Le nouvel opus de Mark Eitzel paraîtra ce 27 janvier 2017. Intitulé « Hey Mr Ferryman », il a bénéficié de la participation de Bernard Butler à la production, à la guitare, la basse est aux claviers. Les sessions se sont d’ailleurs déroulées à Londres au sein des studios de l’ex-Suede. Le premier “The Last Ten Years” (en écoute ici, est une chanson que Mark avait écrite pour AMC. A l’origine, elle s’appelait “The Last 5 Years”.
Mark se produira, en outre, ce 14 février 2017, au Depot de Louvain.
La formation insulaire Modern English publiera un nouvel album le 24 février prochain. Il s’intitulera « Take me to the trees ». Son précédent elpee, « Soundtrack », remonte à 2010 ; mais il s’agissait de fonds de tiroir. Car le véritable dernier opus du band, « Everything’s mad », remonte à 1996 ! Le long playing a été coproduit par Martyn Young (Colour Box, M/A/R/R/S) et la pochette est signée par l’artiste Vaughan Oliver (Pixies, Cocteau Twins, Lush), déjà responsable du design du single « Gathering Dust », paru en 1980.
Pour écouter « You’re Corrupt », un premier extrait de cet LP, c’est ici
Adam Kills Eve est une formation italienne qui pratique du Post-Hardcore-/Metalcore. Elle publiera un nouvel album en janvier 2017. Il s’intitulera « Of time ». En attendant sa sortie, vous pouvez toujours écouter des extraits de l’Ep ici ou visionner le clip « Authenti(city) » qui en a été extrait, là.Il figurera d’ailleurs encore sur l’elpee.
Tracklisting
01. On the outside looking in (INTRO)
02. Rewind: the Dance Is over
03. Authenti(city) // still motion //
04. The snowglobe forecast
05. Interlude
06. Tomorrow is D.O.A.
07. Note to my future self // (synchronize) //
08. On the inside breaking out (OUTRO)
Issu de Philadelphie, Strand Of Oaks publiera son nouvel opus, “Hard Love”, ce 17 février. Pour l’enregistrer, cette formation, drivée par Tim Showalter, a reçu le concours de Nicolas Vernhes (The War on Drugs, Spoon) à la production et du guitariste Jason Anderson, lors des sessions.
En attendant la sortie de cet elpee, un single en a été extrait. Baptisé “Radio Kids”, il fait l’objet d’un clip vidéo, et il est disponible, ici
Tracklist
1. Hard Love
2. Radio Kids
3. Everything
4. Salt Brothers
5. On The Hill
6. Cry
7. Rest Of It
8. Quit It
9. Taking Acid and Talking To My Brother
Considéré comme culte, The Radio Dept. n’avait plus donné signe de vie depuis 2010. Soit depuis la sortie de l’impeccable « Clinging to a Scheme »… Le duo suédois réunissant Elin Almered et Johan Duncanson était pourtant loin d’être sous perfusion et nous propose donc un nouvel elpee, toujours publié chez le mythique label Labrador.
Le succès des Scandinaves avait été boosté, à l’époque, par leur participation à la B.O. du film « Marie-Antoinette », réalisé par la très douée Sofia Coppola. Leur spleen cadrait merveilleusement avec l’œuvre mélancoliquement pop de celle-ci. Bonne nouvelle sa dream pop n’a pas pris une ride. Elle est d’ailleurs toujours aussi subtile. On y retrouve ces synthés éthérés, cette électronica et ces mélodies imparables. Tout comme la dualité entre le contenu très engagé et la forme romantique, voire lascive. Et elle est parfaitement reflétée tout au long de plages comme « Swedish Guns » (NDR : traitant du trafic d’armes) ou encore « Death to Facism » (pas besoin d’expliquer…) La paire lorgne même vers l’eurodance sur « We Got Game » et « Occupied », tout en décochant ses flèches empoisonnées en direction du gouvernement suédois ou des fascistes en tout genre. Ce « Running Out of Love » est donc excellent à la fois pour la tête et les jambes…
Le ‘Kitchen Sink Drama’, est tout d’abord un mouvement culturel britannique qui s’est développé à la fin des fifties et au début des sixties. Il visait spécifiquement le théâtre, l’art, le roman, le cinéma et la télévision ; et reflétait un sentiment de colère éprouvé par ses instigateurs, désillusionnés par la société moderne. C’est ensuite une chanson de Soft Cell, parue en 1983. Et enfin, le patronyme d’un quintet liégeois drivé par la chanteuse Claire Wilcock.
« Every good boy deserves failure » constitue son premier elpee. Il réunit 10 plages qui nous replongent carrément à la fin des seventies. Pensez d’abord à Blondie. Les compos sont rafraîchissantes et les mélodies sont souvent contagieuses (« Idiots », « Kitchen sink drama »). La voix est aussi candide que celle de Deborah Harry. Elle se fait même parfois déclamatoire ou s’autorise des onomatopées hymniques. Si la musique est new wave, c’est surtout dans l’esprit yankee. Les claviers ou synthés sont on ne peut plus vintage, mais aucun instrument ne tire la couverture à soi, l’ensemble se révélant subtilement équilibré.
Quant aux lyrics, ils tournent le plus souvent en dérision les attitudes machistes, à moins qu’ils ne soient tout simplement féministes. Le débat reste ouvert. Les textes figurent d’ailleurs à l’intérieur du booklet. Probablement ce qui est arrivé de mieux au pop/rock belge depuis pas mal de temps…
Kenny Anderson, aka King Creosote, est né en Ecosse. Ses deux frères –Ian (Pip Dylan) et Gordon (Lone Pigeon, The Aliens)– sont également considérés comme des surdoués, dans l’univers de la musique. Depuis plus de 20 ans, il sème des pépites au cœur d’un sillon d’une inaltérable qualité. Et ce nouvel exercice d’orpaillage en recèle 10. Dix morceaux de folk/pop illuminés par une voix capable de vous flanquer des frissons partout. Classiques, ils intègrent une instrumentation celtique plus traditionnelle, comme la cornemuse et la harpe.
Enregistrés sur l’île écossaise de Mull, les compositions de cet opus recèlent ce feeling infinitésimal, capable de vous entraîner dans un autre monde. Des exemples ? « Melin Wynt », caractérisé par sa mélodie céleste. « Surface », souligné de chœurs et magnifié par la cornemuse. Ou encore « You Just Want », reflet d’une humble ambition. « Astronaut Meets Appleman » est une œuvre vraiment convaincante qui enrichit pourtant une discographie plus que pléthorique.
In Between, c’est le projet de Luca Maria Baldini, un musicien italien qui milite également chez Kisses From Mars et se consacre à la basse au sein du backing group de Simana Grechen, en tournée. Il nous propose son premier elpee. Et il est éponyme. Ambient, la musique y mêle musique électronique et organique (piano, guitares, violons). Une expression sonore sur laquelle vient parfois se poser une voix stratosphérique voire grégorienne. Evoquant la relation entre le matériel et l’immatériel, elle traverse à la fois le passé, le présent et le futur, pour se projeter dans une troisième dimension, très susceptible de comprendre comment construire sa propre réalité (NDR : ben, c’est un condensé de la bio !). Le long playing est plutôt bien conçu, mais un peu trop dans l’air du temps. Aussi, entre les deux, mon cœur balance…
Sur les traces du flamboyant James Blake, une certaine scène r&b alternative, mais bien soul, s’est constituée autour d’artistes comme Chet Faker, FKA Twigs, Blood Orange, Frank Ocean ou encore l’Américain Tom Krell. C’est ce dernier qui nous intéresse dans cette chronique. Il a choisi le bel et élégant patronyme de How To Dress Well pour publier ses compos… suaves. Et il vient d’en publier sur « Care », un 4ème opus, bien plus facile d’accès que ses précédents, une œuvre qui le place encore un peu plus du côté pop de la force… une pop mutante, terriblement contemporaine, alimentée par une instrumentation électro syncopée. Etrangement chaleureuse et glaciale à la fois, elle est, en outre, soulignée par la voix veloutée de Krell ; un falsetto qui se révèle parfois, très ‘cheesy’ (« Lost You/Lost Youth », « Anxious »). Bref, tout au long de ce « Care », Krell a le bon goût de distribuer de délicieuses sucreries acidulées.
Jusqu’à présent, Roger Goula composait surtout des B.O. pour films et autres séries TV (‘The Frankestein Chronicles’, notamment). Il a finalement décidé d’enregistrer un premier album solo. Inspiré par la musique renaissance et baroque (Monteverdi, Bach, Vivaldi), le minimalisme (Reich, Glass) ainsi que l’électronique (Aphex Twin, Autechre), il nous propose aujourd’hui une œuvre hybride, au cours de laquelle entrent en osmose sonorités synthétiques (autant analogiques que numériques, mais également bruitages, samplings et autres processus issus de la technologie moderne) et instrumentation organique (ukulélé, guitare électrique, etc.) voire carrément classique (violons, violoncelle, piano, clarinette, etc.). Expérimentale, cette musique nous plonge dans une forme d’ambient censée refléter la vision de la terre depuis l’espace. Ben oui, il y a matière à discussion sur le sujet ; surtout quand on est conscient des dégâts causés par les terriens à sa belle planète. Imaginez d’ailleurs ce que doivent penser les extra-terrestres (NDR : s’ils existent) en contemplant le carnage écologique. En outre, l’artiste est passionné par l’astronomie et la conquête spatiale. Enfin, tout au long de cet opus, il nous livre ses émotions éprouvées en imaginant ce mauvais spectacle. Et finalement, cet LP pourrait facilement servir de nouvelle bande sonore pour un documentaire consacré aux questions environnementales…
Audacity nous vient de Fullerton, en Californie. Et « Hyper Vessels » constitue son quatrième elpee. Un disque qui a reçu le concours de Ty Segall, à la mise en forme. Tant à la production qu’au mixing. Découpé en 12 morceaux, cet opus est sculpté dans une forme de garage/punk/pop sauvage, percutant, parfois même échevelé, mais particulièrement mélodique. Et les harmonies vocales y sont certainement pour quelque chose. Même que parfois, elles lorgnent du côté de Supergrass. On ne s’attardera, par contre, pas trop sur les lyrics, plus que superficiels. Bref, c’est sympa, mais pour l’audace, faudra repasser…
« L’île aux trésors » constitue le second elpee d’Alice in Neverland, un projet imaginé par Vincent Fauche. Cet opus fait suite à un éponyme, paru en 2011. Pour enregistrer ce disque, il a quand même reçu le concours de ses fidèles collaborateurs ; en l’occurrence la pianiste Laura Nicogossian et le violoncelliste Jérémie Garat. Mais également de quelques invités, dont Céline Macé et Mathieu Tamisier, qui participent aux vocaux. Et première constatation, ce sont les harmonies vocales qui apportent le côté pop aux compos. Des harmonies sucrées, éthérées, qu’on pourrait comparer à celles de Girls In Hawaii. Musicalement, il en va cependant tout autrement. En fait, instrumentation synthétique, organique et classique se conjuguent le plus souvent pour se fondre au cœur d’une mélancolie douce. Et les claviers qui dispensent circonstanciellement des sonorités de xylophone, voire parfois de clavecin accentuent cette impression. On dirait même parfois des clochettes (NDR : de fée ?). Tout un ensemble qui sert de structure à des plages aux multiples facettes.
Valse, « Arrival » sert de départ, pas d’arrivée. Les « Visions » deviennent rapidement complexes et psychédéliques. Elles sont même hantées par « The confessions of Dr. dream and other stories » de Kevin Ayers. « Isla » baigne dans un climat celtique. L’« Interlude » est bien enlevé. Ritournelle transportée par des interventions à l’accordéon, « Le petit nuage de Faustine » aurait pu figurer dans la B.O. signée Yann Tiersen pour le « Fabuleux destin d’Amélie Poulain ». Si « I’m sorry » (I have an nice day) » est désolé d’emprunter religieusement des échos à… Bach, le plus austère « Angry seas » affronte les éléments, dans un contexte favorable à la musique de chambre. Et en guise de clôture, Alice in Neverland nous entraîne au cœur de « Tourbillons » arabisants… Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que les différentes compos racontent chacune une histoire, au sein d’une œuvre à la fois belle et conceptuelle…
Chez Ulan Bator, du line up originel, il ne reste plus que le chanteur/guitariste Amaury Cambuzat. C’est même devenu son projet personnel. Il se charge d’ailleurs de pratiquement toute l’instrumentation. Et la palette est particulièrement riche ! Seuls Raffaella Matrisciano (chœurs atmosphériques sur « Ether »), l’orgue et les cordes de James Johnston (« Coeurrida ») et Giordano Ceccotti (Vielle à roue sur plusieurs titres) ont apporté leur collaboration.
Si à l’origine Ulan Bator pratiquait une forme de post/rock, un quart de siècle plus tard, sa musique a intégré des tas d’autres courants, comme la noise, la no wave, le néo-classicisme, le krautrock et la prog. « Abracadabra » baigne au sein d’un climat ténébreux, angoissant même. Parfois, les spectres de Michael Gira (Swans), David Eugene Edwards (Wovenhand, 16th Horsepower) ou de Yann Tiersen se mettent à planer. Cependant, la voix d’Amaury se confine dans un murmure pour exprimer sa poésie visionnaire. Tour à tour, les compos se révèlent hypnotiques, envoûtantes, tribales, épiques, intimistes, hargneuses ou introspectives.
« Abracadabra » est un album vraiment réussi. Dommage que la voix d’Amaury soit si en retrait. Alors le tour de magie aurait été parfaitement réussi !
C’est le dernier concert de votre serviteur pour l’exercice 2016. A l’affiche, Trixie Whitley. Et ce sera au Cirque Royal.
Trixie est une belgo américaine qui vit aujourd’hui à Brooklyn (N-Y). Son père n’était autre que le légendaire guitariste de blues, folk et soul, Chris. Il est décédé en 2005, après une longue et pénible maladie. Née en 1988, sa fille joue également de la six cordes et plutôt bien. En outre, elle possède une superbe voix, puissante également, profonde aussi, dont le timbre campe un hybride entre Tina Turner et à Beth Hart. C’est Daniel Lanois, comme il l’avait fait pour feu son paternel, qui a lancé sa carrière. Elle a publié son premier elpee, « Fourth Corner », en 2013, et son second, « Porta Bohemica », en février dernier. Un disque pour lequel elle a reçu le concours Gus Seyffert (Beck, The Black Keys) et Joey Waronker (Atoms For Peace), à la mise en forme.
La fosse est bien remplie, mais dans les gradins il reste quelques sièges de libre. Et au poulailler, il n’y a pas grand monde.
Né d'un père égyptien et d'une mère belge, Tamino, aka Amir Moharam Fouad, assure le supporting act. Limité à 30 minutes, le set proposé par cet Anversois baigne dans une forme de folk, sur lequel il pose sa voix particulièrement aigue. Pas trop ma tasse de thé…
Après avoir enflammé les planches du Lotto Arena ainsi que des festivals Rock Werchter, Dranouter et Lokerse Feesten, Trixie clôt donc l’année 2016, à Bruxelles.
Sur l’estrade elle est soutenue par trois musicos new-yorkais. Soit le bassiste Chris Morissey, le claviériste Daniel Mintzeris et un drummer. Tout le monde est en ligne.
Les hauts parleurs crachent un bruit de fond assourdissant. Serait-ce celui d’un atterrissage d’avion ou d’une tempête ? C’est bien d’une tempête ! Le show s’ouvre alors par « Mystery ». On devine les silhouettes des artistes, dans le noir. Surtout lorsqu’une lumière blanche balaie furtivement l’estrade. Trixie est vêtue d’une longue robe noire fendue sur le côté. Des images de nuages torturés par ces perturbations météorologiques sont projetées en arrière-plan. Une bonne entrée en matière empreinte de mystère, mais propice à l’agitation. Et pourtant, le morceau est à la fois calme et introspectif.
La construction des chansons est simple (« A Thousand Thieves » « Irene », « Gradual Return »). Et puisent tantôt dans le blues, le r&b, la soul ou le rock. « Fourth Corner » est plus instinctif. La gratte est agressive et les claviers tapissent généreusement l’ensemble, alors que la ligne de basse se révèle irascible, vengeresse même. Trixie chante le plus souvent d’une voix autoritaire, parfois fragile voire vulnérable, mais toujours rocailleuse, sableuse même. Bien que plus contemporains et malgré les sonorités électro, « News Frontiers » et « Soft Spoken Words » lorgnent davantage vers le rock et le blues. A cause des cordes singulièrement offensives. Plus paisible, « Soft Spoken Words » est balisé par les ivoires. Bien soutenue par chœurs de ses musiciens, Trixie en profite pour monter dans les octaves. Dans le même registre, « Pieces » trempe dans la soul. Avant un dernier coup d’accélérateur, provoqué par « Oh, The Joy ». Après 60 bonnes minutes, la troupe vide les lieux.
En rappel, Trixie Whitley et son trio vont nous réserver un nouveau titre ; en l’occurrence le bien rock « Surrender ». Moment choisi par Trixie pour élever, une nouvelle fois la voix. Et le spectacle de s’achever par « Eliza's Smile », un dernier extrait de « Porta Bohemica ».
(Organisation : Live Nation)
“inFinite”, c’est le titre du prochain album de Deep Purple, dont la sortie est prévue pour le 7 avril.
“Time For Bedlam”, un classique up-tempo du groupe est disponible en vidéo lyrique. Et c’est ici
Un Ep du même titre précédera la sortie de l’album et recèlera des morceaux inédits qui ne figureront pas sur l’elpee. Il paraîtra ce 3 février.
Et la formation légendaire se produira les 16, 17 et 18 juin à Dessel.
"Hypnotised Tourist", c’est le titre du prochain Ep d’Angelfish Decay, dont la sortie est prévue pour le 10 février 2017. Musicalement, la formation pratique une musique plutôt originale qui implique instruments à cordes (violon, alto, violoncelle, contrebasse), boîte à rythmes, percus acoustiques et vocaux. Certains la situent quelque part entre le post modernisme de Micheal Nyman (le patronyme est un inspiré d’un titre de cet artiste), l’electro hybride de LCD Soundsystem et l’art-pop/rock du Brian Eno de la fin des seventies (NDR : pensez aux collaborations opérées en compagnie de Bowie ou des Talking Heads).
Pour écouter « Go Somewhere », un extrait de cet Ep, c’est ici
Variety Lab
« A Fairlight for Christmas » fait l’objet d’un single et d’un clip qui rendent hommage aux génériques TV et pub des années 80. Lors du tournage Variety Lab a accueilli la Franco-américaine Sofia Bolt pour y donner de la voix ainsi qu’un kyrielle d’invités comme Alex ‘Cascadeur’ Longo, Jérôme ‘Orwell’ Didelot et Vincent ‘Kidsaredead’ Mougel...
https://www.youtube.com/watch?v=Gbuxje1vx4E&feature=youtu.be
Mugwump
Son nouveau single, « At the Front », est un étrange morceau de post-punk indie pop qui prélude la sortie d’un futur album, dont la sortie est prévue pour la mi-2017. Pour concocter ce clip, la formation a notamment reçu le concours de la compagnie de danse Voetvolk. Pour voir cette vidéo complètement déjantée, c’est su le lien ci-dessous
https://www.nowness.com/story/mugwump-helvetica
La notoriété de la ville de Binche n’est plus à étayer ! Elle dépasse allègrement la sphère belge !
On y célèbre, en effet, chaque année un carnaval qui attire de plus en plus de visiteurs issus des quatre coins de la planète ; et surtout depuis qu’il a été reconnu, en 2003, par l'UNESCO, comme chef-d'œuvre du patrimoine oral et immatériel de l'humanité.
Votre serviteur s’y rend ce jeudi 15 décembre. Pas pour y récolter ni ramasser des oranges dans la tronche ou fêter les soumonces ! Non ! Juste assister au concert des Innocents.
Direction donc, la salle Saint-Ursmer. Pas facile à trouver, l’endroit semble un peu miteux ! Mais il est situé à une encablure de la Grand-Place.
Période de Noël oblige, une kyrielle de chalands s’y est installée. Les badauds s’y promènent entre les nombreux stands. On rit, on s’amuse et on ingurgite ici et là des boissons chaudes. Etonnant, quand on sait qu’il y règne une température quasi-printanière. Le climat belge est décidément bien capricieux !
Mais venons-en aux Innocents. En 2000, peu après la sortie du quatrième opus, Sieur Urbain décide de voler de ses propres ailes. La formation implose et l’aventure se termine aussi abruptement qu’elle a commencée…
Il faudra attendre une quinzaine d’années pour que les chevilles ouvrières se croisent à nouveau au détour de l’enregistrement d’une compilation confectionnée sous la forme d’un ‘best of’ et se réunissent sous un line up minimaliste. Il devient alors duo !
Entre-temps, JP s’accorde une parenthèse et entame une carrière solo. La critique salue cette œuvre, mais la défection d’une partie du public lui laissera un goût amer…
Le come-back du tandem n’était donc pas tout à fait innocent…
Le supporting act est assuré par Beautifull Badness. Il s’agit d’un jeune groupe belge. Des trentenaires. Gabriel Sesboué en est la tête pensante.
Si habituellement le band se produit sous la forme d’un quintet ; ce soir, il est également réduit à une paire. Et se résume à un gars et une fille ! Pas étonnant, l’estrade est minuscule et pratiquement impossible d’y mettre plus de monde ou d’instruments.
Le mâle, plutôt beau gosse, arbore sous son veston, un marcel digne d’un ancien belge. Les poils hirsutes grisonnants dépassent allègrement du haut de son torse. Il prend place derrière un clavier. Il assure aussi les vocalises.
La gonzesse, ravissant minois, est vêtue d’une robe noire aussi jolie que sexy et chaussée de souliers brillants de couleur rouge. Elle se charge des cordes électriques et du violon. Accessoirement, elle participe aux chœurs.
D’emblée, les premières notes feutrées subjuguent la salle ! Il plane une atmosphère propice à la douceur. Le jeu de lumières tamisées y est sans doute pour quelque chose.
Les frissons suivent une courbe de Gauss au fur et à mesure de l’avancement du set.
Les yeux deviennent vite embués, les larmes ne tardent pas à couler. Ce spleen envoûtant tient pour beaucoup à la voix éthérée de l’ange Gabriel.
La musicalité est onirique, ouatée et transcendante. Une gamme de notes simples, mais pas simplistes qui s’écoutent paupières fermées. Manque plus que le sofa moelleux, verre de whisky dans une main et joint roulé dans l’autre.
Les compositions sont aussi percutantes que profondes. Les lignes guitares, ‘floydiennes’.
Question émotion, on n’a pas fait mieux depuis "Hallelujah", version Jeff Buckley. La meilleure ! De nombreux couples se rapprochent amoureusement. Des baisers s’échangent ! La musique adoucit les mœurs, paraît-il !
"A Sunny Morning" clôt cette trop courte prestation. Et elle est magistrale. Cocasse, cette version est née d’un précédent concert joué il y a quelque temps dans la tour bétonnée du plan incliné de Ronquières. La caisse de résonance a dicté cette nouvelle lecture en quelque sorte…
Place ensuite au plat consistant ! Les quelques pelés encore attablés au bar, ont rejoint le cœur de la salle chope à la main.
Le parterre est maintenant bien rempli. Un voile brumeux assombrit les sunlights.
On peine à se mouvoir. Les coups de coude sont légion. Mais paradoxalement, l’ambiance est on ne peut plus détendue.
La faune est diverse et variée. La pyramide des âges est bien représentée. On y croise aussi bien une bobonne, cheveux gris et adepte de Parkinson que de jeunes enfants d’à peine sept ou huit ans. Sans oublier les fans insulaires quinquas dégarnis ou les curieux venus pour entendre des tubes. Et puis les autres…
Les groupies piaffent d’impatience. Faut dire que Les Innocents (aujourd’hui recentré sur Jean-Christophe Urbain et Jipé Nataf) a connu les glorieuses entre 1989 et 1999. Un succès couronné de singles platinés, passages radios, tournées à guichets fermés et récompenses aux Victoires de la musique. Les ‘Innos’ ont marqué cette décennie par des standards pop comme « L'autre Finistère », « Fous à lier » ou encore « Colore ».
Il est 21h15. JC est le premier à fouler les planches. Vêtu sobrement, sourire aux lèvres, il salue le parterre, sèche en bandoulière. Nataf, cernes marqués par des nuits blanches supposées et barbe noire mal entretenue, lui emboîte le pas. Il alternera six cordes acoustiques ou électrifiées.
Les titres s’enchaînent à une cadence folle. Finement arrangé et verbe singulier, le scénario musical laisse pas mal de place à l’improvisation.
Sans frime ni préméditation, les gars s’amusent comme des gamins ! Des regards complices s’entrecroisent. Si ces deux-là n’étaient pas de vrais amis dans le passé, la connivence qui les lie aujourd’hui fait plaisir à voir !
La palette du duo est influencée par la pop anglo-saxonne. Mais, le fer de lance de leurs compos reste le français qu’ils utilisent et manient avec dextérité pour ciseler des textes qui dépeignent un univers métaphorique, empreint de vérité et de véracité au potentiel de classiques.
La set list de ce soir explore un passé pas si lointain ! L’angulaire contemporaine dépoussière les poncifs du genre et apporte un raz-de-marée de fraîcheur ! Tout est millimétré et exercé avec beaucoup de souplesse. Un travail d’orfèvre ! Les pédales d’effets sont utilisées à bon escient. L’exercice est suffisamment intéressant pour permettre la découverte ou la redécouverte de morceaux anthologiques qui ont fait les beaux jours du band.
L’enveloppe sonore est en tout cas profondément nostalgique. Elle demeure fortement imprégnée par la patte solitaire du leader !
JP est de très bonne humeur ! Le show est ponctué d’anecdotes ! Il aime rappeler par exemple qu’il a accompli de nombreux voyages entre les loges et le marché tout proche. Il avoue à demi-mot qu’il apprécie nos bons produits du terroir ! Ou encore que le Belge est réputé pour être bon client vis-à-vis des formations issues d’outre-Quiévrain !
La seconde partie du show est transcendée par une hyperactivité soudaine ! A la stupéfaction de tous, JP s’accorde même un pas de danse de Sioux pour le moins contorsionniste ! Un condensé de Twist et de Polka ! Delirium ?
Sympa, mais risqué pour le service trois pièces ; fallait voir l’étroitesse du falzar ! La gente masculine compatira…
A faire le mariole, il se prend une gamelle monumentale, lorsque, debout sur les retours sons, il perd l’équilibre et se termine guibolles en l’air !
Histoire de briser la fine couche de glace qui persiste, les blagues ponctuent ci et là le show. Qu’elles soient rigolotes ou ringardes (façon Carambar), le gars est complètement décomplexé et se fiche totalement de ce que les gens pensent !
Il a bien raison ! Après tout, on est là pour se vider la tête et passer un moment agréable !
Bref, une heure vingt d’un scénario déjanté, tout en couleur et rythmé sur fond de feedback incessant !
Il est temps de se dire au revoir ! Les cris hystériques s’élèvent ! Le rappel est annoncé ! « Jodie » et « Un homme extraordinaire » s’uniront pour le meilleur et pour le pire, coupables d’un amour sans foi ni loi !
Alors que les festivités de fin d’année ne sont plus qu’à un jet de Manneken Pis, les rues et les vitrines de Bruxelles se sont parées de lumières et de guirlandes ; et ce décor rappelle que l’année 2016 est prête à tourner la page. Mais pour les amateurs de rock/stoner/metal/blues, c’est tout simplement Noël avant l’heure. Et pour cause, les Américains de Clutch débarquent dans la capitale !
La soirée s’ouvre pourtant dans une ambiance un peu insolite. Et se terminera également dans le même climat ; mais nous y reviendrons. En fait, il est un peu plus de 19 heures, mais le hall d’entrée de l’Ancienne Belgique est désertique. Résultat des courses, il n’y a pas lieu de faire la file pour commander une bière ou déposer ses affaires au vestiaire (NDR : ça rime !) Cependant, on est en droit de se poser des questions sur l’assistance censée assister au spectacle, ce soir. Bah, la foule est sans doute déjà à l’intérieur. Ce qui pourrait s’expliquer, vu que le supporting act a déjà entamé sa prestation depuis quelques minutes. Après avoir passé la double porte qui mène à la salle, on est quand même surpris de constater que le parterre est tout aussi clairsemé. De longs draps noirs recouvrent les balcons. Bref, la soirée ne sera pas sold out. Mais qu’importe…
C’est donc devant un maigre public que Lionize entame les hostilités. Un combo yankee, issu du Maryland. T-shirt et short ornés de motifs psychédéliques azurés, Nate Bergman donne de la voix. Armé de sa guitare, il cherche à fustiger le maigre auditoire en dispensant un rock aux tendances heavy. En une demi-heure, la formation va pondre six morceaux. Et ils suffisent pour faire le tour de ce qu’elle propose. Bref, le set est sympa, mais dans le genre, c’est du déjà vu et entendu…
Si Lionize souffre d’une carence en originalité, Valient Thorr n’en manque certainement pas. De véritables combattants issus de la Caroline du Nord. En arrière-plan, son backflag, illustré par le logo du groupe et son nom en lettres capitales italiques dont les extrémités se profilent en éclairs, évoquent les premiers combos de Thrash. Quoique plus contemporain, on imagine que Valient Thorr aura à cœur de proposer une expression sonore plutôt old school. Dès qu’il entame son set, la réaction est instantanée : mais qu’est-ce que ce beau bordel ? Un boxon causé par un mélange de Stoner, Heavy et Hardcore, sur lequel vient planer la voix de Valient Himself (NDR : pas de jeu de mots, c’est le pseudo qu’il a choisi). La voix de ce grand blond à l’allure archétypale du redneck oscille constamment du Punk au Heavy. Mais au fil du show, les morceaux deviennent de plus en lisibles, libérant toute leur puissance et leur énergie… paranormale. En effet, il ne faut pas oublier que les musicos prétendent venir de la planète Vénus, s’être crashés sur Terre en 2000 et avoir accordé plus de 1 500 concerts. Vous comprenez mieux à présent ? Et c’est finalement sur les notes joyeuses d’un ‘Happy Birthday’ adressé au guitariste Voiden Thorr, que le quintet prend congé de l’auditoire.
Les opportunités bibitives du marché de Noël ont peut-être retardé les plus assoiffés des mélomanes ; mais quoi qu’il en soit, la fosse est à présent bien remplie. Difficile quand même d’imaginer qu’une formation comme Clutch (NDR : également originaire du Maryland) se produise devant un parterre vide, à l’AB. Ce ne sera donc pas le cas. Cependant, le public est multigénérationnel. On y croise autant d’ados que de tempes grises. De mecs que de filles. Il y a des métalleux et des rockers, of course. Mais aussi des monsieur et madame Tout le Monde, visiblement touchés par l’incroyable alchimie imaginée par Clutch qui est parvenu à agréger Rock, Metal, Hardcore, Blues et Folk.
Les derniers réglages des instruments terminés, les lumières s’éteignent et du blues s’échappe des haut-parleurs. Les spectateurs dansent, se trémoussent ; certains scandent le nom du groupe. Il plane une ambiance de fête. Les artistes montent enfin sur l’estrade ; le chanteur Neil Fallon en tête. Râblé et pas très grand, il arbore une barbe noire, particulièrement dense. Il est vêtu d’un t-shirt noir à l’effigie de ‘Weathermaker Music’, le label de Clutch. Il est suivi du batteur Jean-Paul Gaster, du bassiste Dan Maines et du guitariste Tim Sult. Ces trois derniers sont sobrement vêtus. Leur look est même plutôt classique. D’ailleurs, si vous les croisiez en rue, vous ne détourneriez même pas le regard. Le décor est épuré. L’arrière-plan est tapissé par la pochette du dernier LP, « Psychic Warfare » : épée à la main sur laquelle est forgée « Wonder », une énigmatique soldate ailée est entourée de deux énormes canons. Le message est clair : pas besoin de fioritures superflues, on se concentre sur la musique. Seuls les amplis à lampes, de la célèbre marque « Orange », servent de cadre.
Tous les fans de Clutch sont au courant : rien ne sert de glaner au préalable sur Internet des informations relatives aux concerts précédents ; la setlist est différente, à chaque représentation. Le principe est simple : chacun leur tour, les membres la confectionnent le soir même. Et pour le coup, c’est aujourd’hui Neil qui est aux manettes. « Cyborg Bette », issu de « Earth Rocker », elpee qui a décuplé la réputation du band, entame les offensives rock’n’rollesques. Le concert va d’ailleurs privilégier les titres de cet elpee, mais également de « Psychic Warfare », au sein duquel seront extraits le titre éponyme, ainsi que le groovy « Crucial Velocity ». Bien que le répertoire soit préétabli, il ne néglige pas pour autant les incontournable. A l’instar du très entraînant « The Mob Goes Wild » (« Blast Tyrant ») ainsi que du tube incontesté, « Electric Worry », joué en rappel. Plus surprenant, « 10001110101 » est également interprété. Il l’est pourtant rarement, car il nécessite le concours d’un synthé. Mais c’est Chris Brooks de Lionize, qui s’y colle.
Dès les premiers morceaux, on comprend que les musiciens ne sont pas venus pour épater la galerie. Peu communicatifs, le guitariste, le bassiste et le batteur sont particulièrement concentrés sur leurs instruments. Une attitude particulièrement marquée chez le gratteur Tim Sult. Visage fermé, il ne relèvera guère la tête, au cours du show. Mais ne vous y méprenez pas, les musicos ne font part d’aucune condescendance ; ils donnent même plutôt l’impression de s’immerger profondément au cœur de leurs compos. Ils sont d’ailleurs enchaînés les uns après les autres. Jugez plutôt : 17 titres en une heure et demie. Pas trop le temps de se perdre en bavardages inutiles. Neil Fallon, quant à lui, arpente la scène de long en large ou se plante face au public, cambre les jambes et harangue le public en amplifiant les mouvements de ses bras. Et puis très souvent, de ses yeux bleus profonds, il fixe des individus dans la foule, comme s’il était habité par les titres qu’il interprète. Enfin, à plus d’une reprise, il accompagnera également Tim Sult à la guitare, pour notre plus grand plaisir.
Assister à un concert de Clutch, c’est bénéficier le temps d’une heure et demie d’un creux dans l’espace-temps où il fait bon vivre, où les soucis et tracas du quotidien s’estompent et se noient dans des effluves enivrantes de rock’n’roll aux relents Blues ; des fragrances sentant bon la chaleur du Sud. Une perfusion de bonne humeur en toute simplicité, offrant parfois l’impression de se retrouver immergé dans l’agréable ambiance d’un groupe d’amis lors d’une répétition, profitant de l’espace alloué pour prendre du bon temps et le partageant avec celles et ceux qui les entourent.
Le concert touche à sa fin, Neil s’approche du bord de la scène et offre son onglet à un adolescent, planté aux premiers rangs. Les artistes regagnent calmement les coulisses, les lumières se rallument et… les baffles commencent à cracher « Ace of Spades » de Motörhead. La magie du Rock se réincarne au moment même. Alors que plus personne n’est sur le podium, les pogos reprennent de plus belle dans la fosse et tous s’époumonent sur le refrain de ce morceau devenu mythique. Une communion improvisée à la mémoire de ce groupe qui aura marqué et marquera encore certainement de nombreuses générations. La mort sépare, mais la mémoire se perpétue. Clutch ou Motörhead, même combat : un style de musique qui restera encore vivant de nombreuses années.
Set-list : “Cyborg Bette”, “Decapitation Blues”, “Crucial Velocity”, “Firebirds!”, “Gravel Road”, “The Mob Goes Wild”, “Struck Down”, “Earth Rocker”, “Sucker for the Witch”, “A Quick Death in Texas”, “10001110101”, “50,000 Unstoppable Watts”, “The Face”, “The Yeti”, “X-Ray Visions”
Rappel : “The Wolf Man Kindly Requests...”, “Electric Worry / One Eye Dollar”
(Organisation : Ancienne Belgique & Weathermaker Records)
Peu de temps avant les vacances d’été, on apprenait que les deux membres fondateurs de Tunng, Sam Genders et Mike Lindsay, avaient décidé de reprendre du service ensemble. Quelques années plus tôt, ils avaient embrassé des projets en solitaire. C’était donc une bonne nouvelle. Réunion qui s’est concrétisée à travers la sortie d’un album éponyme. Un disque truffé de pépites pop. Pourtant, cet elpee est passé inaperçu au près du grand public. Bref, il était donc intéressant de découvrir ce que la paire avait dans le ventre, en ‘live’. Pas trop difficile, puisqu’il se produisait ce 13 décembre au sous-sol du Botanique. C’est-à-dire au sein du Witloof Bar.
S’il est vrai que Throws ne jouit pas d’une solide notoriété, quelle n’a pas été ma surprise, en pénétrant dans la salle, de ne recenser qu’une vingtaine de spectateurs. Bien sûr, l’espace est surtout réservé aux découvertes. Mais la fréquentation était vraiment minimale. M’enfin, pour l’occasion, on ne se plaindra pas des colonnes qui –en général– empêchent une visibilité correcte, pour le mélomane.
Peu après 20 heures, Sam Genders et Mike Lindsay montent sur scène. Ce soir le combo va accorder ce qu’on pourrait appeler un ‘private show’. Les musicos sont soutenus par un préposé aux fûts. Les compères s’installent face à face derrière leur micro et empoignent une guitare. Une bande-son diffuse des chœurs religieux pour introduire le set. Ce qui (entre parenthèses) colle parfaitement à l’architecture des lieux. Passé ce moment de recueillement, le trio insulaire attaque le single « The Harbour ». Nonobstant le peu de public, le trio semble heureux de se produire sur les planches ; et ce plaisir est communicatif. Les interventions des deux guitaristes sont bourrées d’énergie. Mike Lindsay s’autorise même quelques petits sautillements. La formation enchaîne les plages de son seul et unique opus. Tous les titres y passent. Et moins léchées, les versions ‘live’ se révèlent bien plus percutantes. Les deux partenaires sont particulièrement complémentaires. Une synergie qui s’explique par un passé commun.
Au bout d’une heure, Throws a épuisé son répertoire et vide les lieux, sous les applaudissements des rares spectateurs qui se sont déplacés pour venir assister au concert. Et manifestement, ils semblent enchantés de la prestation ; une prestation –il faut le reconnaître– rondement menée. Les absents ont donc une nouvelle fois eu tort…
(Organisation : Botanique)
Samedi 15 avril 2017 – Rag'n'bone Man – Ancienne Belgique, Bruxelles
Mardi 18 avril 2017 – Jesus & Mary Chain (The Damage And Joy Tour) – Ancienne Belgique, Bruxelles
Chanteur, guitariste et compositeur, Bill Johnson est âgé de 52 ans. Ce Canadien roule sa bosse depuis les années 70. Il faudra cependant attendre les eighties pour le voir passer progressivement au blues. Il monte alors son Bill Johnson Blues Band. Nous sommes alors en 1993. Et publie son premier elpee solo, "Why I sing the blues". Il faudra cependant attendre 2005, pour le voir enregistrer un deuxième opus. Un "Live". En 2005. Il grave alors "Worksongs" en 2007 et "Still Blue" en 2010. Bill a décroché plusieurs Blues Awards, au Canada. Pour concocter "Cold outside", il a reçu le concours de son backing group ; en l’occurrence le bassiste Rick Erickson, le claviériste Darcy Philips et le batteur Ross Hall.
"Baggage blues" est un blues qui fait mouche. La voix de Bill colle parfaitement à son répertoire. Aux ivoires, David Vest meuble tous les espaces libres. "Nine dollar bill" élève le tempo. Les cordes de Johnson son déjà bien affûtées pour attaquer cette plage nerveuse aux accents West Coast. Le ténébreux "Cold outside" est davantage country, un morceau au cours duquel les cordes tracent une ligne mélodique imparable. Le spectre de Johnny Cash plane. Tout comme sur "Night train", un titre qui adopte le rythme du chemin de fer. Et chargées de feeling, les cordes sont vraiment agréables à l’oreille. Darcy siège alors derrière l’orgue Hammond. Shuffle, "True love" emprunte un tempo flemmard. David Vest est de retour au piano et entre en duel avec la gratte, décidemment bien attachante de Phillips. Vest est un vétéran de la scène blues. Dans le passé, il a notamment apporté son concours à Big Joe Turner, Floyd Dixon et Jimmy T99 Nelson. Darcy double piano et orgue tout au long du blues lent classique "My natural ability". Bill égrène ses notes parcimonieusement, mais en y injectant un max de sensibilité. Et David épaule encore Bill sur le rock’n’roll vivifiant "Makes a fella nervous". Nonobstant sa forme contemporaine, "Free from my trouble" nous entraîne progressivement vers le delta. La guitare est généreuse. L’orgue Hammond, bien présent. Joby Baker (NDR : c’est le producteur !) double basse et batterie sur "Angry guitar". Et communique une touche funky à la compo. Bill ponctue son chant de petites phrases finement ciselées sur ses cordes. "Driftin’ and driftin’" est une ballade subtilement country. La voix est devenue douce, tendre même. Le recours au bottleneck apporte une sonorité métallique à l’ensemble, sans jamais nuire au sens mélodique. Ballade acoustique, "Angeleen" clôt cet opus, une piste qui puise ses racines dans l’americana…
Issu de Colorado Springs, Austin Young est un très jeune chanteur/guitariste. Il n’en est cependant pas à son premier essai, puisqu’il avait déjà gravé un premier elpee, en 2013. Son titre ? "Blues as can be". Les membres de son backing group sont également jeunes : Alex Goldberg à la basse ainsi que Forrest Raup ou Kowan Turner, à la batterie. C’est la formule trio qui s’est imposée sur cet opus ; mais sans jamais abuser dans sa partie instrumentale.
"Take me away" baigne au coeur d’une douceur bien personnelle. Et si la guitare est généreuse et chargée de feeling, elle demeure constamment au sein d’un canevas parfaitement balisé. La voix n’est cependant pas très expressive. La production opérée par Austin est très soignée. Et on s’en rend compte lors des arrangements apportés à "Barren Road Blues", par l’orgue Hammond de Tom Capek. Caractérisé par la présence d’une section de cuivres, "Something more" est un morceau qui lorgne vers le r&b. La section rythmique imprime un tempo funky. Young contrôle bien la situation et se réserve une sortie à la fois réussie et personnelle sur ses cordes, malgré un changement de tempo percutant. Blues lent, le titre maître concède des accents volontiers dramatiques. Parcimonieux, l’envol d’Austin sur ses cordes est fascinant. On retrouve de la douceur sur plusieurs pistes. Tout d’abord sur "Sets me free". Capek y double orgue et piano électrique. "Mountains on fire", ensuite. Un autre blues lent. L’instrumentation est bien charpentée. Superbement équilibrée surtout. Et les nappes d’orgue Hammond sont chaleureuses. D’excellentes vibrations rythmiques traversent "Heal my heart", un titre qui célèbre le retour aux cuivres. Rockin’ blues, "Whirlwind" est un instrumental destiné à mettre en exergue la dextérité du sixcordiste. Et Young achève le long playing par une ballade légère et dépouillée. Et en solitaire : sa voix, ses cordes acoustiques et électriques. Manifestement, il possède un énorme potentiel ; mais il doit d’abord penser à améliorer ses performances vocales...
Katrive Riggins est née à Miami, en 1980. Elle a passé sa jeunesse au sein d’un environnement familial très musical, favorable à l’écoute de rock, blues, soul, gospel et country. Quand elle monte sur les planches, c’est pour reprendre les standards du blues et du jazz, en s’accompagnant au piano. Elle fonde ensuite la formation Blues Revival. Puis publie un Ep intitulé "Soul Music" et un album, "Lily Rose". "Blues Revival" constitue donc son second opus. Elle a, bien sûr, reçu le concours de son backing group ; en l’occurrence le guitariste/claviériste Darrell Raines, le bassiste George Caldwell et le batteur Doc Allison. Hormis deux reprises, elle signe le reste du tracklisting.
Kat possède une voix puissante, autoritaire ; mais elle la maîtrise aisément. Et on s’en rend compte dès le morceau qui ouvre la plaque, "Now I see". Elle bénéficie, en outre, de musicos particulièrement talentueux. Darrell s’autorise déjà un billet de sortie à la guitare, mais aussi Stephen Lombardelli –invité pour la circonstance– au saxophone. La réserve de puissance vocale de Miss Riggins est impressionnante. Et elle le démontre sur l’indolent "Good girl blues". Slow blues chargé d’intensité, "Wail away" est amorcé par les cordes parcimonieuses de Raines ; mais ce dernier double également à l’orgue pour épouser la voix si expressive de Kat. Il double piano et guitare sur "Queen Bee", une piste imprimée sur un tempo plus enlevé. Manifestement, Darrell Raines est le ‘maître d’œuvre’. "Murphy’s Law" reflète le talent de Kat à l’écriture. Une plage qui ne manque pas de charme. Enrobée de chœurs féminins et caractérisée par une gratte devenue insatiable, cette chanson bénéficie d’une excellente ligne mélodique. Kat Riggins s’est forgé la voix en pratiquant le gospel, au cours de sa jeunesse. Et on s’en rend compte à l’écoute du "Change is gonna come" de Sam Cooke, qu’elle interprète a cappella. Elle parvient à faire revivre cette célèbre chanson qui date de plus d’un demi-siècle. L’adaptation est somptueuse. La mélodie éternelle. Quel panache ! Etta James avait traduit le "Blues is my business" de Kevin Bowe en succès. La nouvelle version est sculptée dans un funk entraînant, irrésistible même. Raines semble ici hanté par Carlos Santana. Superbe ! "The devil is a liar" bénéficie d’un excellent arrangement. Les sonorités de cordes déclenchent une sorte de transe hypnotique. Et passionnée, la voix nous flanque des frissons partout.
Originaire de Rostov-sur-le-Don (NDR : une ville sise près de l’Ukraine, sur la côte de la mer Noire), Motorama est une formation russe. Preuve que la musique ne connaît plus de frontières. Un phénomène né de la mondialisation, il faut le reconnaître. Fondé en 2005, ce quintet a rencontré un beau succès dans son pays, avant de s’exporter grâce à mise en ligne de ses albums précédents. Il s’était produit au Botanique de Bruxelles en 2013 et en octobre dernier. Paru chez Talitres, « Dialogue » constitue son quatrième elpee.
La musique de Motorama s’inspire manifestement de la cold wave. Celle de Joy Division ou d’Interpol, suivant que vous êtes jeune… ou moins jeune. Les textes sont exprimés dans la langue de Shakespeare. La ligne de basse est entraînante. Les mélodies sont efficaces. Le tempo est tour à tour enlevé ou lancinant. Des « Signs » qui ne trompent pas. Doublés d’une guitare sous reverb, les synthés créent un climat à la fois glacial et mélancolique. On a parfois l’impression que la bora souffle sous nos latitudes. Lorsque les compos sont introduites par une sèche, c’est dans le but d’adoucir l’aspect synthétique de l’expression sonore. Et « I See You » en est certainement la plus belle illustration.
Manifestement, la musique de Motorama s’affine au fil du temps. Et elle pourrait bien alimenter en « Dialogues », vos froides soirées d’hiver…
The McKee Brothers implique, bien évidemment, deux frangins. En l’occurrence, Ralph et Denis. Avant de fonder le combo, le premier cité (NDR : c’est l’aîné) militait comme bassiste, parmi des groupes locaux, à Detroit. Un épisode qui remonte aux seventies. Plus jeune, le second a fait ses armes, au sein du combo. D’abord préposé aux bongos, il a transité par le saxophone, avant de se fixer à la guitare. Au sein du line up figure encore un membre de la famille. En l’occurrence Melissa, qui se charge des vocaux. Mais également le leader de 3rd Degree, Stan Budzynski (slide), Bobby West (claviers), Jerome Edmonson (batterie) et Bobby Watson (basse). De nombreux invités ont apporté leur collaboration lors des sessions ; et notamment Larry McCray, l’ex-Fabulous Thunderbirds, Kirk Fletcher, ainsi que l’ex-Bob Seger Band, Bob Schultz. Les frères McKee et le claviériste Bobby West signent l’essentiel des morceaux de l’opus.
Le band américain pratique une musique hybride, mêlant blues, rock, jazz, soul et funk, tout en la pimentant de références latines.
"One of us gots ta go" ouvre la plaque. De l’excellent r&b. Bob Schultz s’y montre particulièrement à l’aise derrière le micro. La guitare de Kirk Fletcher est fluide. Excellent soul/blues, "Change" bénéficie d’une solide mélodie. Fletcher se sent comme un poisson dans l’eau. Epaulé par le piano de Bobby West, Denis McKee tire son épingle du jeu à la guitare, sur le R&B très dansant "Guaranteed". L’elpee nous réserve quelques pistes généreusement funk. A l’instar de "A little bit of soul", que chante le bluesman noir Larry McCray (NDR : il est issu de l’Arkansas). Les cordes de grattes sont tranchantes. Le titre maître implique pas moins de quatre guitares. Le saxophone ténor de Doug Webb colore "Right there". "A long way back home" est un blues lent sublime, tapissé par l’orgue Hammond de Jim Alfredson. La voix de Schultz est profonde et expressive. "Modern Fraud woman" est imprimé sur un tempo soutenu. Si les cordes de McCray sont en liesse, la voix de Denis manque quand même d’assurance. Deux reprises. Tout d’abord le "Qualified" de Dr John. On y retrouve les rythmes syncopés de New Orleans. Denis McKee siège derrière le piano alors que Stan Budzynski se distingue à la slide. Puis la cover d’"It all went down the drain" d’Earl King. Les cordes sont ici partagées entre celles de Budzynski, du Californien Rick Berthod, de Dave Kaftan et de McKee. Très Stax, "Up to the mountain" clôt l’opus. Une jolie ballade r&b que chante avec bonheur la cadette de la famille McKee, Melissa. Et pour la dernière fois, Larry Mc Cray injecte un max d’émotion dans ses cordes.
Si Cranstoun est issu du Sud de Londres. De Croydon, très exactement. Un chanteur de soul qui puise son inspiration dans les années 40, 50 et 60 ; et tout particulièrement au sein de la musique destinée à la danse. Très longtemps, il a défendu la cause du reggae et du ska. En compagnie de son frère, avec lequel il avait fondé The Dualers, dès 1999. La formation est d’ailleurs responsable d’une importante discographie. Si entame ensuite une carrière en solitaire, et grave son premier elpee solo "Get lively", en 2009. Son précédent long playing, "Modern life", était paru en 2014, chez le label major, Warner Music. "Old school" porte bien son titre. Il s’agit bien de ‘vieille école’. Une musique qui puise ses sources dans le passé ; et tout particulièrement la soul, le rockabilly, le doowop et le R&B. Si se consacre au micro et à la guitare rythmique. Il drive son propre band et signe tout son répertoire.
Le titre maître ouvre l’album. Du rock’n’roll authentique. Même la voix est au diapason. Le piano est en effervescence. Les saxophones de Dan Faulkner et Drew Davies crachent leurs premières flammes. Rockabilly, "Vegas Baby" semble sortir tout droit d’un jukebox de la fin des fifties. Le trombone de Patrick Hayes s’évade et se permet même de sortir de son contexte. "Run free" est un autre rockabilly. Le morceau fait la part belle aux vocaux en doo-wop. Bien réverbérée, la guitare ressort bien de l’ensemble. Si adopte une voix de crooner pour Nightime", une plage lente balisée par un piano bien rythmique. De nombreux titres auraient pu figurer dans ces juke-boxes, un demi-siècle plus tôt. A l’instar de "Right girl", du judicieusement intitulé "Jukebox jump" ainsi que de "Lover please". Ballade exotique, "Elise the Brazilian" véhicule des accents sud-américains. Et c’est sous la forme d’un véritable big band que le blues "Around midnight" est exécuté. A cause de la présence de l’ensemble des cuivres. Et il est plus que probable que ce soit le talentueux Paddy Milner qu’y s’y charge des ivoires. Autre blues "Thames River song" se distingue par les interventions d’orgue à coloration sixties et celles de l’harmonica. Les saxophones entrent en effervescence tout au long du jump boogie, "Big Bess". On a même droit à un chant de Noël : "A Christmas twist". Si est au micro pour cette plage remuante. Le long playing s’achève par "Happy Birthday", un exercice de style purement doo-wop.
Hyper doué, Joe Bonamassa est un guitariste de blues/rock. Il a appris à jouer de la guitare, dès l’âge de 4 ans. Et dès qu’il en a onze, il assure la première partie pour BB King. Aujourd’hui, il en accuse 39 ; et sa notoriété a atteint le monde entier. Une solide notoriété qu’il a d’abord acquise sur les planches.
Son premier opus studio remonte à 2 000. Et son dernier, "Blues of desperation", à mars 2016. Il a cependant publié une volée d’albums ‘live’. Et "Live at the Greek Theatre" en est un autre. Mais pour la circonstance, le label Provogue n’a pas fait les choses à moitié ; puisque le box réunit un double cd découpé en 22 plages et d’un double dvd enrichi de quelques bonus.
Sur les planches, Joe est soutenu par un trio ; en l’occurrence le bassiste Michael Rhodes (NDR : un musicien de studio qui jouit d’une belle réputation à Nashville), du drummer Anton Fig et du claviériste Reese Wynans (NDR : ce dernier à milité chez le Double Trouble, backing band de Stevie Ray Vaughan, au cours des dernières années d’existence du regretté Texan). Et le line up est enrichi de cuivres. Soit le trompettiste Lee Thornburg et le saxophoniste Paulie Cerra. Mais pas seulement. Kirk Fletcher est également de la partie, à la seconde gratte et Nick Lane, au trombone. Sans oublier les trois choristes. Bref, ils sont onze sur le podium. Ce concert a été immortalisé au Greek Theatre de Los Angeles, dans le cadre du ‘Three Kings Tour’, réalisé au cours de l’été 2015. The Three Kings rend hommage à trois kings du blues ; en l’occurrence BB, Albert et Freddie.
Le tracklisting respecte un ordre préétabli. Et s’attaque d’abord au répertoire du géant Freddie King, un Texan disparu prématurément en 1976, à l’âge de 42 ans, à peine. Son "See see baby" est imprimé sur un tempo enlevé. Blues lent, "Lonesome whistle blues" adopte un profil downhome. Tout au long de "You’ve got to love her with a feeling", les cordes montent progressivement en puissance. Wynans balise l’énergique "Going down", un piste au cours de laquelle Bonamassa se déchaîne littéralement. Plus classiques, "Oh Pretty woman" et l’instrumental "Hideaway" sont davantage des plage respectueuses ses versions originales.
Issu de Memphis, Albert King, est disparu en 1992, à l’âge de 69 ans. L’inévitable "I’ll play the blues for you" est adapté. C’était également un spécialiste du Southern R&B, circa Stax. Le très cuivré "I get evil" et "Breaking up somebody’s home" nous le rappellent. Joe est intenable indomptable tout au long du lancinant "Angel of Mercy". Et il joue une énième cover à l’inoubliable "Born under a bad sign"…
Le deuxième cédé est essentiellement consacré au répertoire du légendaire BB King, disparu l’année dernière. On en épinglera le remarquable "Let the good times roll", le très gospel "Ole time religion", le blues lent, particulièrement chargé de feeling "Nobody loves me but my mother", l’excellent "Hummingbird" ; et, enfin, l’un des plus beaux blues jamais écrits, "The thrill is gone". De toute bonne facture, ce set s’achève par l’interprétation du judicieusement intitulé "Riding with the King", une compo née de la collaboration entre BB King et Eric Clapton.
Cette formation batave a été fondée en 2014, par l’ex-chanteur de King MO, Phil Bee. Elle implique également deux gratteurs. Tout d’abord Berland Rours. Et puis John F Klaver. Pas un musicien né de la dernière pluie, puisqu’il a remporté, à trois reprises, le National Blues Challenge aux Pays-Bas. Pascals Lanslots siège derrière les claviers. Il milite également au sein du backing group de Magic Frankie. Quant à la section rythmique, elle réunit le bassiste (c’est un Belge !) Carlo Van Belleghem (ex-Last Call, Roland, Boogie Boy) et le drummer Arie Verhaar, qui a remplacé Marcus Weymaere, depuis 2015 (c’était l’autre Belge). Premier elpee, "Caught Live" était paru en 2014. Et "Memphis Moon" constitue donc le second opus de la formation.
Le titre maître ouvre la plaque. Un titre judicieux ; car la musique lorgne manifestement vers Memphis. Du southern à coloration funk dominé par l’orgue de Lanslots. Quand il ne se consacre pas au piano électrique. Naturellement puissante, la voix de Phil Bee passe bien la rampe.
Michael Mattison signe "Down don’t bother me", une plage imprimée sur un mid tempo. Klaver l’introduit à la slide. Chaleureux, le timbre de Phil rappelle celui de Joe Cocker. John F Klaver opère une superbe sortie face au Hammond. Un Joe Cocker qui hante de nouveau l’indolent "Sunday morning". Mais le billet de sortie aux cordes est, cette fois, accordé à Berland Rours. Les deux gratteurs tirent leur épingle du jeu –chacun dans leur style– sur "Too much ain’t enough". Impressionnant de panache ! Excellent Memphis blues, "I gotta fly" se distingue par le solo aux intonations jazz, accordé par Klaver, et celui à l’orgue, de Lanslots. Il faut avouer que Freedom est au sommet de son art sur les morceaux les plus lents et les plus tendres. A l’instar de l’impeccable "One last kiss", caractérisé par une sortie de Rours. Et elle est saturée de feeling ! "Ain’t that loving you baby" est une compo signée Clyde Otis et Ivory Joe Hunter. Elle figurait au répertoire d’Elvis Presley. Elle est interprétée ici dans l’esprit d’un autre seigneur de Memphis, BB King. Et les duels échangés par les deux gratteurs sur le lent "Once in this lifetime" ainsi que la reprise du "Got to go better in a little while" d’Eric Clapton (époque Derek and the Dominos) sont brillants.
Le plan de mobilité qui privilégie aujourd’hui le piétonnier, à Lille, ainsi que les mesures de sécurité appliquées depuis les attentats terroristes, rendent la circulation de plus en plus difficile dans et autour de la métropole. Et le prix des parkings souterrains a littéralement flambé. Aussi quand on cherche à garer son véhicule le long d’une artère, c’est du sport ! Et la multiplication des sens uniques n’est pas de nature à arranger les choses. Bref, il a fallu, à votre serviteur, une bonne demi-heure pour dénicher l’emplacement souhaité. Bonne nouvelle, il se libère à une dizaine de minutes de marche de l’Aéronef…
Il y a du peuple qui fait la file avant d’entrer dans la salle. De nombreux tatoués, barbus et/ou vêtus de vestes en cuir, se pressent aux portillons. Faut dire que ce soir, l’Aéronef accueille le digne héritier d’AC/DC : Airbourne. Et le concert est sold out.
Airbourne a été fondé à Victorian, une des nombreuses cités rurales australiennes, par les frères O'Keeffe, Joël (chant/guitare) et Ryan (batterie). Et s’il s’est fait connaître en ouvrant pour les Stones, Mötley Crüe ou Motörhead, il s’est surtout forgé sa notoriété grâce aux nombreuses adaptations de ses compos destinées aux jeux vidéos en vogue (‘Guitar Hero’, ‘Need For Speed’, ‘Tony Hawk's Proving Ground’, ‘Medal Of Honor’, etc.)
A l’intérieur il fait très chaud. Et au fil de la soirée, la température va grimper en flèche pour littéralement se muer en fournaise. Leogun assure le premier supporting act. Votre serviteur s’installe au balcon où la vue est imprenable. Il y a pas mal de matos sur les planches. Leogun est un power trio insulaire réunissant le bassiste Matt Johnson, le chanteur/guitariste Tommy Smith et le drummer Michael Lloyd. Par manque d’espace, la formation se plante en ligne. Tommy est le personnage central du band. Sa voix est puissante, expressive, sableuse, rocailleuse même. Ses riffs de gratte sont incisifs mais graisseux. « Disconnected », qui ouvre les hostilités, en est déjà une parfaite démonstration. C’est un extrait de l'Ep « Majick Potion ». Rock/blues, la musique proposée s’aventure quelque part entre le Bayou et le désert texan. La section rythmique est solide. Précis, le drumming est probablement inspiré de John Bonham. « Beauty Queen » est une compo particulièrement mélodique. Certains titres empruntent à la soul. Parfois, lorsque l’expression sonore se teinte de psychédélisme, on pense à Wolfmother. D’ailleurs, tout au long du dernier morceau, « End Of The World », la six cordes semble hantée par Jimi Hendrix. C’est la fin du monde ! Ou plus précisément du set. Un groupe old school à suivre de très près, c’est une certitude…
Palace Of The King embraie. Un sextuor ‘aussie’, issu de Melbourne. Blond, Tim Henwood en est le chanteur. Singulière sa voix est proche de celle d’Ozzy Osbourne. C’est un excellent showman. Il manipule régulièrement son pied de micro pour accentuer ses attitudes. Le line up est complété par deux gratteurs : Leigh Maden et Matt Harrison. Ils entrent régulièrement en duel, manche contre manche. La section rythmique réunit le drummer Travis Dragani et le bassiste Andrew Gilpin. Le claviériste Sean Johnston complète le line up. Le plus souvent, il s’acharne sur son instrument à la manière de Jon Lord. En 30 minutes, le combo va parvenir à convaincre l’auditoire. Energique, le hard rock de Palace of The King est subtilement contaminé de psychédélisme, un peu comme chez Monster Magnet. La set list va nous réserver des extraits de ses deux opus ; soit « White Bird/Burn The Sky » et le prochain, « Valles Marineris ».
Pendant une grosse demi-heure les roadies procèdent aux derniers réglages. On découvre ainsi d’imposants haut-parleurs 'Marshall' qui bordent l'estrade sur laquelle est installée l'imposante batterie.
Il est 22h00 lorsque Airbourne déboule sur les planches. Torse nu, Joël a enfilé un froc de couleur noire, largement déchiré au niveau des genoux. C’est lui qui fait le show. Qui commence par « Ready To Rock », un morceau brut de décoffrage libérant un véritable torrent de décibels. Pourtant, le son est excellent et on distingue parfaitement chaque note jouée par les musicos. Et même les riffs de grattes. Lors des festivals, Joël grimpe sur tout ce qui est susceptible d’être escaladé. En salle, il est relativement plus réservé. Ce qui ne l’empêchera pas d’éclater une canette de 50 Cl de '1664' sur le crâne. De quoi asperger certains photographes qui vont en prendre plein sur les vêtements et le matos. Il chauffe l’ambiance par paliers. Les circle pics se forment. Le second sixcordiste et le bassiste arpentent le podium de long en large. Derrière ses fûts, David Roads est impérial. Et entretient une dynamique plus que contagieuse.
Tout au long du standard « Girls In Black », un brûlot qui aurait pu carrément figurer au répertoire d’AC/DC, tout le monde danse, jumpe ou danse. S’éclate quoi ! Dans le cadre des Lokerse Festen, Joël avait parcouru la fosse, sur le dos d'un roadie, en jouant de la guitare. Et il va reproduire le même scénario ce soir. Titre maître du nouvel opus, « Breakin' Outa Hell » nous entraîne en enfer. A cet instant, la salle sert littéralement de fournaise ! Après une bonne heure de show, votre serviteur s’éclipse, car la route du retour est encore longue. N’empêche, on a vécu une excellente soirée, torride ; et très rock’n’roll en plus…
(Organisation : A Gauche De La Lune et Nous Productions)
L’édition 2016 de l’Autumn Falls tire à sa fin. Depuis le mois de septembre, elle a permis à de nombreux artistes et groupes émergents, dont Death Grips, DIIV, Kevin Morby et Dan San, de se produire, tant en Flandre, en Wallonie qu’à Bruxelles. Ce lundi 12 décembre, elle accueillait le pianiste Lubomy Melnyk, à l’Orangerie du Botanique.
D’origine ukrainienne, Lubomyr est né à Munich, en 1948. Il joue du piano depuis l’âge de 6 ans. Il a cependant acquis la nationalité canadienne. Il s’est forgé une solide notoriété en se produisant à travers le monde –et tout particulièrement en Europe et Amérique du Nord– grâce à sa technique aux ivoires, définie comme ininterrompue. Il est ainsi capable d’aligner des séries notes extrêmement rapides, complexes et singulières, notamment à l’aide de ses pédales. Pourtant, malgré une discographie impressionnante, ce virtuose a dû attendre 2013, soit après la publication de ses deux essais sur le label de Nils Frahm, pour être reconnu à sa juste valeur.
D’ailleurs, ce soir, la salle bruxelloise est sold out. Et pour rendre le spectacle le plus confortable possible, les organisateurs ont opté pour la configuration assise.
L’artiste grimpe sur l’estrade à 21heures. Grande barbe blanche et longs cheveux, son look est aisément reconnaissable. Il s’installe derrière le micro, planté à côté d’un majestueux piano à queue. Puis, s’assied derrière son instrument et commence à en jouer. Affable et attachant, ce personnage prend le temps de fournir une analyse de ses différentes compos. Entre chacune d’entre elles. On est immédiatement impressionné par l’agilité de ses doigts sur les touches d’ivoire. Ils se déplacent à une vitesse vertigineuse. Tout lui semble facile ; et pourtant… Il est capable de jouer 19,5 notes par seconde tout en maintenant une vitesse de jeu entre 13 et 14 notes pendant une heure complète. Qui dit mieux ? Certains médias ont qualifié son néo-classicisme de minimaliste. C’est un peu réducteur. Son interprétation est chargée d’intensité et d’émotion. Dans l’auditoire, personne n’ose bouger, ni émettre le moindre son. Deuxième titre, « Love » est extrait d’un ballet que le musicien a orchestré au mois de septembre dernier. Il embraie ensuite par le superbe « Butterfly ». Mais pour clore le set, il nous réserve « Windmills », une pièce de 40 minutes, au cours de laquelle il conjugue son interprétation à celle d’une bande sonore préenregistrée. Au piano, bien sûr. Il va alors atteindre une vitesse d’exécution ahurissante sans pour autant perdre l’intensité émotionnelle. Pendant une heure et demie, Lubomyr Melnyk est parvenu à tenir en haleine un public littéralement médusé.
En proposant un tel spectacle, Toutpartout est parvenu à introduire la musique néo-classique au sein du Botanique ; et, vu l’affluence, on peut affirmer que l’idée n’était pas aussi saugrenue qu’elle aurait pu paraître...
(Organisation : Toutpartout + Botanique)
Nederlands 
Français 
