Oscar and the Wolf vient de signer chez PiaS. Leur premier single “Orange Sky” est à découvrir sur soundcloud avant la sortie prochain Ep « Summer Skin », disque qui a été produit par Robin Proper-Sheppard (Sophia).
http://soundcloud.com/piasbelgium/oscar-and-the-wolf-orange-sky
https://www.facebook.com/pages/Oscar-the-wolf/333647900884
Le Yéti est un animal bizarre. Personne ne l’a jamais réellement bien vu. Néanmoins, on en a immortalisé quelques clichés, extrêmement flous, qui entretiennent malgré tout le mystère. Même Tintin s’y est frotté en son temps… au Tibet.
Ce Yéti-ci est un monstre issu du milieu musical belgo-belge, un monstre à cinq têtes lorsque le Yéti se produit sur scène. Tout comme Thierry De Brouwer (ex Melon Galia), les quatre autres figures sont issues du sérail wallon. Ce grand ours mal léché (!) s’est adjoint les services de Catherine De Basio, Ludovic Bouteligier, Simon Bériaux et François Gustin pour mener à bien son joli projet.
Seul lorsqu’il bosse en studio, afin de réaliser son rêve, il reçoit juste l’aide de Craig Schumacher, au mixage. Le résultat est plus que probant. Douze jolies petites chansons pop sophistiquées au sein desquelles on retrouve « Les danses nocturnes », régulièrement programmé lorsque l’on fait la part belle aux chansons interprétées en français sur les ondes. On rencontre également sur ce très bon elpee quelques plages enthousiastes, intimistes et méticuleusement bien finies, « Je maudis ma nuit » ou « L’animal en moi » frappent directement l’auditeur tant les mélodies et les textes sont remarquablement associés. Même si les lyrics ne volent pas très haut, on s’amuse malgré tout à l’écoute de ce premier projet bien réalisé.
Une jolie petite envolée pour ce Yéti bien de chez nous.
Malgré son identité, Leadfoot Rivet est de nationalité française. Il chante cependant bien dans la langue de Shakespeare. Ce musicien n’est pas vraiment un génie, mais il se débrouille plutôt bien à la guitare et à l’harmonica. Il a déjà apporté sa collaboration à une multitude d’artistes, et notamment Larry Garner, Tom Principato, Boney Fields ainsi que côté Hexagone, Laurent Voulzy et le regretté Alain Bashung! Des références qui ont certainement dû impressionner Mighty Sam McClain et Mighty Mo Rogers. Sa discographie est abondante. Il a commencé à enregistrer au cours des années 80. Au sein de Rockin’ Chair tout d’abord. Il a publié sous son véritable nom, Alain Rivey, “Lunatik Combo”, un elpee pour lequel il avait reçu le concours de Claude Langlois, le patron de Dixiefrog. Il faut dire que Langlois et Rivet sont les fondateurs du label. Ecurie née en 1986. Sous son sobriquet, il grave un premier opus, en 1998, “Saint Blues”. Un disque qui avait bénéficié de la participation de Larry Garner, Roy Rogers, Amos Garrett et Tommy Castro. Excusez du peu!
Son surnom ‘Pied de plomb’, il le doit au chanteur louisianais Larry Garner, qui lui rempochait de conduire constamment pied au plancher. Pour concocter ce cd, il est essentiellement soutenu par son fidèle guitariste Pat Boudot-Lamot. Ce qui ne l’a pas empêché d’inviter quelques amis lors des sessions d’enregistrement.
“Split personality” ouvre le bal. Un folk blues dont les sonorités légèrement orientales émanent du sitar de Fred Chapellier, un compagnon de label. Le Stetson vissé au sommet du crâne, les lunettes solaires posées sur le nez, notre pied de plomb, apparait très détendu. Sa voix est grave et lancinante sur “I feel like I’m sinkin”, une compo aux accents manifestement country. L’instrumentation acoustique est impeccable. Mais s’en détachent la musique à bouche du maître et les cordes de Thomas Weirich. “Fried okras” élève quelque peu le rythme. La trame acoustique domine toujours le sujet. Stéphane Avellaneda (NDR : un musicien qui accompagne régulièrement Ana Popovic) tape sur son cajon, un instru à percussion péruvien. Si l’univers de Rivet est personnel, il en colore les atmosphères au contact de ses partenaires. En toute décontraction. Cherchant constamment la parfaite homogénéité. Et il le démontre tout au long de “Friend lover wife”, un morceau au cours duquel les 3 grattes sont à l’unisson : le sitar de Chapellier, la slide de Jean-Paul Avellaneda et la rythmique de Weirich. De “Famous”, ensuite. Un titre trempé dans le blues le plus pur. De “Mongrel music” encore. Une très belle compo, empreinte de simplicité, malgré la présence d’un luth vietnamien. Ou encore d’“Apples dipped in candy”, souligné par un bouzouki électrique. Les escapades rythmées et électrifiées sont plutôt rares. Elles se résument à “Them changes”, au cours duquel Jean-Paul s’autorise une envolée sur sa Gibson. Sur “Where is the director ?” également. Une piste enlevée, nerveuse, illuminée par la contribution à la slide amplifiée de John Mooney. Et enfin, la finale. Un blues généreux, imprimé sur un mid tempo et alimenté par une lutte royale entre les guitares de Boudot-Lamot et Tom Principato, invité pour la circonstance. Une aventure qui ne manque pas de passion !
"Plays Jay Dee" constitue le troisième opus de Live Footage, un duo établi à New York. Dans l’arrondissement de Brooklyn, très exactement. Mike Thies et Topu Lyo se sont rencontrés par hasard, il y a quelques années, lors d’une fête d'Halloween ; et depuis, ils n'ont cessé de bosser ensemble sur ce projet expérimental consacré à l’électro acoustique.
Découpé en 8 pistes, "Plays Jay Dee" est instrumental. L’un se sert de son violoncelle et de ses bidules électroniques, l’autre de drums et de synthés. Le résultat campe une musique filmique, délicate, finalement plus proche de Cinematic Orchestra que de feu Jay Dee, dont ils reprennent ici les compos. On a même parfois l’impression que certaines pistes sont enrichies d’un véritable orchestre symphonique.
Malheureusement, si le sens mélodique est évident, l’excès de douceur finit par rendre l’ensemble mielleux. Peu aventureux, sans grand relief ni changement de rythme, on s’ennuie ferme à l’écoute de ce cd. Et même pas un peu de vocaux, pour rendre la mixture un peu moins linéaire. Si bien qu’en fin de parcours, c’est un sentiment d’exaspération qui m’a tout bonnement envahi. Dommage, car le départ augurait le meilleur. Mais le soufflé est retombé aussi rapidement qu’il n’est apparu. Une déception, surtout quand on sait que les deux compères possèdent un talent indéniable.
A l’origine, Matlted Milk se résumait à un duo. Soit le chanteur/guitariste Arnaud Fradin et le bassiste Igor Pichon. Un tandem qui s’était spécialisé dans le Delta blues. Mais lorsque le line up passe à un quintet, leur musique se convertit au style Chicago. Et on n’est pas au bout de leur évolution, car de passage à Memphis, le combo rencontre le chanteur noir Karl W Davis. Suffisant pour s’orienter vers la musique soul. “Sweet soul blues”, le dernier elpee n’avait rencontré qu’un succès d’estime.
Le long playing s’ouvre par “Human wave”, un titre trempé dans le funk soul largement cuivré. La voix d’Arnaud semble très à l’aise au sein de cet univers sonore. La libération des cordes est un instant de choix. Je préfère néanmoins “Hope she believes in me”, une piste imprimée sur un tempo plus lent, proche du southern soul de Stax. La voix est excellente et le jeu de guitare s’inspire du grand Albert King. Tout comme sur la plage suivante, “Touch you”, même si le rythme est bien plus nerveux. Dansant, “Sweet baby” trempe dans le pur blue soul. Pas vraiment ma tasse de thé. Je lui préfère, “True love” un morceau coécrit en compagnie de leur ami KW Davis. Au cours de cet exercice de style minimaliste, tous les instruments sont bien en place. Voix et guitare sont inondées d’une sensibilité profonde. Un excellent blues aux accents dramatiques très proche d’un autre dieu de Memphis, Mr BB King. Et pour notre plus grand plaisir, Malted Milk baigne dans la même atmosphère tout au long de “Since you left me”, un titre enrichi par le concours de cuivres aux sonorités immaculées ainsi que l’orgue Hammond de Nicolas Mary. Le “Soul of a woman” de KW Davis est légèrement épicé de reggae, un morceau au cours duquel la ‘six cordes’ est subtilement taquinée par le jeu des pédales. Et c’est une compo de Davis qui clôt l’opus, une piste qui bénéficie de la collaboration d’une amie bretonne, aux vocaux, Julie Dumoulin…
Les Nantais de Pony Pony Run Run avaient en 2009 publié un premier LP, « You Need Pony Pony Run Run », boosté commercialement l’année suivante par un tube, le sympathique « Hey You ». Depuis, Pony Pony Run Run fait partie intégrante du PAF, sans pour autant l’avoir mérité, le disque originel se révélant plutôt anecdotique.
Rebelote pour le PPRR deuxième du nom. L’éponyme du trio ne remonte pas la barre, pourtant assez bien basse. Les frangins Réchin Lê Ky-Huong et Antonin Pierre, la troisième roue du carrosse, délivrent à nouveau une pop mollassonne (« Far Away », « Don’t Stop »), des ballades d’une moiteur assommante (« Sorry », « We never Try To Recall ») et quelques faux accents eighties pour s’assurer au moins un hit (« Come Back to Me »). Second tour, second échec. Run Run, Pony Pony…
Les deux James sont de retour. Et en force ! James Ford et James ‘Jas’ Shaw, les grands pontes de la machine Simian Mobile Disco se transcendent sur cette troisième et impeccable galette des rois. Il leur aura fallu trois ans et une parenthèse technoïde (« Delicacies », 2010) pour délivrer un LP qui surpasse « Attack Decay Sustain Release », leur œuvre introductive datant de 2007. Pour « Unpatterns », le duo anglais a complètement changé la donne, mettant une sourdine aux vocalises et au déballage de guests. Un déballage qui a d’ailleurs relativement desservi le bien nommé « Temporary Pleasure », en 2009.
Le Simian Mobile Disco, circa 2012, est un condensé de pur plaisir hallucinogène. « Unpatterns » est un disque fait sur-mesure pour danser, tripper et s’envoyer en l’air. Voire les trois en même temps. On y retrouve un duo au top de sa forme, distillant son amour pour la Retro House (« Seraphim », « Your Love Ain’t Fair »), l’élégance de l’IDM (« The Dream Of The Fisherman’s Wife »), les énormes montées acides (« Interference ») et les rythmiques hypno-obsessives (« Pareidolia », le grandiose « Put Your Hands Together » avec Jamie Lidell au micro, seul invité de la galette).
Pile à l’heure, le duo a bien compris l’adage ‘less is more’ et s’est détourné à temps d’une direction qui ne lui collait que très peu à la peau. « Unpatterns » replace Simian Mobile Disco sur le haut de l’affiche, là où est sa place. Go Bristol !
L’Australie a également enfanté d’excellents bluesmen. Mais, le plus souvent, le blues a pris une forme plus rock, plus puissante aussi. Dave Hole en est certainement un bel exemple. Il a d’ailleurs forgé sa notoriété par son jeu brutal sur la slide. Rob Tognoni est également un gratteur énergique. Pas pour rien qu’il a intitulé cet album “Energy Red”.
Il y a plus de trente ans que cet artiste roule sa bosse sur les routes. Et s’il est parvenu à se faire respecter, il est également prêt manifester toute sa générosité. Rob est né en Tasmanie. Au cœur des 90’s, il enregistre une série d’albums pour le label spécialisé en hard rock, Provogue, dont “Stones & Colours”, en 1995. Il a aussi publié un ‘live’ pour l’écurie française Dixiefrog en 2005, “Shakin’ the devil’s hand”. Sa dernière œuvre remonte à 2010. Encore un live. Double de surcroît. Intitulée “Rock’n’roll live”, elle était parue chez Music Avenue.
Rob est âgé de 52 ans. Le premier groupe qui l’a marqué n’est autre qu’AC/DC. Des compatriotes ! Tognoni est un adepte de la formule trio. Leader, chanteur et guitariste, il ne tolère comme backing band que sa section rythmique réunissant le bassiste Frank Lennartz et le drummer Mirko Kirch. La puissance du rockin’ blues s’installe dès les premières notes de “Take you home now”. Dès qu’il en a l’opportunité, Rob écrase ses pédales pour libérer des sonorités torturées. “Boogie don’t need no rust” est un boogie rap sans grand intérêt. La machine à décibels tourne à plein régime. A l’instar de “Fire from Hell”, une plage redoutable et sauvage. Un peu de sérénité, quand même, dans cet univers frénétique : “Someone to love me”, un slow blues coloré par l’orgue de Kei Robertson. Encore que Rob y arrache les notes, les lacère, tout en maîtrisant parfaitement son sujet, néanmoins. “Blue butterfly” baigne dans la douceur mélodique. Bien construite, “Don’t love” ne manque pas de potentiel. “Queensland heat” lorgne sagement vers AC/DC. Une sagesse qui sied finalement plutôt bien à Tognoni. Et il le démontre tout au long de trois reprises. Tout d’abord, sa version attachante et bien ficelée du notoire “Can’t you see” des Doobie Brothers. Ensuite la cover du “As tears go by” des Stones. Et enfin, le “Better be home soon” de Neil Finn (Split Enz/Crowded House). Signé par l’ex-Chain (NDR : encore un Kangourou !) Matt Taylor, “I remember when I was young” est un blues shuffle à la sauce Stevie Ray Vaughan. Rob conclut cet elpee par “I wanna play an Iggy pop record today”, une plage hyper speedée, à la limite punk. Pourquoi pas?
Nico Wayne Toussaint est originaire de Toulon. Sa passion, c’est le blues ; et son instrument de prédilection, l’harmonica. Il reconnaît pour influence majeure, le souffleur noir, James Cotton, harmoniciste qui militait autrefois au sein du Muddy Waters Band. A 20 ans, il se produit en compagnie de son père, pianiste, dans Vent du Sud. Quelque temps plus tard, il fonde son Nico and Friends. Son second prénom, Wayne, lui vient de son parrain qui vit à Minneapolis. C’est d’ailleurs au siège du comté de Hennepin, dans l'État du Minnesota, qu’il enregistre son premier opus, “C’est si bon”. Nous sommes alors en 1997. L’année suivante, il est signé par le label français Dixiefrog. Et “Lonely number” constitue déjà son 7ème elpee, gravé au sein de cette écurie. Les sessions se sont déroulées à Montréal, sous la houlette de Nick Estor, lequel se réserve également les baguettes. Le disque recèle une majorité de compos personnelle, mais également quelques inévitables reprises. Enfin, quelques invités sont venus prêter main forte à leur ami frenchie ; de quoi rehausser l’intérêt de ce long playing.
“Lonely number” s’ébroue sur un tempo indolent. Une plage qui n’est pas sans rappeler l’un des maîtres du blues des marais louisianais, Slim Harpo! Le rythme s’éveille pour attaquer le superbe “Hope she believes me”. Nico est très proche de son ami souffleur RJ Mischo. Il se montre très pro, soutenu par la prestation éblouissante de Mike Welch aux cordes. Pas le temps de souffler, et il c’est le moment du “Time to party”, un jump blues à la californienne au cours duquel les interventions de David Maxwell au piano, sont sublimes. Le souffle de Toussaint est pétri de classe et nous rappelle William Clarke. On n’a pas le temps de s’ennuyer sur cet opus. Imprimé sur un solide tempo, “Time to cut to loose” vire au R&B. On en a des fourmis dans les jambes. Une piste entretenue par le Batave Mister Boogie Woogie aux ivoires (NDR : alias Eric Jan Overbeek), dont les accords frôlent le délire, ainsi que le saxophone de Tommy Schneller. Guy Davis chante aux côtés de Nico le solennel “How long to heal”. Un delta blues majestueux et chargé d’émotion. “Where was I” et “My one last thing” sont des Chicago shuffles très entraînants. Nico souffle à la manière de Little Walter sur l’instrumental “Waltering in Montreal”. Invité prestigieux, Rod Piazza vient donner la réplique sur son harmonica chromatique au diatonique du Français, sur la cover du “My own medicine” de RJ Mischo. Mister Boogie Woogie est à nouveau au piano pour “High class in disguise”, une plage dynamisée par les rythmes syncopés de la Nouvelle Orléans. Et la suite est toujours d’aussi bonne facture. Nico souffle comme Sonny Boy Williamson 2 sur “ I love you through and through”. “Deep down in Florida” nous replonge dans une atmosphère digne de Muddy Waters ; JP Soars a empoigné la slide et Nico peut enfin souffler dans le même registre que son mentor, James Cotton. “She comes and go” nous propulse au sein d’un climat digne du géant Howlin’ Wolf ! L’elpee s’achève par le bouleversant et dépouillé “Dealing with the devil”, une compo signée Sonny Boy Williamson 1. Du blues cinq étoiles. Sans aucun doute, le meilleur album commis par Nico Wayne Toussaint, à ce jour…
L’an dernier paraissait « Hearts On Hold », premier disque de Tu Fawning, projet ‘familial’ monté par Joe Haege (31Knots, Menomena) et Corinna Repp. Un bel ouvrage à la sortie bien trop discrète. Plutôt que de tourner en rond dans leur salon, le couple s’est attelé sans attendre à l’écriture de leur second LP, « A Monument ». Bénéficiant du concours de leurs deux compagnons de route, Toussaint Perrault et Liza Reitz, Haege et Repp emmènent leurs explorations sonores un brin plus loin. Le quatuor s’est forgé une personnalité plus solide qu’à ses balbutiements et propose neuf nouvelles fresques théâtrales sombres et classieuses à la fois.
« A Monument » voit débouler Florence + The Machine de manière impromptue sur le perron de St Vincent (« Build A Great Cliff »), Arcade Fire se battre mano a mano contre la clique de Broken Social Scene (« A Pose For No One », « Skin and Bone ») ou une Beth Jeans Houghton s’accordant quelques cabrioles sous les draps de Geoff Barrow (« In the Center Of Powder White », « To Break Into »). Bref, il se passe des tonnes de trucs bizarres sous le toit de Tu Fawning. De quoi réfléchir à deux fois avant de décliner l’invitation du quatuor !
Live : 02/06 à la Rotonde du Botanique
Dans la famille des noms de groupes impossible à ‘googler’, figure AU. Réunissant Luke Wyland et Dana Valatka, ce duo originaire de Portland vient de publier son troisième LP. En introduisant celui-ci par une plage instrumentale judicieusement intitulée « Epic », les deux hommes savaient exactement où ils allaient en concoctant ce « Both Lights ». Fortement influencé par la musique classique et le Jazz, AU aime expérimenter et lorgne souvent du côté d’Animal Collective.
Pour apprécier les morceaux du tandem, comme il se doit, mieux vaut pénétrer dans l’antre d’AU, l’esprit ouvert et ne pas hésiter à effectuer quelques pauses sur le trajet. Car il s’agit d’un repaire difficile d’accès qui, même s’il n’emprunte pas excessivement de chemin tortueux, peut en décourager plus d’un. Mais au bout du chemin, la lumière. Une lumière qui éclaire le savoir-faire impeccable de Wyland en matière de DIY, ainsi que la finesse émanant de la plume de Valatka. « Both Lights » est un disque à apprivoiser. Un travail qui permet d’apprécier d’autant plus la galette.
Brendan Benson est un artiste complet. Producteur, chanteur, compositeur et musicien il est aussi à l’aise à la guitare qu’à la basse, au clavier, au chant ou à la batterie. Et pourtant, la carrière du natif de Michigan continue de se dérouler dans l’ombre des projecteurs. En participant à l’aventure des Raconteurs, projet qu’il a cofondé en compagnie de Jack White, on aurait pu croire que son destin allait changer. Mais rien à faire, Benson continue de briller dans la zone crépusculaire de l’underground.
Brendan s’est établi à Nashville. Et il vient de publier son nouvel elpee. Un opus de power-pop, style au sein duquel l’Américain excelle et qu’il perfectionne au fil des sorties. Ses disques ? Il les réalise en solitaire. Se chargeant de tout. Depuis l’instrumentation à la mise en forme. Rien, d’ailleurs, ne lui échappe. Bien sûr, il n’a pas l’intention de réinventer le monde musical, mais que ce soit dans l’exercice plus rock ou le registre de la ballade (« Bad for Me »), il a le chic pour torcher des compos contagieuses. Pas toutes, puisque sur les douze plages de ce long playing, on recèle l’une ou l’autre compo plus faible. Notamment, en fin de parcours, comme si l’artiste avait éprouvé des difficultés à terminer ses sessions d’enregistrement. Mais dans l’ensemble, « What Kind of World » tient la route. Rien de bien neuf à l’horizon, cependant. Simplement, Brendan Benson a voulu prendre du plaisir et nous le faire partager…
Ex-membre d’Efterklang, Peter Broderick est un compositeur américain âgé de 23 ans. Et pour lui, la musique est un art sérieux, exigeant. Non seulement il bosse régulièrement en studio pour M. Ward, Zooey Deschanel ou Delorean et multiplie les collaborations, mais il enregistre ses propres albums. Et en solo, il en est déjà à son 9ème opus.
A l’origine, « Music by Confluence » devait servir de bande sonore à un documentaire intitulé « Confluence ». Un œuvre qui n’a jamais vu le jour ! Ce film s’inspirait d’un un étrange fait divers survenu en Idaho : entre 1979 et 1982, cinq femmes ont été portées disparues, au sein de cet état. Mais seuls trois corps sont retrouvés. Un homme a été accusé de ces crimes… Bref, l’elpee baigne dans une ambiance proche du ‘Zodiac’ de David Fincher. Elle est donc ténébreuse, dramatique et est même hantée par des fantômes. On y entend d’ailleurs des crissements de portes, des chuchotements et des hurlements stridents. Mais aussi des riffs de guitares tordus, des arpèges de piano délicats quoique faméliques ainsi que des cordes angoissantes et glaciales. Une œuvre qui aurait pu parfaitement sonoriser un film d’épouvante. Mais de là à se farcir son écoute juste pour se faire peur, il y a de la marge !
Ravin et Nicholas Sechaud sont deux Djs passionnés d'électro et de house, résidents dans de luxueux hôtels de capitales, le premier à Paris et le second à Dubaï. Ils nous proposent leur seconde compile constituée de mixes réalisés au sein du palace ‘Grosvenor House Dubaï’, situé le long de la marina, dans l'émirat précité. Lieu dédié à la création musicale et culturelle, l'hôtel se targue en effet, de ne produire que de l'électro chic, orientale et élégante.
Et force est de constater que l'objectif souhaité est parfaitement réalisé tout au long de ce recueil. Les compères nous proposent ici un produit fini dont l’esthétique n’a d’égale que l’excellence. Et la luxueuse pochette de ce double cd, enrichie de splendides images du Grosvenor, ne peut que vous donner l’eau à la bouche.
La première plaque réunit 13 pistes signées Ravin, un Dj qui a quand même décroché plusieurs disques d’or pour ses précédentes créations. Excusez du peu !
Passé l’intro mélodieuse de « Rain of Love », s'enchaînent plusieurs plages aussi variées que contagieuses. Parfois, on a l'impression d’être entraîné pour un voyage exotique. Au sein des îles (« Moina Ya Mokili ») ou en Orient (« Midnight Mawal »). Un coup de cœur ? « Light Pride ». A cause de son énergie communicative.
Il y a bien quelques morceaux qui me bottent moins. En particulier ceux qui adoptent une forme plus jazz (« A Swing Thing ») ; mais ce n’est qu’une question de goût personnel, l’ensemble de l’elpee proposant un éventail de titres toujours susceptible d’accrocher l’oreille.
C’est Nicolas Sechaud qui signe la seconde galette. Elle recèle également 13 pistes. Paisible et contagieuse, la première plage s’inscrit dans la lignée de son partenaire ; quoique suffisamment distincte pour ne pas souffrir de comparaisons. Sous son adaptation électro, le "Close my eyes" de Kansas est de toute bonne facture, même si pour le puriste, la version originale de « Dust in the Wind » demeure inégalable. Et j’épinglerai encore deux excellentes plages, « Panta Rei » et « I never Sleep ». Le mixing de Nicholas Sechaud est moins puissant, moins énergique que celui de son comparse. Sa technique le conduit vers des titres plus doux et relaxants.
Finalement, les deux DJ's affichent des spécificités totalement différentes et ont le bon goût d’éviter de marcher sur les plates bandes de l’autre.
Excellente production opérée sous l’égide d’Avril Production, « Dubai Eklektic 2 » constitue une superbe vitrine pour l'hôtel, et surtout pour ses soirées chics, raffinées et parfumées d’Orient…
Sept titres sur le nouvel opus de Petar Dundov, un artiste croate âgé de 38 ans. Un disque qui fait suite à « Excapments », premier elpee paru en 2008.
C’est le titre maître qui ouvre l’album. Le climat est léger et empreint de douceur. La symbiose entre piano, clavier et synthétiseur, simple mais efficace. Mais perso, la lenteur et la longueur de la compo (plus de 9 minutes) finit par me taper sur le système.
La suite de l’opus se révèle plus grave, ligne de basse et interventions de drums alimentant cette atmosphère. Mais à nouveau, faute de variation dans le tempo ou même de perturbation salvatrice dans le schéma sonore, on reste sur sa faim. D’autant plus que les titres oscillent entre 8 et 14 minutes. De quoi entretenir un légitime sentiment de lassitude. Un naufrage !
‘Pop, Pop, Pop Goes The World’ s’égosillait Beth Ditto il y a trois ans lors de la sortie de « Music For Men », le disque qui a définitivement placé Gossip, sans ‘The’, sur la carte des valeurs sûres et hautement commerciales. Ditto et ses deux acolytes ont bien retenu la leçon. Ne reste donc plus aujourd’hui de « Standing In The Way Of Control » qu’un bon mais lointain souvenir. Gossip n’est plus un groupe Rock et l’assume pleinement sur « A Joyful Noise », leur cinquième LP. Un changement de direction qui fait perdre de sa superbe au trio.
Les mélodies infectieuses et l’esprit un peu punk des disques précédents ont donné le relais à des compos électro-pop formatées, sans punch ni autre ambition que de remplir les fonds de caisses de l’entreprise. En s’associant à Bryan Higgins, figure de proue de la boîte de production Xenomania (Texas, The Wanted, Girls Aloud, Kylie Minogue, etc.), Gossip a perdu toute sa saveur originelle. Les fans de la première heure ne jurant que par la Beth Ditto qui libérait toute la puissance de ses poumons sur des morceaux comme « 8th Wonder », « Yr Mangled Heart » ou « Bones », risquent d’être largement déçus. « A Joyful Noise » ne décolle jamais et pas un seul titre ne se distingue des autres. Du beau gâchis.
Live : 29/06 à Rock Werchter & 30/11 au Lotto Arena d’Anvers
Je l’avoue de but en blanc, découvrir Hong Kong Dong pour la première fois sur scène il y a quatre ans ne m’a pas laissé de souvenirs très glorieux. Bien au contraire (Cfr review du concert de Digitalism). J’étais ensuite parvenu à éviter le trio comme la peste, et ce, jusqu’à ce que ce disque n’apparaisse dans ma pile. Et force est de constater que le premier LP du trio gantois est à l’image de ce que j’en ai retenu : une horreur sans nom. « Sweet Sensations » ne fait pas dans la dentelle et dispense un rock mâtiné d’electro-pop et de noise, clairement influencé par des Talking Heads, Deerhoof et autre Prince. De ce mélange découle un melting-pot indigeste et chronophage qui laisse derrière lui tout sauf de ‘sweet sensations’. Les vocalises criardes noyées dans les rythmiques basiques et/ou pseudo-expérimentales du trio lassent en moins de temps qu’il n’en faut pour placer le disque dans la platine. Sans intérêt.
Le 9 juin au Beurschouwburg (Bruxelles).
Deux ans après sa parution, le second et dernier (?) album de ce trio belge issu de notre Flandre profonde, et plus précisément du terroir gantois, vient de parvenir à Musiczine.
Drivé par le chanteur/guitariste Stefaan Decroos, I do I do implique pour autres membres Jonas Tournicourt à la basse et Stephan Spriet aux drums. Cette formation n’est effective que depuis 2006. Ses membres comptent cependant déjà une belle carrière derrière eux et surtout une petite histoire à raconter dans les milieux du rock belge. Le band a publié son premier elpee, en 2007, « None ».
« More Light » lui succède en 2010, après un remaniement du line up. En effet, un quatrième larron vient rejoindre le combo, Jeff Goddard. Il se charge de la basse et permet à Jonas de reprendre son instrument de prédilection, la guitare.
Ce nouvel album aux accents rock indé et prog est une petite découverte et mérite cent fois plutôt qu’une, une écoute attentive. Alternant les passages plus rock et les instrumentaux bluesy acoustiques, I Do I Do réussit à pondre 13 plages qui alternent les moments forts et les moments calmes, les uns ne dérangeant pas du tout les autres. Réussissant une performance de choix, il est pourtant inutile de chercher à vous procurer ce disque chez votre disquaire favori, il n’y est pas. Pour la simple et bonne raison que ce cd n’est disponible que sur commande, via leur website.
Dommage qu’un groupe pareil soit resté si longtemps au frigo. Il mérite certainement davantage de crédit auprès de la presse généraliste…
Lorsque ce premier album est sorti, Young Magic était encore un trio. Depuis, Michael Italia a quitté le groupe. Un line up réduit aujourd’hui à l’Indonésienne Melati Malay et à l’Australien Isaac Emmanuel. Les onze plages de cet opus ont été enregistrées au sein de 9 pays différents. Soit en Allemagne, en Argentine, en Australie, au Brésil, en Espagne, en Grande-Bretagne, en Islande, au Mexique et aux USA. A l’instar de Yeasayer et de MGMT, les musicos ont autant recours à l’instrumentation organique qu’électronique. Deux références majeures qu’on pourrait citer, même si la musique de Young Magic possède une identité bien personnelle. D’abord, il y a ces vocaux. Envoûtants, hypnotiques, flottants, diaphanes, parfois réverbérés ou distordus, ils sont dispensés, le plus souvent, sous la forme de chœurs. Serait-ce le chant des sirènes ? Une chose est sûre, quand ils forment une boucle, ils deviennent tellement contagieux qu’il devient très difficile de les effacer de votre mémoire. Quant à la musique elle est le fruit de la rencontre entre une multitude de styles musicaux : shoegaze (l’intro « Sparkly » parcouru subtilement de cordes de guitare tintinnabulantes), de hip hop, de soul, de psychédélisme, d’électro, d’ambient et même de rythmes inspirés par l’Afrique de l’Ouest (l’électro-tribal « Yalam », l’exotique « Slip time »). Outre les vocaux, les samples, synthés, laptops et boîtes à rythmes dominent quand même le sujet. Des rythmes, en général, percutants. Dommage cette uniformité de ton. A tel point qu’aux deux tiers de l’opus, on sent un véritable essoufflement, avant que le dernier titre, « Drawing down the moon » ne vienne nous rappeler les excellentes dispositions affichées par cette œuvre, jusqu’au-delà de la mi parcours.
Young Magic est un projet initié par les Australiens Isaac Emmanuel et Michael Italia. Les deux hommes ont écumé entre 2007 et 2010 les routes d’Europe et d’Amérique du Sud avant d’atterrir à New York. Ils y croisent la route de Melati Malay, musicienne indonésienne, qu’ils intégrèrent immédiatement à leur formation. En 2011, le trio publie pas moins de quatre singles, dont les trippants « You With Air » et « Sparkly ». Des morceaux qui laissaient entrevoir de jolies choses de la part de Young Magic.
Premier constat à l’écoute de « Melt », le premier LP de Young Magic : ces trois-là en ont bouffé, du Yeasayer. Le trip initiatique du trio tente de s’ancrer dans le psyché. Bien que le saut et le plongeon d’Emmanuel et consorts soient fort efficaces, les performances des trois musiciens s’amenuisent au fur et à mesure qu’ils prennent de la distance. Plutôt que de rapprocher l’équipée de sa destination, l’horizon s’éloigne lentement de cette dernière. A mi-parcours, un Young Magic à bout de force se retrouve face à un dilemme : se laisser emporter dans les profondeurs ou dériver jusqu’au terme du parcours. Le trio opte pour la seconde option, ce qui lui laisse un léger espoir. Seul problème, plus personne ne les attend à l’arrivée…
A l’occasion de la sortie du nouvel album « Living Things », ce 22 juin, le groupe américain Linkin Park cherche un porte-parole belge afin de relayer toute l’actualité du groupe sur les réseaux sociaux et sur un blog mis à sa disposition (www.linkinpark-blog.be ).
Ce porte-parole établira le lien entre Linkin Park, les médias et les nombreux fans du groupe.
En outre, il aura la chance de partir aux Etats-Unis pour assister à l’un de leurs concerts et passer un moment en leur compagnie.
Vous avez plus de 18 ans, vous maitrisez l’anglais et êtes fan de Linkin Park ? N’hésitez pas, posez votre candidature via le site du groupe avant le 30 mai 2012.
C’est ce 28 mai que paraîtra le 6ème opus de Sigur Rós. Il a été produit par le chanteur/guitariste Jónsi et son ami Alex Somers.
Tracklisting:
1. Ég anda
2. Ekki múkk
3. Varúð
4. Rembihnútur
5. Dauðalogn
6. Varðeldur
7. Valtari
8. Fjögur píanó
Le premier single « Varuó » est à découvrir sur YouTube : http://www.youtube.com/watch?v=l_TZdqc5EpE
Ce quatuor irlando-écossais qui a migré vers les contrées branchées du London-East est la sensation pop-rock de l’année. Info ou intox, nous allons vérifier. Formé en 2009, le groupe est prêt à prendre la place de feu Beta Band, dont le claviériste (John Maclean) n’est autre que le frère du batteur-producteur de Django Django (David Maclean). Le line up implique également un chanteur/guitariste (Vincent Neff), un choriste/bassiste (Jimmy Dixon) et un synth/opérateur (Tommy Grace), ce dernier, constituant plus que probablement le cerveau du band. Originale, cette formation dilue son art-pop au sein de teintes électroniques afin d’emballer un package loin d’être indigeste.
Ce soir, la tête d’affiche entame son set très en retard. Il fait suite à celui des Bruxellois de BRNS, programmé en première partie… Monsieur le synth-opérateur opère son line-check tranquillement mais alors, vraiment tranquillement !
Lorsque le combo monte enfin sur les planches, c’est pour nous proposer la même introduction que celle de leur première plaque. Il enchaîne très vite par l’excellent « Vor » qui révèle quelques difficultés : justesse du chant, un mix un peu faiblard, une prise en main des instruments plutôt lente, …
Mea culpa, le groupe n’en est qu’à ses débuts. Ces petits soucis ne sont que passagers et probablement liés à leur manque d’assurance en ‘live’. Seule note négative puisque passé ce track, « Firewater » vient relever le niveau et le son est proche de la perfection. D’ailleurs le public en redemande. Après avoir démontré ses capacités surf-rock en conjuguant les deux voix angéliques, le quatuor nous emmène dans un monde electro-psyché, tout au long de l’excellent « Waveforms ». C’est bon, c’est parti, tout le monde avoue petit à petit que Django Django mérite son étiquette de ‘révélation 2012’. Les percussions sont omniprésentes et l’auditoire est enchanté. « Skies over Cairo » chauffe la foule, mais l’ambiance est poussée à son paroxysme sur le tube « Default ». Un dernier morceau et quelques excuses plus tard, le groupe quitte la scène… Evidement, le band n’en est qu’à son premier elpee, ce qui explique cette prestation très courte. Mais suffisante pour les pardonner in extremis, grâce à l’excellent rappel « Silver Rays » avant de leur dire ‘Bye-Bye’.
Une certitude, ce jeune (même pas 90 ans à eux 4) groupe possède suffisamment de potentiel pour vivre une longue aventure, une aventure qui devrait nous étonner encore un peu plus d’ici quelques années voire quelques mois…
C’est pourquoi, j’ai envie de leur dire ‘A bientôt !?’
(Organisation Le Grand Mix)
‘Un rêve blanc et aérien’: une phrase qui décrit parfaitement le concert accordé par Charlotte Gainsbourg et Connan Mockasin, au Cirque Royal. ‘Blanc’ tout simplement parce que la scène est décorée par une série de panneaux blancs et la tenue de tous les musiciens est immaculée. ‘Aérien’ car la musique est légère, acidulée, portée par les voix fragiles des deux protagonistes principaux.
On remarque le rôle, important, pris par l'artiste néo-zélandais dans le projet de Charlotte. Mockasin est bien plus qu'un collaborateur ; il marque de son empreinte la tonalité de toutes les chansons et se réserve même deux de ses propres compositions.
Mais reprenons le fil de la soirée. C'est par "Terrible Angels", tiré de "Stage Whisper", que commence le spectacle. Le choix de placer cette chanson, caractérisée par ses accents électro, en lever de rideau, est discutable. Nous aurions préféré qu'elle figure en fin de parcours et serve d’apothéose. Mais ne boudons pas notre plaisir ; même jouée 'à froid', elle n'en reste pas moins une excellente compo, d'une modernité remarquable!
Après cet OVNI électro, Charlotte aligne une série de titres plus 'classiques', embrassant différentes périodes de sa carrière. A l’instar de "Greenwich Mean Time" et "Me And Jane Doe" (« IRM »), "Jamais" (« 5:55 ») et même le très rétro "Ouvertures Eclairs", que Charlotte présente comme ‘un morceau composé par son père, il y a 25 ans’.
Charlotte est comme d’habitude très discrète, voire même maladroite comme quand elle laisse tomber son micro sur l’estrade ou qu'elle avoue avoir oublié son instrument de percussion. Mais ces petites faiblesses ne font qu'ajouter à son charme fragile et naturel. Elle a aussi gagné en assurance vocalement, tant en justesse que dans l'étendue de son timbre. Tranquillement, assise sur un tabouret ou debout les mains dans les poches, elle nous berce de sa voix douce. On pense tour à tour à Suzanne Vega, Heather Nova ou encore Bat For Lashes, sans oublier, bien sûr, la référence à Jane Birkin.
"All The Rain" vient ensuite nous rappeler que le dernier elpee recèle de véritables pépites. "Got To Let Go" en est un autre exemple, marqué par la référence à Nico et au Velvet Underground, mais Mockasin ne parviendra que partiellement à y reproduire la voix très ‘Reedesque’ de Charlie Finck.
Après un "Heaven Can Wait" efficace, Charlotte s'installe à la batterie pour accompagner Mockasin sur une première compo du blondinet des antipodes: "It's Choade My Dear", issu de "Forever Dolphin Love". Affichant un look angélique, Mockasin nous emmène dans son univers onirique, baigné par la douceur tropicale. Sa voix est suave et les sons de sa guitare émeraude, tout en chorus et flanger, réverbèrent des accents hawaïens. Charlotte reprend sa place devant pour attaquer, en toute logique, "Out Of Touch", la chanson que Mockasin lui a écrite, celle qui ‘leur a permis de se rencontrer’.
"Time for a cover", annonce Mockasin ! Et c'est parti pour une longue reprise d'"Ashes To Ashes" de David Bowie. Un moment marquant du concert, au cours duquel Charlotte se débrouille plus qu'honorablement au xylophone.
"Forever Dolphin Love" est une seconde chanson très psychédélique prélevée au répertoire de Mockasin et le band achève sa prestation par le très vintage "Dont Forget to Forget Me", également signé, il y a 25 ans, par Serge Gainsbourg.
En guise de rappel, Charlotte interprète le superbe "Memoir", écrit en compagnie de Conor O’Brien, avant d'enflammer la salle grâce à un très funky "Paradisco", un hit potentiel dû au génie de Beck.
Les lumières se rallument. Dommage, pas de trace de morceaux comme "Anna" ou "White Telephone" de "Stage Whisper" ou de titres plus anciens tels "The Song That We Sing", sur la setlist. On comprend la grande complicité qui existe entre Charlotte Gainsbourg et Connan Mockasin ; mais c'est pour voir Charlotte que les spectateurs ont payé leur ticket. Il convient de le rappeler...
Quoiqu'il en soit, le public est enchanté, aux anges même, d’avoir pu assister à un concert rêvé en blanc, flottant dans un univers intimiste, aquatique et mélancolique. Un concert tout en douceur, à pas feutrés... Encore une histoire de mocassins... (P.B.)
Regardez ici l'interprétation du dernier morceau du concert : "Paradisco":
Charlotte Gainsbourg et Connan Mockasin
(Organisation: le Botanique)
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Avant-dernière soirée pour les Nuits Botanique. Une édition particulièrement réussie, il faut le souligner. Ce soir, alors que le Chapiteau va vibrer sous une pluie de décibels propulsée par la formation courtraisienne Goose, dans le Grand Salon, l’ambiance sera bien plus paisible. Et pour cause, s’y produiront Peasant et Siskiyou, soit le projet de l’artiste insulaire Damien De Rose et celui de deux Canadiens, réunissant un ex (Colin Huebert) et un actuel (Erik Arnesen) membre de Great Lake Swimmers.
Le Salon est à moitié rempli ou vide, selon, pour accueillir Peasant. Le groupe s’installe au milieu de la salle. Damien De Rose, est soutenu par un bassiste et un drummer. Pas de guitariste ; il a été récemment victime d’un accident. Le set s’ouvre par quelques compos issues du nouvel elpee, paru en avril dernier, « Bound For Glory ». Puis le backing band se retire pour laisser la place à De Rose. Il interprète plusieurs morceaux, en s’accompagnant uniquement à la gratte acoustique. Quoique fluette, sa voix est bien maîtrisée et étonnante. Mais son récital manque de punch, et peu à peu, l’auditoire sombre progressivement dans l’ennui. Heureusement, en fin de parcours, son backing band refait surface. De quoi sauver les meubles d’un set finalement guère transcendant.
A 21h, Siskiyou prend le relais. Signé sur le label montréalais Constellation, le groupe avait publié un excellent second opus, il y a quelques mois. Fondé à Vancouver, le combo s’inscrit parfaitement dans l’esprit de la nouvelle scène canadienne. Pas pour rien que ses influences oscillent d’Arcade Fire à Silver Mount Zion en passant par Great Lake Swimmers. Ce qui n’est pas étonnant en ce qui concerne la bande à Tony Dekker, pour les raisons évoquées dans l’intro. Outre ses deux leaders, Siskiyou a entraîné dans sa tournée deux autres musicos. Et pas des manchots. D’ailleurs, ce sont tous des multi-instrumentistes à la technique impressionnante. Passant notamment de la gratte au banjo, de la basse au mélodica ou encore, et à plusieurs reprises, des drums à la guitare, sans la moindre difficulté. Sans oublier les vocaux qu’ils maitrisent à merveille. Et quand ils se conjuguent en harmonie, on en attrape la chair de poule. La setlist est constituée de titres issus du dernier elpee, « Keep Away The Dead » ; mais tout au long du concert, Siskiyou va avoir le bon goût d’alterner titres plus ‘expérimentaux’ et chansons davantage mélodiques, à l’instar des splendides « Fiery Death » et « Revolution Blues ».
Et si ce deuxième acte s’est déroulé devant un auditoire presque vide, les quelques personnes présentes au set de Siskiyou n’ont pas regretté le déplacement. Que du bonheur !!! (B.)
Peasant + Siskiyou
(Organisation Botanique)
Perfume Genius n’en finit plus de séduire. Michael Stipe est même tombé sous le charme de sa musique. Une nouvelle bonne raison pour découvrir son nouveau single "Dark Parts" et sa vidéo sur YouTube.
Après avoir été une des têtes chercheuses des Troublemakers, entité pionnière de la house made in France, Oil poursuit ses aventures qui avaient débuté fin du siècle dernier à l’aide d’un sampler et d’une pile de disques, en cherchant les racines du groove pour élaborer un son dense et minimal entre électronique pointue, breakbeats et racines soul/jazz.
Afin de concocter ses « Black Notes », Oil a embarqué dans son voyage une foule d’invités dont Gift Of Gab de Blackalicious, Reggie Gibson, Magic Malik, Sam Karpienia, PO Box.
Pour regarder la vidéo de Black Notes c’est ici
Les organisateurs nous proposent une affiche très éclectique ce soir! Elle propose des talents confirmés, comme, par exemple, Absynthe Minded mais aussi des découvertes intéressantes, particulièrement Rover.
C'est Roscoe qui monte le premier sur les planches dans un Chapiteau déjà bien rempli. Il faut dire que le premier album de ce groupe belge ("Cracks") est en 'heavy rotation' sur PureFM et de nombreuses stations de radio. En toute simplicité et sans fioritures, les musiciens vont installer une ambiance très calme et douce, une pop aérienne élégante et remarquablement bien arrangée. En termes d’influences, on citera The National, Tindersticks, Coldplay (période acoustique) ou encore Elbow. Les musicos ont un look très nature et jouent sur scène de façon très décontractée. Notons que, par moments, l'intensité montera d'un cran, particulièrement pendant "Things To Solve", un brûlot dont les accents sont empruntés à Muse. Pour le reste, on retiendra surtout l'excellente interprétation du hit "Ennemies", mais aussi du magnifique "Moment Of Grace". C'est en effet un moment de pure grâce que nous a offert ce combo très attachant! Regardez ici un extrait de leur interprétation d'"Ennemies". (http://youtu.be/rNZed7H3DMw )
Mais il est temps de changer de salle pour aller voir Rover dans l'Orangerie. Egalement un poulain de l'écurie Pias, Rover a suscité un 'buzz' important, principalement suite à l'impressionnant showcase privé donné à l'Archiduc de Bruxelles. Nombreux étaient ceux qui étaient impatients de découvrir ce ‘nouveau Bowie’. Français expat' répondant au nom de Timothée Régnier, il a littéralement enchanté son auditoire. Tout d'abord, il y a son look unique. Un visage de gros bébé joufflu un peu espiègle, des cheveux en bataille et un gabarit taillé dans une armoire à glace. Mais c'est surtout sa voix qui étonne. Aussi à l'aise dans les graves que les aigus, son timbre évoque en effet Bowie, mais également Dylan et Matthew Bellamy (Muse), tout en révélant d'emblée une très forte personnalité artistique.
La musique est le fruit d’un mélange torturé et hypnotique entre folk et rock, plongé au cœur d’une ambiance mélancolique et un peu sombre. Le premier morceau est interprété seul à la guitare mais ensuite, il est rejoint par une formation complète et des petites perles telles que "Queen Of Fools" ou "Aqualast" acquièrent ici une dimension nouvelle. Entre deux chansons, il confesse adorer jouer en Belgique. ‘Je me sens un peu Belge: j'aime la vie...’ Une fan crie alors ‘... et les frites!’ ; ce à quoi Timothée répond avec humour: ‘Ca se voit!"’ en référence à son imposant gabarit...
Plus tard, Rover s’assied derrière le piano pour interpréter en solitaire une magnifique version de "Silver". Le concert se termine ensuite de la meilleure manière, grâce un "Tonight" très énergique. Au vu des réactions enthousiastes du public, on peut dire que Rover a fait mouche! Ce 'grand corps sensible' est bien parti pour devenir un 'grand' tout court et nous pourrons dire que nous avons assisté à ses débuts! Regardez ici "Tonight", un superbe moment! (http://youtu.be/TyrvLjhb2yg)
Pendant ce temps-là, sous le Chapiteau, Stereo Grand, un groupe belgo-écossais, assure de jolie façon la transition entre Roscoe et Absynthe Minded. Stereo Grand réunit des musiciens issus d'univers aussi différents que le métal, le rock, la pop et la techno. Evoluant au sein d’un univers pop-rock électro, il me rappelle Bowie (encore) mais aussi Oasis, Radiohead ou encore Daan. Jean-Philippe Risse, le 'frontman' a d'ailleurs un petit côté Daan, vu son look : lunettes noires, costard et pantalon blanc. Rodger Hughes, l'Ecossais de la bande, est un multi-instrumentiste talentueux et l'ensemble du collectif est d'un très bon niveau. L'ambiance générale est assez festive et c'est bien évidemment leur hit "Yeah Yeah", tiré de leur premier Ep "I'm Coming Home", qui aura le plus d'impact sur le public. Voyez l'enregistrement vidéo ici. (http://youtu.be/aSDU1M977JY) Au vu des inédits interprétés, notamment "Invisible Room", on est impatient de découvrir leur premier album, qui devrait sortir dans les prochaines semaines.
Un rapide coup d'œil dans l'Orangerie pour assister à la fin du concert d'Ewert and The Two Dragons, quatre Estoniens qui proposent des compositions pop-folk chaleureuses et entraînantes, une sorte d'indie-folk. Leurs cheveux blonds et leurs yeux très clairs leur confèrent une physionomie bien nordique. La musique évoque Hothouse Flowers et donne envie de découvrir leur nouvel opus : "Good Man Down".
Il est 22 heures et sous le Chapiteau, c'est l'heure de la tête d'affiche, Absynthe Minded, un groupe belge au talent déjà bien confirmé, qui vient présenter son nouvel album: "As It Ever Was". On remarque immédiatement cinq imposantes lampes de photographe disposées au dessus de la scène. L'ambiance est électrique et l'on sent bien que la foule très compacte est venue pour découvrir le nouveau spectacle de ce prodige de Bert Ostyn.
Après une intro électro aux sonorités arabisantes, le groupe déboule sur scène pour interpréter leur mélange si particulier de rock aux accents manouches, voire même jazz. Les influences vont de Led Zeppelin à Frank Zappa et la voix de Bert, cristalline, évoque tour-à-tour Bob Dylan ou Tom Petty. Mais ce qui fait surtout la signature du groupe, c'est l’utilisation d’instruments acoustiques (violon, contrebasse…) et un son carrément vintage, voire lo-fi, comme sur le très gypsy "Crosses". "Picture In A Frame" baigne au cœur d’une ambiance bluesy et on pense au "Moon Of Alabama" des Doors: fun! On passe ensuite à l'excellent "Envoi", caractérisé par son riff à la Dylan.
Le son est parfait et le public réagit très bien, même si Bert est un showman relativement discret. Sur "Plane Song", le son devient plus 'heavy' et, juste pour me contredire, Ostyn se fend même d'un solo de guitare au bord de la scène. Place ensuite au nouveau single, "Space", qui s'ouvre par une ligne mélodique au piano immédiatement reconnaissable: un hit assuré! Regardez ce moment dans la vidéo. (http://youtu.be/FFwR01rX95Y) "End Of The Line" est tout aussi immédiat et le concert se termine sur la plage titulaire du dernier elpee. Le groupe reviendra pour jouer deux chansons en rappel et clôturer une prestation en tous points exemplaire. Absynthe Minded est au sommet de son art et ce sont les absents (les Absynths?) qui ont eu tort!
Un dernier tour du côté de l'Orangerie pour les deux dernières chansons du concert de Revolver, un groupe français très sympathique, qui propose des mélodies aux accents rock, pop et folk. Fait intéressant, la présence d'un violoncelle, qui communique une note davantage romantique aux morceaux plus calmes. Justement, la musique en live est, semble-t-il, plus musclée, plus énergique que sur disque ; et si on se réfère à la fin du concert, le groupe a réussi à mettre une très bonne ambiance, comme en témoigne la vidéo du dernier morceau, leur hit "Wind Song". (http://youtu.be/Ya0ef0Hi9uw)
Ainsi se termine une excellente soirée, illuminée par la musique de formations très attachantes: à nouveau une programmation impeccable de Paul-Henri Wauters et son équipe. Le Bota, t'es beau, toi!
(Organisation Botanique)
Roscoe + Stereo Grand + Absynthe Minded (Chapiteau)
Rover + Ewert + The Two Dragons + Revolver (Orangerie)
Pour ce jeudi d’Ascension, l’Orangerie, dans le cadre des Nuits Botanique, accueillait l’Anglais Baxter Dury, quelques mois après son passage à la Rotonde. Une excellente occasion pour celles et ceux qui avaient manqué son set, de découvrir la transposition de son dernier opus, l’excellent « Happy Soup », en live. Avant de goûter à la pop de l’artiste insulaire, les organisateurs ont programmé deux groupes belges : Oh Burgundy et Leaf House.
L’Orangerie est étonnamment bien remplie lorsque le duo Oh Burgundy monte sur l’estrade. Il est 20heures. Pourtant dehors, le soleil est encore généreux. Un temps idéal pour siroter un verre sur la terrasse. L’un des deux musicos se réserve le synthé. L’autre, la guitare. Le tandem bruxellois pratique une musique atmosphérique, balisée par leurs vocaux et leurs chœurs. Et on se laisse volontiers entraîner au sein de leur univers mélancolique balayé de mélodies émouvantes. On leur reprochera sans doute un manque de puissance. Ce à quoi la paire a assuré remédier en remplaçant, dans un futur proche, la boîte à rythmes par un véritable drummer. Une réserve qui n’a pas empêché le public de marquer sa satisfaction, au bout d’une demi-heure de prestation.
A 21h, c’est au tour de Leaf House de débarquer sur le podium. Il y a quelques mois, les Liégeois avaient assuré le supporting act d’Active Child. Et ils étaient n parvenu à convaincre l’auditoire. Ce soir, ils vont tenter de confirmer tout le bien que l’on pense d’eux. Le groupe est bien en place. Leur psyché/rock navigue quelque part entre Animal Collective et Yeasayer. Vu la qualité des compos, le set semble sur rails. Mais au fil du temps, une certaine lassitude commence à nous envahir. Motif ? Le band ne parvient pas à passer à la vitesse supérieure. Le drummer porte, à cet égard, une bonne part de responsabilité. Il faudra d’ailleurs attendre la fin de parcours et la présence de percussions pour déceler un regain d’énergie dans leur expression sonore. Le band vide les lieux vers 21h40.
Le temps de prendre une petite collation et retour dans la salle pour assister au spectacle de Baxter Dury. Ses musiciens montent sur les planches (un drummer, un guitariste, un préposé aux synthés et un bassiste). Ils sont suivis de très près par leur leader. On ne peut se tromper, c’est bien un Anglais : il est vêtu d’un costard et porte une bière à la main. Le concert s’ouvre par un titre issu de son second opus. Le son est parfait, la voix du crooner resplendissante. Il embraie par quelques morceaux extraits du dernier album, « Happy Soup ». De « Isabel » à « The Sun », toutes les plages (ou presque) y passent. Dury a un don inné pour chauffer le public. Il s’en amuse même. Cependant, le chanteur sait aussi se faire plus grave, et notamment lors de l’interprétation du titre maître de son dernier elpee, « Happy Soup ». Baxter a troqué son jus de houblon par du bourbon. Ce qui n’empêche pas le set d’être en tous points parfaits.
La troupe quitte l’estrade vers 22h50, pour y revenir quelques minutes plus tard, sous les acclamations nourries des spectateurs. Le temps d’interpréter deux derniers morceaux dont l’excellent « Cocaine Man », stimulé par un solo de guitare survitaminé ! A 23 heures, le team tire sa révérence. Bilan de la soirée : outre les deux combos belges à suivre de très près, on a vécu une véritable démonstration signée Baxter Dury.
Oh Burgundy + Leaf House + Baxter Dury
(Organisation Botanique)
Le Magasin 4 (www.magasin4.be ) est situé Avenue du Port à Bruxelles. C’est le long du canal, près de Tour et Taxis. Le parking est aisé. Les prix démocratiques. Il s’agit d’un ancien hangar qui a été totalement réaménagé. Pendant 15 bonnes années, la salle était située rue du Magasin, au n°4. Le nom a été conservé, malgré l’année sabbatique inévitable qui a suivi le déménagement. La programmation y est très variée et alternative (Hardcore, Funk, Punk, Métal, Rock Alternatif, Ska, Pop, Ragga, Reggae, Musiques Expérimentales, Chanson Française, Jazz et moult fusions originales), mais pas inintéressante. Elle sert d’abord même de tremplin ou de découverte. S’y produisent également des artistes et des groupes injustement méconnus du grand public, dont les aficionados sont restés fidèles. C’est le cas d’And Also The Trees. Née en 1978, cette formation insulaire sillonne souvent le Vieux Continent. En août 2010, elle avait accordé un concert ‘unplugged’ de toute beauté, à l’Abbaye de Forest, mais surtout le 25 novembre 2007, un set exceptionnel, à la Rotonde du Botanique, pour défendre son remarquable album « (Listen for) the rag and bone man »… Mais place à la prose d’Akim Serar pour nous parler de cette belle soirée. (B.D.)
C’est un pays imaginaire, une contrée fantastique où l’on croise des êtres hors du commun, aux noms étranges et aux histoires atypiques.
Ils se nomment Red Valentino, Prince Ruppert ou simplement la fille à l’accordéon.
Une lande balayée par les vents, qui s’éveille chaque matin dans d’épaisses brumes, où les hivers sont rudes et les étés doux.
Un endroit où le temps semble perdre toute emprise, épargnant les plus jolies fleurs.
Un lieu où l’océan aime à rugir, comme animé par le chant des sirènes qui l’habitent.
Parcourant les monts et vallées depuis maintenant plus de trente années, And Also The Trees sont les troubadours de ces vastes étendues sises quelque part entre Albion et le pays des fées.
Trente-trois années pendant lesquelles, la voix et la guitare des frères Jones ont tissé les contours de ce monde qui se devine derrière un voile sombre et mélancolique.
Forcément, le parcours était semé d’embûches, et bien peu auraient osé miser un shilling sur la carrière de ce groupe mésestimé dans sa propre Angleterre et adoré outre-Manche par quelques cohortes d’obscurs corbeaux encore trop attachés aux oripeaux gothiques ou new wave.
Mais bien loin des clichés et surtout des modes, le groupe originaire du Worcestershire a su se réinventer, et passer outre un passage à vide que beaucoup voyaient comme le signe du déclin.
Après avoir revisité son répertoire en mode acoustique, le moment est donc venu pour AATT de se rappeler fièrement à ses disciples, par le biais d’un nouvel album (« Hunter, not the hunted », voir chronique ici ) qui prouve, si besoin était, que le talent et la passion cohabitent toujours dans la caboche de ces deux frères aux chevelures si différentes.
De retour sur nos terres en ce jeudi d’Ascension (signe divin de leur retour au sommet ?), le quintet s’apprêtait à livrer une prestation de haute volée dans un Magasin 4 fort bien rempli.
Mais d’abord, l’occasion était donnée aux (très) jeunes Thieves Of Silence de prouver que l’héritage de la Cold Wave pouvait être assimilé par de jeunes pousses nées dans les années Grunge.
Sur le son calibré d’une boîte à rythmes martiale, les quatre éphèbes offraient un set d’une étonnante maturité, aux sonorités certes datées (le clavier de l’oncle Sumner, l’effet Flanger piqué à papa Smith, …) mais avec panache et conviction.
Le contraste entre ses frimousses pubères aux gestuelles étudiées devant la glace et l’impressionnante maîtrise affichée, étant des plus surprenantes.
De quoi patienter avant la messe tant attendue.
Qui comme un nuage de brouillard se faufilant parmi le public massé au devant, commençait sur les premières notes de « Domed », réservant une entrée théâtrale à Simon Huw Jones.
Quoi de plus normal, pour ce chanteur au style racé d’acteur Macbéthien ?
Faisant la part belle à l’album « (Listen For) The Rag And Bone Man » et bien sûr au dernier opus, le concert de ce soir soulignait combien l’électricité sied bien à cette troupe qu’on imagine pourtant plus facilement à la lueur tamisée de cierges se consumant lentement sur quelques vieux chandeliers.
Nullement avare, And Also The Trees s’offrait à ses nombreux fans de la première comme de la dernière heure, avec bonheur.
Quelques titres plus anciens (« A Room Lives In Lucy » et bien sûr l’incontournable « Virus Meadow » en rappel, mais point de « Slow Pulse Boy », comme pour stigmatiser le désir de les revoir au plus vite) venant balancer parfaitement la cohérence d’une carrière hors des sentiers battus.
Et sans effet de style ou de maniérisme déplacé, ils s’en sont allés, comme la mer se retire sur une plage toute abandonnée à ses caresses. (A.S.)
A l’issue du set, votre rédac’ chef, également présent, avait aussi quelques réflexions à émettre. D’abord, le début de concert, était un peu trop brouillon à mon goût. Il a, en effet, fallu quatre ou cinq titres, avant que l’ingé ne trouve le bon équilibre. Mais il est vrai qu’à partir de ce moment, on s’est laissé emporter par les vagues sonores qui ont déferlé, poussées par une houle bien insulaire, sur les falaises de nos tympans…
Autre constatation, les attitudes de Simon. Je ne sais pas pourquoi, mais elles m’ont rappelé celles adoptées par Jim Morrison, il y a plus de quatre décennies. En outre, depuis qu’il s’est rasé la barbe, l’aîné des frères Jones affiche une certaine ressemblance physique avec feu le leader des Doors.
Préposée aux claviers, Emer Brizzolara se consacre davantage au dulcimer. Ce qui confère une sonorité plus orientale aux compos d’AATT.
Le toucher de guitare si caractéristique de Justin est intact. Notre photographe du jour et collaborateur de longue date Vincent (voir ses clichés ici) s’est ainsi rendu compte de l’influence de sa technique sur de nombreux gratteurs. Même contemporains.
Enfin, la formation a eu la gentillesse d’accorder deux rappels conséquents. Et les aficionados ont vraiment apprécié ce geste de générosité. (B.D.)
Organisation : Les Fruits De La Passion
(Voir aussi notre section photos ici )
Alors que le dernier album de Papier Tigre vient tout juste de tomber dans les bacs, l’infatigable Eric Pasquereau remet le couvert. Mais en solitaire. The Patriotic Sunday constitue son projet solo. Le Nantais y développe un folk-rock qui aurait pu sortir tout droit du Sud des States. Son math rock ? Il le réserve à Papier Tigre. Pour enregistrer ce long playing, il a quand même reçu la collaboration de quelques potes afin de gratter, assurer les percussions ou participer aux chœurs.
Dès les premiers accords, les influences sautent aux oreilles. Elles sont yankees. Et puisées essentiellement chez Pavement et Silver Jews. Le jeu de guitare est décousu et la voix de Pasquereau rappelle un peu celle de Malkmus. Néanmoins The Patriotic Sunday ne constitue pas une pâle copie de ces formations étasuniennes. En effet, le Français y ajoute sa patte ; et en l’occurrence ces ruptures rythmiques si caractéristiques. « Grey Hair » en est un bel exemple. « Actual Fiction » alterne titres rock et plus paisibles. Une plage sort pourtant de l’ordinaire : « Everyman’s Voice ». A cause du recours à la boîte à rythmes et au vocodeur.
Responsable de mélodies à la fois recherchées et entêtantes, Eric est un excellent songwriter. Que ce soit chez Papier Tigre ou The Patriotic Sunday, il le démontre parfaitement. Il parvient même à passer d’un style à l’autre, tout en ajoutant sa touche personnelle. Celle qui fait finalement, la différence.
Bien que concédant un patronyme à consonance nippone, Pinkunoizu ne nous vient pas du Japon. La formation est établie à Berlin, mais n’est pas davantage allemande. Elle est issue de Copenhague. Donc du Danemark. Un contexte idéal quand on veut brouiller les pistes.
Le premier opus de Pinkunoizu porte, néanmoins, un titre adéquat : « Free Time ! ». Si la musique baigne au sein d’un climat psychédélique, pour ne pas dire schizophrénique, elle se révèle particulièrement originale. Elle nous tient même en haleine du début à la fin de l’opus. Ainsi, sur les huit pistes de l’elpee, Pinkunoizu brasse tour à tour electronica, folk, rock et même un chouia de free-jazz. Imaginez un peu une rencontre hypothétique entre Animal Collective et Tunng. Et encore, la comparaison est réductrice. Plusieurs plages nous entraînent sous le soleil exotique (« Parabolic Delusions », « Somber Ground »), et d’autres sous les ombrelles des geishas (Death Is Not A Lover »). Et si parfois on a l’impression d’être un peu perdu, au sein de cet univers multicolore, ce n’est pas sans en goûter toutes les saveurs…
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