John Cale n'est pas l'unique compositeur de la bande sonore du film de Manuel Huerga, "Antàrtida", mais il y a collaboré activement, et notamment pour le titre maître "Antàrtida start here" qui figurait sur son album "Paris 1919". Peu de place pour le rock sur ce morceau de plastique donc, nonobstant la présence ponctuelle de Chris Spedding, de Maureen Tucker et de feu Sterling Morrison. Piano, orchestre symphonique, un peu d'accordéon et un zeste d'électricité alimentent ce voyage opiacé dans l'"Antàrtida".
Huit titres pour un Ep, c'est plutôt rare! Surtout lorsque le temps de défilement dépasse allègrement les trente minutes. Et offre en bonus track une cover du "Strawberry fields" des Beatles. Trio californien, Campfire Girls tâte tantôt de la lo-fi (Swell, Sebadoh) tantôt du bluescore (Cell). Parfois les deux en même temps. Ce qui donne un résultat plutôt intéressant à ce "Mood Enhancer", que ce soit dans l'approche minimaliste des mélodies ou dans un élan furieusement électrique, dramatiquement élaboré, comme sur ce superbe "Junkman" à la "Vitalogy" Pearl Jam...
Saviez-vous que Can s'était reformé en 1989 ? Sous son line-up original (Schmidt, Czukay, Liebezeit, Karoli et Mooney). Il a même enregistré un nouvel album, "Rite Time". Et puis en 1991, il a réalisé une bande sonore pour un film de Wim Wenders, "Until the end of the world". Enfin, apparemment la formation est décidée à poursuivre cette expérience, puisqu'un nouvel opus est en gestation. Revenons à cette "Anthology". Vingt-neuf titres répartis sur deux CD qui se penchent essentiellement sur la période la plus créative du combo. Soit entre 1968 et 1978.
Mais un peu d'histoire tout d'abord. A l'origine, deux musiciens avant-gardistes, qui avaient travaillé avec le célèbre compositeur Stockausen, veulent replacer leurs expérimentations dans un cadre plus rock. Irmin Schmidt (claviers) et Holger Czukay (basse) engagent alors Michaël Karoli pour assurer les parties de guitare, Jacki Liebezeit aux drums et aux percussions, ainsi que Malcolm Mooney au chant. D'album en album, et malgré certaines variations de line-up (notamment le remplacement de Mooney par Damo Suzuki), Can va révolutionner le monde du rock par sa musique à la fois structurée et déstructurée. D'un style basique aux dérapages futuristes (collages, bruitages, montages) et aux parfums ethniques, il évoluera vers un insaisissable bouillonnement organique aux dimensions symphoniques, minimalistes, contemporaines et même jazzyfiantes dans le sens le plus libre du terme. Si bien qu'au bout d'une décennie, il allait acquérir un statut de légende. Précurseur de la cold-wave et du renouveau funky, il fait aujourd'hui figure de référence dans le domaine de l'ethno techno (Transglobal Underground, par exemple). "Anthology 1968-1993" est un document fondamental auquel il manque malheureusement le premier chapitre "Delay". Allez donc savoir pourquoi?
Des clichés, des clichés et encore des clichés. Métalliques, grunge, trash, revivalistes. Empruntés tantôt à Alice in Chains, Extreme, Soundgarden, Led Zep ou même à Lenny Kravitz (!). Parfois reproduits avec une redoutable efficacité. Comme sur "Lucky", "Butterfly" ou "Simple lesson". Mais trop souvent dépourvus de la moindre subtilité. Pourtant, le vocal irascible, écorché, maléfique de Kevin Martin favorise l'exercice d'un climat malsain, menaçant, stimulant. Mais l'absence de véritable ligne mélodique conjuguée aux dérapages intempestifs dans l'électricité nombriliste tue dans l'œuf cet embryon d'originalité...
Pour apprécier pleinement cet opus de Luca Carboni, il est nécessaire de bien pratiquer la langue de Verdi. Les lyrics sont en effet primordiaux chez ce Bolognais ; des textes qui reflètent un état d'esprit à la fois désespéré et révolté face à tout ce qui cloche dans le monde contemporain. Malheureusement, cet artiste a beau être attentif aux problèmes de sa génération, son support sonore émarge à la musique légère, très légère, italienne. Aux variétés quoi!
Pour concocter son deuxième album solo, Tom Petty s'est entouré de Mike Campbell, d'Howe Epstein et de Bentmont Tench. Soit l'épine dorsale de ses Heartbreakers. Ainsi que d'une pléiade de musiciens de studio. Alors, pourquoi cette pseudo-venture en solitaire, si c'est pour reconduire les mêmes ingrédients de base? Bonne question! Pour obtenir un résultat différent! Parce que nonobstant cette structure apparemment identique, Tom parvient ici à épingler 15 folk songs légèrement teintées d'électricité, presque minimalistes, dispensées avec l'esprit d'un Dylan ou du mythique Roger McGuinn, auxquels il a toujours voué une grande admiration. Une excellente surprise! Et puis surtout une crédibilité retrouvée pour cet artiste dont la carence flagrante d'originalité perdure (ou perdurait!) depuis maintenant près de quinze ans...
Korn pratique un trash métal à la croisée des chemins de Suicidal Tendencies et d'Helmet. Ce qui doit probablement vous donner une petite idée des intentions affichées sur ce morceau de plastique. Rien de bien original, cependant; mais un groove très solide galvanisé par la conjugaison des guitares viscérales, rebelles de Welsh et de Munkey Munk, et abrasé par le vocal vindicatif, sulfureux de Jonathan Davies, dont le timbre semble coincé entre celui d'Eddie Vedder (Pear Jam) et de Weiland (Stone Temple Pilots).
Troisième opus pour ces vétérans de la scène hardcore new-yorkaise. Un disque qui souffle le chaud et le froid. Le froid lorsqu'il se contente de marcher sur les plates-bandes d'Helmet. Le chaud lorsqu'il montre un visage plus subtil, plus raffiné, sans pour autant perdre la nature de sa férocité. Comme par exemple sur "Delusional" et "Landmine Spring". Les riffs de guitares sont davantage effilés que déchiquetés. Les vocaux moins étouffés permettent de laisser entrevoir des textes intelligents, engagés, consacrés aux problèmes sociaux rencontrés aux States, mais également à l'échelle mondiale. Et à travers ces questions, et des sentiments de colère, d'hostilité, de révolte qu'elles peuvent engendrer, il se pose en modérateur, en conciliateur. Un point positif qui sauve l'œuvre des sables mouvants de l'oubli...
Curieuse destinée pour cet ami d'enfance d'Edwyn Collins, apparu puis disparu fin des seventies/début des eighties en même temps que le label écossais Postcard. Hormis son concours apporté au hit single d''Orange Juice, "Rip it up", il restera enfoui dans la zone crépusculaire de l'underground ("French Impressionists", "Bourgie Bourgie"). Et puis au moment de la renaissance du Postcard il remonte son Independent Group et enregistre deux albums. Il y a deux ans, "The Phantoms and the Archetypes" et aujourd'hui "Will I ever be inside you". Un disque assez sombre, torturé même, mélancolique qui se distingue par le contraste frappant entre les jaillissements meurtriers des cordes de guitare et le timbre vocal crooner opératique de Paul. Etonnant!
Avant de s'éteindre, Freddy Mercury avait donc laissé en friche quelques chansons, destinées à un vingtième elpee. Il a cependant fallu quatre ans à ses ex-condisciples pour achever le travail. Par la grâce de la technologie moderne, bien sûr. Vous avez sans doute déjà eu l'occasion d'entendre le single "Made in heaven", sur l'une ou l'autre station de radio. Il constitue à coup sûr, le meilleur morceau de ce disque. Une œuvre dont les compositions rivalisent de pompe et de grandiloquence, tout en multipliant les clichés. C'est vrai que nous ne sommes pas de grands admirateurs de Queen. Mais nous leur reconnaissons certaines lettres de noblesse (!). Vocales, pour être tout à fait précis. Affichées sur l'indispensable "Bohemian Rhapsody". Et puis sur les hits, devenus classiques, "Killer Queen, "Bicycle", "Flash Gordon", ainsi que sur "Under pressure", commis en compagnie de David Bowie. Pour le reste, le règne du quatuor ne nous laissera pas un souvenir impérissable. Et encore moins ce "Made in heaven". Un testament au lyrisme céleste, sans plus. Triste héritage!
Certains appellent cette musique trash hip hop blanc, d'autres du gangsta rap. Ne nous demandez pas d'opter pour l'une ou l'autre appellation. Incontrôlée, elle ne nous permet pas d'émettre une opinion objective sur un style apparemment au bout du rouleau. Lordz of Brooklyn sont des Italo-yankees qui épanchent, à travers leurs lyrics, des sujets douloureusement urbains. Abordant les problèmes qui gangrènent leurs rues. Le climat claustrophobe, démoniaque au sein duquel les enfants des ghettos doivent vivre. Les héros qu'ils fanatisent. Un cri de révolte proféré à la face du monde capitaliste, et en particulier celui des Américains...
L'année dernière, ce quatuor new-yorkais gravait son premier elpee. Produit par Kurt Ralske, cerveau d'Ultra Vivid Scene, il correspondait à une sorte de New Order circa "Ceremony" qui marchait sur les traces originelles de REM. D'autant plus frappant que le chanteur Tony Zajkowski et Michael Stipe possèdent un débit vocal assez semblable. Pour "Nobody's Cool", Lotion" a décidé de se convertir au hardcore juvénile. Au popcore si vous préférez. Un style plus yankee, plus électrique qui fait inévitablement penser à Hüsker Dü, donc à Sugar ; à Buffalo Tom et par conséquent à Cold Water Flat. Même qu'au niveau vocal, Tony semble ici plutôt camper un hybride entre Bob Mould et Bill Janovitz... Mais avec quelques nuances. Pas tellement à cause des lyrics intellos, minimalistes, mais d'une plus grande richesse de la texture des mélodies qui mêle instrumentation basique et semi-acoustique. A la limite même ‘Postcard’ comme sur "Rock chick". N'empêche, les deux chansons qui nous bottent le plus sur cet opus sont celles qui crépitent dans leur phase la plus électrique, et notamment "The new timmy" et "Juggernaut"...
Nederlands 
Français 
