Le groupe gallois CVC a sorti, ce 14 avril 2022, un tout nouveau single et une vidéo live, consacré à « Docking The Pay ».
Formé en 2019, CVC (pour Church Village Collective) a choisi pour patronyme l'endroit dont il est originaire, situé au sommet d'une colline dans les Welsh Valleys à environ 10 miles au nord de Cardiff. Le groupe, composé du chanteur Francesco Orsi, des guitaristes chanteurs David Bassey et Elliot Bradfield, du bassiste Ben Thorne, du batteur Tom Fry et du claviériste et percussionniste Daniel 'Nanial' Jones, est responsable d’une musique riche et mélodique, agrémentée de riches harmonies à trois voix, et imprégnée de l'histoire du rock.
Ce titre est issu d’un premier elpee, dont la sortie n’a pas encore été fixée. Les sessions se sont, cependant, déjà déroulées. Entièrement produites par le groupe, les compos ont été mixées par Ross Orton (Arctic Monkeys).
La vidéo de « Docking The Pay » est disponible là
Mitzpah, projet avorté des années 80 avec Hervé Zénouda (Stinky Toys), Gregory Davidow (Spions) et Yann Le Ker (Modern Guy), dévoile un premier morceau de son album, « Lonesome Harvest: Re-enactment N°1 (Paris 1981) » qui paraîtra le 13 mai 2022 !
Paris 1981. La vague punk est passée et une nouvelle décennie s’ouvre. Les Stinky Toys ont splitté depuis deux ans et Hervé ‘le batteur du punk’ Zénouda, dissident des influences 60’s du groupe d’Elli & Jacno, a des ambitions de songwriting et cherche des collaborateurs. Il est un observateur attentif de ce qui se passe de l’autre côté de l’Atlantique, à savoir les étranges lumières que Television et ses Jazzmaster tracent dans le Manhattan nocturne comme autant de guides, ou les murs du son à trois accords que percutent les drummings quasi-expérimentaux des Feelies. Il s’apprête d’ailleurs à aller vivre à New York pour deux années. Cet été-là, pourtant, c’est avec un transfuge de l’Est qu’il va former un duo : Gregory Davidow, performer, écrivain, musicien, frontman des Spions, ‘le premier groupe punk du pacte de Varsovie durant l’été de la haine 1977’, qui vient juste d’être expulsé de Budapest par les autorités communistes. Le binôme Est-Ouest s’aventure à une mission post punk —nom de code Mitzpah, ‘un mélange des mots hébreux mitzvah et chutzpah, où le premier décrit l’innocence mature du débutant dévoué et le second l’arrogance louche d’un étranger illégal’ dira Davidow. À Paris, puis à New York, Davidow et Zénouda enregistrent des démos destinées à un label parisien avec l’aide des ex-Modern Guy, Yann Le Ker aux guitares et Jean-François Coen à la basse. Malheureusement le label, sous l’effet des vagues successives, sera très vite englouti dans les mers agitées du show business et Mitzpah, bouteille à mer, dérivera pendant près de 40 ans, avant de resurgir aujourd’hui…
Découvrez le clip « In Andy Warhol's Factory » ici
En 2020, grâce à une co-production du label toulousain Pop Supérette, Hervé Zénouda décide de reprendre ce projet et de réenregistrer l’ensemble des chansons en compagnie de la plupart des musiciens originaux.
‘Un document important dans l’histoire du rock français —fin de la première vague punk, début d’une nouvelle ère des années 1980. Où deux chemins vont s’ouvrir, celui du post punk d’un côté et celui des prémisses de la French Touch de l’autre’ déclare Zénouda.
Originaire de Los Angeles, la chanteuse, compositrice, multi-instrumentiste et productrice en herbe KALI, âgée de 17 ans, nous propose son nouveau single et clip "Addicted", en s'appuyant sur les nouvelles bases sonores posées par son précédent, "Anybody Else".
Le clip, réalisé par Zealand Yancy, montre le côté espiègle de KALI, dans un match de basket-ball contre un adversaire malicieux qui porte un masque de limace…
Le clip d’"Addicted" est à voir et écouter là
Sam De Nef vient de terminer l'enregistrement de son premier album, un disque dont la sortie est prévue pour cet automne. Et il s’intitulera « Dawn/Dusk ». En attendant, il nous en propose un extrait, « Passerby's Ghost », sous forme de clip, une chanson qu’il a interprétée en duo avec la chanteuse de Chicago, Jess de Tenci.
Et il est disponible, ici
Laurent Bardainne & Tigre d’Eau Douce (feat. Bertrand Belin)
Quelle jouissance d’écouter enfin un titre qui sert de bel écrin au répertoire de Bertrand Belin.
Parce que pour être honnête, le virage artistique opéré sur les trois derniers albums par le natif de Quiberon n’a pas vraiment convaincu votre serviteur. Répétitions de mots à outrance, plus secs. Débit vocal plus parlé que chanté. Direction musicale essentiellement électronique.
Mais ici, quelle claque ! La collaboration avec le compositeur et saxophoniste Laurent Bardainne flanqué du band Tigre d'Eau sublime sa voix et son texte.
Talentueux, Laurent Bardainne a apporté son concours aux artistes les plus notoires, de Pharrell Williams à Tony Allen…
Il évolue en souplesse au milieu de courants musicaux qui oscillent de la soul des années 70 à l’éthio-jazz en passant par le jazz de Coltrane.
À ses côtés, Tigre d’eau douce, quartet de jazz puissant, implique Arnaud Roulin à l’orgue Hammond, Sylvie Daniel à la basse, Philippe Glaizes à la batterie et l’incontournable Roger Raspail, qui a déjà joué aux côtés de Kassav’, Cesária Évora et Meshell Ndegeocello, entre autres, aux percus.
La plage nous transporte littéralement dans une ambiance électro douce suivie rapidement par les instruments à vent, le saxophone principalement, et des chœurs qui procurent une magnifique accroche dès le début du morceau. La basse et la batterie ne sont pas en reste en apportent un génial soutien tout au long du single.
C’est un très subtil mélange entre des instruments réels et une musique électronique ciselée à l’or fin. Il a un côté solaire et extrêmement réjouissant.
Quant au texte... Attention spoiler ! C’est l’histoire de quelqu’un ou de quelque chose qui souhaiterait ardemment devenir un oiseau. Quelles belles images pour décrire cette envie. On découvre vers la fin du titre que le serpent le jalouse, alors que par sa nature, c’est tout son contraire. Pour vivre, il est même forcé de manger les œufs de celui qu’il admire. Ultime bassesse, Il se moque in fine de l’être admiré en imitant son ‘cui-cui’. Terrible fatalité ! Un beau parallélisme à la condition humaine.
Merci Laurent Bardainne, d’avoir invité Bertrand Belin sur votre très beau morceau de jazz flamboyant !
Pour écouter le titre sur YouTube c’est par ici et sur Spotify, là
Au travers de sa musique, November Ultra nous invite à plonger dans la lecture de son journal intime. Dans un élan qui vient du fond du cœur, elle partage autant d’histoires enrichies des multiples facettes de la vie (des plus lumineuses au plus sombres), mises en musique au son d’une pop patinée d’influences r&b, folk et de comédies musicales, entre autres.
La musique –et le chant notamment– a toujours été source de bonheur, une discipline apaisante aux oreilles de November. Pourtant, l’artiste n’est pas que douceur et tendresse, mais également force et puissance.
D’une voix envoûtante, elle chante tour à tour en français, anglais ou espagnol. Ce qui lui permet de se procurer une certaine assurance dans sa zone de confort. L’artiste a été découverte grâce à « Soft & Tender », une chanson douce colorée par quelques pincements de sèche. Cette combinaison guitare/voix est reproduite sur plusieurs morceaux.
Chargés d’émotion, « Fade » et « Nostalgia / Ultra » mettent en exergue sa jolie voix qu’elle pose sur des accords d’ivoires atmosphériques. Une voix parfois samplée ou vocodée. Sur le second morceau, lorsqu’elle opte pour la langue de Cervantès, à mi-parcours, elle nous emmène dans son jardin secret en parlant de ses origines espagnoles et tout particulièrement de son grand père.
« Septembre » et « Open Arms », piste qui clôt d’opus, sont sculptés dans un folk particulièrement limpide.
L’artiste se produira en concert à l’Ancienne Belgique le 10 juin 2022.
Fleddy Melculy a donc programmé la troisième édition de son ‘Fleddy Palooza’ (NDLR : le ‘lollapalooza’, dans un coin de la tête), ce samedi 16 avril 2022. Les deux premières s’étaient déroulées en 2017 et 2019. Le groupe flamand y invite, chaque fois, les pointures du métal qui sévissent au Nord de la Belgique. En septembre 2021, le groupe a gravé son 4ème album, « And Just Niks For All ». Ouverture des portes à 15h00. On se demandait quand même quel serait l’ordre de passage des groupes ; car rien n’avait filtré sur le net. Le festival n’a cependant attiré que 350 âmes…
Hippotraktor
Les hostilités débutent dès 16h30 par Hippotraktor, un poulain de l’écurie allemande Pelagic. Réunissant des musiciens issus de Psychonaut et Before He Shot Her, cette formation malinoise a publié son premier elpee, « Meridien », en octobre 2021. Elle pratique une forme de metal, qu’on pourrait qualifier de sludge progressif, les compos se révélant tour à tour sauvages ou fluides. Particularité, le line up implique deux vocalistes. Chevelu, Stefan De Graef, tient solidement son pied de micro et lorgne constamment vers le second, Sander Rom. La tignasse blonde, il se cache derrière les amplis entre chaque chanson. En fait, il est normalement préposé à la guitare, mais comme il s’est blessé, il se limite aux parties vocales. C’est Chiaran Verheyden qui se consacre à la six cordes, alors que Jakob Fiszer se réserve la basse et Lander De Nyn, les drums.
Deux toms basse sont mis à la disposition de Stefan, qui ne va cependant s’en servir qu’à deux reprises. Point d’orgue du set, « God Is In The Slumber » se distingue par la rythmique basse-batterie-percussion très prog. Une rythmique qui se révèle particulièrement saccadée sur « Joncture », un autre morceau prog au cours duquel les cordes électriques paisibles et le tempo martial jouent sur les contrastes. Un peu court, mais excellent !
Coffin Feeder
Chez Coffin Feeder, les musicos sont issus des trois régions différentes de la Belgique. Le band implique des membres d’Aborded et Leng Tch’é, ainsi que le chanteur de Fleddy Melculy, Jeroen Camerlynck, reconverti pour la circonstance, à la guitare. La setlist est puisée au sein d’un Ep 6 titres. Baptisé « Stereo homicide », il est paru début mars 2022. Quelque part entre screamo, death metal, grindcore et hardcore, la musique de Coffin Feeder décoiffe littéralement. Au micro, Sven hurle à s’arracher les cordes vocales. Parfois, ses cris supplantent le volume des drums. Sur les planches, Sven est partout à la fois. Heureusement que le set n’a duré que 30’, sans quoi, il terminait aphone. Une prestation énergique, mais franchement assourdissante !
Setlist : « Volumes », « Plug It In », « Dead Or Alive, You’Re Coming With Me », « Capture For », « Consumption », « Toolbox », « DFENS », « A Good Supply Of Body Bags », « Stereo Homicide », « Doomsday Device », « Several Survival »
Bark
Place ensuite au trash metal de Bark. Dont le sigle est reproduit sur une toile à l’arrière du band, soit celle d’un loup aux yeux rouges, la gueule ouverte et montrant les crocs.
De petite taille et coiffé d’une crête d’Iroquois, Ron Bruyneels se consacre aux vocaux. Sa voix est susceptible de déchirer vos tympans. Une chose est sûre : il a du coffre. Et puis, les grattes libèrent des sonorités sales et graisseuses. Pourtant, ténébreuse, l’expression sonore demeure mélodique.
Martin Furai, le sixcordiste de Destruction, est revenu expressément de Glasgow, pour se produire en compagnie de Bark. Les compos sont bien structurées. Très présent, le chanteur invite la foule à exécuter des round circles qui s’amorcent timidement. La setlit va privilégier des extraits du dernier long playing, « Relics » (le groupe doit en avoir sorti une dizaine, à ce jour), gravé l’an dernier, et ne pas oublier le dernier single, publié en novembre 2021, « Stitches ». Un set bien structuré, mais pas vraiment conseillé aux tympans délicats…
« Voice of dog », « All hell breaks loose », « Mass lobotomy », « Day of the witch », « I'm a wreck », « Hollow words », « Written in stone », « They are all dead », « Roll the dice », « Last breath », « I remain untamed ».
Killthelogo
Originaire de Kontich, Killthelogo réunit deux anciens membres de .Calibre et de Facedown. En l’occurrence le chanteur Daniel Mies et le guitariste Niko Poortmans. Fondé en 2002, .Calibre pratiquait une forme de funk/metal. Et il avait intitulé un de ses albums « Killthelogo », dont le band s’est inspiré pour déterminer le patronyme du groupe. Qui est devenu particulièrement populaire, se produisant notamment dans le cadre des festivals Pukkelpop et Werchter. Le band a cependant pris une pause de 16 longues années, avant de refaire surface, mais en compagnie de trois autres musiciens. En l’occurrence Sven Leyemberg (ex-Minus45°, Cyclus) à la guitare, Herwig Scheck (ex-Quiet, ex-Concrete) à la basse et le drummer Jonas Sanders (Pro-Pain, Angel Crew, Komah, Emptiness). Et un nouvel album est paru en novembre 2021, « Reset ».
Tout comme chez Bark, le logo imprimé sur une grande toile, est tendu à l’arrière-plan. De larges extraits du dernier long playing figurent au sein de la setlist.
« Iconoclast » ouvre les hostilités. D’abord paisible et bercée de cordes de gratte empreintes de sérénité, cette ballade finit par s’emballer. Malgré l’injection d’une dose furieuse de nu-metal, « The Deep State » trahit toute la fragilité du chanteur. Les textes tiennent parfaitement la route, dénonçant les injustices sociales, s’insurgeant face à la vente sur Internet, condamnant les entreprises qui exploitent les transporteurs de colis ou encore critiquant les taxes, l'industrie pharmaceutique et le culte des individus. Musicalement, le mélange de metal, de rap (NDR : la voix est plus scandée que chantée) et de funk s’inspire naturellement de Rage Against The Machine et de Linkin Park. La section rythmique s’impose tout au long des puissants « Taxes » et « Conspiracy ». La ligne de basse domine « Buy More Sh!t », alors que les lignes de guitares s’activent, dans l’esprit d’un Limp Bizkit originel. « Calibre » et « Meritocrazy » retournent aux sources. Back to the 90’s !
Setlist : « Iconoclast », « The Deep State », « Taxes », « Boutique Pharma », « Calibre » (cover), « Meritocracy » (cover), « Conspiracy », « Warehouse Moguls », « Fuck Your Data », « Buy More Sh!t », « Riot As One »
Spoil Engine
Il était temps ! Enfin une femme figure au sein du line up d’un groupe, ce soir. Une chanteuse, fallait s’en douter. Jeune et jolie, Iris Goossens possède une voix grave, mais puissante. Dommage que ce soit la dernière fois qu’elle se produit en concert, car elle a décidé de suivre son ami à Los Angeles, pour s’y installer. Car, c’est elle qui apporte la touche d’originalité au metalcore de Spoil Engine. Pas de bassiste cependant, mais deux gratteurs (Loco et Gaze), dont les interventions huileuses et graisseuses sont pourtant rigoureuses ; et un drummer dont la frappe métronomique est implacable. Le band s’autorise une excellente cover du « Yesterday Don't Mean Shit » de Pantera. D’après les mauvaises langues, la version serait bien plus pétillante que l’originale. La setlist va nous réserver plusieurs extraits du dernier elpee du combo, « Renaissance noire », publié en 2019, ainsi que le single « Unlock And Release », paru en 2021. Lorsque les riffs de gratte commencent à galoper, c’est pour talonner la voix particulière d’Iris. Un concert vraiment épatant. Signe qui ne trompe pas, la formation a réveillé la foule. Elle a même mis une ambiance de feu et déclenché, dans la fosse, de nombreux rounds circles… Une belle claque métallique dans la tronche…
Fleddy Melculy
Pendant, le changement de matos, les haut-parleurs crachent des morceaux du Queen. Car évidemment, Fleddy Melculy s’est invité pour son festival. Il assure la tête d’affiche. Au sein du line up, la tête pensante, c’est le chanteur, Jeroen Camerlynck, autrefois impliqué chez Fanfaar. Le patronyme est emprunté à une pièce de théâtre consacrée à feu Farrokh Bulsara. Le quatrième album du combo, « And Just Niks For All », est sorti en 2021.
Les aficionados sont maintenant chauffés à blanc. Votre serviteur également. Une immense rampe lumineuse s’étale sur toute la largeur du podium. Derrière le drummer une toile sur laquelle figure le nom du band a été tendue.
Les gratteurs sont masqués (un guitariste et le bassiste). Ils sont hyper actifs, livrent des riffs dévastateurs et viennent constamment haranguer le public. Les textes sont dispensés dans un dialecte bruxellois flamand. L’idiome est amusant à écouter.
Jeroen est particulièrement interactif. Entre les morceaux, il raconte des blagues dans son patois si truculent. Sculptés dans un metalcore intense, les titres s’enchaînent dont le plus connu reste toujours « Tee Shirt Van Metallica ». Mais Fleddy a également son tee-shirt. Mais pas de trace du succulent « Apu Van De Nightshop ». Toutes les chansons sont devenues des hits au Nord de la Belgique.
Sven (Goffin Feeder) débarque pour chanter d’une voix puissante « De Wereld Is Wondermooi ». Ross de Length Of Time fait le pitre sur les deux estrades placées à l’avant du podium où sont dissimulées d’impressionnantes machines à fumigènes. Iris prête aussi sa voix à « 668 ». Enormément d’intensité au cours de ce show qui a conquis le public venu applaudir Fleddy Melculy.
A l’année prochaine pour la quatrième édition du Fleddypalooza !
Setlist : « Slaap », « Ik Ben Kwaad », « Stop », « Fuck Uw Vrienden » », « Feest Je In Uw Huisje », « Geen Vlees Wel Vis », « God Is Een Kapper », « De Wereld Is Wondermooi », « 668 », « Freddie », « De Hel Niet Gezien », « Beest », « Backstage », « Niks », « Geen Tijd Voor Spijt », « Brood », « Tee Shirt Van Metallica-Fleddy ».
Rappel : Voor Altijd Jong ».
(Organisation : Ancienne Belgique)
Fleddy Melculy + Spoil Engine + KillTheLogo + Bark + Coffin Feeder + Hippotraktor
Deux ans après avoir gravé un Ep éponyme, Glauque dévoile un puissant premier titre extrait de son très attendu premier album. Abordé comme un constat, « Plan Large » effile les absurdités manichéennes personnelles et sociétales.
Dans un fragment de destin, Glauque dépeint les antagonismes et les schémas destructeurs stéréotypés de l'artiste en relation au monde qui l’entoure. Le groupe confronte à son propre reflet les normes établies, les choix de vie ou de pensées, et nos réponses face à ces normes. Que penser, que suivre ou ne pas suivre, quelle place prendre dans un monde où on ne peut que constater l'ineptie toujours grandissante d'une réalité au scénario où noir et blanc s'opposent sans nuance.
Avec « Plan Large », Glauque ancre dans son intrinsèque énergie de l’urgence l’insatiable quête de sens d’une existence en marge d’une société froide et partiale.
Sur la carte des musiques actuelles, Glauque marque le territoire de son identité forte. Ouverte aux expériences électroniques, la formation modifie l’ADN du hip-hop et explose les codes de la chanson française.
Groupe tout-terrain, collectif hors-catégorie, Glauque se faufile entre algorithmes et fils d’actualités. L’univers de Glauque repose sur des contrastes saisissants. Ainsi, à travers sa musique, le groupe cristallise les paradoxes de l’époque. Au croisement des progrès technologiques, de défis écologiques et d’une humanité en danger, le monde des fake news n’est pas forcément celui que l’on voit. Comme chez George Orwell ou Philip K. Dick, la réalité de Glauque entretient des liaisons avec la dystopie et les récits de science-fiction.
Pour découvrir la vidéo, c’est là
En concert
27/04/2022 – Les Nuits Botanique, Bruxelles
19/05/2022 – Reflektor, Liège
21/07/2022 – Francofolies, Spa
https://www.facebook.com/glauqueband
https://www.instagram.com/glauque.band
https://www.youtube.com/c/glauque
Difficile de faire preuve d'originalité dans son commentaire lorsqu'un groupe, même talentueux, ne parvient pas à se renouveler. Depuis 1992, ce trio issu de Houthalen affronte un même popcore contagieux, convulsif, énergique, inspiré à la fois par les Pixies, Lou Reed et les Feelies. Un style tellement homogène que nous pourrions aisément panacher l'ordre de sortie de toute la discographie de la formation sans que vous ne vous en rendiez compte. Sachez donc simplement que ce "Dum-Dàda" vient de sortir. Un opus de bonne facture, mais qui ne fera certainement pas avancer le schmilblick!...
Aux abris! Même si la guerre touche à sa fin. Tout au long de cet elpee, nos oreilles ont été soumises à un feu nourri d'artillerie lourde... Autre comparaison tout aussi douteuse, l'effet de ce "Talgunnerangeless" nous rappelle le plat national teuton. Saucisse, choucroute, et bière tiède dont la mousse est retombée au contact de molécules grasses. Faut dire également que pour un groupe allemand, sampler un discours de propagande hitlérienne n'est pas non plus du meilleur goût. Un groupe qui risque donc fort de ne pas faire führer...
Le supporting act est assuré par Just Mustard, un quintet également irlandais, mais dont le lead vocal est assuré par une fille ; en l’occurrence Katie Ball, dont la voix, éthérée, douce et presque murmurée, rappelle le plus souvent Harriett Wheeler des Sundays. A son actif 4 Eps et un album (« Wednesday »), sorti en 2018.
Dès le début du set la batterie cogne sec et percute. Toute la salle vibre sous le martèlement hypnotique, tribal du drummer. Oscillant entre post punk et shoegaze, la musique nous plonge au sein d’un univers tour à tour paisible ou corrosif, sis à la croisée des chemins de Beach House et de My Bloody Valentine. En général, la musique est construite sur une forme de crescendo atmosphérique, tendu et troublant, sur lequel la ligne de basse ondule. Mais lorsque Dave Noona, l’un des deux gratteurs, se fend d’un hurlement féroce, les deux sixcordistes explosent le mur de son. Une puissance viscérale qui contraste avec l’attitude imperturbable, presque glaciale de Katie. Et pas davantage d’interaction entre le public et le combo, qui semble cultiver cette distance. Un concert fort intéressant, rappelant la bande à Kevin Shields et tout particulièrement un concert qu’elle avait accordé dans l’ancien Aéronef, rue Solferino, en 1992. Même que le son de Just Mustard était presque (enfin, pas tout à fait, quand même) aussi puissant… (voir aussi notre section photos là)
Après une intro ‘soul’, les cinq membres de Fontaines D.C. grimpent sur les planches. Grian Chatten, le chanteur, salue la foule, mais on ne peut pas dire que ses fringues rivalisent d’élégance. Il a enfilé un tee-shirt de couleur noire XXL et un pantalon de jogging tout aussi extralarge. A contrario du gratteur Conor Curley, tiré à 4 épingles, et qui ne quittera jamais sa veste de tout le show. Pendant que les musiciens entament le set par « A lucid dream », morceau caractérisé par des sonorités de guitare surf, Grian déambule sur les planches en secouant une de ses mains. De loin on dirait qu’il cherche à se débarrasser d’un adhésif resté obstinément collé sur les doigts ; mais en fait, il s’agit d’une clope électronique qu’il manipule compulsivement (de couleur grise, merci Ludo). Un tic qu’il reproduira régulièrement tout au long de la soirée. Et puis, sa morgue évoque plutôt Liam Gallagher ; d’ailleurs quand il est face au micro, on dirait qu’il toise l’auditoire, une main dans le dos, alors que ses inflexions vocales hésitent entre celles de feu Mark E. Smith et de Damon Albarn. Imprimé sur un rythme modulaire et percutant, « Sha Sha Sha » rappelle curieusement The Clash. Une sèche et une fuzz alimentent « Jackie show the line », moment choisi par le light show, suspendu, au plafond, de reproduire des flammes oranges qui (re)montent et (re)descendent. Le public reprend en chœur les paroles du single « I don’t belong », démarche qu’il va régulièrement entreprendre sur les titres les plus connus. Chatoyantes, brimbalantes, les six cordes chamarrent littéralement « You said ». Une intensité électrique en crescendo digne des premiers albums de Radiohead inonde « Television screens », alors que la basse de Conor Deegan III trace une ligne gothique. Tom Coll (NDR : si Chatten paume sa cigarette électronique, il pourra toujours lui refiler du papier collant) imprime un tempo tribal à « Chequeless Reckless ». Les gobelets de bière voltigent dans les airs (NDR : et pourtant, ce n’est pas la St Patrick ; d’ailleurs, comme les Anglais, les Irlandais ne gaspillent jamais la bière : ils la boivent, même chaude !) L’ambiance monte d’un cran pendant « Television screens », alors que l’un ou l’autre téméraire se lance dans le crowdsurfing et qu’un fan apparemment surexcité, juché sur les épaules d’un comparse, brandit un drapeau irlandais. A mi-parcours de la ballade nostalgique « I love you », Chatten se met à déblatérer à une cadence soutenue, une compo qui, à son issue, déclenche une grosse clameur dans la fosse. Régulièrement, Grian tente d’enfoncer son pied de micro dans le plancher (NDR : aurait-il trouvé du pétrole ?) Et tout particulièrement pendant l’incendiaire « Too real », moment choisi par O’Connell pour faire une incursion rapide au sein des premiers rangs. Ode à la jeunesse, « Roy’s tune » permet au band de souffler quelques minutes. Les grattes alternent moments atmosphériques, réminiscents du Cure, et jaillissements acides, tout au long de « Stinky Fia », le titre maître du nouvel opus, alors que la voix de Chatten est trafiquée par un filtre vocodeur. Bref, mais tribal et fulgurant, « Big » est sculpté dans le punk rock. Et le set de s’achever par « Boys in a better land », un peu comme si Chatten prononçait un sermon face à une congrégation acquise à sa cause mais particulièrement réactive face à face à son discours ; et le tout sur un rythme insidieusement calqué sur le « Gloria » de Them, une formation irlandaise légendaire, mais du Nord, dont le leader, Van Morrison, né en 1945, se produit toujours sur scène, mais sous son propre nom ! (NDR : et pour l’anecdote, sachez que Grian a récupéré le drapeau…)
Fontaines D.C. se fait désirer pendant de nombreuses minutes, et finalement décide de revenir sur l’estrade. Il attaque d’abord le rythmé « Here’s death », embraie par le punk rock tribal et débridé « Hurricane laughter », un titre traversé de larsens, au cours duquel Chatten susurre des ‘ssss’, tel un serpent à sonnettes, puis ose un bref bain de foule, avant que Carlos O’Connell, le guitariste le plus déchaîné, ne se lance dans un crowdsurfing, sur dos, tout en jouant de la gratte. Le concert s’achève par « Nabokov » une nouvelle compo (NDR : elle figurera sur l’album « Stinky Fia ») qui se réfère probablement à Vladimir Nabokov, écrivain russo-américain auteur, notamment, du roman polémique « Lolita ».
Un excellent concert, au cours duquel les musicos ont fait preuve d’une grande maîtrise, même si on a eu l’impression que hormis O’Connell, ils n’ont jamais puisé dans leurs réserves. Début de tournée ? Peut-être ! N’empêche on est probablement occupé d’assister à l’éclosion d’un futur monstre sacré de la rock music (70 ans d’existence, quand même !) Et puis, pourquoi pas, vu le patronyme, il pourrait servir de fontaine(s) de jouvence à cette scène en pleine expansion, mais soigneusement reléguée dans la zone crépusculaire de l’underground. A tel point que sa future tournée pourrait passer par des salles du calibre du Zénith ou de Forest National. Mais seul l’avenir nous l’apprendra…
(Voir notre section photos ici)
(Organisation : l’Aéronef, Lille)
Setlist
A Lucid Dream
Sha Sha Sha
Jackie Down the Line
I Don't Belong
You Said
Television Screens
Chequeless Reckless
Televised Mind
I Love You
Too Real
Roy's Tune
Skinty Fia
Big
Boys in the Better Land
Encore:
Hero's Death
Hurricane Laughter
Nabokov
(Merci à Guy et Ludo)
« Sound of the Morning », le nouvel elpee de Katy J Pearson, sortira ce 8 juillet 2022.
Écrit et enregistré à la fin de l'année 2021, cet opus a été coproduit par Ali Chant (Yard Act et le maître d'œuvre de « Return », le premier album de Katy) et l’un des boss du label Speedy Wunderground, Dan Carey (Fontaines DC).
Sur ce disque, Katy ne craint plus d'explorer les aspects les plus sombres de la vie, mais le fait avec une ouverture pleine de lumière.
Issu de ce futur long playing, « Talk over town » est disponible en vidéo ici
« Tommy », c’est le titre du nouvel Ep d’Anna Calvi qui paraîtra ce 6 mai 2022. Il recèlera quatre nouvelles chansons de l’artiste, dont une reprise de "Red Right Hand" (la chanson thème de ‘Peaky Blinders’ signée Nick Cave & The Bad Seeds), une reprise du "All The Tired Horses" de Bob Dylan et deux chansons originales écrites spécialement pour la série ‘Peaky Blinders’ (saison 6), "Ain't No Grave" et "Burning Down".
Pour l’enregistrer elle a reçu le concours de Nick Launay, un collaborateur habituel, producteur de son troisième album studio « Hunter » ainsi que des albums de Nick Cave and the Bad Seeds, Yeah Yeah Yeahs, Grinderman et IDLES.
« Ain’t no grave » est en écoute là
Bien que fondé en 1986, Loop vient seulement d’enregistrer son quatrième elpee. Le groupe britannique a bien pris une pause entre 2002 et 2013, moment choisi par Hampson pour tenter l’aventure Main alors que les autres membres rebondissaient chez Hair & Skin Trading & Co ; mais il faut quand même reconnaître que sa production vinylographique n’est pas très abondante. Et pourtant, il est considéré comme une référence dans l’univers de la musique post psychédélique, en se nourrissant à la fois de shoegaze et de krautrock. La maigre production de Loop s’explique également par l’emploi du temps de Robert Hampson, davantage focalisé sur la chimie, la science et l’astronomie…
En 2015, le band avait bien gravé un Ep (« Array »), mais il y a donc 32 longues années que Loop n’avait plus sorti de long playing. Un bail ! Et hormis Hampson, le line up a été complètement renouvelé. Ce qui n’empêche pas cet LP de se distinguer par sa qualité. On y retrouve les caractéristiques principales de sa musique : des rythmes hypnotiques et ’motorik’ (Can, Neu !), des vocaux cosmiques, des sonorités de guitares bourdonnantes, tourbillonnantes, mais aussi en boucle, et puis cette batterie tribale et frénétique. Et franchement, le tempo imprimé par le drummer est hallucinant !
Probablement un des albums de l’année !
Dès « Rising seas », le morceau qui ouvre l’elpee, on ne peut s’empêcher de penser à « Beds are burning », « Golden age » ou encore « Blue sky mine ». Un morceau bien rock, punchy, dont la formation australienne a le secret. Et le bien enlevé « At the time of writing », enrichi par une intervention de sax, en fin de parcours, ainsi que « Nobody’s child », dynamisé par ce piano martelé comme chez les légendes du rock’n’roll, sont de la même trempe. « The Barka – Darling river » démarre sur le même canevas avant de virer à la ballade, sur fond de bruitages psychédéliques. Ballade mid tempo tramée sur une gratte acoustique, « Tarkline » aurait pu figurer au répertoire de REM. Une sèche bien élégante qui amorce « Reef », une piste enrobée de chœurs, avant que la six cordes électrique ne prenne son envol. Bien que s’appuyant sur une texture synthétique sombre, « We are not afraid » bénéficie du concours d’une section de cordes. Fiévreux, « Lost at sea » trempe dans du Midnight Oil, pur jus. Tout comme « We resist », dont les arpèges en boucle libèrent des sonorités élégantes. Ainsi que « Last frontier », morceau final, au cours duquel Peter Garrett se demande qui va réparer les dégâts que nous causons à la planète. Car oui, évidemment, toutes les compos traitent des problèmes environnementaux, et tout particulièrement du dérèglement climatique, mais également des immenses défis que l’homme va devoir relever pour sauver notre planète.
Midnight Oil compte accomplir une toute dernière tournée mondiale. Il pourrait encore donner une suite à ce 12ème opus studio, mais rien n’est moins sûr. Faut dire que lors de sessions d’enregistrement qui se sont déroulées en 2019, le bassiste de longue date, Bones Hillman, était encore de la partie. Il est décédé 12 mois plus tard. Et cet LP lui est dédié à titre posthume.
Après 16 ans d’absence, le guitariste John Frusciante est de retour au bercail et dès les premiers accords, on reconnaît son style inimitable, parfois même flamboyant. Et le 12ème elpee de la formation californienne marque également la réapparition de Rick Rubin à la mise en forme.
17 titres pour 70 minutes, « Unlimited love » peut paraître un peu tiré en longueur, mais s’il ne souffre pas de morceaux faibles, il manque quand même de titres percutants. On y retrouve, bien sûr, ce groove funkysant, la basse caoutchouteuse de Flea, les coups de caisse claire de Chad Smith et ce débit vocal ‘parlé/chanté’ si caractéristique de Kiedis, susceptible d’accélérations fulgurantes ; et bien sûr, les interventions chargées de contrastes, parfois réminiscentes des 70’s, de Frusciante. Mais également quelques ballades, dont certaines mid tempo.
Au sein de cet opus, on épinglera l’excellent « Aquatic mouth dance », une plage bien cuivrée et jazzyfiante. Puis « The heavy wing », une piste qui oscille entre douceur et rage. Non seulement la gratte de Frusciante semble ici hantée par Jimi Hendrix, mais il chante le refrain. Mais encore « These are the ways » et sa mélodie à la Weezer, alors que le drumming rappelle plutôt celui de feu Keith Moon (The Who). Le Who revient encore à la surface sur « One way traffic », John s’autorisant des riffs à la Pete Townshend. Plus étonnant encore, en fin de parcours, le motif de guitare dispensé sur « Veronica » nous renvoie au « I want you » des Beatles. On a même droit à des sonorités surf (Dick Dale ?) sur « White braids & pillow ». Des références aux seventies et surtout à la fin des sixties corroborées par les déclarations du groupe qui estime avoir été influencé par le psychédélisme de The Move…
Paraît que le quatuor envisage déjà de sortir un second album, cette année. Faut dire qu’il y a déjà 6 ans que le précédent, « The getaway », était paru…
Succédant à « Wild Jalopy Of The Mist » (2016) et « Camouflage » (2020), deux albums qui lui a valu de très nombreuses critiques favorables, Alaska Gold Rush s’émancipe encore davantage de ses fondamentaux en gravant un « Human Flare » accompli.
Présents sur la scène rock belge depuis 2014, Renaud Ledru (guitare, chant) et Nicky Collaer (batterie) s’exposent singulièrement tout au long d’un patchwork animé et psyché conjuguant deux talents hors normes.
Enregistrés et mixés à Bruxelles par Gaethan Dehoux (Témé Tan, BRNS), et bien qu’évoluant entre folk et garage, les titres de ce troisième elpee nous plongent au sein d’un univers théâtral, énergique, délirant mais subtil, tout en traçant des lignes mélodiques aérées sur fond de rythmes syncopés. Parfois l’ombre de Kings Of Leon se met quand même à planer.
Minimaliste mais précis, solennel mais sobre, « Human Flare » s’inscrit cependant totalement dans son époque, et peu importe que les compos adoptent un profil léché (« My Hands ») où tonitruant (« Arsonist »).
Bref, une affaire à suivre.
« As I try not to fall apart » constitue le sixième opus de White Lies, un album qui a reçu, suivant les titres, le concours de Claudius Mittendorfer (Weezer, Panic At The Disco) ou du fidèle Ed Buller (Suede, Pulp, Lush, Slowdive), à la mise en forme.
Les compos de ce long playing lorgnent régulièrement vers les 80’s. Parfois on pense à Duran Duran, Franky Goes to Hollywood, Tears for Fears ou encore Simple Minds post « New Gold Dream ». Les harmonies vocales sont soignées. Les riffs de guitare et les synthés entrent naturellement en symbiose. Si le drumming ample et syncopé se charge de dynamiser l’ensemble, la basse entretient, en général, le groove. A l’instar de l’excellent « Breathe », dont le ligne de basse funkysante remue littéralement les tripes. Ou de « Roll december », littéralement hanté par Derek Forbes (NDR : c’était le premier bassiste de la bande à Jim Kerr). Et puis hymniques, les compos accrochent immédiatement, à tel point qu’elles en deviennent parfois contagieuses. Bref, l’expression sonore baigne, en général, au sein d’une forme de new wave sophistiquée.
Mais le plus étonnant procède de cet art à traiter des sujets sombres comme la mort ou la santé mentale, sur un ton tour à tour allègre ou emphatique et susceptible de faire danser, même si l’atmosphérique « The end » (NDR : vu le titre !) se révèle plutôt mélancolique voire dramatique. Une fameuse réhabilitation pour le trio londonien après la sortie du plus que décevant « Five » …
Premier Ep pour ce quatuor nantais drivé par l’auteur-compositeur, guitariste et chanteur Etienne Sauvage. Antinomique, le titre du disque (‘agréablement déçu’) serait inspiré du pessimisme récurrent affiché par le bassiste.
Funkysante, un peu dans l’esprit de Franz Ferdinand, la guitare rythmique canalise les deux premières plages. Soit « Summer sun » qui se distingue par son refrain hymnique. Puis « Relieved », dont le sens mélodique semble emprunté à Sharko.
La voix d’Etienne devient lascive tout au long de la ballade mid tempo, « Granted ».
Dernière piste, « In the desert » s’étale sur près de 7’. Elle adopte d’abord le tempo d’une valse, entrecoupée de flashes cinématographiques (pensez aux westerns de Sergio Leone et par conséquent aux B.O. de d’Ennio Morricone), avant que le guitariste ne s’autorise un billet de sortie, dans un style réminiscent des seventies….
Fils de parents d’origine mexicaine, Jess Sylvester a grandi à San Francisco et a choisi son patronyme en hommage à son père, marin. Paru sur le label Hardly Art (NDR : fondée par Sub Pop, cette écurie recèle des pépites telles que Lala Lalan, La Luz, Protomartyr, …) « Hella Love » agrège musique centrale/sud-américaine et psychédélisme californien. L’artiste chante d’ailleurs, tour à tour en anglais ou en espagnol, selon morceaux.
En guise d’intro, « Fanfare » se nourrit de claviers et de cuivres tout en véhiculant des accents mariachis. Jess s’enfonce dans l’hémisphère Sud, et goûte au tropicalisme brésilien à travers « Luz des Faro », une compo qui fait également la part belle aux cuivres. Parfois les claviers s’autorisent un écart dans le kitsch, à l’instar de « Minuet for the Mission » ou « Outerland ». Mais ce sont surtout les effets psychédéliques et relaxants libérés par l’expression sonore qui créent l’addiction. D’ailleurs, après avoir écouté cet elpee, on a envie de ré-appuyer sur la touche ‘play’ ! A l’aide de sa télécommande. Car, ensoleillé, cet opus incite au farniente tout en sirotant un mojito…
Issue de la Nouvelle-Orléans, Dawn Richard est une chanteuse issue de la Nouvelle-Orléans. Elle s’est forgée une belle expérience en militant au sein de Danity Kane, un girl band pop qui a splitté en 2009. Et a embrassé une carrière solo, à partir de 2011. « Second Line » serait déjà son 6ème opus, sans tenir des autres projets auxquels elle a participé, dans le passé. Sur cet opus réunissant 16 titres, elle mêle pop, spoken-word, jazz avant-gardiste, funk, soul et blues, en prend soin d’y ajouter une touche de house afin de concocter une musique louisianaise contemporaine. Une sorte de version de Solange sophistiquée qui se fait l’écho d’une conscience sociale éclairée…
C’est la première fois depuis 1994 que le Pink Floyd se réunit à nouveau pour sortir une nouvelle compo et leur première sortie depuis son dernier album « The Endless River » en 2014.
Dans le titre, on retrouve David Gilmour et Nick Mason, rejoint par le bassiste de longue date Guy Pratt et Nitin Sawhney au piano, et aux vocaux Andriy Khlyvnyuk, membre du groupe ukrainien Boombox.
La chanson, enregistrée le 30 mars dernier reprend le vocal d’Andriy qu’il avait posté sur son compte Instagram dans lequel on le voit chanter sur la place Sofiyskaya à Kyiv. Le son en lui-même de « Oh the Red Viburnum in the Meadow » est une chanson folklorique ukrainienne de protestation écrite durant la première guerre mondiale. Elle a été diffusée dans le monde entier le mois dernier suite à l’invasion de l’Ukraine par la Russie. Le titre du single de Pink Floyd vient de la dernière phrase de cette chanson qui se traduit par ‘Hey, Hey, Rise up and rejoice’.
Gilmour a une belle-fille et des petits enfants d’origine ukrainienne. Il raconte avoir réussi à échanger avec Andriy Khlyvnyuk depuis son lit d’hôpital de Kiev, où il se remettait d’une blessure due à un éclat de mortier.
Le clip a été tourné par le très célèbre directeur Mat Whitecross et tourné le même jour que l’enregistrement de la chanson.
Le clip de « Hey, hey, rise up ! » est disponible là
« Hey, Hey, Rise Up ! » (« Hey, Hey, lève-toi ! ») servira à récolter des fonds pour les Ukrainiens touchés par l’invasion russe.
(D’après communiqué de presse)
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