Après avoir été nominé au Mercury Music Prize et collaboré avec Brian Eno, le Britannique William Doyle publiera son deuxième album solo, « Great Spans of Muddy Time », ce 9 avril 2021. Un opus qui fera suite à deux elpees gravés sous son alias East India Youthle.
Les compos de ce nouvel LP ont dû être réenregistrées, par la faute d’un disque dur déficient (NDR : et sans doute de l’oubli d’en faire un back up). Il a donc dû travailler sur base d’une cassette… ‘Après avoir perdu ces fichiers et m’être rendu compte que je ne pourrais plus assembler ces idées pour les transformer en une œuvre d’art à proprement parler, je ne me suis pas senti triste mais au contraire assez soulagé de pouvoir les démêler, les libérer de la forme dans laquelle je les avais enfermés’, explique Doyle.
Inspiré par Robert Wyatt, Robyn Hitchcock, Syd Barrett, les premiers albums de Brian Eno et la trilogie berlinoise de Bowie, il a aussi puisé sa muse chez Monty Don, présentateur principal de la série télévisée de jardinage diffusée à la BBC, ‘Gardeners 'World’. Doyle explique : ‘Je l’ai un jour entendu comparer la dépression dont il avait souffert à un moment de sa vie à une grande travée de boue qui avait traversé son existence (great spans of muddy time dans la langue de Shakespeare), j’ai tout de suite su que ça serait le titre de l’album’.
En attendant, "And Everything Changed (But I Feel Alright)", morceau qui figurera sur cet album, est en écoute ici
Jakethehawk est un quatuor américain qui pratique une musique mêlant heavy, psyché, prog, shoegaze, fuzz et post rock. Son nouvel elpee, « Hinterlands », paraîtra ce 19 février 2021, et son troisième single, "Ochre and Umber" (à écouter ici).
Ce morceau est une sorte de méditation sur les expériences de mort imminente et de lumière au bout du tunnel…
Inspirée par les paysages denses et boisés au confluent des trois rivières de l'état de Pennsylvanie, la musique de Jakethehawk est très susceptible de rappeler celle de The Ocean, Opeth voire même Between the Buried and Me et Elder.
Et pour vous forger une bonne idée du style pratiqué par le combo, le clip de "Counting" est encore disponible là
« Excerpts from Chapter 3 » constitue le troisième elpee de Rats on Raft, une formation batave (établie à Rotterdam, pour être plus précis) dont le style mérite une attention toute particulière.
La formation avait assuré le supporting act de Franz Ferdinand, lors d’une tournée au Japon ; et cet opus s’inspire des expériences vécues lors de ce périple, tout en exhalant subtilement des fragrances. A l’instar de « T.M.E ». (« Tokyo Music Experience »), un single enlevé, convulsif, dansant, criblé de clappements de mains, une compo presque new wave que Devo aurait pu composer, à une certaine époque. Puis, de l’intro « Prologue : Rain ». Mais également de « The rise and fall of the plague », de l’exotique « Another year » (NDR : un instrumental mystérieux), du post punk « Where is my dream ? » ainsi que de « Part two : crossing the desert”, une piste émaillée de disgressions électriques caustiques.
Si les vocaux sont le plus souvent, incantatoires, chamaniques, scandés, probablement overdubbés (Berlin Blondes ?), épousant même des inflexions réminiscentes d’une Siousxie Sioux conjuguée au masculin, ils sont joliment contrebalancés par les vocalises éthérées de Natasha van Waardenburg. Ils se révèlent cependant presque maléfiques sur « The disappearance of Dr. Duplicate », un morceau dont l’urgence post punk nous renvoie à Magazine, sans les claviers. Et « Second born child » suscite encore davantage d’angoisse. Sinistres, ses accords de piano et son battement de tambour nous plongent même dans un univers lugubre, Enfin, « Epilogue : big poisonous shadows » clôt cet LP sur une note toute autant tourmentée.
Rats on Raft a également le bon goût de varier les climats, mais aussi de saupoudrer son expression sonore d’accents psychédéliques. Ce qui la rend plus complexe. Enfin, le combo pousse le raffinement à fondre les plages les unes dans les autres, un peu comme dans un concept album.
Entre punk, prog et psyché, cet album est aussi audacieux qu’étonnant !
Malgré son patronyme, Kiwi Jr. ne nous vient pas de Nouvelle-Zélande, mais du Canada. De Toronto, très exactement. « Cooler returns » constitue son second opus, et il fait suite à « Football money », paru en 2019.
Jeremy Gaudet, le chanteur de Kiwi Jr, possède une voix aussi sinueuse et fragile que celles de Jonathan Richman voire de Peter Perrett, alors que ses textes posent un regard ironique, sarcastique même, sur le monde qui nous entoure. Une description de la société contemporaine qu’il dépeint un peu à la manière d’un Ray Davies. On a même l’impression qu’il rend hommage au leader des Kinks, tout au long de « Maid Marian’s toast ».
Tout en mêlant post punk, folk, indie rock, lo-fi, pub et power pop, la musique de Kiwi Jr. est aussi imprévisible que celle de Television Personalities. Et tout au long de « Cooler returns », on y rencontre de jolies mélodies, des chœurs hymniques, de l’harmonica, des cordes de grattes lumineuses, slide, carillonnantes (NDR : il y aurait bien une Rickenbacker sur « Only here for a haircut »), duales ou déchiquetées (NDR : un titre éponyme bien rythmé qui aurait pu figurer sur un des premiers albums des Strokes), du piano (plink plonk lors du final « Waiting in line ») et même de la mandoline et du xylophone sur le groovy, accrocheur et ensoleillé « Dodger », probablement le point d’orgue de ce long playing…
Tessa Murray est britannique et Greg Hughes américain. Elle se consacre aux claviers et au chant. Il est multi-instrumentiste, producteur et ingénieur du son. Un couple en studio comme à la ville dont le projet musical, Still Corners, est né en 2007. Et « The last exit » constitue son cinquième elpee.
Une œuvre qui nous invite à traverser les paysages arides et solitaires des déserts du sud-ouest américain. Un peu dans l’esprit de « Paris, Texas » de Wim Wenders. Bref, une musique particulièrement cinématographique hantée par la voix de Tessa aussi vaporeuse et nonchalante que celle de Hope Sandoval (Mazzy Star). Rien que le sifflotement qui traverse « Crying » rappelle les B.O. des westerns spaghetti de Sergio Leone, alors que l’instrumental « Till we meet again » nous plonge au sein d’un univers que n’aurait pas renié Mike Oldfield. Un coyote hurle pendant « Bad town », un morceau de folk noir étrange et sombre à la fois. Parfois, on y croise un piano spectral. Et puis il y a ces interventions de guitare chargées de reverb qui réveillent en notre for intérieur le « Blue hotel » de Chris Isaak. Des interventions tour à tour traitées à la slide, à la pedal steel, surf ou même sous forme acoustique, parfois même en picking, à la manière d’un Ry Cooder. Faut dire que Greg est particulièrement doué sur son manche. Chargé de swing (?!?!), « It’s voodoo » libère même des sonorités dignes de Mark Knopfler. Le plus étonnant procède du contraste entre la voix de Tessa et certaines compos plus rythmées, quelquefois boostées par la ligne de basse offensive. Mais quel que soit le tempo, sa voix reste languissante. Tout en s’intégrant parfaitement dans l’ensemble.
Un album élégant, bourré de charme, mais énigmatique, qui a encore recours à l’électronique, mais dont le drumming organique apporte davantage de profondeur à des compos qui traitent d’isolement, de vulnérabilité et de mort…
« Atlas Vending » constitue le quatrième elpee de ce trio torontois, un disque qui a été coproduit par Ben Greenberg, le guitariste de Uniform (NDR : un duo indus-metal) et mixé par Seth Manchester (Daughters, Lingua Ignota, The Body). Naturellement percutante, sauvage, parfois même brutale, la musique de cet opus s’avère cependant plus complexe que sur les précédents essais.
D’abord on y retrouve ces riffs tranchants, abrasifs, saccadés, ces stridulations et distorsions électriques très caractéristiques, la voix blanche et impétueuse d’Alex Edkins, sans oublier ce tempo frénétique adopté sur plusieurs plages. Le tout baignant au sein d’un climat aussi malsain que claustrophobe. Parfois dans l’esprit des débuts de Fugazi voire d’At The Drive In.
Mais le plus intéressant procède des nuances rencontrées sur plusieurs pistes. A l’instar du post punk « Framed by the comet’s tall », une compo au cours de laquelle la violence semble bien maitrisée. Et puis surtout du titre final, « A boat to drown it ». Un morceau de plus de 7’30 évoluant sur un tempo obsessionnel, hypnotique,’motorik » mais qui surfe sur une vague d’électricité ‘mybloodyvalentinesque’. On rencontre d’ailleurs également des harmonies vocales réminiscentes du MBV sur « Blind youth industrial ». Enfin, le tempo quasi-binaire peut également se révéler tribal, amérindien (« Pulse »).
Maintenant, pas de panique, la musique de Metz est toujours aussi bruitiste…
Fondé en 2014 par Max Kakacek and Julien Ehrlich, deux ex-membres de Smith Westerns, Whitney vient d’enregistrer un album de reprises. Ce n’est pas la première fois que le band se livre à de tels exercices de style. En 2017, il s’était ainsi attaqué à une cover du « You’ve got a woman » du duo soul/funk néerlandais Lion et au « Gonna Hurry (As Slow as I Can) » de Bill Owens, une chanson popularisée par Dolly Parton.
Sur « Candid », Whitney nous propose, notamment, des versions de compos signées Brian Eno/David Byrne (« Strange overtones »), John Denver (« Take me home, country roads », auquel participe Waxahatchee), Damien Jurado (« A.M. AM ») ou encore Moondog (« High on a rocky ledge »).
S’il n’y avait le superbe falsetto des deux vocalistes, on pourrait reprocher à cet LP de ne receler que de pâles interprétations. Seules les deux folk songs sauvent un peu la mise. Tout d’abord le « Crying, laughing, loving, lying » de Labi Siffre, dont la mélodie pop accroche instantanément. Puis l’adaptation de la très jolie ballade « Rainbows & Ridges » de feu Blaze Foley, un chanteur/compositeur/poète texan, encensé par Townes Van Zandt et Lucinda Williams…
M’enfin, c’est un peu maigre comme bilan…
Holy Esque est une formation écossaise, issue d’East Kilbride tout comme Jesaus & Mary Chain très exactement, et « Television/Sweet » constitue son second elpee, un disque tout au long duquel elle revisite le post punk en proposant une musique froide, sombre et abrasive, mais aux relents sociaux engagés.
La bande au ténébreux Pat Hynes, dont la voix est à la fois puissante et éraillée, brosse une vision obscure du monde contemporain. Un uppercut glacé dont les impulsions électro (« Give Me Your Stillness ») conjuguées à des éclats synth-wave (« House of Hounds ») rappellent Future Islands
Bref, ce « Television/Sweet » constitue une bande-son idéale pour accompagner ces temps mélancoliques pendant lesquels la culture partagée nous manque tant…
Sorti en 2017, « Total Musette » réunit de nouvelles versions de classiques de la chanson française. S’y est collé Tue-Loup, une formation sarthoise. Mais en les abordant sous l’angle de leur musette ‘countrisante’.
Actif depuis 1995, la bande emmenée par Xavier Plumas a eu le nez creux en reprenant des titres tels que « La Valse Brune » (un hymne antibourgeois datant de 1909), « Riquita », « La Fille Que J’Aime » de Béranger, « Viva España » de Georgette Plana ou même « Salade de Fruit » de Bourvil ! Une opération risquée pour cette musique un brin désuète et ‘vieille France’ qui… s’est toutefois révélée bien plus réussie que les horreurs pondues par l’horripilant Patrick Bruel. Très rafraichissant !
Françoiz Breut, chanteuse, autrice, illustratrice, plasticienne et dessinatrice sortira son septième elpee, « Flux Flou de la Foule », le 9 avril prochain.
Connue autant pour son travail que ses nombreuses participations (Dominique A, Yann Tiersen, Calexico, entre autres), ce nouvel opus est né de sa soif d'expériences musicales inédites. Toujours en compagnie de Roméo Poirier et de Marc Mélia, elle signe un album électrique et organique, aux textes se baladant de Bruxelles à Cherbourg.
Réalisé par Simon Vanrie (Bertrand Belin, Girls In Hawaï, Nicolas Michaux ...), le clip de « Mes péchés s’accumulent » est d'une grande sensualité. Le dépouillement, les jeux d'ombres et de lumière, la chorégraphie le rend absolument hypnotique. Et il est à découvrir là
Tour récemment, Gabriel Rios a officiellement annoncé la sortie de son nouvel album. Baptisé "Flore", il s’agit d’un éloge à la musique d'Amérique latine et des Caraïbes. Ces chansons rappelleront plus exactement la jeunesse de son père et de son grand-père qui auraient certainement adoré entendre ses reprises.
« Flore » n'a pas pour simple vocation de rendre hommage aux vieux classiques latinos. C'est un album latino créé dans la solitude et l'exil, non seulement parce qu'il a été conçu pendant la pandémie de l'année dernière, mais également parce que Gabriel Rios jette un regard, sans doute pour la première fois, sur ce qu'il reste de son passé et de ses racines.
Issu de ce futur elpee, le single "La torre" nous réserve une collaboration avec Devendra Banhart, une chanson que Rios a lui-même écrite.
C'est l'une des compos les plus rythmées de l'album, mais l'atmosphère festive est trompeuse. « La torre » évoque en effet des images qui se réfèrent à l'ancienne carte de tarot du même nom. Rios et Banhart semblent bien insouciants en chantant la disparition imminente de cet édifice désuet, la crise et la libération. On pourrait s'en sortir après tout.
https://www.facebook.com/gabrielriosofficial/videos/220016073072268/
Birdpen est un duo britannique réunissant le chanteur/guitariste Dave Pen, également impliqué au sein d’Archive, et le claviériste/guitariste Mike Bird. Son nouvel elpee, « All Function One », paraîtra ce 15 mars 2021. Ce sera son 6ème. Une œuvre qui abordera des sujets tels que l’isolement ou encore la peur du monde extérieur.
En attendant, il nous en propose un second extrait. Intitulé "Invisible", il est également paru en clip vidéo, et il est à découvrir là
Alors que toute une tournée s'annulait, Boulevard des Airs a pris les choses en main et voulu colorer les mois qui venaient.
Du confinement sont nés plusieurs duos, et cette envie d'en faire un album. De l'été qui suivait sont nés beaucoup de mots, de mélodies, et d'envies de créer.
C'est au final un album hybride de plus de 24 titres qui verra le jour. Une partie, toute en partages, revisite le répertoire du groupe. Une autre nous plonge dans son histoire et son univers à travers une œuvre réunissant 12 titres inédits, inattendus.
Des invités ont participé aux sessions de "Loin des yeux " ; et notamment Jeremy Frerot, Vianney, Lola Dubini, Claudio Capéo, Gauvin Sers, Tibz, Yannick Noah, Doya, Patrick Bruel et Tryo. L’elpee paraîtra ce 19 février 2021.
En attendant, découvrez « Et nous vraiment » ici
RoSaWay, c'est la rencontre entre 2 artistes issus de 2 univers musicaux qu'à priori tout oppose : le classique et le blues.
Aussi surprenant qu'élégant ce duo nous propose une pop ‘feel good’ colorée, groovy et résolument moderne, portée par la voix suave et puissante de Rachel.
Son second Ep, "Dreamer", est paru le 9 octobre dernier. Son nouveau single s’intitulera "Good For You".
C’est sous forme d’une ‘live session’ que RoSaWay présente ce nouveau single. En offrant ce format le plus proche du concert, le duo souhaite permettre au public de découvrir la formation sur scène, dans son élément !
Ce titre, inspiré par le New Orleans, laisse ici une très large part aux deux instruments centraux : la flûte traversière aux gimmicks entêtants et la batterie à la partition endiablée ! N’oubliant pas l’essence de son projet : le mélange de sonorités acoustiques et électroniques, RoSaWay ne se refuse pas l’usage de machines (loopsation, drum pad, synthé…).
Porté par la voix au timbre chaud et un tantinet gospel de Rachel, « Good For You » nous plonge dans un univers métissé, joyeux, au langage émaillé d’expressions argotiques du Mississipi où l’ironie est le maître-mot.
Le duo s’autorise même un clin d’œil au bluegrass, autre style musical qu’il affectionne particulièrement, dans la partie centrale de cette live session.
En attendant la sortie du clip de "Good For You", prévue pour le 4 février 2021, celui de « Dreamer » est toujours disponible là et de « On your way up », ici
Julien Bouchard tire l’élégance pop et l’authenticité DIY de ses multiples projets et collaborations depuis les 90’s au sein de Coco Business Plan ou de (The) Silent Days.
Le Spinalien se sent comme un poisson dans l’eau lorsqu’il s’agit d’écrire des chansons pop inspirées.
Après avoir gravé un premier album baptisé “Songs from la chambre”, paru en 2017, Julien Bouchard a décidé de prendre son temps pour sortir son second. Intitulé « Excuse my french », il sera disponible en mai !
Vous retrouverez sur ce disque la marque de fabrique de l’auteur/compositeur vosgien mais pour la circonstance, tous les textes ont été écrits en français, comme le précise le titre du long playing, non sans un certain second degré...
En attendant, il nous propose son adaptation bien personnelle d’un compo de Sonic Youth qu’il a rebaptisée « Sang pour sang » ; et elle est disponible ici
L’auteur-compositeur-interprète britannique Lewis Evans est de retour. Il a ainsi gravé un nouvel Ep, « Le Rayon Vert », ce 22 janvier.
Réunissant quatre titres, ce disque marque le grand retour du chanteur des Lanskies. Il a été réalisé entre la Normandie et la Californie en collaboration avec David Ivar d'Herman Dune qui s’est chargé des arrangements.
Après avoir publié pour premier single « Rock In The Sea » (le clip est là), il nous en propose son nouveau, « King of the Jingle », au cours duquel il raconte les déboires d'un musicien qui court après le succès. La vidéo a été réalisée par Jonathan Perrut, au cours d'une vaste tournée des bars : 3 villes, 13 bars, 250 km ont été nécessaire à la fabrication de ce clip. Et il est disponible ici.
« King of the Jingle » est une pure folie, une douceur unique, avec une voix qui nous emporte dans un univers séduisant. Un morceau dynamique, avec des chœurs qui viennent intensifier la voix, et qui permet à la mélodie de marquer le tempo.
Avant de tirer sa révérence, Therapie Taxi publiera un ultime Ep. Intitulé "Rupture 2 Merde", il paraîtra ce 12 février 2021 et sera suivi d’une grande tournée d'adieu…
En attendant, le clip d’« Eté 90 » est à découvrir ici
Samares pratique une forme de folk music, mais interprétée dans la langue de Molière. Un duo dont le premier (mini) elpee, « Les madeleines », est paru en juin dernier.
Pour démarrer 2021 en douceur, il nous propose une session live de la chanson “Les cerisiers”, une ballade nostalgique au cours de laquelle les souvenirs de partage et d'amitié s'égrènent comme autant de moments précieux.
On y retrouve l’épure d’une guitare et d’une voix mise au service d’une mélodie et d’un texte réconfortant.
La vidéo est à voir ici
Roxane Arnal est surtout connue pour partager un duo en compagnie de Michel Ghuzel, au sein de The Beast, depuis 2011. Cette chanteuse et multi-instrumentiste a également décidé de composer ses propres titres. Depuis, elle a accordé plus de 300 concerts en France et dans le reste du monde…
De sa rencontre avec Baptiste Bailly en 2018, est né un nouveau répertoire de compositions originales sculptée dans une forme de folk-pop matinée de jazz. Passionné d'écriture, Baptiste Bailly a remporté le prix de la meilleure composition au concours de Castellon (Catalogne) en 2016 et sorti son premier album en 2019. Inventif et généreux, il puise ses improvisations dans des trésors d’inspiration propres et éclectiques (jazz contemporain, flamenco).
Le duo s’est installé à Valence (Espagne) pour composer et enregistrer au fur et à mesure plusieurs titres au studio JazzTone. Il a été rejoint par David Gadea, percussionniste incontournable de la scène valentinoise, connu pour ses collaborations avec des artistes de renommée internationale. Son style est immédiatement reconnaissable par sa subtilité et son énergie communicative. Ales Cesarini (contrebasse) et Mariano Steimberg (batterie) ont également participé aux sessions d’enregistrement.
Parallèlement, Roxane mène une carrière de comédienne aux côtés d'Isabelle Huppert, Eric Cantona ou encore Romain Duris. En 2018, à Luchon, elle a remporté le prix du meilleur espoir féminin grâce à son interprétation dans le film « Un adultère » où elle partage le rôle principal avec Isabelle Carré, rediffusé tout récemment encore sur ARTE.
Pour découvrir le clip de « Soothing Song », c’est ici
« A pair » est un titre au groove hypnotique et à l'efficacité implacable qui nous propulse dans les clubs blues de Nashville où les guitares fuzz sont reines.
La compo a été enregistrée par Jack Inside au Studio Two Inside, et masterisée par Jean-Nicolas Casalis au studio RTM.
Le nouvel Ep est annoncé pour le printemps 2021.
La vidéo de « A pair » est à savourer ici
Le nouveau clip de Fanny Bériaux, "Here is the Devil", est sur la toile.
La volonté derrière de cette vidéo, était de montrer les coulisses de la vie new-yorkaise de Fanny Bériaux en mettant en avant le côté ‘vrai’ des personnes et des choses.
Avant que le réalisateur ne crie ‘action’. Une volonté que l'on retrouve également à travers les paroles de la chanson qui dévoile le ressenti physique de Fanny vis-à-vis de New-York.
Un besoin de vérité et de naturel qui est né en réaction au rythme de la ‘Big Apple’.
Une ville trop rapide, trop intense mais dans laquelle elle a rencontré des personnages haut en couleurs comme son colocataire Gary, qui énumère les règles à suivre dans la Big Apple.
Elle a également annoncé une série de nouvelles dates de concert les 23, 24 et 25 avril au Sea of Clouds de Bruxelles…
Le clip de « Here is the Devil » est à découvrir là
Autoproduit, le premier elpee de Tina Wants, « False Alarms », est paru ce 11 janvier dernier. Un album concept où se mêlent textures aériennes, mélodies entraînantes et rythmes travaillés, que bercent de nombreuses influences oscillant de Radiohead à Apparat, en passant par David Sylvian. Entre autres…
Pour découvrir l’univers de Tina Wants, et tout particulièrement son titre éponyme, c’est ici
Bien que fondée en 2010, cette formation australienne compte déjà 16 albums studio à son actif. Découpé en 10 plages pour 42 minutes, son dernier, « K.G. », baigne au sein d’un psyché/rock qui se nourrit de tonalités microtonales, comme dans la musique arabe, hindoue et raï, des intonations qui nécessitent des accords quarts de ton. Mais également de jazz, folk, funk, prog et métal.
Depuis la sortie de son dernier opus, l’un des batteurs, Eric Moore, a quitté le navire afin de se consacrer ‘full time’ au label Flightless. Le line up est donc réduit à un sextuor. Ce qui ne change pas grand-chose aux facultés du combo à jongler entre les différents styles. Encore que sur ce nouvel LP, King Gizzard & The Lizard Wizard use et parfois abuse de ces tonalités microtonales. Même les guitares sont touchées par cette contagion stéréotypée. Trois ou quatre plages, ça passe, mais dix, ça lasse. Les nuances apportées par le sitar et la flûte allègent souvent les compos. Cependant, elles sont un peu trop rares pour corriger le tir. Pourtant, il y a de l’énergie, de la percussion, parfois même de la folie douce (« Ontology », compo dont les lyrics traitent de la complexité de l’existence humaine), des harmonies vocales limpides, parfois incantatoires… et puis le groove libéré par « Minimum brainsize » nous replonge dans l’acid house de Madchester (Stone Roses ?). Mais le déséquilibre est trop flagrant pour emporter les suffrages de votre serviteur. Dommage !
Originaire de la banlieue parisienne, Lizzy Young a vécu quelque temps à Barcelone, avant d’émigrer à New-York, où elle réside maintenant depuis plus de 10 ans. Elle y milite comme bassiste au sein de différentes formations, outre sa carrière solo, qu’elle mène en parallèle.
Inspirée des 80’s, la musique de Lizzy Young baigne au sein d’un climat dépouillé, froid et ombrageux. Vaporeux ou tourbillonnants, parfois dispensés en boucle ou simplement réduits aux sonorités de piano, les claviers vintage (un casio ?) entretiennent parfaitement cette atmosphère.
En général, semblable à une prière, sa voix est plutôt incantatoire, mais quand elle susurre, on ne peut s’empêcher de penser à Connan Mockasin (« God is pink », « Squid juice in Hollywood »). Les compos sont, pour la plupart, imprimées sur un mid tempo, par une boîte à rythmes. Trois exceptions qui confirment la règle, l’hypnotique « Obvious », l’offensif « She farts while she walks », et la valse électro « This morning I woke up ».
Tout au long de cet opus, Lizzy exprime son désenchantement (« Elephants », seul titre interprété dans la langue de Molière), expose ses craintes et ses doutes (« Oh ! Jupiter ! » ) quand elle ne traduit pas ses lyrics poétiques en plaidoyer protestataire…
Deuxième elpee pour ce groupe considéré comme un des leaders du renouveau du punk rock britannique. Intitulé « Drunk Tank Pink », il a bénéficié de la mise en forme de James Ford (Arctic Monkeys, Foals), une œuvre qui reflète l’anxiété vécue lors du passage entre la jeunesse et l’âge adulte. Une thématique plus sombre, même si les textes ne sont pas dénués d’un humour bien britannique.
Découpé en 11 plages « Drunk tank pink » se nourrit volontiers de funk blanc. Pensez à XTC, Gang of Four, Talking Heads et même à PIL. A cause des interventions bien syncopées à la guitare de Sean Coyle Smith. Et l’autre gratteur, Eddie Green, vient régulièrement apporter son grain de sel, entrant régulièrement en duel avec son partenaire. Bien sûr, l’énergie punk est toujours bien présente. A l’instar de « Great dog », morceau le plus court du long playing ainsi que du frénétique « 6/1 ». Véhémente, la plus souvent déclamatoire, la voix de Charlie Steen est très souvent hantée par celle de feu Mark E. Smith (The Fall). Elle devient cependant incantatoire sur « Born in Luton », une plage qui lorgne vers le math rock (Shellac ?), nonobstant ses chœurs masculins. Et carrément ‘rottenesque’ sur « Water in te well », une piste qui libère un groove réminiscent des B52’s, mais dont la structure rappelle Parquet Courts. Et elle campe un baryton profond sur « Human, for a minute », une compo aux percus disposées en couches et aux sonorités de guitares discrètes, mais chatoyantes.
L’album nous réserve deux compos audacieuses. Tout d’abord « Snow day ». Bien que fondamentalement rock, à cause des roulements de drums dispensés par Charlie Forbes, elle se frotte à la fois au punk, au funk, mais surtout au jazz, un peu dans l’esprit du « Black star » de Bowie. Et enfin, le titre final « Station wagon ». Un morceau de 6’ qui s’ouvre par un poème récité tel un sermon sauvage traitant de l’égo humain, sur bande sonore cinématographique (pensez aux B.O. de westerns spaghetti signées Ennio Morricone) avant qu’il ne monte en intensité. Moment choisi pour les guitares de se mettre à frémir et les instruments de s’empiler avant l’apocalypse. Superbe !
A l’instar de Thee Oh Sees (dont ils ont assuré la première partie), King Gizzard ou de Ty Segall, Frankie and The Witch Fingers appartient à cette catégorie de formations qui gravent des albums à la pelle. Depuis six ans, ce band originaire de Los Angeles, en parfait métronome, publie un long playing chaque année. Enregistré en cinq jours, « Monsters Eating People Eating Monsters » constitue donc son sixième.
« Activate », morceau qui ouvre l’opus, plante magnifiquement le décor, en nous réservant sept minutes de psyché/rock stimulées par des percussions exotiques. Et le trio yankee a le bon goût de poursuivre son parcours par des pistes d’une efficacité redoutable. Les riffs de guitare font mouche et la voix nasillarde de Dylan Sizemore se cache sous des effets vintage. Les titres se succèdent sans perdre en intensité, atteignant leur point d’orgue lors de l’excellent « Simulator », au cours duquel lequel le guitariste martyrise sa guitare, mais parvient toujours à retomber sur ses pattes.
Frankie and The Witches est le type de formation qui nous fait espérer encore un peu plus la réouverture des salles de spectacles. Vu l’énergie véhiculée par ce combo tout au long de cet LP, assister à un de ses concerts peut devenir un excellent moyen pour décompresser…
Widowspeak est un duo réunissant la chanteuse Molly Hamilton et le guitariste Robert Earl Thomas. Lors des sessions d’enregistrement de cet elpee, le duo new-yorkais a reçu le concours du pianiste Michael Hess ainsi que du préposé aux synthés et à la basse, Sam Cohen. « Plum » constitue le 5ème album de Widowspeak, une œuvre qui a bénéficié du mixing d’Aldous Harding (PJ Harvey, Aldous Harding, Perfume Genius) et de la mise en forme de Sam Evian. Alias Sam Owens, il milite également chez Celestial Shore.
La musique de Widowspeak baigne au sein d’une forme de dream pop illuminée par la voix diaphane et nonchalante d’Hamilton, une voix rappelant très souvent celle de Hope Sandoval (Mazzy Star). Elle y chante des compos dont les lyrics posent des réflexions personnelles sur nos angoisses existentielles au sein d’une société de consommation rongée par le capitalisme.
Même si parfois le tempo peut se révéler offensif, les morceaux sont particulièrement raffinés. Les interventions de guitare tour à tour en picking, surf (« Even true love », une pisite qui arait pu figurer au répertoire de Chris Isaak)), en boucle (« Money ») ou rythmiques (« Sure thing »), mais toujours élégantes et parcimonieuses, la ligne de basse profonde (« The good ones ») ou palpitante (« Amy ») et les synthés atmosphériques entretiennent ce climat feutré.
Les deux dernières pistes de cet LP invitent davantage l’électronique. Psyché/folk, « Y2K » s’ouvre par des claviers cathédralesques, alors que « Jeanie » rend probablement hommage à Terry Riley, une plage que Molly chante aussi bien en français qu’en anglais. Un album qui ne manque pas de charme…
Pas facile de se plonger dans un album plus de 3 ans après sa sortie… d’autant plus que les 75 minutes et les 25 morceaux proposés par cette formation américaine (NDR : elle est issue d’Olympia, la capitale de l’Etat de Washington) ne sont pas des plus digestes. Adeptes de la déconstruction plus que de l’écriture, ces bruitistes invétérés marchent sur les traces de Wire mais en version dite ‘de niche’. Et c’est tout à fait flagrant tout au long de ce 3ème opus. Le groupe nous réserve toutefois quelques véritables morceaux le long du chemin escarpé de ses expérimentations art-punk et noise mais il faut aller les chercher… Les excellents « Tiger Pipe » ou « Gotham Brake » représentent bien ce qu’aurait pu devenir cet elpee, si Naomi Punk ne se prenait pas trop la tête…
Masque obligatoire et espace entre chaque siège afin de respecter la bulle familiale, lors du concert des Gangsters d’Amour, ce samedi, à la ferme du Biéreau de Louvain-la-Neuve.
Un bref historique, d’abord. En 1978, le regretté Bodart avait fondé Aphrodisiax, un groupe au sein duquel militait Jean Castin, un copain d’école de votre serviteur, à la basse. A l’actif de ce combo, un single pop/punk autoproduit. Chanté en français, il s’intitule « Sexe Symbole ».
C’est en 1982 que Jean-François Bodart, surnommé Jeff, forme Gangsters d’Amour. Le patronyme de la formation est tiré d’une chanson de Starshooter, groupe mythique de la scène punk lyonnaise des années 80, auquel Jean-François voue à l’époque un véritable culte. L’aventure va durer de 1982 à 1992. Soit dix ans, au cours desquels Gangsters d’Amour va publier deux albums et une dizaine de singles. Puis Jeff entame une carrières solo ponctuée de cinq elpees, en l'espace de 13 ans. Victime d’un accident cérébral, il décède en mai 2008.
Les Gangsters d’Amour étaient réputés pour leur énergie communicative. Les musicos se produisaient sur scène en costume croisé, borsalino et chaussures deux-tons. Sous la formule d’un big band, ils pouvaient compter sur le soutien d’une section de cuivres et de danseurs-choristes (Los Drogenbos).
En 2019, Louis Petyt, le fils de l’ancien claviériste, décédé il y a vingt ans, propose aux anciens camarades de son paternel de remonter le groupe et de repartir en tournée. 10 membres répondent présent, dont le bassiste originel Pep Romeo. Trompettiste, Louis s’est intégré à la section de cuivres à laquelle participe également le tromboniste Henri-Olivier Pector et l’autre trompettiste Vince Roméo. Vincent Warin se charge des percus, Jean-Marc Pitance des drums, Pierre Gillet des claviers, de l’accordéon et de la gratte semi-acoustique et Daniel Lenoir de la guitare électrique. Parmi Los Drogenbos, on retrouve Cédric aux chœurs, alors que le lead vocal est dévolu à l’acteur Philippe Résimont.
Le set s’ouvre par « Panne De Secteur ». D’emblée, les ‘ouah !’ fusent dans l’auditoire. Philippe et Cédric semblent montés sur ressorts et sautent constamment en incitant le public (masqué) à applaudir et à danser (on ne peut pas !) La folie furieuse s’est installée dès les premières secondes de la prestation. Faut dire que les jeunes du combo assurent… Plus soul/jazz, « Tireur Fou » déclenche un duel entre la section de cuivres et la section rythmique forte de 3 musiciens. Résimont est manifestement à l’aise sur les planches, et si sa voix a davantage de groove que le regretté Jeff, on parfois l’impression qu’il éprouve plus de difficultés à reprendre son souffle. La machine à hits est lancée. Pendant « Adieu les corps », les ivoires ont cédé le relais aux sonorités Hammond. Les cuivres s’en donnent à cœur joie tout au long de « Mort sur le Nil », avant que les cordes ne prennent le relais. « Baron Rouge », « Guerilla » et « Coûte Que Coûte » embraient tout naturellement. Cette succession de tubes fait monter la température au sein du public. Pour « Charlie », le claviériste s’assied sur le bord de son estrade et se concentre sur la gratte semi-acoustique. Philippe s’efface et on entend la voix de Jeff, alors que l’intervention à la trompette plonge l’auditoire au sein d’un climat empreint de sérénité… Le claviériste empoigne un accordéon pour « Désirs Noirs », un morceau pour lequel Louis Petyt se consacre aux vocaux. Il chante impeccablement dans un registre qui rappelle… Jeff…
Résimont récupère son micro pour « SOS Barracuda », une chanson reprise en chœur par la foule. Il plaisante en signalant qu’il ne connait pas les paroles et tourne la page, en y joignant le geste à la parole. « Chère Déborah » est entamé sous un tonnerre d’applaudissements…
Véritable bête de scène, Résimont se révèle très réactif et provoque souvent les rires aux premiers rangs. Tout au long de « Meurtre A Hawaï » et « Tora Tora » le light show brille de mille feux. Et le set de s’achever par « Willy ne Pense qu’à Ça ». Dommage que le groupe n’ait pas prévu de nouvelle compo.
Mais il revient pour un rappel au cours duquel il va nous réserver la cover de Jacques Dutronc, « Et moi et moi », puis en apothéose, et pour la seconde fois, l’incontournable « Coûte Que Coûte ». Les vieux fans sont aux anges et les jeunes découvrent ce qui se faisait de mieux, dans les années 80, sur la scène noir-jaune-rouge. Jeff Bodart peut être fier de ce que ses Gangsters d’Amour sont encore capables de faire aujourd’hui. Et depuis le paradis des musicos, il a dû apprécier…
Setlist : « Panne De Secteur », « Tireur Fou », « Adieu Les Corps », « Mort Sur Le Nil », « Baron Rouge », « Guerilla », « Coûte Que Coûte », Charlie », Désirs Noirs », « SOS Barracuda », « Chère Deborah », « Meurtre A Hawaï », « Tora Tora », « Willy ne Pense qu’à Ça »
Rappel : « Et moi et moi » (Cover Jacques Dutronc »), « Coûte Que Coûte »
(Organisation : La Ferme du Biéreau)
Le temps n’a pas d’emprise sur Jad Fair et son vaisseau Half Japanese ! Après plus de 40 ans d’existence, la bande préserve son stakhanovisme exemplaire et publie déjà un nouvel opus. Intitulé « Crazy Hearts », il succède au magnifique « Invincible », paru en 2019. Bonne nouvelle : cette nouvelle livraison maintient le niveau d’excellence ! Depuis Ann Arbor (dans le Michigan), le groupe dévoile de charmants morceaux qui abordent toujours de cryptiques histoires de monstres (« Late at Night ») lorsqu’elles ne sont pas nées d’hallucinations collectives. Des compos enregistrées avec une approche naïve et résolument lo-fi. Tout au long de ce 19ème elpee, Half Japanese marche sur les traces de Jonathan Richman. Et une piste comme « Undisputed Champions » en est certainement la plus belle démonstration. Le groupe est cité par les plus grands noms du rock US (Nirvana, R.E.M. Pavement, …) comme une référence majeure, et « Crazy Hearts » constitue une nouvelle preuve flagrante de son incontestable talent !
Mogwai diffusera, en première, un set live très spécial accordé au ‘Tramway’, dans sa ville natale de Glasgow, ce 13 février 2021. Il y interprétera son nouvel opus, « As The Love Continues ».
Les billets sont en vente maintenant et disponibles sur www.mogwai.scot
Le nouvel elpee paraîtra ce 19 février 2021. Il a été enregistré sous la houlette de Dave Fridmann et a bénéficié du concours d’Atticus Ross sur « Midnight Flit » et Colin Stetson pour « Pat Stains ».
La vidéo de « Dry Fantasy » est disponible ici et celle de « Richie Sacramento » là, deux plages qui figureront sur le nouveau long playing…
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