Brad Stivers est né en Californie. Il apprend d’abord à jouer du trombone et du saxophone. Mais lorsque sa famille s'installe dans l'état de Washington, il tombe sous le charme de la guitare et commence à écouter des bluesmen, et tout particulièrement BB King, Stevie Ray Vaughan et Joe Louis Walker. Il file alors dans le Colorado où il fonde, en 2014, son premier groupe, Bad Brad & The Fat Cats. Il représente son état à l'International Blues Challenge de Memphis où il atteint la finale. Il se fixe enfin à Austin, au Texas, où il vit toujours. Ce qui lui permet de fréquenter les meilleurs clubs locaux comme le Continental Club et l’Antones. Après avoir publié son premier elpee solo, "American Music", il signe chez Vizztone, label pour lequel il grave ce nouvel opus, en mai dernier.
Rock'n'roll pur, court, direct et efficace, "2,000 miles" ouvre la plaque. Brad possède une très bonne voix, mais comme si elle sortait tout droit d’un juke-box, au cours des 60’s. Traduit en succès par Ray Charles, en 1966, le nerveux "You're just about to lose your clown" en est un nouvel exemple. La section rythmique structure la trame. La voix s’emporte. Invité, Mark Wilson prend son envol au saxophone avant de céder le relais aux cordes du leader. Qui sont omniprésentes tout au long du rockabilly bien dynamique "Put it down". La voix de Brad est bien mise en relief tout au long du funky r&b "Took you long enough". Légèrement rocailleuse elle évolue au sein d’un registre étonnant. En outre, elle dialogue avec les courtes séries de notes dispensées par les cordes. "Here we go again" est une autre compo qui figurait au répertoire de Ray Charles. Une ballade subtilement dépouillée, attaquée en formule trio. Brad et Miss Emily Gimble se partagent les vocaux. Cette dernière se consacre au piano et Eric Przygocki, à la contrebasse. A l’instar du morceau précédent, la suite se révèle un peu plus paisible. En 1971, le soulman O.V Wright publiait "Nickel and a nail". Roy Buchanan a repris ce titre en 1985. Brad et Malford Milligan nous en proposent une nouvelle version qui se distingue par des interventions remarquables, à l'orgue Hammond, du producteur texan Bukka Allen. Ce qui n’empêche pas Stivers de prendre un bel envol sur ses cordes. Un sommet de cet opus! "One night of sin" est issu de la plume du néo-orléanais Dani Bartholomew, une compo reprise par Joe Cocker. Adorable, d’une simplicité et d’une efficacité déconcertantes, la nouvelle adaptation est instrumentale. "Can't wait" campe un shuffle solide et explosif. Très texan aussi. Et bien dans l’esprit du regretté concitoyen d'Austin, Stevie Ray Vaughan. "Save me" est un slow blues de référence. Chargée de reverb, la gratte produit un effet dramatique saisissant, alors que la voix colle parfaitement au morceau. Le long playing s’achève par une cover du notoire "Cold sweat" de James Brown, en version instrumentale. La section rythmique trace la ligne de conduite funk et la guitare est une dernière fois mise en exergue...
Sindri Mar Sigfusson, aka Sin Fang, propose son quatrième opus pour le compte de l’honorable label Morr Music. Teintée de folk et d’électro, la pop de chambre est passée avantageusement sous les doigts magiques d’Alex Somers, producteur de Sigur Rós… et compagnon de Jonsi, chanteur du band islandais, qui participe également à l’aventure (« Candyland »). Il n’est pas le seul, car Soley (NDR : qui milite chez Seabear… une formation fondée par Sin Fang, en 2003 ; le monde est décidément bien étroit sur l’île aux geysers…) ainsi que la Norvégienne Farao, ont également apporté leurs concours.
« Spaceland » nous plonge au cœur d’un univers électronique à travers ses vignettes électro/pop uptempo (« Candyland », « Not Ready for Your Love ») ou atmosphériques (« Down »), qui nous réservent une belle collection de bips et beats, mais également de jolies mélodies, et qu’enveloppe la voix cotonneuse de Sin Fang. Les sessions se sont déroulées tantôt sous la chaleur de Los Angeles ou dans le froid de Reykjavik. Ce qui peut expliquer l’ambivalence de l’œuvre naviguant furtivement entre mélancolie et allégresse. L’Islande est définitivement une terre inépuisable de talents…
Originaire d’Italie, Gina Sicilia est née du côté de Philadelphie. Jeune et charmante (NDR : elle affiche 32 printemps), elle chante et excelle à la composition. Elle a commencé à enregistrer dès 2006. Elle s’est établie, depuis 2013, à Nashville. "Tug of war" (NDR : traduisez ‘Bras de fer’) constitue son 7ème essai. Les deux derniers, "The Alabama Sessions", paru en 2014, et "Sunset Avenue", en 2016, se limitaient à 5 titres. Elle vient donc de publier un nouvel opus, même s’il inclut les titres qui figuraient sur les Eps, un elpee pour lequel elle a reçu le concours de Glenn Barratt et Dave Darling, à la mise en forme.
Le long playing s’ouvre par quatre nouveaux morceaux. Tout d’abord "I don't want to be in love", une piste co-écrite par Dave Darling. Et elle ne manque pas de charme. La voix est bien mise en exergue. L’instrumentation tient parfaitement la route ; et tout particulièrement la guitare de Zach Zunis. Darling se consacre à la basse et assure les répliques vocales. "Damaging me" est un titre plus pop. Walter Runge y dispense une intro à l’orgue dont les sonorités évoquent certaines compos de Tom Petty. Jennings en profite pour dispenser un solo expressif et de toute beauté sur les cordes. La voix de Gina est chargée de passion tout au long de la ballade country "He called me baby". Et c’est Joel Bryant (NDR : apparemment, ce dernier est décédé depuis la sortie de ce long playing) qui siège derrière l’orgue pour cette ancienne compo signée Harlan Howard. Empreinte de douceur et de mélancolie, "I'll stand up" est une superbe ballade, au cours de laquelle Gina manifeste tout son courage et sa détresse dans son combat... Les interventions à l'orgue d'Arlen Victor et les cordes acoustiques de Dave Darling sont respectueuses de la version originale. Plus rythmé, "Heaven" baigne dans l’allégresse. "All my loving" est une chanson qui figurait sur l’album des Fab four, gravé en 1963, "With the Beatles". L’adaptation est superbe. Lente, traduite en ballade, Gina se l’est carrément réappropriée. Sa voix est tout à fait saisissante. Elle vit cette plage face aux cordes de Darling. Et les morceaux qui figuraient déjà sur les deux Eps précédents sont tous d’excellente facture. A l’instar du plus acoustique "Never gonna end" et de la tendre ballade country "I cried", morceaux au cours desquels elle épanche une forme de mal être ainsi que son désespoir, alors que Charlene Holloway se consacre aux chœurs. Dans le même esprit, autre plage empreinte de douceur, "They never pay me" constitue un des sommets de l’elpee. Jennings y signe une excellente intervention, chargée de feeling. "Abandoned" en est un autre. Elle y parle d’amour, un sentiment qu’elle exprime d’une voix franche et déterminée, devant l'orgue de Walter Runge et les cordes de son soliste ! En fin, elle adapte le "Tell him" de Bert Berns, un hit popularisé par les Exciters, en 1962.
Ce chanteur/guitariste est issu de Kansas City. Il avait déjà rencontré du succès, lors de son aventure vécue au sein du Trampled Under Foots, un groupe familial qui impliquait sa sœur Daniele et son frère Chris. Le band avait d’ailleurs remporté l'International Blues Challenge de Memphis, en 2008, et décroché deux Blues Music Awards, en 2014. Après la séparation de TUF, Nick monte alors son propre band. L’an dernier, il avait publié "Live at Knuckelheads – Vol 1", un album qui préludait la sortie d’une suite. Sous-titrée "Live at Knuckleheads Saloon December 3 2016", elle est parue en avril dernier. Le Knuckleheads Saloon est une salle de concert, sise à Kansas City, dans le Missouri, qui peut accueillir 600 personnes, mais qui jouit d’une solide réputation dans l’univers du blues. Depuis l'an dernier, le line up du band a changé. La chanteuse est partie et le bassiste a été remplacé par Adam Hagerman. Cliff Moore est cependant toujours préposé aux drums.
Blues lent classieux, "Fool" ouvre le set. Naturellement autoritaire, la voix de Nick passe aisément la rampe. Mais c’est avant tout un remarquable soliste. Il incarne à merveille le power blues trio qui laisse au guitar hero les commandes! Légèrement soul, "Pay in my mind" est imprimé sur un mid tempo ; un morceau ponctué par une sortie remarquable des cordes. Une nouvelle démonstration de technique évoluée émerge de l'arrangement aventureux pratiqué sur "Herbert Harper's Free press news", une compo qui figurait sur l’opus anachronique de Muddy Waters, "Electric Mud", paru en 1967. Il était considéré, à l'époque, comme l’œuvre psychédélique du grand bluesman. Signé par la famille Schnebelen, "You call that love" s’inspire du Westside de Chicago, un remarquable blues lent caractérisé par les accords de gratte parfaitement maîtrisés, tout en retenue, afin d’en concevoir de nouveaux, tout aussi créatifs. Les percussions de Moore introduisent "Bad woman blues", une plage qui nous entraîne dans le Delta et au cours de laquelle la slide s’autorise une intervention remarquée. Produit et composé par Tony Braunagel, ce titre figurait sur "Wrong side of the blues", un LP gravé par TUF. Passé à la slide, Nick se déchaîne. Il nous réserve une version fulgurante et implacable du "Mean Town Blues" de Johnny Winter, manifestant la même rage vocale que l'albinos texan. A nouveau issu du répertoire de TUF, le boogie offensif "Johnny Cheat" se charge d’intensité et devient carrément incandescent. "Bad disposition" opère un retour au blues lent chargé d’accents dramatiques, hendrixiens… Plus paisible, "School night" baigne au sein d’une ambiance swing jazz nightclubbienne. Un climat qu’on retrouve lors de la finale instrumentale "Conformity Blues", et dont l’approche est digne des prestigieux solistes de l’Allman Brothers Band, Duane Allman et Dicky Betts. Epatant!
Suite à la tragique disparition de son bassiste, ce trio français à l’étrange patronyme a été réduit à un duo. Et ce crustacé mélomane a décidé de traverser l’Atlantique pour enregistrer son nouvel et second Ep. A Los Angeles pour être plus précis. Scampi est influencé par le trip hop, et tout particulièrement, Massive Attack et surtout Morcheeba. Mais également par CocoRosie. A cause des sonorités produites par le ukulélé et le guzheng. Peu connu sous nos latitudes, cet instrument à cordes chinois appartient à la famille des cithares (NDR : Gû Zheng signifie ‘ancienne cithare’ d’après mon ami Wiki). En outre les voix rappellent manifestement celles des sœurs Cassidy. Si certains morceaux se révèlent tendres (« Get an Idea »), d’autres adoptent un ton plus énergique (« Waiting for this Sound ») ; mais en général, les plages privilégient le format pop (« Leave it Out »), parfois au sein d’un climat légèrement ‘dark’ (« Magic House »). En conclusion, cet LP ne manque pas de charme…
Chanteur, guitariste et compositeur, Jim Roberts est établi à Los Angeles. C'est un passionné des racines américaines, particulièrement celles issues du sud profond. Il privilégie la slide et les cigar boxes, ces étonnantes guitares dont la caisse de résonance est fabriquée à l’aide de boîtes à cigares. Son backing group, The Resonants, se limite à une section rythmique. Mike Harvey se charge de la batterie. Rick Hollander et Tony Jack Grigsby se relaient à la basse. Jim avait publié son dernier elpee, "Devil dirt road", en 2014, sous le patronyme de Jack Roberts Harvey Band. Ce nouvel opus a été enregistré à L.A., en compagnie de ses Resonants et de quelques invités dont l’ex-Phantom Blues Band, Mike Finnigan.
Le titre maître ouvre l’elpee. Tapissé par l’orgue Hammond de Mike Finnigan, dont les sonorités sont instantanément reconnaissables, ce titre roots est balayé par les interventions de la slide. Une slide que se réserve Grant Cihlar (The Other Mules) sur "Dog done bit my baby". Et elle apporte un soutien décisif à la cigar box tout au long de cette piste imprimée sur un tempo irrésistible, alors que la voix de Jim transpire de vécu. Le meilleur morceau du long playing ! Des bruitages spécifiques évoquent la Louisiane. "Bayou Beau" nous y entraîne. L’intro est à la fois belle, lourde et étouffante, avant que les percus de Mike Harvey n’accélèrent le rythme. Ce qui n’empêche pas la guitare de conserver son sens mélodique. Ballade mélancolique, "May all your regrets be small" s’enfonce encore davantage dans le Sud. L’accordéon de Nathan Rivera y exhale un parfum tex mex. La slide épouse des sonorités de steel guitare. "Gold train blues" entame une phase Southern Blues. La voix est grave et puissante. L’orgue Hammond et la slide s’autorisent un flirt, avant qu’elle ne prenne son envol pour atteindre les cimes. Pour la dernière fois, l'orgue de Finnigan amorce une compo. En l’occurrence "Red lips and high heels". Sudiste et solennelle, elle est rapidement rejointe par la cigar box, avant de virer au boogie, lorsque débarquent les ivoires. "Southern hospitality" opère un retour en Louisiane. Bien balisée par la section rythmique, la slide se révèle omniprésente. De bonne facture, cet opus s’achève par l’élégant "Dark down in the Delta", une plage qui baigne –bien évidemment– dans le delta, et dont la slide et la cigar box libèrent des sonorités qui ne manquent pas de charme. Caractérisé par le traitement de la gratte au bottleneck et les interventions à l’harmonica de Felix Flanagan, "The hell hound's due" adresse un clin d'œil au légendaire Robert Johnson. Roberts vient de tourner en Europe, et notamment à travers l’hexagone, en compagnie du guitariste français Jeff Toto Blues, au sein d’un duo baptisé Dobrothersblues Duo. La paire a également publié un elpee en 2016, "Live in Chambezon".
Republica Ideal de Acapulco est un nouveau projet monté par Nicolas Repac (Arthur H) et Yaite Ramos. Un duo ambitieux qui promet un voyage musical dans le temps, au cœur des 50’s, à travers les Caraïbes et l’Amérique latine.
Quelque part entre salsa, mambo, cumbia, boléro, cha-cha-cha, world, et lounge, l’expression sonore vous transporte sur les plages de La Havane dès le single « Atomic Lover. Une compo qu’on pourrait qualifier de torride. La voix de la flûtiste et chanteuse Yaité Ramos est à la fois sensuelle et groovy, tout en irradiant le morceau des rayons flamboyants du soleil couchant (NDR : Yaité Ramos est la fille de Jesús Ramos, tromboniste chez Buena Vista Social Club et Afro-Cuban All Stars). Bénéficiant du concours de Minino Garay, la composition est caractérisée par la présence de cuivres et de percussions de haut vol.
Au plus profond de la forêt équatoriale, nous sommes subjugués par les chants d’oiseaux de « Blue Anacunda ».« Mirage » vous incite à siroter votre cocktail au bord de la piscine. Une grosse bouffée d’oxygène qui nettoie les neurones surchargés et vous garantit des vacances perpétuelles.
Il faut bouger son popotin et se réveiller. « Beso De Fuego » achève ce périple chargé de promesses sur le dancefloor. Avant que les lumières feutrées ne s’éteignent dans l’attente d’un futur album prometteur…
Chanteuse et bassiste, Polly O'Keary s’est établie du côté de Seattle, dans l'état de Washington, non loin des côtes de l'Océan Pacifique. Elle a déjà remporté de nombreux prix dans les sociétés de blues locales, comme vocaliste et compositrice. Elle est à la tête d’un trio, The Rythm Method, qui implique Tommy Cook –son époux– à la batterie et David Miller à la guitare. Miss O'Keary compte déjà plusieurs opus à son actif, dont le dernier "Compass », enregistré en compagnie de son backing group, est paru en 2014.
Dès les premiers accords, il appert que Polly est une chanteuse à voix. Elle conduit "Hard hearted world", sur un tempo vivace, soutenue par les ivoires d'Eric Robert (Vicci Martinez Band), alors que David Miller s’autorise une superbe sortie, à la manière d'Albert Collins. Un climat qu’on retrouve sur "A man who can stand", mais sous la forme d’une ballade rock/r&b qui ne manque pas de charme. Norm Bellas siège derrière l'orgue Hammond pour "Red light", un blues/rock nerveux, mais bien construit, au cours duquel les cordes adoptent un profil davantage hard. Cependant, ce que le team préfère, c’est de toute évidence le blues lent plutôt dépouillé et aux accents dramatiques. A l’instar du titre maître, qui bénéficie du concours de Jim McLaughlin à l’harmo (NDR : il jouit d’une excellente notoriété à Seattle). Néanmoins, la voix affiche ici ses limites : elle n’est pas assez expressive. Une carence dont souffre encore la finale "I am the one", malgré le pouvoir de séduction exercé par la gratte, une piste lente qui adopte un certain sens de la tragédie. Pourtant, tout au long de "Reconciled", elle se révèle davantage chaleureuse et passionnée, soutenue alors par deux autres vocalistes et l'orgue Hammond. Et ardente, la guitare continue de s'épanouir tout en préservant sa ligne de conduite mélodique. Des cordes hargneuses, trafiquées et ravagées envahissent "Yours to love", un r&b saignant et cuivré par le Powerhouse Horns. Qui alimentent une nouvelle fois "Plan B". "I don't understand" est un autre bon r&b, mais enrichi de chœurs. Davantage dansant, il met bien en évidence le rôle de la basse. Ballade plutôt lente, "One life" adopte une rythmique légèrement reggae, se distinguant encore par un envol brillant de David sur ses cordes réverbérées…
Ce chanteur/guitariste californien vient de fêter ses 65 balais. Il peut se targuer d’une longue carrière. Il a milité chez les Bluesbreakers de John Mayall, durant plus de dix ans. Il a ensuite embrassé une carrière personnelle, ponctuée d'une dizaine d'albums. "Hard truth" a été enregistré au Ultratone de Burbank, sous la houlette de Tony Braunagel. Et bien entendu, tous les musicos de la bande à Braunagel ont participé aux sessions : Mike Finnigan aux claviers ainsi que Johnny Lee Schell à la guitare rythmique. Sans oublier, Tony à la batterie.
"Before the bullets fly" est une composition signée Warren Haynes (Gov't Mule, Allman Brothers Band). Coco se sent comme un poisson dans l’eau tout au long de cette cover. Il étale déjà toute sa technique tellement proche de celle d'Albert Collins, et bénéficie du soutien de Mike Finnigan à l’orgue Hammond. Une parfaite entrée en matière! "I want to shout about it" est issu de la plume de Ronnie Earl. Coco chante d’une voix naturellement puissante, ce soul/blues imprimé sur un tempo enlevé qui tire parti, à nouveau, de cette parfaite dualité entre la guitare et l'orgue. Braunagel balise de son drumming, "Lost in the bottle", un blues/rock nerveux et énergique, au cours duquel on assiste à un duel de haut vol entre la six cordes de Montoya et la slide de Lee Roy Parnell (NDR : établi à Nahsville, ce Texan est un artiste notoire dans l’univers du roots). "Old habits are hard to break" a été composé par John Hiatt et Miss Marshall Chapman. Blues, la version est subtilement rythmée et se distingue par une nouvelle envolée magique de Montoya. "Devil don't sleep" évolue sur un rythme indolent. Sombre, le climat est entretenu par les roulements lugubres de Braunagel, alors que la gratte de Coco et la slide de Johnny Lee Schell entrent en dialogue. "Where can a man go from here?" constitue le meilleur blues lent du long playing. Les interventions à l'orgue Hammond sont chaleureuses. La voix de Coco est chargée de feeling et de passion. Enchanteresses, ses cordes adoptent toutes les ficelles du style. "I'll find someone who will" est plus funky et dansant, une piste dont le refrain est repris en chœur par les deux choristes, Teresa James et Deb Ryder. Un genre qu’il apprécie également. Il attaque "The moon is full", une compo issue de la plume de Gwen Collins (NDR : c’est la veuve d'Albert) qui figurait sur "Showdown!", un opus sorti en 1985, auquel avait participé Robert Cray, Johnny Copeland et Albert Collins. Coco et Billy Watts conjugue leurs cordes, avec bonheur, tout au long de "Hard as hell", un rock’in blues au cours duquel Finnigan se révèle impérial à l'orgue...
Américaine, Janiva Magness chante le blues et la soul. Et malgré ses 60 ans, elle ne manque ni de charme, d’allure ou de présence. Au fil de sa carrière, elle a accumulé une fameuse expérience. Mini album partagé en 6 pistes, "Blue again" en revient au blues, une musique qu’elle considère comme vraie et basique. Dave Darling en assure, de nouveau, la mise en forme. Et lors des sessions, elle a pu compter sur le concours du réputé Zach Zunis et de l’ex-Eulogies (NDR : un groupe rock issu de Los Angeles) Garrett Deloian, aux grattes.
"I can tell" démarre en force. Adaptée par des tas d'artistes, dont Dr Feelgood et les Fabulous Thunderbirds, cette piste figurait également au répertoire de Do Diddley. Janis la chante d’un timbre profond qui transpire de vécu. Invité, Kid Ramos se charge de la six cordes, et le résultat est épatant ! Blues lent, "I love you more than you'll ever know" est issu de la plume d'Al Kooper. Cette compo date de l’époque où il militait chez Blood, Sweat and Tears. Arlan Schierbaum la tapisse de son orgue, alors que particulièrement affûtée, la guitare de Zunis est empreinte d’une grande sensibilité. Signée Etta James, "If I can't have you" est une ballade blues au cours de laquelle la voix de Javina et celle de Sugaray Rayford (NDR : chanteur chez le band californien The Mannish Boys, ce Texan possède un baryton littéralement magique) se conjuguent, alors que Zach Zunis se réserve une sortie impériale sur ses cordes. Très jump, le "Tired of walking" d'Eddie Hinton est imprimé sur un tempo enlevé. Tout est parfaitement en place. Les interventions de gratte sont alertes. Janiva peut sortir ses griffes ! "Buck" figurait au répertoire de Nina Simone. La version est davantage roots, paisible même. Miss Magness est épaulée par son époux, T.J Norton, à l’harmonica. Le "Pack it up" de Freddie King clôt cet opus. Un r&b légèrement funky qui colle parfaitement au timbre de la native de Detroit, bien épaulée par la le va et vient incessant opéré par la guitare de Zunis. Excellent!
Ce trio français a été fondé en 2013 par Fabien Guidi, un guitariste/chanteur/compositeur âgé de 23 printemps. Le line up du band implique le drummer Julien Hubert et le bassiste Pierre-Yves Ternoise. Avant de publier cet Ep, le combo avait gravé un premier opus. Baptisé "The story of Sharky Jones", sa pochette était illustrée par la photo du légendaire Robert Johnson, mais dont la tête avait été remplacée par un crâne.
Le drumming de Julien précède une intervention de gratte aux accents métalliques inspirée par le Delta. Elle s’épanouit et meurt au cœur de la section rythmique parfaitement soudée. La voix est grave, lugubre, fantomatique. L’atmosphère devient sombre et angoissante. La basse reste collée aux cordes. On se sent littéralement absorbé. Ce psycho delta blues est vraiment classieux ! Ce tourment se poursuit tout au long "Deadly life". La rythmique est invasive. Les riffs de gratte sont versatiles et perçants. La guitare Resonator ouvre la voie à "Almost free", une piste qui se révèle rapidement le théâtre de ce mal-être persistant. La joie de vivre ne semble pas appartenir au monde musical de Jamwalkers. Des cordes acoustiques sereines introduisent "If I were" ; mais cette douceur apparente se transforme ensuite en une rage de vivre nerveuse. La technique affichée par Guidi, sur son manche, est à la fois excellente et irrésistible. Après une longue intro, "Hate blues" entame une transe psychédélique impitoyable qui s'étend sur plus de 7'. La voix s’avère toujours aussi ténébreuse. Tout au long de ce blues de la haine et de l'impossible, les petits envols des cordes demeurent pourtant accrocheurs et mélodieux. Impressionnant !
Après avoir publié le très prometteur elpee "A real fine mess", en 2014, le duo de Vancouver nous propose son second, "Apocalipstick". Pour l’enregistrer, le chanteur/harmoniciste Shawn Hall, alias The Harpoonist, et Matthew Rogers, aka The Axe Murderer, préposé à la guitare, à la basse et aux synthés, ont reçu le concours de quelques musicos, dont le producteur John Raham, aux drums et percussions. Originale, la musique se caractérise par ses arrangements complexes, ses recherches sur les sonorités et un travail constant sur les voix. Faut dire que pour la circonstance, Shawn est entouré par pas moins de sept autres vocalistes. Le résultat est plutôt coloré, à l’instar de l’illustration de la pochette, qui reproduit des lèvres multicolores. Coloré voire psychédélique, car le climat est propice à l’aventure et au voyage. Bien sûr, l’opus n’est pas englouti sous un flot de guitares acides, mais balayé par une folie orchestrale sonore…
D'ailleurs, des tonalités chiadées, dispensées par les synthés de Matthew, ouvrent la voie à "Get ready", une piste dont la rythmique bien marquée rappelle le Bo Diddley beat. John Raman déverse de solides percus. Une rythmique qui se révèle bien nerveuse sur "Nancy", un morceau dominé par l'ensemble vocal. Et si les sonorités de la guitare sont découpées au rasoir, le refrain adopte un profil accrocheur, pop même. Un riff rythmique appuyé balise "Forever fool". La voix de Harpoonist s’y révèle autoritaire. Des cordes réverbérées introduisent "I'm back", un blues contemporain, caractérisé par des harmonies vocales élaborées. Mr Hall chante nerveusement "Pretty please", un rock singulier au cours duquel harmonica débridé et percus sont à l’offensive. Et d’une voix pure, "Treat me kind", une jolie ballade roots enrobée de chœurs et découpée dans les cordes acoustiques. L’opus nous réserve encore toute une série de brèves compos complexes et bien fignolées qui explorent judicieusement les parties vocales. A l’instar de l’allègre "Marianne". Souligné par les brefs jaillissements d’harmo, la voix s’impose sur "Father's son", un morceau au cours duquel la guitare trafiquée de Matthew prend son billet de sortie, en entraînant dans son élan les claviers de Geoff Hilhorst. La finale est excellente. Le chant slalome entre percussions et synthés, à la rencontre des autres voix. Mystérieuse et éclatante, cette aventure psychédélique est décidément peu ordinaire !
Godboogie est un super groupe torontois de blues/rock. Il est drivé par Jerome Godboo, un des tous meilleurs harmonicistes canadiens. Il s’est entouré de musiciens brillants. Eric Schenkman (Spin Doctors) se consacre à la guitare baritone. Shawn Kellerman (NDR : on ne compte plus les expériences vécues par ce vétéran qui milite actuellement au sein du backing groupe de Lucky Peterson), également à la gratte et à la basse. Gary Craig (Blackie and the Rodeo Kings), aux drums. La discographie de Jerome est conséquente. Il a ainsi publié onze albums personnels, dont le dernier "Sanctuary City", avait déjà été bénéficié de la participation d’Eric et de Gary. Godboo assure l'essentiel des parties vocales. C’est également le principal compositeur. Enfin, l’opus est sous-titré "13 Upbeat Blues Funk hits!".
Le titre maître ouvre les hostilités. Il nous entraîne en Louisiane. A cause des percus, et tout particulièrement du frottoir ; mais également des interventions de Jerome qui double accordéon et harmonica. La guitare est percutante et mordante, tout au long du blues classique et particulièrement rythmé "Honey badger". "Wounded" nous emmène au cœur du Chicago Westside. Très rythmique, le riff de gratte est attaqué à la manière de Magic Sam. Les solistes sont à la fête et leurs interventions sont débridées ; que ce soit l’harmonica ou la six cordes. "It's a party" lorgne vers le funk. La voix est nerveuse face au dialogue opéré entre l'harmonica et la guitare, plutôt déjantée. Le style de Jerome est à la fois original et créatif. Il rappelle tantôt l’hyper doué Jason Ricci ou alors John Popper, le forntman de Blues Taveler. La piste se distingue par ses changements de tempo. Elle vire d’ailleurs à une jam propice au déchaînement de cordes pendant plus de 7'. Le long playing recèle deux autres jams. Tout d’abord, "Sign of the times", un blues lent frénétique et dévastateur ; puis en finale, l’épique "Tigers, horses,kings & queens", une compo qui monte progressivement en puissance, afin de favoriser des envolées d'envergure, relativement ravagées ou passées à la moulinette, dans l’esprit d’un Jimi Hendrix. Excellent blues, "Kitty" est imprimé sur un mid tempo. La rythmique est hypnotique. Le guitariste se fend d’un remarquable solo qui vous pénètre, littéralement. Le spectre de Howlin' Wolf rôde. Les solistes sont à nouveau à la fête tout au long du plus rock "So far away", une plage qui déménage. Plus roots, exotique même, "Dragon King" facilite de nouveaux envols. Séduisante, la voix de Jereome est soutenue par celle de Schenkman. Pistes indolentes et atmosphériques, "The way to Heaven" et "Call on my love" nous plongent au cœur d’une ambiance cool, donc paisible…
Après avoir poussé « Le chant de la colère », en première partie de divers groupes, dont Mass Hysteria, Darcy propose son premier album. Intitulé « Tigre », il aligne douze titres qui ne resteront certainement pas gravés dans l’histoire de la chanson. Tout commence par une « Armageddon ». Un morceau qui pourrait sortir des débuts de BB Brunes, mais en plus criard. Les hurlements sont très énervés, mais au final, ne racontent pas grand-chose. Aligner les vulgarités ne sert pas forcément un texte susceptible d’envoyer du lourd. Bien au contraire, Darcy prouve par ces déroutes langagières, sa faiblesse à coucher sur le papier ses idées révoltées. Il vomit presque parfois ses lyrics, en oubliant que chanter, c’est aussi communiquer de l’émotion à celui qui les écoute. Pour mettre des tripes dans une chanson, il ne suffit pas de se casser à la voix en braillant. On trouve parfois l’un ou l’autre rythme sympathique comme sur « Mitraillette ». Mais l’ensemble reste bien fade. La fin de parcours adoucit quelque peu la sévère note accordée à cet LP. Grâce à son aspect mélancolique et plus doux, « La Janais » fait du bien, permet de respirer dans ce disque où l’excès est roi. Mais pour l’écriture, on dirait presque un ersatz de Damien Saez. Reste encore potentiellement « Paris » qui mérite une écoute, bien que le sujet ne soit pas franchement capital…
Cymbals Eat Guitars est une formation issue de New York. De Staten Island (NDR : c’est une île !), plus précisément. Et progressivement, elle est parvenue à construite une œuvre solide et cohérente dénuée de toute faute de goût majeure… ‘Cymbals Eat Guitars’ sont des mots prononcés par un autre illustre habitant de la Grosse Pomme, Lou Reed, pour décrire la musique du Velvet Underground.
Plus influencé par le rock des 90’s que par le band underground mythique, la bande à Joseph d’Agostino propose donc son quatrième elpee, un disque qui a reçu le concours de John Congleton (The War on Drugs, Swans, St. Vincent) à la mise en forme. Zigzagant entre continuité sonique et nouveaux horizons sonores, « Pretty Years » recèle des plages nourries aux guitares shoegaze et grunge, dans un esprit souvent ‘slacker’. A l’instar du précédent elpee, « Lose », et tout particulièrement de la piste d’entrée « Finally » ainsi que sur « 4th of July, Philadelphia (Sandy) »). Néanmoins, le gang yankee n’en a pas pour autant oublié les salves punk réminiscentes de Titus Andronicus (« Beam »), mais aussi des pistes plus mélodiques tels que le plus groovy « Wish », une compo dont les interventions de saxophone à coloration eighties sont portées par la voix élastique du leader tout en lorgnant vers Modest Mouse. Enfin, de cet LP, on épinglera encore la ballade électrique « Dancing Days ». Nuancées et joliment référencées, ces « Pretty Years » (les années 90 ?) s’achèvent en feu d’artifice sonique, par le monumental « Shrine ». Une œuvre convaincante de bout en bout…
Chanteur de blues, soul et r&b, Robert Cray est un artiste notoire et talentueux. Agé de 64 balais, il a entamé sa carrière en 1980. Pour enregistrer cet opus, il s’est rendu à Memphis, au Royal Studios, où il a bénéficié du concours de son ami Steve Jordan, pour la mise en forme. Steve est un illustre drummer (Stevie Wonder, Blues Brothers) et un célèbre producteur (Bob Dylan, Neil Young, BB King). Pour mettre en boîte cet opus de Memphis soul, Robert a bénéficié de la collaboration de Hi Rhythm, un combo qui implique les frères Charles et Leroy Hodges, respectivement organiste/pianiste et bassiste, ainsi que le claviériste Archie ‘Hubbie’ Turner…
"The same love that made me laugh" est un titre signé Bill Withers. Magique, la voix colle parfaitement à ce morceau de soul. Tout comme les accords de grattes, particulièrement accrocheurs. Il embraie par le funky r&b "You must believe in yourself", épaulé par les Royal Horns ; et sa gratte est véritablement insatiable. Robert reprend "I don't care" et "Honey bad", deux compos de r&b classieux signées Sir Mack Rice (NDR : ce gentleman de la soul a longtemps apporté sa collaboration au label Stax ; et tout particulièrement à des artistes comme Wilson Pickett et Eddie Floyd. Et deux morceaux issus de la plume du Louisianais Tony Joe White, qui rehausse l’adaptation de sa présence. En se réservant la guitare sur le nerveux, ravagé et hypnotique "Don't steal my love". Mais en plus, l’harmonica tout au long de la superbe ballade "Aspen, Colorado". Cray se consacre au micro pour trois de ses compositions. D’abord, "Just how low", un blues parfaitement structuré à l’instrumentation impeccablement huilée. Puis la ballade soul "You had my heart", une plage sentimentale au cours de laquelle les interventions dispensées par Robert à la gratte se révèlent empreintes d’une grande sensibilité. Et puis le tendre "The way we are". Enfin, il exécute, mais en deux parties "I'm with you", un titre écrit en 1960 par le guitariste et principal compositeur du groupe vocal doowop, The 5 Royales…
Trois ans, c’est le temps qui a fallu au premier elpee d’Alex Cameron pour passer d’un hémisphère à l’autre. Cependant, tout au long de cette période, cet Australien a tellement rencontré d’imprévus, qu’au fil du temps, ces contretemps se sont mués en avantages…
Avant 2013, le natif de Sydney milite au sein d’un banal groupe électro. Mais c’est au cours de cette année qu’il décide de se lancer en solo. Il met en ligne ses compos et accorde plusieurs concerts. Après avoir publié un premier elpee, uniquement distribué en Australie, il a l’opportunité de tourner en Europe. Lors d’un concert à Paris, les musicos de Foxygen le remarquent et lui proposent de les accompagner lors de leur périple aux States. Au cours de celui-ci, Cameron est loin de passer inaperçu ; aussi le label Secretly Canadian lui propose de rééditer son album. Un concours de circonstance qui permet ainsi de découvrir cet excellent « Jumping the Shark ».
Partagé en huit pistes, cet opus se limite à 30 minutes. Les textes de ses chansons relatent les échecs du personnage auquel il donne vie. Un fil rouge qui peut finir par se révéler pathétique. La synth pop est minimaliste. Alex pose simplement sa voix sur des lignes de claviers, et rythme l’ensemble à l’aide d’une boîte à rythmes. Malgré cet apparent dépouillement, certaines plages se distinguent par une approche mélodique imparable. A l’instar des convulsifs « Happy Ending » et « Real Bad Looking ». Ou adoptent un profil austère. « Gone South » en est certainement le plus bel exemple.
S’il a fallu attendre trois longues années avant de voir débarquer ce premier long playing sur le Vieux Continent, on ne devrait plus patienter aussi longtemps pour connaître une suite, puisque l’Australien se produira en concert, au Botanique, ce 27 novembre, afin de défendre un second LP, dont la sortie est prévue pour cette année…
Canadien, Gary Cain est chanteur/guitariste. Il est soutenu par une section rythmique, en l’occurrence le bassiste Tom Nagy, spécialiste dans l’unvivers du jazz, et le drummer Donnie McDougall. Les trois musicos sont diplômés du réputé Humber College de Toronto. Gary avait publié un Ep solo intitulé "The Holborn Sessions", avant que le trio ne grave ce "Twangadelic Bluesophunk". Cain signe les dix plages. Vu le titre de cet elpee, on imagine que la formation est responsable d’une expression sonore originale…
Et, en effet, dès "Live wire", les sonorités de gratte sont aventureuses, fouillées, complexes même, et comblent bien chaque espace, alors que la section rythmique doit s'adapter afin de suivre cette rapidité d'exécution. "Pipes and spoons" est un rock/blues plus classique. La voix se détache bien de l’ensemble. Et lorsqu’un créneau funk s’ouvre, Gary Cain se déchaîne sur sa gratte. Il adopte la technique du pickin’ (NDR : une pratique courante dans l’univers de la country) tout au long de "Thought I heard you say", un morceau de bravoure propice à la créativité. Etonnant ! Exercice de style instrumental, "Twang strut" se distingue par ces effets ‘twang’, produits pas la vibration des cordes, et tout particulièrement celles des guitares Fender. La vitesse d'exécution demeure impressionnante dans le style surf/country avant de virer à l’exotisme du reggae. Rockin' boogie, "Got me where you want me" enchaîne les riffs rythmiques, un peu dans l’esprit de ZZ Top. En accélération constante, les cordes sont en verve. Et se convertissent au métal sur le funk/blues "Last dance", une piste imprimée sur un mid tempo. Le spectre de Jimi Hendrix hante "Girl's too rich". Les accords sont nerveux, plaqués, saignants et adoptent une démarche rythmique en crescendo. Ballade instrumentale, "Faith healer" clôt cet opus. Un blues mélodique, au cours duquel, Gary injecte une bonne dose de réverb dans les cordes…
Né en 1981, Ben Lukas Boysen est tombé, dès le plus jeune âge, dans la marmite à la musique. Pas étonnant, quand on sait que sa mère était chanteuse d’opéra. A partir de sept ans, il commence déjà à apprendre la guitare et le piano. S’il vit de son métier depuis quelque temps, il lui a cependant fallu tout un temps avant de publier des œuvres, sous son propre nom. Auparavant, l’Allemand (NDR : établi aujourd’hui à Berlin) composait des bandes son pour la publicité. Il a également gravé plusieurs elpees électro sous le patronyme Hecq. Son premier elpee solo, « Gravity », est paru en 2013. A l’instar du premier, « Spells », son second, est paru sur le label Erased Tapes.
A l’instar de la majorité des artistes hébergés par cette écurie, Ben Lukas Boysen crée des pièces de musique classique au clavier (NDR : programmé pour reproduire le son du piano), sur lesquelles il vient poser des tonalités électroniques. Un concept assez proche d’Olafur Arnalds voire de Nils Frahm. Pas étonnant, d’ailleurs, de retrouver ce dernier au mixing. Mais pour enrichir son expression sonore, il a invité plusieurs musiciens. Dont Achim Farber (drums), Anton Peisakhov (violoncelle) et Lara Somogyi (harpe), qui apportent leur concours suivant les morceaux.
L’opus ne se limite cependant pas au néo-classique. Contemplative « The Veil » baigne dans l’ambient. « Golden Times 1 » est construit en long crescendo. Et tout au long de « Nocturne 4 », la batterie n’hésite pas hausser le rythme. Bref, malgré le style, « Spells » ne suscite jamais l’ennui. Bref, c’est une certitude, Erased Tapes a signé artiste talentueux…
« Masculin Féminin », dernier essai de Blonde Redhead, n’est pas vraiment un nouvel album. En fait il s’agit d’un coffret qui compile des singles, des démos, des enregistrements radios ainsi que les deux premiers elpees du band new-yorkais, l’éponyme et « La Mila Violenta ». Parus respectivement en 1994 et 1995, ces deux long playings, parus sur Smells Like Records, le label de Steve Shelley (NDR : c’est le drummer de feu Sonic Youth), sont épuisés depuis belle lurette.
A l’écoute de la plupart des morceaux, on comprend bien pourquoi le trio (à l’époque le line up était encore constitué d’un quatuor) a été comparé, pendant de longues années à Sonic Youth. La voix de Kazu Makino rappelle clairement celle de Kim Gordon. La guitare d’Amadeo Pace évoque les triturations noisy de Thurston Moore. Et enfin, ce rock ne perd jamais le sens de la mélodie. L’une des grandes qualités de Sonic Youth. La musique de Blonde Redhead est alors essentiellement noise/rock. Elle n’a pas encore été épurée. Et on n’y recèle pas encore de prédisposition pour la dream pop.
Ces rééditions enrichies d’inédits est donc une aubaine si vous souhaitez (re)découvrir les prémices de Blonde Redhead, un combo qui deviendra culte. En outre, a contrario de bon nombre de recueils de ce type, le son ne souffre de (quasiment) aucun raté…
Ce vétéran est au service du blues depuis plus d’un demi-siècle. Un véritable passionné ! Il fêtera bientôt ses 75 ans. Né en Californie, il a grandi dans l'Oklahoma avant de rallier Chicago, dès 1960. En 63, il rencontre l'harmoniciste Paul Butterfield, qu'il rejoint vite au sein du légendaire Paul Butterfield Blues Band, premier célèbre groupe de blues blanc. Il y restera cinq ans et côtoiera l'extraordinaire guitariste Michael Bloomfield. Elvin embrasse ensuite une carrière solo, toujours d’actualité en 2017. Il est sous contrat auprès du célèbre label chicagoan, Alligator. Récemment, il a organisé une jam dans son studio, en compagnie de deux autres musiciens. En l’occurrence le pianiste/guitariste Bob Welsh (NDR : membre du backing group d’Elvin Bishop, il a fréquenté de grosses pointures du blues californien comme Mark Hummel et Rick Estrin, notamment). Mais également le chanteur/percussionniste Willy Jordan. Enthousiasmé par cette réunion, Bishop décide d’attribuer un patronyme à ce projet : le Big Fun Trio. Et puis d’immortaliser cette rencontre à travers un album. Des sessions qui se sont déroulées au sein d’un studio californien…
Baignant dans la bonne humeur, "Keep On Rollin'" ouvre la plaque. Entraînant, le piano roadhouse de Welch imprime le tempo. Willy se consacre aux percussions. Et tout particulièrement en se servant d’un cajon (NDR : d'origine sud-américaine, cet instrument ressemble à une boîte carrée sur laquelle on doit s’asseoir pour la tambouriner à l’aide des mains). Elvin et Willy chantent en duo. Et à tue-tête le remuant "Honey Babe", que le mythique Lightnin' Hopkins avait composé en 1948. Ils partagent un plaisir évident à conjuguer leurs voix. Bishop démontre qu'il n'a rien perdu de son talent de gratteur. Welch assure la partie de basse sur sa guitare. Shuffle percutant, "It's you, baby" est issu de la plume du pianiste chicagoan, Sunnyland Slim. Les ivoires dominent le sujet ; et Kim Wilson en personne vient souffler dans son harmo. Il s’y révèle époustouflant ! Bishop est au micro pour une adaptation authentique du "Ace in the hole", titre maître de ce long playing, gravé en 1995. Delta blues classique, "Delta lowdown" est une excellente piste. Rafraîchissante aussi. Le piano de Welch roule. Rick Estrin (NDR : c’est le leader des Nightcats) est éclatant à l'harmonica. Et Charlie Musselwhite l’est tout autant tout au long de "100 years of the blues", un autre grand moment de l’opus. Cinquante ans qu’ils se connaissent ! Ce qui explique le titre de ce morceau dont émane une émotion bien naturelle. Le Big Fun Trio est capable de hausser proprement le rythme. A l’instar de la cover allègre du "Let the four winds blow" de Fats Domino. Et les excellentes vibrations néo-orléanaises sont entretenues par Bob Welsh. Un climat au sein duquel baigne également "That's what I'm talkin' about", un compo du trio cuisinée à l’aide de produits locaux : gumbo, crawfish et soul food ! La reprise du célèbre "It's all over now" de Bobby Womack n'est pas piquée des vers. Et l’adaptation est finalement assez proche de celle proposée par les Rolling Stones, en 1964. Superbe!
Tim Bastmeyer est issu de Toronto. Chanteur et guitariste, il est également producteur. Il possède ainsi son propre studio à Uxbridge, une petite ville sise au Nord de la capitale de l’Ontario. Il excelle dans le domaine du delta blues. Et jouit d’une excellente réputation dans l’art de se servir du bottleneck et de la slide. Il tourne régulièrement aussi bien aux States qu’en Europe et se produit en solo ou épaulé par son All Star Blues Band, une formation qui réunit quelques fleurons du blues canadien. En l’occurrence, le pianiste Julian Fauth (NDR : il a publié trois elpees personnels sur le label Electro-Fi), l’harmoniciste Paul Reddick (NDR : il est responsable de huit long playings à ce jour, dont quatre, concoctés en compagnie des Sidemen), Sean Pinchin, également spécialiste du bottleneck, le bassiste James Thomson et, circonstanciellement, le batteur Cam de Laat. Vu le talent des musicos, on se doute que la qualité sera bien au rendez-vous ; d’ailleurs, chaque soliste apporte, en permanence, sa pierre à l’édifice. Mais surtout, un souffle d’authenticité va emporter ce blues essentiellement acoustique.
L’elpee s’ouvre par "What a woman does to me", une compo quoi baigne au sein d’un climat très roots. Tim chante d’une voix naturellement grave. Les différents instruments s’intègrent parfaitement dans l’ensemble. Et les premiers billets de sortie sont accordés au piano de Fauth et à la gratte traitée au bottleneck de Pinchin. "Northern boogie blues" se révèle bien plus downhome blues que boogie. Paul Reddick s’immisce à l’harmo. L’ambiance est chaleureuse et propice à la bonne humeur. Autre jolie plage roots, "With you" progresse paresseusement. Amplifiés, les accords de gratte sont superbes. La contrebasse tire parfaitement son épingle du jeu. Grave, la voix souligne "It's a shame", une splendide ballade mélodieuse enrichie par une intervention aux ivoires, belle à pleurer! Country/blues chanté à deux voix, "That woman" se singularise par l’envol délicat de Reddick, à l’harmonica. "Love turns to pain" lorgne de plus en plus vers le Mississippi originel. Le régime imposé par le bottleneck est rugueux et métallique. Le piano de Julian Fauth s’inscrit parfaitement dans l’esprit du All Star Blues Band. Bien que funky jazz, l’instrumental "Funky ten" véhicule des accents délicieusement manouches. "Tomorrow is another day" est une autre ballade. Les deux voix se conjuguent en harmonie. Empreinte de sérénité, elle est illuminée par des interventions magiques aux ivoires. Et l’opus s’achève par l’indolent et excellent "Rough night at the office"…
Jon Zeeman est issu du sud des Etats-Unis, et plus précisément de l'état du soleil, la Floride. Il pratique une forme de blues/rock. Il a contribué aux débuts de l’aventure de Freight Train, le band du regretté Derek Trucks (NDR : membre originel des Allman Brothers Band, il est décédé en janvier dernier), drummer qui a participé à l’enregistrement de deux plages. Jon comptait déjà trois albums à son actif, dont le dernier, 'Down on my luck", est paru en 2013. Il signe ici huit plages ; les deux autres sont des reprises. Il est épaulé par ses musiciens, une section rythmique et deux claviéristes qui doublent aux percussions!
"All I want is you" (NDR : auquel coopère Trucks) est un blues enlevé, théâtre d'un rapide envol des cordes, poursuivi par l'orgue. Un bon démarrage! "Hold on" baigne au sein d’un climat sudiste fiévreux et cool. Limitée, la voix de Zeeman colle bien à cette plage qui ne manque pas de charme. Le refrain est repris en chœur et la guitare prend un billet de sortie glorieux. Signé Robert Johnson, "Love in vain" avait été repris remarquablement par les Rolling Stones, en 1969 ; un morceau qui figure sur l’elpee "Let it bleed". La nouvelle version est particulièrement réussie. Les interventions au piano et à l’orgue sont délicats, celles de la gratte du leader, assez poignante. Shuffle bien ficelé, "Next to you" favorise de nouvelles envolées des solistes, dont celles de Derek Trucks. Encore une autre cover, le "Still rainin' still dreamin'" de Jimi Hendrix (NDR : la plage figurait sur le long playing "Electric Ladyland"). Les sonorités adoptent un profil légèrement jazzyfiant. La guitare se révèle volontiers taquine, face au traitement imposé par les claviers que se réservent Bob Taylor et Tom Regis. Zeeman affiche sa technique, face à ces ivoires, tout au long du blues lent de circonstance, "If I could make you love me". "All alone" lorgne vers un Chicago blues aux accents exotiques. Une approche chère à Otis Rush. Mais mélodieuse, la piste est cuisinée à la sauce JZ, s’illustrant par de nouveaux échanges heureux entre les cordes et les claviers. Curieux, mais le titre maître se résume à un court interlude de guitare classique amplifiée, de moins d'une minute. Chaleureux, cet LP s’achève par "Nothin' in the world", un titre qui colle parfaitement à l’ambiance générale de cette œuvre...
Cette cinquième édition des Solidarités confirme l’ampleur prise par ces Fêtes au sein du paysage des festivals. Record d’affluence, affiche de plus en plus attrayante, site agrandi… Une fois de plus, la Citadelle de Namur affichait toute sa splendeur afin de satisfaire tous les goûts et toutes les saveurs. Théâtre, conférences, animations pour enfants et bien sûr musique. Retour sur quelques concerts d’un festival qui pourraient marquer un tournant dans son existence…
Le dimanche commence par une injonction qui invite à flemmarder : Va à la plage ! Le quatuor mené par Julien Coene donne le ton d’une journée plutôt bien entamée. Des paroles pas forcément du plus grand raffinement, mais dans ce Maquis, sous le soleil, face à un parterre encore un peu clairsemé, la musicalité du groupe fonctionne bien. Il laisse flotter un air festif en montrant « Le chemin » qu’il faut emprunter pour une bonne journée de festival. Il est léger, judicieusement programmé en ce début d’après-midi, comme le concert d’un apéro qui se prolonge. Un bon petit moment simple de dimanche.
La suite pourrait presque déjà être qualifiée de dernière ligne droite pour ces Solidarités 2017. Quatre concerts dans des styles différents vont libérer toute la puissance de ce festival. En commençant par l’excellent Saule. Baptiste Lalieu avait déjà été une des très bonnes surprises, lors de l’édition 2015, en compagnie de son groupe Gonzo. Il va confirmer son talent de showman et de musicien. Libérant une pure énergie procurée par le contact auprès du public, Saule livre une prestation convaincante. Et c’est dans la simplicité que le chanteur belge puise sa force. Il suffit de voir son look : un jean, un t-shirt. Un costume de scène on ne peut plus quelconque. Mais pas besoin de fioritures. Saule envoie du lourd et séduit vraiment la foule. Le public reprend en chœur des chansons qu’il ne connaît pas forcément. Mais « Comme » les refrains se prêtent bien à ce genre d’exercices… Ce ‘Dusty man’ n’est pas en permanence très attendu mais se révèle toujours bien présent. La classe musicale n’est ni dans le costume, ni une tentative de démonstration vocale brute de décoffrage. Elle est parfois du côté d’un gars qui vient sur les planches pour s’éclater avec UN public, même pas forcément le sien. De toute façon, il a tellement de moments à partager et un telle envie de les transmettre, qu’ils finiront par passer…
Il y a deux ans, Cali boutait le feu à l’Esplanade ! Renvoyé sur la scène du Maquis, cette année, il revenait pour faire encore plus de « Choses défendues ». Envolé le petit décor intimiste de sa ‘chambre’ dans lequel il a effectué sa dernière tournée qui vient à peine de se terminer. Retour en compagnie de son groupe pour ce dingue de scène qui a, une nouvelle fois, transformé son concert en un des moments les plus forts de ce festival. Artiste ultra dévoué à son public, le ‘live’ est son oxygène ; et les applaudissements ainsi que les cris du public lui communiquent davantage d’énergie que ne peut contenir un seul homme. Sa folie fait trembler d’excitation la fosse… Impressionnant reste le mot qui vient en premier pour évoquer cet extraordinaire show que Bruno Caliciuri lui a de nouveau réservé. Dès les premiers pas, dès son apparition sur l’estrade, tout change. La Citadelle semble avoir été érigée pour ce conquérant pacifiste des foules. Il n’existe pas d’autre histoire qui compte que celle mise en place en compagnie de cette populace unie, ralliée à la cause de ce grand seigneur qu’il est. Et si pour les purs fans d’un artiste, les festivals ne permettent pas d’atteindre la qualité des concerts en salle, cette règle semble ne pas s’appliquer à Cali qui est d’une régularité étincelante. Il est venu pour tous, amateurs de son art ou pas. Mais s’il est capable de faire hurler au délire les aficionados, il montre aussi pourquoi il est indiscutable quand il s’agit de solidarité. Au beau milieu de ce concert, il rappelle aussi pourquoi cette valeur est si importante en demandant, et en obtenant, un silence complet afin de rendre hommage aux victimes de l’attentat perpétré à Barcelone. Mais quoiqu’il en soit, quand il affirme, chaque fois, répondant à la question « C’est quand le bonheur? », que le bonheur ‘C’est ce soir !’, il dit vrai. Une heure de pur et intense euphorie qui touche, émeut, rend dingue, gonfle la réserve d’énergie… Un regret ? Le temps trop court de son set qui ne permet pas de découvrir les facettes les plus tendres du Perpignanais, parce que cet « Amour parfait », qui ravissait lorsqu’il se produisait seul sur les planches, n’aurait pas dû prendre fin si vite. Parce qu’avec lui, c’est « La vie quoi ! ». Si ce n’est déjà fait, cet artiste est à découvrir en ‘live’ de toute urgence.
Tryo clôt la salve de spectacles sur l’estrade du Maquis, pour cette édition 2017. Cette formation colle aussi à notre quotidien, parce qu’elle s’inquiète des problèmes rencontrés par notre société. Ses qualités musicales durables et son engagement justifient donc amplement sa présence aux Solidarités. Et là aussi, l’expérience des festivals transparaît clairement. Pas de vrai code de conduite si ce n’est celui de prendre du plaisir, quitte à se charrier pendant les chansons, et d’en donner. Ils vont largement réussir à faire « Souffler » leur « Vent debout » sur le public namurois. Les générations s’y croisent, se laissent porter par ce souffle, que ce soit en étant « Désolé pour hier soir » depuis 14 ans ou en chantant l’hommage à « Watson ». Les musicos prouvent que la diversité est tellement belle. Il suffit de voir au sein même du groupe français comment les styles et les qualités varient et apportent de la richesse à l’ensemble. Alors oui, dit ainsi, on frôle le discours de Miss Monde ; ce qui n’empêche pas cet aspect rassembleur et unificateur d’être leur marque de fabrique. Par exemple, Danielito, le seul à ne pas chanter, ferait danser les plus réfractaires tant il est excellent aux percussions, quels que soient les instruments. Comme quoi il ne faut pas forcément faire du rock pour envoyer du lourd. Tryo arrivera par son talent à maintenir l’ambiance folle installée par Cali. Finalement, heureusement qu’une heure séparait les deux concerts pour recharger les batteries, reposer les mains, récupérer les voix. Et en parlant du chanteur qui a atteint « L'âge d’or », depuis son opus précédent, Mali va prendre plaisir à raconter un petit bout d’histoire supplémentaire au beau milieu du célèbre tube « Désolé pour hier soir » : ‘Et là, cette fille, elle m'a dit, je crois que je ne t’aime plus’. C’est comme s’il avait prononcé une formule magique. Réagissant au quart de tour, le public se remet à chanter comme s’il était remonté dans le temps. Tryo invite alors l’auteur original de la chanson pour en interpréter un petit extrait ensemble. Un moment inoubliable qui restera gravé dans l’histoire des Solidarités. Bref, de nouveau un concert énorme dans lequel chaque spectateur semble avoir injecté autant de fougue et d’énergie que les artistes eux-mêmes.
A peine le temps de quitter le Maquis que des ‘Alors regarde’ résonnent sur tout le site, l’affluence en mouvement reprenant déjà en choeur les refrains. C’est effectivement Patrick Bruel qui achève cette cinquième édition des Solidarités. Plus besoin de présenter cette superstar française qui rallie devant la scène de l’Esplanade toutes les générations. 22 ans que le chanteur d’origine algérienne n’a plus foulé les terres namuroises. Et il fait savoir que pour lui, c’est un manque. Il reprend surtout des grands classiques qui l’ont propulsé aux sommets de la chanson française. Si l’émotion est toujours aussi présente, l’énergie semble s’être un peu envolée, comme la jeunesse de l’artiste. Il est vrai qu’à l’approche de ses 60 balais, l’époque des révoltés « Rock, Haine, Roles » ou des nostalgiques « Musique vieille » est loin derrière lui. Il met bien du coeur pour insuffler de l’énergie à son set. Et la communiquer au public. Mais juste après la reprise, le souffle est un peu plus difficile. Il est vrai que cette mini tournée n’était pas prévue et n’a pas laissé à Patrick son temps de préparation physique habituel. Musicalement, l’expérience lui permet de gérer et d’offrir un spectacle de qualité. Un « Casser la voix » bien placé opère toujours son petit effet. « Une place des grands hommes » berce par sa nostalgie heureuse. Mais aussi des « Maux d’enfants » qui touchent. C’était le lot proposé par le grand Patrick. La connexion et la communion entre l’artiste et le public restent toujours très fortes. C’est qu'il ne fait pas que bien chanter, il sait aussi parler. Et après autant de temps sans côtoyer les Namurois, Patrick Bruel avait bien du mal à abandonner la scène belge, pays qu’il affectionne depuis tant d’années.
Un dimanche grandiose qui place la barre très haute pour les futures éditions. On regrettera cependant, la programmation de Puggy comme tête d’affiche, au détriment de Cali ou Tryo. Ce dimanche a été placé sous le signe de l’engagement d’artistes, d’échanges dingues avec le public, de confirmations ‘live’… Les Solidarités ont établi un record d’affluence de manière assez méritée tant l’organisation et l’affiche étaient excellentes. Bien sûr, à l’avenir, il reste encore quelques soucis logistiques à régler ; mais les Solidarités ont vraiment inscrit, en cinq ans, leur nom aux festivals wallons. Bref, une cinquième édition des Solidarités qu’on pourrait qualifier de ‘référence’…
(Organisation : Solidarités)
Greg Sover est un chanteur/guitariste de couleur noire. Etabli à Philadelphie, il s’est forgé sa réputation en se produisant au sein des clubs et lors des festivals, en Pennsylvanie. Pour enregistrer cet elpee, il a reçu le concours du backing group de Deb Callahan, une excellente chanteuse de blues et soul locale. En l’occurrence le guitariste Allen James, le bassiste Garry Lee et le batteur Tom Wailing. Mais également du claviériste Wally Smith. Le GCB est responsable d’une musique beaucoup plus rock que blues !
L'orgue et la guitare se conjuguent pour amorcer "Moment", un titre qu’on pourrait qualifier de hard rock progressif. La voix colle parfaitement au style. Curieux, mais la compo me rappelle Uriah Heep, lorsque Ken Hensley drivait le combo. Même la voix ! Mélodique, "Heroes" persiste dans le genre, la guitare se révélant particulièrement accrocheuse. Caractérisé par ses percus judicieuses, "Preacher" s’ébroue dans le southern blues rock. Bien rock, la gratte prend son envol à la première occasion. "Quicksand", "Say yeah" et "Deja Vu" constituent autant de ballades agréables. Bien que parcimonieuses, les cordes parviennent à tirer leur épingle du jeu lors du long blues dépouillé et alléchant "After me". Greg Sover adapte le "Ain't no sunshine" de Bill Withers. Une version totalement méconnaissable, originale et caractérisée par de nombreuses variations de tempo. Cordes et claviers s’imposent tout au long de "Superman", un morceau de rock agréable, mélodique, et aux accents prog. Et impeccable, la voix s’intègre parfaitement dans l’ensemble. Greg est haïtien d'origine. Il concède donc certaines racines francophones, qu'il exploite sur la finale "Chérie", une piste qui nous plonge au cœur d’une ambiance exotique et percussive.
Treize années déjà que le Centre culturel de Soignies organise son annuel ‘Août en éclat’. Gratuit et pluridisciplinaire, il se déroule dans le centre historique de la ville.
Cet évènement fédère à lui seul une vingtaine de spectacles. Outre ceux consacrés à la musique, il accueille un village des enfants, un marché du monde et des saveurs ainsi que des animations de rue.
La température est extraordinairement chaude ce samedi. Il est environ 14 heures lorsque votre serviteur foule cette jolie place.
Les badauds déambulent, s’arrêtent songeurs devant les nombreuses échoppes avant de plonger subrepticement sur les rares sièges disponibles aux terrasses des cafés.
Nombreux sont les enfants aussi qui profitent de leurs derniers jours de congés d’été, comme pour prolonger indéfiniment cette sensation de liberté qui les envahit…
Deux scènes sont plantées. Sur la plus grande, se produit From Kissing. Le patronyme est inspiré d’une phrase qui figure dans une chanson de The Cure. Bizarre, l’expression sonore dispensée est très éloignée de celle du légendaire groupe insulaire.
Pourtant, le gars préposé à la gratte n’est pas né de la dernière pluie. Il s’agit de Massimo Panza. Il a notamment milité au sein d’un autre projet baptisé Stevenson, mais dont les ambitions étaient sans doute excessives…
Il est épaulé par Chris Willems (chant), Bastien Preaud (basse, synthé, prog, chœurs) et Timothée Hugé (batterie). Les musicos sont originaires de Mons, Nivelles et Bruxelles. Et c’est en 2013 qu’ils ont eu envie de se lancer dans cette nouvelle aventure…
L’ascension sera rapide. Publié l’année suivante, un premier Ep cinq titres est alors disponible sur différentes plates-formes de streaming, comme iTtunes, Deezer ou Spotify…
Suivi par « Get Up », produit par Anthony Sinatra (Hollywood Porn Star, Piano club) et Vince Lemineur (Suffocating Minds).
La musique du band est rageuse, insolente et dépoussière les clichés du genre. Elle est taillée pour le live ! L’énergie rock transcende véritablement le parterre et laisse préfigurer de beaux pogos entre ami(e)s.
Le singer assure à lui seul le show. Le petit bonhomme (1 mètre cinquante à tout casser), ne ménage pas ses efforts. Biberonné au ‘speed’, il rebondit comme un marsupial, et ne cesse de se mêler au public ; sa seule limite se mesurant à la longueur des câbles du micro. Ce qui débouche sur une ambiance franchement exaltante…
Sur l’estrade traînent trois masques de papier mâché. Il paraît qu’ils ont suivi la tournée du combo pour plus ou moins 70 dates. Chris choisit les spectateurs qui devront s’y coller. A voir la tête des cobayes, ces déguisements ne doivent pas sentir la rose…
Le temps de reprendre ses esprits et J.L.B Riddim embraie. Et dès les premiers accords, le set s’emballe. Trop petit, le podium a dû mal à canaliser la vitalité du quintet. Dont la musique est néanmoins très éclectique ! Si le reggae constitue le fil rouge, le genre ne néglige pas pour autant le ska, les rythmes traditionnels africains ou encore les chants folkloriques…
Mené tambour battant depuis 2008 par Thomas Jakubczyk, le line up du combo a souvent changé, avant de se stabiliser. Le leader s’inspire de séjours accomplis en Belgique et en Afrique de l'Ouest pour écrire ses compos…
C’est sur les planches que talent du jeune homme est davantage perceptible. Les concerts reflètent davantage un environnement et le disque sert de prétexte.
Frénétique, l’énergie libérée est difficilement descriptible. Thomas court, danse, se trémousse tout en posant des textes rageurs qui véhiculent néanmoins des messages de positivisme, de paix et d’amour.
C’est par la reprise déconcertante de « Li ptite gayole » (NDR : hymne wallon par excellence, popularisé par Julos Beaucarne) que Mister Thomas sonne le glas de ce qui restera un grand moment de folie dans l’esprit d’un public amusé et réceptif par autant d’imagination...
Au loin, vrombrit le sound check de Noa Moon. Les fans inconditionnels s’agglutinent en masse contre les ‘crash barrières’.
Elle est flanquée de deux charmantes musiciennes ; à sa droite, une claviériste et à sa gauche, la préposée aux quatre cordes (elle à l’air de s’ennuyer ferme). Elle sont toutes les trois vêtues d’une tenue identique : un haut blanc et un fuseau noir. Le drummer, lui, porte une chemise rayée assez classe.
Le show ne révèlera pas de grandes surprises. Les titres choisis sont essentiellement puisés au sein de son dernier opus, « Azurite », un patchwork de plages douces et sucrées.
Sa prestation lors du festival de Ronquières, bien que d’honnête facture, avait été perturbée par le trac. Elle semble plus à l’aise devant un parterre plus condensé.
Les premières gammes s’échappent. Manon De Carvalho, à l’état-civil, ne manque pas de peps et nous réserve des morceaux aux envolées délicates et sautillantes.
Si ses interventions sont mises à la sauce ‘prout-prout’ (tout le monde, il est beau et gentil), riches et particulièrement et dansantes, les compositions véhiculent de jolis accents électro/folk, presque intimistes, et soulignent une certaine modernité dans le son.
Rive, binôme sexué se prépare.
Formé en 2015, ce duo s’est rapidement illustré en décrochant des prix au dernier Franc’Off de Spa et au Bota, dans le cadre du concours ‘Du F. dans le texte’…
Si l’un et l’autre ont évolué à travers les projets plutôt rock ‘Juke Boxes et Arther’, ils sont aujourd’hui responsables d’une forme d’électro/pop aux réminiscences anglo-saxonnes.
Au centre, la belle Juliette Bossé apporte les nappes de synthé sulfureuses et pince les six cordes tout en assurant les vocaux. Blonde, filiforme, la trentenaire est vêtue classiquement de noir, pour la circonstance.
A sa droite, Kevin Mahé se charge des fûts. Véritable bête de scène, c’est plus qu’un drummer, mais un savant fou à quatre bras.
Coiffé d’une casquette sobre aux couleurs noires et blanches, il frappe ses peaux tantôt à l’aide de baguettes, tantôt de mailloches, lorsque ce n’est pas les deux à la fois, pour y trouver la caisse de résonance parfaite. Des loops intelligemment construits viennent aussi enrichir l’espace sonore.
Son regard bleu et perçant se pose délicatement sur la jeune femme afin de mesurer toute la légèreté des doigts qui ondulent allègrement sur les ivoires.
Le contraste est étonnant. Miss Bossé incarne le côté ouaté et délicat du tandem, en traçant une ligne mélodique sulfureuse épicée d’une pointe de mélancolie. Mister Mahé, entretient l’aspect tribal.
Les textes sont ciselés dans la langue de Voltaire. Le grain de voix éthéré et fragile de la donzelle passe mal sur les frontaux. Les basses dominent et il faut vraiment se concentrer pour saisir l’essence du contenu véhiculé.
C’est vraiment dommage parce qu’il ne s’agit pas que de simples mots posés ci et là maladroitement au gré d’un imaginaire narratif. Plutôt un conte aux accents surréalistes doté d’un pouvoir surnaturel qui emmène son auditoire vers une forme d’onirisme auquel il est difficile de résister.
Le résultat procure une musicalité dont la vague émotionnelle sans précédent est susceptible de suspendre le temps.
Le public reste assez frileux et semble ne pas se presser au portillon. Pourtant, ce duo cherche à écrire une nouvelle page dans l’histoire de la pop. Un livre dont la quatrième page de couverture résume à elle seule le condensé de ce qui peut se faire de mieux dans l’univers musical, aujourd’hui.
Auteur d’un premier Ep (« Vermillon »), financé par la plateforme de crowdfunding ‘Kiss Kiss Bang Bang’ (et dont l’artwork représente la symbolique du corps modelé ‘Renaissance’), la paire montre toute l’étendue de son talent à travers des morceaux comme « Rouge » et « Vogue » (le clip les a propulsés auprès du grand public en recensant plus de 115 000 vues sur Vimeo).
Les compos s’écoulent paisiblement entre trame nostalgique ou orgasmique. Si le jeu de la mise en scène est simple, il se suffit à lui-même. Le charme et l’émotion opèrent quoi qu’il en soit.
Les compères quittent les fans à l’issue de l’exécution d’un exercice de style au piano à quatre mains. La magie de la « Nuit » opère. Une dernière touche qui sonne comme un happy end joyeux…
Gageons que l’album qui devrait sortir prochainement sera à la hauteur de leurs ambitions.
Les musicos de FùGù Mango (prononcez Fou-Gou-Mang-Ô) activent les derniers réglages, sur l’estrade.
Formé en 2013, à Bruxelles, le combo implique les frangins Lontie, Jean-Yves (guitare) et Vincent (chant et percus), tous les deux issus de feu Bikinians. Ils partagent une même passion pour le groove, les rythmes africains et l’indie pop…
Le line up inclut également Anne. Elle se réserve les backing vocals, les claviers et la basse. Et elle se plante au centre du podium. Mais également un nouveau venu. Qui s’installe à l’extrême droite. Enfin, pas un novice, puisqu’il se chargeait autrefois des bases rythmiques, auprès d’Arno. Il a désormais la lourde responsabilité de remplacer Franck Baya qui a préféré quitter le navire pour se lancer dans d’autres aventures (il a aussi prêté, dans le passé, son concours à Coffee Or Not, Sarah Carlier, Clare Louise et bien d'autres).
Ce départ précipité a contrait le combo à se servir de percussions électroniques et programmer certaines mélodies sur des machines.
En ‘live’, ils parviennent à nous faire voyager aux quatre coins de la planète, distillant ici et là des beats afro et latino sous une couche de synthés verdoyante et luxuriante. Et le tout est sublimé par les harmonies vocales d’Anne et de Vince, réminiscentes du binôme The XX, un groupe de rock londonien…
En milieu de parcours, le combo ose attaquer la cover du « Golden Brown » des Stranglers. Le plus grand succès du mythique band insulaire.
Plutôt que de se contenter d’un simple copier/coller, il parvient se rapproprier un ‘classique’, qui date quand même de plus de 30 ans…
Allez Allez est programmé à 22h30. La fatigue et cette vague de chaleur tropicale ont miné les organismes. Celui de votre serviteur, également. Qui préfère donc faire l’impasse et regagner ses pénates…
(Organisation : Août en Eclat)
Cette cinquième édition des Solidarités confirme l’ampleur prise par ces Fêtes au sein du paysage des festivals. Record d’affluence, affiche de plus en plus attrayante, site agrandi… Une fois de plus, la Citadelle de Namur affichait toute sa splendeur afin de satisfaire tous les goûts et toutes les saveurs. Théâtre, conférences, animations pour enfants et bien sûr musique. Retour sur quelques concerts d’un festival qui pourraient marquer un tournant dans son existence…
On entre directement dans la soirée de samedi puisque c’est par Broken Back que commence ce petit tour d’horizon. Ses débuts, Jérôme Fagnet, les accomplit depuis son lit d’hôpital sur lequel il est cloué, suite à un déplacement vertébral. Afin de mieux supporter sa convalescence et la douleur qui le tenaille, il se plonge dans la musique, et adopte le patronyme Broken Back, pour concrétiser son projet et son histoire qu’il est venu partager aux Solidaires. Si le Breton semble avoir bien compris comment être totalement dans l’air du temps, son univers se révèle très stéréotypé, peuplé de clichés, peu imaginatif et sans grand impact. Il ne parvient jamais vraiment à faire décoller l’ambiance. Il faut dire qu’il ne peut compter ni sur un répertoire original et emballant, ni sur une voix remarquable et encore moins s’appuyer une vraie prestation scénique. Affirmer que ces quelques dizaines de minutes passées auprès de Broken Back étaient désagréables serait cependant fortement exagéré, mais il ne marquera pas de si tôt la scène de son empreinte. Peu de chance que l’Esplanade se souvienne de lui.
Julian Perretta va apporter un peu plus d’énergie et de voix sur les planches du maquis. Les spectateurs sont d’ailleurs un peu plus nombreux devant ce podium. La meilleure arme du Londonien s’appuie sans doute sur un répertoire assez riche de diversité et permet de cacher parfois la carence en qualités scéniques. Ses effets vocaux manquent de naturel et poussent doucement vers l’agacement. Parce qu’il chante davantage pour lui-même que pour le public aussi. On l’écoute un peu sans l’entendre. Le set de Julian est d’honnête facture, sans plus.
La première tête d’affiche de la soirée va donner un coup de fouet à cette première journée des Solidarités. Puggy dévoile un univers, paramètre tellement crucial en live, au sein duquel il entraîne les spectateurs. Une certaine classe émane du trio, et tout particulièrement de Matthew, dont le costume de couleur rouge et noir pourrait servir lors d’une demande en mariage. Finalement, c’est sans doute ce Graal que tout artiste de scène cherche à atteindre. Cette alchimie, cette union sacrée entre les musicos et l’auditoire. Et manifestement, l’envie de donner est bien présente. Le plaisir pris par les compères transparaît clairement et renforce celui de la fosse. Puggy prouve qu’il mérite les espoirs placés en lui. Mais au bout d’une heure, la montre commence à démanger le poignet et à attirer le regard. Le concert semble perdre de la vitesse, tire quelque peu en longueur. Motif ? L’aspect un rien trop ‘bon élève’, trop scolaire du groupe. Le show manque de folie, de surprises. C’est réglé comme du papier à musique. Un peu trop ! Et trahit l’inexpérience de Puggy. Le groupe adopté par le public belge va devoir encore bourlinguer quelques années avant d’atteindre son plein potentiel et se lâcher un peu plus. Mais en attendant ce petit plus, il est encore un peu léger pour figurer en tête d’affiche. D’ailleurs, si on compare ce concert à celui de Louise Attaque, accordé à la même place et à la même heure, l’an dernier, il n’y a pas photo : celui de la bande à Gaëtan Roussel éclatait de son talent les Solidarités.
Première année que la soirée du samedi se prolonge sur les premières heures dominicales. Pour la circonstance, Lost Frequencies est chargé d’une double mission : terminer le samedi en beauté et galvaniser les festivaliers de retour le lendemain. Et si le live DJ n’est pas forcément toujours le plus sexy, dans la discipline, Lost Frequencies tire plutôt son épingle du jeu. Un répertoire assez accessible au tout public. Pas de chichis dans le look. Ce qui ne l’empêche pas ‘d’avoir une gueule’, une prestance derrière les platines… Felix De Laet, de son vrai nom, est clairement investi dans l’animation de sa soirée et partage auprès de son auditoire. Reste que ce genre de prestation ne ravit pas forcément le public familial namurois. Ce qui explique l’heure très tardive de la programmation.
La journée de samedi aura surtout proposé des artistes émergents, dans l’air du temps. Malgré les fortunes diverses, dans l’ensemble, la journée est montée en puissance, même si la puissance live a peut-être été le point un peu plus faible de ce samedi, vécu au sommet de la Citadelle.
(Organisation : Solidarités)
C’est la septième édition du festival Scène sur Sambre et la foule est au rendez-vous. L’affiche de cette première journée est alléchante. Et proposera Opalis, une formation issue du terroir, Delta, un band dont la popularité grimpe en flèche. Puis Black Box et Store Losers, deux combos très rock’n’roll issus du Nord du Pays, mais méconnus en Wallifornie. Mais encore Puggy, dont c’est le retour après 7 ans d’absence sur les barges, et dont on espère un set sans pluie et surtout sans orage. Et c’est le combo courtraisien Goose qui clôturera la programmation de ce vendredi 25 août.
Mais mauvaise nouvelle : ce sera la dernière édition. Dorénavant, sauf revirement, il n’illuminera plus de ses éclats, la Plaine de la Paix. Cédric Monnoye jette le gant. Non seulement, il est fatigué par les difficultés d’organisation d’un tel événement, de logistique également, mais il est confronté à la flambée des prix liée aux cachets des artistes –qu’il juge parfois exorbitants– et à ceux nécessités par les mesures de sécurité…
Christophe Delire, aka ‘Le Cap’tain Hublot’, présente le groupe qui va se produire en ouverture : Opalis. C’est le régional de l’étape. Né en 2009, il puise ses influences chez Coldplay, Ghinzu, Muse, Radiohead et Blur. Le quatuor réunit le guitariste Jonathan Boninsegna, le bassiste Arnaud Gérain, le multi-instrumentiste Jean-Christophe Wauthier (chant, claviers, gratte) et le drummer Grégory Delrivère. Lorsqu’il grimpe sur l’estrade, le public commence à débarquer. Dans ces conditions, pas facile d’attirer son attention.
Dès « Fade Away », le band nous plonge dans son univers electro/pop. Caractérisé par ses beats particulièrement nerveux, « Sickness », « Find A Home » et « Afraid Of The Day », qui s’enchaînent, permettent au set de monter en puissance. Quand elle n’est pas glaciale et contaminée par la cold wave, la voix de Jean-Christophe est tantôt hantée par Jon Stargasm ou alors Matthew Bellamy. La cover du « Song 2 » de Blur est excellente, et surtout respectueuse de la version originale.
Cap’tain Hublot décrit Delta comme la révélation de l’année 2017. Votre serviteur n’avait pu assister à sa prestation, dans le cadre du festival Les Gens d’Ere. Son oreille sera d’autant plus attentive pour son set. Le quatuor est venu défendre son dernier elpee, « A Ciel Ouvert », un disque qui sortira ce 27 octobre.
« En Visant La Lune » ouvre le bal. C’est confirmé, les lyrics sont interprétés dans la langue de Voltaire. Et ce morceau nous propulse immédiatement dans la stratosphère. Une compo soulignée par des cordes délicates et séduisantes…
« Un fils et son père » relate une histoire de famille. Des grattes semi-acoustiques trament « Je Tire ». Le concert est de plus en plus plaisant et s’enflamme lorsque le combo attaque « Pas la Fin Du Monde », à l’issue duquel les acclamations sont nourries. Les popotins commencent à remuer. Le « Verre De Trop » n’est pas à moitié vide, mais à moitié plein et se savoure « A Ciel Ouvert », probablement la compo la plus excitante du futur opus. Un chouette show !
Dans l’auditoire, on rencontre un musicien issu de l’Afrique du Sud. Il est venu applaudir The Sore Losers, dont les musicos sont devenus ses amis. Il signale d’ailleurs partagé à un périple, dans son pays, en leur compagnie, auquel avait également participé, le Black Box Revelation…
The Sore Losers puise ses sources chez les Raconteurs, Rolling Stones, Black Keys et The Stooges. Ses prestations ‘live’ sont d’ailleurs devenues notoires ; ce qui lui a permis de figurer dans la programmation de festivals aussi prestigieux que Rock Werchter, le Pukkelpop et le Pinkpop.
Son dernier long playing, « Skydogs », a la rage. Mais dévoile également des idées en pagaille. L’elpee est cependant davantage brut de décoffrage et instinctif que les précédents. Il ne dure que 32 minutes, mais envoie du lourd et se révèle particulièrement efficace. Faut dire que les sessions ont été réalisées dans les conditions du ‘live’, afin de conserver toute la magie et l’énergie des premières prises.
Très rock’n’roll, la prestation va se révéler particulièrement explosive. Stoner atmosphérique, « Blood Moon Shining », extrait de « Skydogs », prend aux tripes et procure, en même temps, un régal pour les oreilles. Le son est d’ailleurs nickel. Les brûlots se succèdent: « Got It Bad », « Cherry Cherry », « Can’t you see me running » et « Nightcrawler ». De quoi inciter le mélomane à acheter le nouvel LP.
Votre serviteur doit quitter la plaine pour réaliser l’interview de Puggy. A l’issue de cette belle rencontre, dont les propos seront reproduits au sein de Musiczine, prochainement, il revient au sein de l’auditoire, afin d’écouter les trois dernières compos de The Black Box Revelation. Un duo batterie/guitare toujours aussi influencé par le blues yankee, le psyché rock et le garage. Celui des 70’s, plus précisément. Même que les interventions de gratte, dispensées par Jan, lorgnent de plus en plus vers Jimi Hendrix. Sans pour autant renier ses références originelles, qui oscillent de Led Zeppelin aux White Stripes, en passant par The Black Keys et Black Rebel Motorcycle Club. Après un impressionnant « My Perception », le combo achève son set par le carré et flamboyant « Set Your Head On Fire ». Manifestement, au fil du temps, TBBR a acquis une belle maturité…
Puggy est un peu le chouchou du public belge. Le trio avait clôturé le premier festival des Barges, sous un véritable déluge, non pas de décibels, mais de flotte. Ce qui n’avait pas empêché le combo de se révéler très pro, dans la tempête, tout en attirant naturellement la sympathie des spectateurs et des organisateurs. Benoît, l’ingé son, confie en aparté, que ce concert adoptera un format classique. Pas de nouveau morceau, ni de chœur gospel. Pas de surprise à attendre donc pour tout aficionado qui suit le band à la trace, depuis une quinzaine d’années. Le trio a composé la B.O. du film « Big foot Junior » ; mais pas davantage de trace de ces titres, dans la set list…
Depuis la parution de « Colours », le line up a intégré un claviériste. En l’occurrence Mathieu Vandenabeele, aujourd’hui considéré comme le quatrième larron du band. Des lumières bleues et blanches clignotent avant que la formation ne débarque. Matt avait oublié sa Gibson de couleur brune à l’hôtel. Un crime de lèse-majesté ! Ouf, il l’a bien récupérée. Il est vêtu d’un costard rouge. Ziggy, d’un vert et Romain d’un bleu. C’est devenu un rituel, le show s’ouvre par « Fight Like You’Re Fighting ». Les hits se succèdent. Depuis « How I Needed You » à « Teasers », en passant par « Something You Might Like » et « When You Know ». Ce qui n’empêche pas Matt et Ziggy –toujours aussi impérial derrière ses fûts– de s’autoriser des séquences improvisées. Ca recommence ! Le ciel s’assombrit et la pluie se met à tomber, en seconde partie de set. Heureusement, pas d’éclairs pour déchirer le ciel, ni de vent violent pour décoiffer les festivaliers. Bien ficelée, la pop de Puggy attire de plus en plus d’admirateurs. Faut dire que les arrangements de leurs compos sont soignés. Et bénéficient de splendides polyphonies vocales. Et puis, la communion entre le public et l’auditoire est toujours aussi forte. Cependant, Puggy devrait quand même penser à intégrer de nouveaux morceaux dans son set. Le prochain concert se déroulera au Théâtre National, dans le cadre du Festival Des Libertés. Ce sera le 27 octobre 2017. Et bonne nouvelle, il bénéficiera de la participation de la chorale The Gospel Wings. Puis, c’est l’inconnu. Ce qui ne veut pas dire qu’il n’y aura pas de nouvelles dates…
Votre serviteur fait l’impasse pour Goose. Le lendemain, il participe au festival ‘Août en éclat’, mais dans un autre rôle que celui dévolu pour Musiczine…
Goose + Puggy + Black Box Revelation + Store Losers + Delta + Opalis
(Organisation Scène sur Sambre)
Après avoir consacré du temps à leurs autres projets (Dan San, Gaetan Streel, les pièces de théâtre Blockbuster ou L'Homme Qui Valait 35 Milliards..., Cargo, La Horde, etc.), les 7 membres de YEW sont de retour et s'apprêtent à enregistrer leur nouvel album au studio Koko, à Sprimont, en région liégeoise.
Jusque là rien de très exceptionnel.
Démarche inédite pour une session, en Belgique, YEW va l'enregistrer en une prise, le 13 août prochain. Soit les musicos et le public. Au casque et dans la même pièce.
Un groupe de jazz new yorkais, Snarky Puppy, avait tenté l'expérience, il y a quelques années pour leur album "We Like It Here"; et le résultat était assez époustouflant.
L'occasion d'essayer de revenir à un son moins clinique, plus marqué dans l'instant, et de redonner un sens à la musique enregistrée qui a aujourd'hui tendance à s'égarer; surtout depuis que la technologie permet de reproduire à peu près ce qu'on veut à partir de n'importe quoi. L'idée est ici de faire intervenir le moins de techniques possible en post production, mais que tout sonne dès le départ, simultanément, au moment de la prise.
Un public qui risque de participer activement aux sessions, puisqu'il n'est pas exclu que la formation l'invite à assurer les choeurs sur certains morceaux.
En marge, le réalisateur Simon Médard (Dan San, Cocoon, etc.) immortalisera les prises pour en faire un documentaire ainsi qu'un live filmé...
Nous voici déjà au 7ème EP du Calendar Project du projet mené par Eric In The Kitchen, avec "July ".
Le concept est osé puisqu’il s’agit de sortir un EP digital pour chaque mois de 2017 . Et de faire une compilation du meilleur en début d'année prochaine afin d'en faire un album en sortie physique.
L’EP peut être téléchargé gratuitement en cliquant ici .
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