responsable du Cirque Royal annonce l’entrée sur scène imminente des Franz Ferdinand. Les fans de la première heure, qui ont quelque peu décroché, semblent surpris de constater qu’hormis Alex Kapranos et le bassiste d’origine Bod Hardy, le line up a été complètement chamboulé.
Ce sont donc trois nouveaux musicos qui sont venus apporter un vent de fraîcheur au Franz ; ce qui va nous permettre de découvrir quelques titres phares sous des versions contemporaines. Gros bémol, quand même, le drumming est définitivement bien trop en retrait. La frappe particulièrement rigoureuse et énergique de Paul Thomson manque cruellement au rock très écossais du quintet
D’emblée, « No You Girls » (2009) et « The Dark of the Matinée » (2004) confirment que la tournée est bien estampillée ‘best of’, dans l’esprit de « Hits To The Head ». Dans ces conditions, il n’est guère surprenant que de nombreux spectateurs commencent à reprendre ces chansons en chœur. Et cette réaction confirme que l’auditoire est constitué de fans, et pas de mélomanes lambda venus découvrir un combo actif depuis plus de 20 ans.
La plupart des titres sont imprimés sur un tempo beaucoup plus soutenu. Alex Kapranos est toujours un aussi bon showman, nonobstant ses 50 balais qu’il a fêtés le 20 mars dernier. Il saute, danse, se déplace d’un bout à l’autre de la scène sans relâche. Il libère une énergie véritablement galvanisante. Dans l’ensemble, la setlist est très bien équilibrée. Les morceaux cultes déchaînent une foule qui se trémousse dès les premières minutes du show, alors que les titres plus récents enregistrent des baisses de régime au sein de la foule.
« Take Me Out » vient littéralement retourner la salle, et l’incontestable ‘madeleine de Proust’ « Ulysses » ainsi que l’incontournable « Outsiders » clôturent un set qui procure un immense moment de joie autant chez les musicos que les spectateurs.
Les rappels font la part belle à l’elpee « Right Thoughts, Right Words, Right Action » (2013). Un choix pas tellement judicieux, puisqu’il va faire redescendre l’ambiance d’un cran, avant que l’inévitable et fédérateur « This Fire » ne la fasse remonter en flèche, pour le grand bonheur des irréductibles fans toujours gonflés à bloc, malgré ce coup de mou…
Une bien belle soirée, malgré tout, au cours de laquelle, l’auditoire a pris énormément de plaisir à réentendre les classiques du band, subtilement dépoussiérés, tout en conservant leur empreinte rock. En espérant, quand même que, à l’avenir, les Franz Ferdinand ne se contentent pas de tournées ‘best of’, mais bien de périples destinés à nous faire découvrir de nouvelles et solides compos que l’on puisse chanter à tue-tête. Ce ‘rock scottish’ que le groupe incarne si bien est bien trop précieux pour qu’il finisse dans les tiroirs aux souvenirs. Vu l’énergie manifestée par le leader (NDR : en grande forme, par ailleurs), on est en droit de l’espérer. En attendant, ne gâchons pas notre plaisir d’avoir savouré cette délicieuse madeleine !
(Voir aussi notre section photos ici)
Setlist :
Encore :
(Organisation Live Nation)
« The Other Side of Make-Believe », le septième opus d’Interpol paraîtra ce 15 juillet 2022. Parallèlement à l'exploration des sinistres courants sous-jacents de la vie contemporaine, les nouvelles chansons d'Interpol sont imprégnées d'une nostalgie pastorale et d'une grâce retrouvée. Les arrangements de guitare serpentins de Daniel Kessler s'élancent vers le ciel, Samuel Fogarino fait voler en éclats sa précision percussive dans des mètres étranges, tandis que la voix sonore de Paul Banks dégage une vulnérabilité qui risque de prendre au dépourvu la plupart des fans de longue date du groupe. Banks a d’ailleurs déclaré : ‘Après tout, Il y a toujours une septième fois pour une première impression’.
« Toni », le premier single est présenté comme le premier volet d'un film de danse réalisé par Van Alpert (Post Malone, Machine Gun Kelly), et partagé en deux parties. Le deuxième chapitre devrait suivre prochainement. À propos de cette collaboration, Banks a confié : ‘C'était un plaisir de travailler avec Van Alpert sur la vidéo de notre chanson Toni. Nous avons sympathisé autour d'une inspiration cinématographique commune et d'une passion pour les vidéos musicales classiques réalisées par des artistes comme Glazer, Cunningham et Jonze. Van, à mon avis, fait partie du club de ces légendes, et il est passionnant de le voir construire son propre corps de travail durable’.
Pour la première fois, Interpol a bossé en compagnie du vétéran de la production Mark Ellis, alias Flood, ainsi qu'avec l'ancien coproducteur Alan Moulder.
Le clip de « Toni » est disponible là
The Afghan Whigs a publié un nouveau single. Intitulé "I'll Make You See God", il s’agit de la première sortie depuis l'album "In Spades", en 2017. Ce titre sert également de B.O. pour le jeu ‘PlayStation Gran Turismo 7’.
Enlevé et bien électrique, "I'll Make You See God" met en exergue la voix puissante de Greg Dulli. ‘C'est l'une des chansons rock les plus difficiles que nous n’ayons jamais réalisées’, a déclaré Dulli… ‘Elle a été écrite et interprétée sur de l'adrénaline pure…’
Le single est en écoute ici
Supergroupe établi à San Francisco, en Californie, Spice réunit Ross Farrar et Jake Casarotti de Ceremony, Ian Simpson de Creative Adult et Cody Sullivan de Sabertooth Zombie. Sur son deuxième album, « Viv », la formation élargit sa palette poétique avec un son plus piquant et viscéral, travaillé pendant les tournées. Il a été enregistré par Jack Shirley (Deafheaven, Loma Prieta, Oatbreaker...) et mixé / masterisé par Sam Pura à Oakland.
Deux titres issus de ce futur opus, qui paraîtra ce 20 mai, sont sortis en singles en font également l’objet de clips ; en l’occurrence, "Any Day Now" (ici) et "Melody Drive" (là)
Seulement 6 mois après avoir gravé « In The Blue », Magon surprend de nouveau grâce à un quatrième album baptisé « A Night In Bethlehem », dont le titre marque un certain hommage rendu aux origines de l’artiste tout en dessinant le contour d’un nouvel univers aux couleurs et sonorités toujours aussi mystiques : le regard est cette fois-ci explicitement tourné vers les étoiles, vers ce sentiment de découverte de l’inconnu que la pochette de l’album, sur laquelle figure la gravure de Flammarion (1888), illustre aussi bien. Magon semble élargir encore une fois son registre lors d’un voyage qui garde à l’esprit le même psychédélisme qui le caractérise. Sur ce nouvel elpee, les 10 titres laissent davantage de place aux évolutions instrumentales tirées d’un monde sci-fi, tout en mettant en exergue des textes susceptibles d’emporter le mélomane, par ses histoires.
L’album paraîtra ce 6 juin 2022 et le titre "Halley's Comet" qui bénéficie d’un clip vidéo, est disponible ici
Le premier elpee du band chicagoan, Horsegirl, paraîtra ce 3 juin 2022. En attendant, il nous propose un nouveau single et une vidéo lyrique, intitulé "World of Pots and Pans", qui figurera sur l’elpee.
Penelope Lowenstein (guitare, chant), Nora Cheng (guitare, chant) et Gigi Reece (batterie) - les meilleures amies de Horsegirl - font tout ensemble : de l'écriture des chansons aux vocaux, en passant par l’instrumentation, le design sonore et visuel.
Horsegirl a enregistré « Versions of Modern Performance » au studio Electrical Audio de Chicago, sous la houlette de John Agnello (Kurt Vile, The Breeders, Dinosaur Jr.). On peut y entendre des éléments de la musique indépendante des années 80 et 90 que le groupe aime tout particulièrement : le sens mélodique filandreux de ce qu'on appelait le ‘college rock’, le lustre cool et pétillant de l'ère spatiale des vamps des années 90, le grondement chaud et bruyant du shoegaze ainsi que les accroches et les rythmes économiques du post-punk. Il y a même un zeste de no wave pour faire bonne mesure. Mais lorsque Horsegirl fusionne tous ces éléments, il communique à son expression sonore une nouvelle dimension.
Le clip de « World of Pots and Pans » est disponible là
La naissance de Clipperton remonte à 2015. Passionnés, les deux guitaristes en sont les fondateurs. Ce sont également les compositeurs. Ils sont ainsi responsables de belles chansons pleines de mélodies douces, envoûtantes et surtout accrocheuses. Le quintet joue du rock et il le fait bien, nous transportant loin, le temps d’une chanson, sur un îlot au milieu de l’Océan Pacifique.
Enregistré de nuit au studio Cryogène Prod à l’aide d’une multitude d’instruments vintage et masterisé à Globe Audio Mastering par Alexis Bardinet, il boucle un cycle de renouvellement pour le groupe originaire de Bordeaux qui avait démarré par “Change”.
« Abyss », son nouveau clip, est disponible ici
« The things we do no more », c’est le titre du nouvel Ep d’Eric In The Kitchen. Découpé en 6 pistes, il est disponible en streaming et en téléchargement (gratuit si vous le souhaitez)
Sur ce nouvel Ep, la musique oscille de l’indie pop au punk énervé en passant par le rock et l’électronique expérimentale. Chaque morceau a sa propre ambiance ; certains sont nouveaux et les autres parus de manière plutôt isolée.
L’Ep est en écoute ici
Ce soir, le Cirque Royal est bien rempli pour accueillir la nouvelle sensation hexagonale, Juliette Armanet. Elle est issue des Hauts-de-France et plus précisément de Villeneuve D’Asq, dans la banlieue lilloise. Ses parents, pianistes, la plongent dans le bain de la musique dès son plus jeune âge. Elle se consacre ainsi aux ivoires, jusqu’à l’âge de 11 ans, moment où elle commence à délaisser la musique classique pour la chanson française. Après des études de lettres et de théâtre, elle devient journaliste et réalise des documentaires pour Arte et France Culture, job qu’elle va assumer pendant 6 ans. Elle travaille également durant 2 années pour l'émission de TF1, ‘50 minutes inside’. Inspirée par Souchon, Alain Bashung et Barbara, elle aurait pu être la fille cachée de Véronique Sanson et Michel Berger, mais également revendiquer l’héritage musical de Souchon et Sheller. Son premier elpee, « Petite Amie », a récolté un énorme succès ; ce qui lui a permis de décrocher deux disques de platine. Son second, « Brûler Le Feu », est paru en 2021.
David Numwami assure le supporting act. Cet auteur-compositeur-interprète belge a d’abord milité au sein du groupe Le Colisée. Multi-instrumentiste, il a aussi accompagné Charlotte Gainsbourg et François and the Atlas Mountain. Il a aussi signé deux morceaux pour le dernier album de Moodoïd. Diplômé en musicologie et philosophie, il est devenu une figure incontournable de l’underground bruxellois et parisien. Sans oublier qu’il slamme avec Flavien Berger.
Sur les planches, David est soutenu par Clément Marion aux claviers. Vêtu de noir, la tête recouverte d’un bandana blanc sur des dreads, il se consacre à la guitare. Il se présente en chansons. Son falsetto est délicat et aérien. Et les harmonies vocales vocodées, auxquelles participe Clément, sont éthérées. Enfin, les arrangements musicaux sont soignés. Caractérisé par ses paroles déprimantes, « Beats ! » s’avère paradoxalement dansant. « Numwami World » nous entraîne tout en douceur dans l’univers de l’artiste. David ne se contente pas, en ‘live’, de reproduire fidèlement les morceaux de son premier opus, il laisse de la place à l’impro et à l’artisanat calculé. C’est ce qu’il déclare. Il souhaite, en outre, perpétuer une tradition initiée sous Le Colisée : réaliser des montages débiles. Bref, il ne se prend pas au sérieux…
Sortons du monde créé par David pour rentrer dans celui coloré de Juliette Armanet, une Lilloise à l’esprit bien trempé et à l’humour décalé.
Le décor extérieur est constitué d’une énorme voûte divisée en 3 niveaux. Sous celle-ci une estrade installée sur toute la longueur de la scène et de moitié en largeur est destinée à supporter les deux claviéristes, dont l’un des deux est également préposé aux congas, djembés, cymbales et autres cuivres. Le line up du backing group implique également un drummer, un guitariste et un bassiste. Un piano à queue se dresse au pied de l’estrade, devant les claviéristes. Libre, le reste de la scène est destiné à Juliette afin qu’elle puisse danser, s’exprimer en toute liberté et interagir avec le public.
Vêtus de noir, Juliette et ses musicos montent sur les planches. Le set s’ouvre par « Boum Boum Baby », un morceau chargé d’intensité percussive. D’ailleurs, lorsque le show monte en puissance, le décor s’anime de mille feux. On entre à pieds joints dans le monde de « Brûler Le Feu ». Tout au long de « L’Epine », derrière le piano, Juliette fait parler son cœur et sa tendresse. Sa voix est claire et cristalline comme celle de Véronique Sanson. Encore que parfois, elle me fait penser à celle de France Gall. Les chœurs soutiennent le sax mélancolique, tout au long de ce morceau dont le spleen coule à volonté. Le public est touché et applaudit chaleureusement.
Quand elle ne se consacre pas au piano, Juliette est partout à la fois. Elle bouge ou danse !
Elle revisite « L’Indien », derrière les ivoires, un titre qui monte en puissance avant de s’achever par une fameuse valse de sons comparable à une jam. « Imaginez L’Amour » opère un retour au calme.
Plus rock, « La Carte Postale » est extraite de son premier album.
Après « L’Amour En Solitaire », Juliette se réserve un petit entracte afin de changer de tenue. Constituée de petits miroirs collés, on dirait une boule à facette humaine. Elle aborde alors « Le dernier jour du disco ». C’est le moment fort du set. Juliette est devenue la star du dancefloor. Mi-électro, mi-funk », cette compo adresse un clin d’œil à Nile Rodgers. La basse est attaquée en slapping. Le drumming devient sauvage, tribal même. Juliette revient derrière son piano pour « J’Te L’Donne », une chanson interprétée dans l’esprit d’« Aline » de Christophe.
En extrapolant, on pourrait imaginer Sanson et Berger revenir sur les planches pour « Brûler Le Feu », une compo allumée, non pas par Johnny, mais par les percus et les cuivres.... Et le set de s’achever par le puissant « Tu Me Play ».
Juliette Armanet va cependant encore accorder deux rappels.
Tout au long de ce concert d’une énergie et d’une élégance folles, Juliette Armanet nous a ouvert grand les portes de son cœur, de ses chagrins et de ses espoirs, alternant audace et timidité, joie et de tristesse, lumière et obscurité, tout en confirmant au passage, avec cette sincérité brute qui n’appartient qu’à elle, qu’elle incarnait une certaine idée d’une pop music contemporaine chic, stylée, instinctive et exquise.
Elle reviendra à l’Ancienne Belgique le 5 décembre prochain.
Setlist : « Boum Boum Baby », « L’Epine », « Vertigo », « Qu’importe », « L’Indien », « Imaginer L’Amour », « La Carte Postale », « L’Amour En Solitaire », « Le Dernier Jour Du Disco », « J’Te L’Donne », « A La Folie », « Brûler Le Feu », « Tu Me Play »
Rappel 1 : « Je Ne Pensais qu’A ça, « Sauver Ma Vie ».
Rappel 2 : « Le Rouge Aux Joues », « Tu Me Play »
(Organisation : Back In The Dayz)
Depuis la sortie de son très inspirant single « Spleen », son nouvel elpee était très attendu. Il s’intitule « L’innocence ».
Avant de graver cet opus, Lisa Portelli était parvenue, en trois albums, à se forger une place de choix dans la chanson française à la fois insolente et réfléchie, tout en portant déjà haut la beauté des idées et du monde.
En douceur et profondeur, elle nous invite à une promenade, pas au sens d’une simple déambulation contemplative mais plutôt en gardant les sens aux aguets, en regardant et acceptant les choix que la vie offre à celles et ceux qui veulent bien le voir.
Dès le premier titre de l’elpee, « Ennemi », la voix douce et envoûtante de Lisa a de quoi réjouir. Le titre est prononcé dans le refrain par un chanteur et elle, en parfaite harmonie. Le piano, les détails électro et les instruments à vent apportent à ce titre une belle dimension. Son texte poétique nous parle de l’humanité et de son effondrement muet et salvateur.
En réponse, « Réalité », la deuxième chanson, nous parle d’une autre réalité possible en consonance avec la terre et ses promesses via l’humilité et la reconnaissance de ses richesses. La musique davantage acoustique laisse la part belle à la voix et au texte.
Les clips de ces deux premiers titres sont visibles ici et là
Le reste de l’album nous réserve encore huit titres dont un étonnant « Prière », au cours duquel la voix grave de Dani récite un poème qui traite de l’après fête et de la prière à l’immensité bleue qu’elle rejoindra un jour ; mais pas tout de suite. Parce qu’il Il reste encore d’autres choses à vivre.
« Promenade » dénote de l’ensemble de cet LP, par son côté funk et léger.
Caractérisé par sa mélodie au piano et ses quelques légers bruits énigmatiques, le titre maître a été composé par Lisa Nicolas Worms. La plage est exclusivement instrumentale.
Une œuvre à savourer sereinement.
En concert :
6 MAI - A THOU BOUT D'CHANT - LYON (69)
12 MAI - LA MARBRERIE - MONTREUIL (93) // RELEASE PARTY
19 MAI - FESTIVAL "ENTRE DEUX RIVES" - TANGER (MAROC)
8 JUIN - GRAND AUDITORIUM DU CONSERVATOIRE - REIMS (51)
17 JUILLET - LES FRANCOFOLIES - LA ROCHELLE (17)
8 NOVEMBRE - LA BOUCHE D'AIR - NANTES (44)
22 NOVEMBRE - FESTIVAL "CHANTS D'ELLES" - SOTTEVILLE-LÈS-ROUEN (76)
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