Jean-Sébastien Nouveau (Immune, Recorded Home) a baptisé son projet Les Marquises, c’est-à-dire en choisissant pour patronyme le dernier album studio publié par Jacques Brel. Un projet qui sort de l’ordinaire, il faut le reconnaître. Au départ, le Français s’est inspiré d’une série de BD en treize volumes signées par par Henry Darger, un auteur halluciné qui a passé son existence à bosser dans les toilettes d’un hôpital, au sein desquelles il a fini sa vie, oublié de tous. Après avoir lu cette œuvre, Nouveau entre alors en contact avec Jordan Geiger (Minus Story, Hospital Ships, …) dont il est un grand admirateur. A sa grande surprise, l’Américain accepte de prêter sa voix au projet. Débute alors un travail de longue haleine. Grâce à Internet, les fichiers survolent l’Atlantique, du Vieux au Nouveau Continent, et vice-versa. Les morceaux prennent finalement forme pour finalement aboutir finalement à la conception de ce « Lost, Lost, Lost ».
Vu les prémices de cette aventure, Les Marquises ne pouvait pas accoucher d’un concept habituel. Et effectivement, « Lost, Lost, Lost » baigne au sein d’un univers sonore planant et ténébreux. L’opus s’ouvre en douceur. Mais progressivement, les nappes de claviers entrent en scène, exercent leur pouvoir hypnotique, avant de nous entraîner, finalement, dans un précipice psychédélique et expérimental. Parfois, lorsque les plages se dépouillent, la voix écorchée de Geiger remonte à la surface. Des références ? Radiohead voire Boards of Canada ; mais elles sont insuffisantes pour décrire ce projet halluciné et introspectif. Ce périple fantastique, imaginé dans le cerveau d’Henry Darger, artiste complètement fêlé, mais terriblement créatif, a été superbement mis en scène par Les Marquises.
« Lost, Lost, Lost » est une œuvre à savourer tant pour sa beauté que pour son univers étrange. Ne vous laissez cependant pas intimider par l’ampleur de l’œuvre (quatorze morceaux d’une moyenne de 5 minutes), elle vaut le coup.
On ne peut pas dire que l’écurie Fakto Records réunisse des pur-sang. Ce serait même plutôt des canassons. Miser sur la découverte de nouveaux talents est louable. Dénicher la perle rare, c’est beaucoup plus difficile. Cependant, le label vient peut-être de recruter le poulain susceptible de devenir un étalon.
The Link est un groupe bruxellois fondé 2007 et « The Virtue » constitue son premier album. Et pour un coup d’essai, le combo a décidé de frapper fort. La mise en forme est tout simplement parfaite ; difficile d’ailleurs de croire que ses membres ont assuré ce travail du début à la fin. Enfin, il faut tout de même préciser qu’ils ont bénéficié des oreilles expertes d’Alan Douches (Mastodon, Dillinger Escape Plan, Converge), pour le mastering.
« The Virtue » montre les dents d’entrée. Violence et agressivité sont au programme. Les influences de Mastodon et de Dillinger Escape Plan sont clairement perceptibles. The Link pratique un mathcore, limite hardcore, bien charpenté et d’une grande maturité. Ce n’est qu’à mi-parcours que l’opus nous réserve un peu de répit. Notamment lors de l’incorporation d’une étonnante marche funèbre sur « Daydream Milk and Genocide». Mais de cet elpee, j’épinglerai surtout, l’excellent « Rouge Ecarlate ».
Tout n’est cependant pas parfait sur ce disque. Et notamment les vocaux. Gueuler ou chanter ; entre ces deux rôles, le chanteur devra choisir. Et puis il y a cette ignoble pochette. M’enfin, ce « Virtue » ne manque pas d’allure. Et il redore le blason d’un label auquel, je ne croyais plus. Faudra maintenant attendre la suite. N’empêche, The Link est un groupe à suivre de près. Et pour celles ou ceux que ce style intéresse, la formation se produira le 4 décembre, au Magasin 4. Pogos et slams assurés !
Un ovni que ce deuxième album de Loka. Cinq ans après « Fine Shepperds », le duo originaire de Liverpool nous réembarque dans son univers intemporel.
« Passing Place », sorti le 28 novembre, est paru sous le label Ninja Tunes, auquel on doit notamment la découverte de The Cinematic Orchestra, Amon Tobin et The Herbalizer. Le tandem psyché (Karl Webb et Mark Kyriacou) revisite l’ambient et le down-tempo dans un savant mélange de jazz avant-gardiste, de classique, de rock et de musique de film.
On a l’impression tantôt de se promener dans un feuilleton policier des années 70, tantôt de se déplacer dans un projet cinématographique empreint de beaucoup de lyrisme. Car c’est une véritable histoire qu’ils nous racontent au fil de leurs douze titres évocateurs. Difficile donc de parler de cette œuvre sans parcourir les différentes plages, comme on feuilletterait un livre.
Le bien nommé titre d’ouverture, « Entrance », capte d’emblée l’attention tant il intrigue et secoue. Tout au long de l’instrumental « As the tower falls », on se retrouve plongé dans un James Bond de l’époque. Mais ce n’est que pour être propulsé ensuite dans une ambiance atmosphérique, planante et… aquatique. Et on ne peut s’empêcher, au gré des variations de ton, de rythme et d’intensité, de penser aux quatre éléments (pistes 3 et 4). « Sam Star », particulièrement inspiré, évoque les paradis artificiels. Assurément, le morceau phare de cet album, « The beauty in darkness », dégage une force et une puissance inquiétantes qui font penser à Dead Can Dance ou Björk pour la voix. Les chants d’enfants qui suivent symboliseraient-ils la part de lumière dans les ténèbres?
Après ces questions et ces bouleversements « Temporary external » marque un retour au calme. Puis, « The sound stars make » et ses accords épurés au piano émeut, immanquablement. Traversé par une voix presque extraterrestre sur fond de cloches et d’ambiance sinistre, « Attrition exposed » semble sonner le glas. « No water » nous téléporte de l’autre côté du miroir, à la découverte de ce qui nous attend au bout du tunnel, dans la lumière aveuglante. Et, à en croire « Mirror image opposite », on peut se réjouir ! Le disque se clôture sur une note positive et optimiste de renaissance, d’éblouissement, d’ivresse presque. « Exit » déroule ses notes symphoniques pour accompagner le générique de fin.
Difficile d’accès de prime abord, « Passing Place » nous emmène en voyage à chaque nouvelle écoute.
Le titre de l’album m’a flanqué des sueurs froides : « Tectonics » ; et j’ai craint, un instant, de devoir me farcir un horrible genre musical qui a sévi dans nos contrées, il y a peu… Mes frayeurs se sont heureusement rapidement estompées. Cet opus y navigue à des années-lumière…
The Malpractice, c’est le projet du Danois Johannes Gammelby, dont le cerveau en constante ébullition lui a permis de publier une multitude de disques, sous le patronyme de I Am Bones ou Beta Satan (NDR : au sein duquel, il est le ‘crieur’ de service. Et « Tectonics » constitue le premier elpee concocté sous son nouveau pseudo, imaginé après un échange musical opéré en compagnie de Claus Johansen des Figurines. Une discussion à propos de leur amour commun pour les mélodies ainsi que leur passion pour la pop moderne et la r’n’b. Imaginez donc une sorte de Justin Timberlake indie ! Difficile en effet de résister aux mini-hits électro-rock dansants et tranchants que sont « Oh, the Irony » ou « Boss Station ». Bien sûr, la plupart des compos sont extrêmement légères, et puis certaines souffrent de certaines fautes de goût, à l’instar de l’horrible « Fault Lines », aux relents soufflés par Marilyn Manson. Mais The Malpractice ne dénote absolument pas au sein de cette scène pop danoise, aujourd’hui particulièrement vivace… .
Décidément, il ne se passe pas une semaine sans l’apparition d’une nouvelle formation ou d’un nouveau projet musical belge. Milann & Laloy, comme son nom semble pourtant l’indiquer, n’est pas un duo ! Non, non, ils sont même quatre, étonnant, non ?
A tout seigneur tout honneur, commençons donc par les deux figures de proue : Didier Laloy et Milann Lafontaine. Ce sont véritablement les deux moteurs de ce ‘quatre places’ ; le premier se consacre à l’accordéon, où il est quasi-omniprésent et le second à la guitare ainsi qu’au chant. Ils se partagent également le travail d’écriture et de composition des quinze titres réunis sur leur (déjà) second album. Efficacement mais discrètement secondés par Didier Fontaine aux drums et Thierry Rombaux à la basse, ils reçoivent également un coup de pouce d’un certain Philippe Lafontaine (parent lointain ?), responsable de quatre textes mais également partie prenante en ce qui concerne la partie vocale sur « Tu me danses 2.0 ». On épinglera encore deux autres collaborations, Séverine Crayon qui prête également ses cordes vocales sur « Quand mère nature se fâche » et Luc De Vos qui interprète… en néerlandais « Waar is het zwembad ». Drôle, non ?
Une autre particularité de cet album, c’est que bien que répertorié en pop/rock, il recèle cinq plages interprétées dans notre seconde langue nationale, deux dans le dialecte issu du nord de notre pays et sept en anglais. La quinzième, une seconde version de « Tu me danses », est totalement anecdotique…
Le fils du papa de « Cœur de loup » a vraiment hérité des gênes de son père : même facilité de composition de ballades, musicalité et mélodies entraînantes. Sur cet héritage viennent se greffer de façon efficace et pointue les partitions d’accordéon qui font plus que participer à l’accompagnement musical. Elles régulent véritablement la partie musicale des titres qui sont habillées de ces sonorités si particulières du piano à bretelles.
Voguant allègrement entre plusieurs eaux, le ‘quatre places’ surfe sur toutes les crêtes qui se présentent : rock, folk, pop, tango, tout en gardant toujours le cap.
Dans l’ensemble, l’opus est assez convaincant, quelques titres sortant toutefois du lot. Et, serait-ce un effet du hasard, les plages issues de la plume de papa sont diablement plus rythmées et accrocheuses (« Reste d’ivre », « Dès que je te vois »et le déjà cité « Tu me danses »).
Ah, les papas ont toujours quelque chose à transmettre à leurs rejetons, toujours, tout le temps, partout !
Faudrait pas s’en priver, même si un jour, va vraiment falloir voler de ses propres ailes… En attendant, savourez ce beau disque rafraîchissant et original, résultat d’une rencontre étonnante entre un songwriter talentueux et un accordéoniste au potentiel surprenant !
A la première écoute du « Soul Is Heavy » de Nneka, on croirait avoir affaire à une version mieux produite de son « No longer At Ease » de 2008. Si la chanteuse nigérienne nous avait laissé une impression relativement bonne il y a trois ans, ce n’est pas vraiment le cas ici. Dans un souci de toucher un public plus large, Nneka perd un peu de son authenticité et livre des morceaux insipides tels que des « Shining Star », « Valley » ou « Restless » qui feraient moins tache au sein d’un disque de Corinne Bailey-Rae. A moins de totalement adhérer au style de la jeune femme, la galette paraît interminable. D’aucuns pointeront du doigt le nombre inutilement élevé de morceaux qui composent cette dernière. Pourtant, « No Longer At Ease », qui n’en contenait pas moins de 16, tirait son épingle du jeu. Mais « Soul Is Heavy » comporte bien trop de lourdeurs pour être passionnant de bout en bout. C’est donc sur scène que Nneka devra faire ses preuves. Rdv à Couleur Café 2012 ?
Oh Land ! Cette exclamation cadre à merveille avec la bonne santé de la scène musicale danoise. On peut même ajouter qu’elle est en effervescence. Après The Kissaway Trail, Iceage, Figurines et Efterklang, Oh Land a donc décidé de conquérir le reste du Vieux Continent. Et la Belgique, tout particulièrement ; d’ailleurs le concert de Nanna Øland était sold out, en novembre dernier, lorsqu’elle s’est produite au Botanique de Bruxelles
Il y a quelques années, la jeune femme était encore danseuse classique. Et une blessure au dos l’a contrainte à renoncer à sa passion. Pour embrasser celle de nouvelle égérie pop. Et ma foi, cette reconversion, elle ne l’a pas trop mal réussie. Suffit d’écouter son second elpee pour en être convaincu. Eponyme, il a reçu le concours de Dan Carey (Hot Chip, Franz Ferdinand, The Kills) et Dave McCracken (Depeche Mode, Beyonce), à la production. Et il regorge de morceaux électro-pop efficaces et bien construits, bien que très peu originaux, dans la lignée de Florence & The Machine, Lykke Li, La Roux et Kate Nash. Véritables hits en puissance, « Son of a Gun » et « White Nights » en sont de parfaits exemples. Mais ils sont rapidement périssables ? Mais profitons-en, car comme ils viennent du pays des contes d’Andersen, ils sont imparables et bourrés de charme…
En ces temps difficiles où quelques déceptions ont émaillé nos dernières écoutes, on se réjouissait à l’écoute d’un nouvel album de Scorpions. Et pourtant, on se demande encore ce qui a poussé le venimeux groupe vétéran à se soumettre à tel exercice. Sans être véritablement génial, « Sting of the Tail », présenté comme un album d’adieu, avait au moins la qualité d’apporter du sang non seulement neuf, mais surtout bien lourd, comme à la grande époque. « Comeblack », malgré ses apparences trompeuses, n’est pas un véritable nouvel opus de la bande à Klaus Meine. A moitié constitué de grands classiques réenregistrés, y figurent aussi des reprises de titres écrits dans les années 60.
Peu à l’aise sur le « Ruby Tuesday » des Stones, et complètement à côté de la plaque sur le « Children of Revolution » de T. Rex, le combo évolue avec bien plus d’aisance sur le standard des Kings « All Day And Out Of The Night ». Quant à « Tainted Love », ce titre appartient définitivement à Soft Cell (NDR : en fait, signé par Ed Copp du groupe The Four Preps, il a d’abord été popularisée en 1964 par Gloria Jones, avant d’être traduit en hit planétaire par le duo Marc Almond/Dave Ball). Il aura fallu, avant l’audition de ces reprises en demi-teinte, se farcir sept des plus grands hits de Scorpions, dans des ‘nouvelles’ versions. Et on reste bouche bée devant une telle initiative, car il est évident que des classiques comme « The Zoo », « No One Like You » et « Blackout » n’ont pas besoin de lifting. La puissance de feu de Scorpions est largement reconnue dans la famille metal. Mais la voix de Klaus Meine, même si elle demeure une des plus belles des groupes catalogués hard rock eighties, ne s’est pas améliorée au fil des décennies, et cela s’entend dès les premières mesures de « Rhythm Of Love ».
S’agit-il de la dernière piqûre des valeureux Teutons ? Si c’est le cas, elle n’a pas grand-chose de venimeux.
« Our withers unwrung » constitue le troisième album de September Malevolence. Il fait suite à « After this darkness, there’s a next », paru il y a déjà trois ans. Un elpee qui navigue en eaux troubles, quelque part entre indie-rock et post-rock. Et c’est ici que le bât blesse, car le trio suédois ne parvient jamais à garder le cap. Au sein de ses compos relativement pop, la formation incorpore des riffs instrumentaux rappelant parfois Mogwai. L’idée a donc de quoi séduire, mais on a souvent l’impression que le navire dérive. Les mélodies sont trop confuses. Les interludes instrumentaux s’interrompent soit trop tôt, soit trop tard. On reste donc constamment sur sa faim.
Pourtant, les Scandinaves ont du potentiel. Les harmonies vocales sont superbes. La technique des musicos sur leurs instruments est irréprochable. Et la production est parfaite. Difficile de comprendre pourquoi l’embarcation a pris l’eau. Il faudra bien consolider la coque, avant de la remettre à l’eau…
Static est une formation allemande drivée par Hanno Leichtmann. Et on peut dire que ce leader la dirige, tambour battant. Son électro, il l’enrichit par une instrumentation basique, à l’instar de l’électro ou du banjo, par exemple.
« Freedom of Noise » ne casse cependant pas la baraque. Les compos du band berlinois sont profilées sur des sonorités bien trop répétitives et imprimées sur un tempo pas assez entraînant. Peu ou pratiquement pas de vocaux. Des arrangements excessifs. Pas de ligne de conduite. Bref, ça part dans tous les sens. "Collage, Holz, Papier 2" rappelle même le bruit de connexions Internet émis par les antiques modems 56k.
Les 10 titres de ce « Freedom of Noise » ne procurent guère de plaisir. Tout n’est pas à jeter, mais manifestement, Static semble quand être passé carrément à côté de son sujet. Et il aura beaucoup de mal à convaincre la critique.
C’est sans doute l’événement le plus important de toute l’histoire de Record Makers, la sortie, le 20 mars 2012, de « My God Is Blue », dernier opus de Sébastien Tellier.
L’artiste considère ce disque comme la première pierre d’un chantier beaucoup plus vaste… qui ambitionne rien de moins que de changer en profondeur notre rapport au monde et aux êtres !!!
‘N’écoutez pas mon disque, écoutez mon message, nous dit-il ; entrez en vibration avec ma musique, fusionnons nos rêves, propageons ensemble cette énergie communautaire en une immense vague bleue qui irradiera le monde, et les vérités apparaîtront’…
Bien allumé notre ami Français…
Guy Berryman, le bassiste de Coldplay, a annoncé sur Facebook qu’il produirait le 1er album de James Levy & The Blood Red Rose (NDR : à ne pas confondre avec le duo Blood Red Shoes !)
L’album paraîtra ce 6 février, mais la première vidéo du titre « Sneak into My Room » est déjà postée sur YouTube.
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=pg_2n9iVAZk
‘Le vieux monde vacille. Tant au Moyen-Orient que dans nos vieilles démocraties, les gens descendent dans la rue et veulent prendre leur destin en main…’ Ce sont les lyrics de « Political Fuck », compo de Balkan Beat Box qui fait l’objet d’un clip visible sur YouTube.
Tim Fite publiera un nouvel album le 5 mars prochain. « Ain’t Ain’t Ain’t » constituera le dernier volet de la trilogie de cet artiste excentrique américain, qui fait suite à « Ain’t » et « Gone Ain't Gone ». Les lyrics sont consacrés aux troubles liés à l’adolescence ; et pour la première fois, le disque a été enregistré en studio, à l’aide de vrais instruments…
Track Listing :
1. Hold Me All Night – 3:10
2. Girard – 3:38
3. Bunnies – 3:32
4. Joyriding – 3:17
5. Telephone Booth – 4:19
6. We Are All Teenagers – 3:34
7. Because I Was Scared – 3:46
8. Tiger Shopping – 2:54
9. My Brother Sings – 1:47
10. Bully – 3:17
11. Talking To The Air – 2:51
12. Goodbye – 6:35
13. Ain’t Ain’t Ain’t – 2:22
http://www.youtube.com/watch?v=YDHr5gvLSZg
http://www.anti.com/artists/view/27
http://www.timfite.com/
Soko, c’est cette Française dont le morceau « I’ll Kill Her » avait fait un tabac en 2007. Elle nous propose un nouveau single intitulé, « I Thought I Was An Alien », une compo qui précède la sortie d’un nouvel opus prévu pour le 20 février prochain.
http://www.myspace.com/mysoko
http://www.sokomusic.com
Rhum for Pauline est un quatuor nantais inspiré par les faces B les plus obscures de la soul des 60’s et le classicisme pop dont Girls ou Real Estate sont les fers de lance.
Cet automne, le groupe a investi le Garage Hermétique, studio qui a vu passer The Libertines et Dominique A, pour enregistrer son deuxième Ep « Can Reach the top », un disque qui a été mixé par Raphaël d'Hervez (Pegase & Minitel Rose) et David Darricarrère (dTwice & Smooth).
Et le résultat lorgne à certains moments vers Cold War Kids, XTC, The Beach Boys ou encore Charleene Spiteri.
Tracklisting :
1- I can reach the top
2- Japon and China
3- Private island
4- Thee unforgettable me
5- Officiers
Ulrich Schnauss définit sa musique comme du shoegaze électronique. Pour enregistrer son nouvel opus, « Underrated Silence », il a reçu le concours de Mark Peters, le leader du groupe Engineers. L’album paraîtra ce 8 février 2012.
http://www.bureau-b.de/schnausspeters.php
Tracklisting
1. The Messiah Is Falling
2. Long Distance Call
3. Forgotten
4. Yesterday Didn't Exist
5. Rosen Im Asphalt
6. The Child Or The Pigeon
7. Ekaterina
8. Amoxicilin
9. Gift Horse's Mouth
10. Underrated Silence
Le duo français Yeti Lane publiera son second elpee, « The Echo Show », le 7 mars. Le précédent datait de 2009. En attendant sa sortie, le premier single "Analog Wheel", est disponible sur la toile. Et le groupe se produira ce 9 décembre, au Potemkine, à Bruxelles.
http://www.myspace.com/yetilane
Le nouveau clip de Fastlane Candies est sur la toile. Il est consacré au second single du groupe, un extrait du premier Ep, "Cold Cold Caribbean", et s’intitule Dubaï…
http://www.youtube.com/watch?v=WSDDFEVy26g
http://www.myspace.com/fastlanecandies
Breasfeeders est une formation montréalaise, fondée en 1999. Leur style ? Le fruit d’un mélange de rock' n’roll, de garage américain et de pop à la sauce française ; et en extrapolant, on pourrait imaginer leur style quelque part entre les Stinky Toys, Lio et La Femme. Leur troisième album, « Dans la gueule des jours » est paru en mars de cette année. Une des compos de cet elpee, fait aujourd’hui l’objet d’un clip : « Mes Lunettes Noires ». Il est visible sur la toile
http://www.dailymotion.com/video/xkypwv_les-breastfeeders-mes-lunettes-noires_music
http://www.lesbreastfeeders.ca/
Il aura fallu deux longues années à The Maccabees pour achever son troisième elpee, « Given To The Wild ». Ce disque fait suite à « Walls of Arms ». Publié en 2009, il avait alors été très favorablement accueilli par la critique. Pour promotionner le nouvel elpee, qui paraîtra ce 9 janvier, le quintet londonien a réalisé un court métrage visible sur YouTube :
http://www.youtube.com/watch?v=w5JYIHBCYKk&feature=player_embedded
Plus de 60 artistes de la scène française et internationale ont enregistré « Des ricochets », un single dont la vente est destinée à lutter contre la crise nutritionnelle et alimentaire qui frappe 4 pays de la Corne de l’Afrique. Tous les bénéfices récoltés par ce projet seront reversés à l’Unicef.
Ont participé aux sessions d’enregistrement : Alizée, Alpha Blondy, Amaury Vassili, Amel Bent, Anggun, Arielle Dombasle, Benabar, Bob Sinclar, Chico & Les Gypsies, Chimène Badi, Christophe Willem, Claudia, Tagbo, Colonel Reyel, Dave, David Hallyday, Didier Wampas, Elisa Tovati, Fatals Picards, Faudel, Florent Mothe, Gary Filo, Gérard Lenorman, Hélène Segara, Inna Modja, Jane Birkin, Jenifer, BB Brunes, Jérôme Van Den Hole, John Mamann, Joyce Jonathan, Judith, Julie Zennati, Kenza Farah, Lââm, Liane Foly, M Pokora, Magic System, Manu Katché, Maurane, Melissa N’konda, Merwann Rim, Mickael Miro, Mikelangelo Loconte, Mimie Mathy, Moïse N’Tumba, Mokobe, Natasha St Pier, Nicolas Peyrac, Niko Liliu, Nolwenn Leroy, Olivier De Benoist, Ophélie Winter, Patrick Fiori, Peps, Philippe Lavil, Quentin Mosimann, Salvatore Adamo, Sh’ym, Sofia Essaïdi, Soprano, Tal, Tiken Jah Fakoly, Tina Arena, VV Brown, Ycare.
Le clip : http://www.youtube.com/watch?v=Ima1CludjU4&feature=related
Le making of : http://www.youtube.com/watch?v=nok1gCmZALs&feature=related
Mariage aussi subtil que le sucré salé, mode et musique s’accoquinent volontiers pour le meilleur comme pour le pire.
Assurément placée sous l’égide du bon goût et d’un éclectisme jubilatoire, la soirée de ce samedi 17 décembre, qui prendra place dans le Palais des Congrès de Liège, vous tend les bras.
De quoi s’agit-il ?
Le jeune label électro Union Match music, réputé pour la qualité de ses sorties (Fabrice Lig, Spirit catcher, Ante Perry, Kolombo, Compuphonic, polar, Glimpse, Lee Jones) et dont les soirées ne sont plus à présenter dans notre beau Royaume (sur Liège, Gand, Namur ou Bruxelles), s’associe pour l’occasion au magasin Milk pour célébrer respectivement leur deux et quatre ans d’existence dans le cadre d’une soirée conceptuelle alliant musique, supports visuels et mode.
Tout en rendant hommage aux Scopitones (ces étranges jukebox qui diffusaient les ancêtres des clips vidéos dans les années soixante), sous la coupole de David Caruana (alias Silverdave), l’association de ces deux univers commencera par un défilé des nouvelles tendances sur le coup de vingt et une heures.
Dans un univers automnal et champêtre, défileront de nombreux mannequins présentant toute l’originalité de ce shop liégeois.
S’enchaîneront alors une pléthore de DJ’s qui enflammeront le dancefloor.
The Magician (projet du bouillant Stephen Fasano, ex-Aeroplane) qui cartonne avec son remix de Lykke Li.
Le frétillant Sammy Jo, membre contondant des Scissor Sisters dont l’univers Glam-Disco-Rock enthousiasme les clubs aux quatre coins de la planète paillette.
Villa et leur incontournable « Beats of Love » feat. New Sins, en marge d’une flopée de remixes en tout genre, de Moby à Das Pop, en passant par Keane.
Le producteur phare Compuphonic, dont le travail n’est plus à présenter.
Sans oublier le Disco Mafia, collectif local regroupant la crème de la crème, à savoir Pleasures Machines, Jack Le Coiffeur, Vanishing Point, et Northlights.
Bref, une bien belle soirée en perspective, à ne rater sous aucun prétexte.
Et nous avons le plaisir d’inviter quelque chanceux parmi vous, puisque nous vous proposons de gagner 2 x 2 entrées pour cet événement haut en couleurs et en sons (ici )
Pour plus d'infos n'hésitez pas à vous rendre sur la page Facebook d'Union Match Music : http://www.facebook.com/unionm
Un clash flamand-wallon selon la tradition jamaïcaine!
Ce vendredi 2 décembre, le Democrazy et reggae.be organisaient, pour la deuxième fois, le Beljam Cup, au Vooruit de Gand. Ce véritable clash des soundsystems entre le reaggae – ragga et le dancehall, mettaient en présence 1 collectif wallon et 3 flamands : Heartbreak Movement (Dilbeek), Jahwed Family (Comines), Daktari Sound (Gand) et Strange Fruit (Bornem). Qui parmi ces 4 candidats allait donc succéder à Mystic Breeze Collective et emporter la coupe en 2011 ?
Avant que commence ces rencontres, prévues en différentes manches de 10 minutes (les dublates) et la finale (dub-fi-dub), Irie Nation va nous régaler d'un warming up. Buda MC (de Civalize Foundation) a joué impeccablement son rôle de ‘guest’. Il a expliqué les règles, tiré au sort l'ordre de passage de la première manche et mis l'ambiance au sein du public. Les participants ont eu l’occasion de se présenter en dix minutes et personne n’a été écarté lors de cette première manche.
Jahwed Family ouvre les hostilités et enfièvre immédiatement l’auditoire lors d’un set très varié et énergique. Il était clair qu’il allait jouer un rôle important lors de ce clash. Contrairement au deuxième candidat, Strange Fruit, il a acquis une certaine expérience dans cet exercice de style. Par contre, les gars de Bornem prennent un mauvais départ à cause d'un manque de coordination entre le MC et le selector (DJ). Néanmoins, malgré ce contretemps, ils vont surprendre agréablement, tout au long d’une prestation très variée. Leurs supporters (NDR : qui s’étaient déplacés en car) ont fait monter la température de quelques degrés dans la salle! Quant à Daktari Sound, qui jouait son match à domicile, son set s’est avéré assez laborieux, également à cause de problèmes techniques. En outre, le MC, parfois incompréhensible et statique, ne parviendra jamais à maintenir l’ambiance dans la salle.
Il revenait à Heartbreak Movement de clôturer les débats. En un clin d’œil, leur professionnalisme va ramener la flamme. Solide, la cohésion entre le selector et la sale bouche du MC de D-Town Crew va permettre au concurrent d’accomplir un parcours impeccable. Manifestement, il ne pouvait que dominer la suite du clash, tout comme leurs confrères wallons de Jahwed.
La deuxième manche est la première au cours de laquelle il a été procédé à une élimination. Grace aux commentaires progressivement caustiques et la sélection de leurs tunes, les gars de Jahwed Family et Heartbreak Movement ont confirmé l'impression laissée lors des préliminaires. Mais Strange Fruit et Daktari Sound ne sont pas parvenus à relever le niveau de leur prestation. Le vote effectué par le public a confirmé que l’un d’entre eux devait quitter l'arène. Les Gantois ont moins profité du soutien du public et, à l’instar de l’édition précédente, ont été les premiers à quitter le clash.
La troisième manche devait décider d’une place dans la finale (dub-fi-dub). Jahwed Family et Heartbreak Movement, les grands favoris, ont à nouveau dispensé un set de dancehall mortel, tandis que Strange Fruit a paru en panne d’inspiration. Cependant, lors du vote, après de nombreuses discussions, il a été décrété qu’il serait opposé à Jahwed Family, lors du dub-fi-dub. Faut dire que la meute de supporters qui avait accompagné Strange Fruit a fort influencé la décision finale ; ce qui n’était pas trop du goût des autres spectateurs.
En finale, chaque collectif a joué un tune, au terme duquel, un vote a chaque fois été émis. Lors des éditions précédentes, le gagnant était connu après dix tunes de chaque candidat ; mais aujourd’hui, le dub-fi-dub s’est terminé beaucoup plus tôt. Jouissant déjà d’une belle notoriété, Jahwed Family l’a emporté par le score sans appel de 5-0 face à l’inexpérimenté Strange Fruit. En se mesurant à Heartbreak Movement, la finale aurait probablement été plus disputée. Particulièrement originale, l'équipe de Comines est parvenue à maintenir le cap toute la soirée en dispensant des dubplates de qualité et tout à fait délicieux. Et il faut le reconnaître, tous les spectateurs se sont réjouis de leur victoire. Ici pas d'opposition communautaire, mais plutôt une ambiance de 'Beljam Unite'!!
(Adaptation B. Dagnies)
Debout Sur Le Zinc faisait escale à Lille ce vendredi soir. Formation pas très présente en termes de couverture télévisée ou radiophonique, il n’en reste pas moins que ce groupe jouit d’une très belle popularité auprès de la jeunesse française, qui aime la bonne musique et surtout se plonger dans une ambiance propice à la bonne humeur ! A la décharge des programmateurs d’émissions TV ou de responsables d’antenne, le répertoire de ‘DSLZ’ est plutôt tourné vers la représentation live et la participation active du public. D’autant plus que rien n’est vraiment prévu pour ce style musical sur nos belles chaînes, qui se bornent le plus souvent ces temps-ci à fouiller de façon nauséabonde dans la vie privée des plus naïfs (pour rester poli !!!)
En route donc vers l’Aéronef qui se niche au sommet du centre commercial d’Euralille et, c’est une aubaine en tout cas, du côté parking… Et encore faut-il y arriver ; car depuis la construction du nouveau stade de foot, et comme tous les vendredis soir, le périf est plus qu’embouteillé.
Pas découragés pour deux sous, nous finissons par arriver à bon port et… à temps !
L’Aéronef n’est pas rempli ce soir, les mezzanines sont d’ailleurs inaccessibles aujourd’hui. C’est un petit millier de personnes qui sont attendues pour voir en lever de rideau Jali et ses 4 musiciens se produire avant leurs favoris. Originaire de Bruxelles, le jeune Belge a suivi le combo français durant toute sa tournée. On peut presque dire qu’il joue à domicile ce soir. Dispensant une musique folk/pop inspirée, ce jeune artiste d’à peine 22 ans devrait se faire sans peine une place au soleil assez rapidement. Qualité et talent sont bel et bien au rendez-vous. De bon augure pour les années de carrière à venir.
Entre le moment où Jali quitte la scène et DSLZ y prend place, il faudra de longues, longues minutes de patience. Il est vrai qu’une quinzaine d’instruments doivent (re)passer entre les mains des roadies pour les derniers réglages. Ma montre indique plus de 21:40 quand enfin, le clan des sept envahit l’espace scénique. La soirée est loin, très loin d’être achevée !
« Frisson » ouvre le bal. On entre directement dans le vif du sujet : violon, trompette, mandoline, clarinette, accordéon, guitares, tambourin, contrebasse, banjo, … se succèdent, se conjuguent en duos, trios ou quatuors de folie. D’un dynamisme à couper le souffle, les sept, non six, pardon (le batteur reste continuellement vissé à son tabouret) sont incapables de rester plus de deux minutes à la même place. Heureusement que les instruments électrifiés ne sont plus câblés !!! A l’heure où j’écris ces quelques lignes, ils seraient encore occupés de démêler les fils… D’autant plus que les musicos s’échangent les instrus, tout comme le micro. Parfois, on ne sait même plus qui fait quoi. Ce ne sont plus des musiciens mais des jongleurs.
Mais c’est ce que le public est venu voir, un show plus théâtral que musical en fin de compte. Un moment de détente où la relation artiste/public compte plus que le récital interprété, une dynamique imprimée par une bonne humeur contagieuse, une soirée qui sent bon la joie de vivre et le partage.
Chacun dans la troupe joue un rôle important et personne, jamais n’est mis à l’écart. Le chanteur principal (également violoniste et trompettiste) recule même volontairement de temps à autre pour laisser la vedette à l’orchestre. Et dans ces moments-là, quoiqu’assez rares, le (contre)bassiste au look à la Gainsbourg, pieds nus et coiffé d’un vieux chapeau, montre de quel bois il peut se chauffer.
On n’est pas loin de la vingtaine de titres interprété, parmi lesquels le très ‘sérieux’ « Abbé Chamel », lorsque Debout Sur Le Zinc se retire avant de reprendre d’assaut, pour trois derniers morceaux, l’espace qu’elle a conquis de haute lutte. « Arbre », « Mots d’amour/Poil aux yeux » et « La déclaration » mettront un point final à cette mémorable soirée, véritable antidépresseur sans aucun doute beaucoup plus efficace que n’importe quelle médication !
Les plus pressés gagnent rapidement la sortie mais les autres ont encore la chance de prendre un verre au bar en compagnie de ces acrobates de la scène underground, bien trop méconnus du grand public, hélas !
Sacrée soirée ! Non, pardon, ça c’est à la TV !
(Organisation Aéronef)
L’Objet est une drôle de chose. Fondée en 2003, dans le nord de l’Hexagone, elle nous revient flanquée d’un 3ème Ep, intitulé, « Plank », partagé en 6 morceaux. Récemment devenu duo, ce combo lillois pioche à gauche et à droite des éléments musicaux pour concocter sa musique. Et ses influences ne sont pas toujours faciles à discerner, même si son expression sonore évolue dans une forme de post-rock contaminé par la pop et le shoegaze. Six plages instrumentales –sans le moindre temps mort– imprimées sur un tempo hypnotique. Mais pour baliser des compos sculptées dans une pop aussi légère que celle de Battles, parce que nourries aux guitares, loops et claviers. Un bel Objet, pas nécessairement volant, mais finalement parfaitement identifié…
Il était une fois une ville répondant au nom de Tournai. Une cité, surplombée par cinq clochers, abritant une Maison de la Culture. Par un soir d’automne, alors que les feuilles craquaient sous mes pieds, j’entrai dans ce bâtiment aux multiples portes, devancé par quelques marches. Ces mêmes portes qui pourraient symboliser la diversité culturelle que ces salles renferment. Une fois n’est pas coutume, la musique habitait les lieux, le temps d’un soir.
Une petite jeunette de 21 ans nommée Sarah Carlier s’aventure sur l’estrade, accompagnée d’un unique guitariste, devant une salle pratiquement comble. Sa voix est douce et laisse planer des airs un temps agréable. Et puis, je me surprends à avoir mes yeux rivés sur les doigts de son musicien qui courent le long des cordes. La monotonie de son ton vient alors me percuter les neurones. Rapidement enchainé par la conscience que son micro a plus de prestance scénique qu’elle. L’ennui me gagne face à cette Schaerbeekoise qui livre un set insipide. Morphée me tend presque les bras. Heureusement, les techniciens ont 40 minutes pour chauffer la salle, comme il se doit…
Un peu plus tard, débarque Dame Grâce, j’ai nommé Yaël Naïm. Sa robe blanche, ses gants roses, sa classe naturelle séduisent déjà l’auditoire. Lorsqu’elle ouvre la bouche pour laisser s’échapper les premières notes, des milliers d’oiseaux viennent se poser sur l’épaule de chaque spectateur. Ils leur poussent de douces mélodies au creux de l’oreille, les plus naturelles aussi. Dame Grâce confie alors son histoire, nous parle de son arrivée en France, de sa famille restée à Tel Aviv, de son amour lassé d’attendre son retour. Une interaction s’établit entre l’artiste et le public, et celui-ci lui rend bien. Bientôt, elle se met à jongler avec les instruments : tantôt à la guitare, tantôt au piano. Et aux ivoires, elle prend une dimension magique, une ampleur émerveillant tout un chacun. Une véritable envolée sauvage. Après la tempête revient le calme.
L’Israélienne embarque tout le monde sur une petite barque naviguant sur une rivière d’émotions. Ses peurs, sa tristesse, son mal du pays nourrissent ses chansons. Au détour d’un méandre, on aperçoit une contrée inhabituelle d’où s’échappe une langue mal jugée. Les ballades interprétées en hébreu, qu’elle nous offre, sont d’une poésie rarissime. Tout à coup, de manière inattendue, elle bifurque vers des terres que chacun connaît, qu’elle s’approprie et refleurit d’une espèce nouvelle. Le « Toxic » de Britney Spears et « My Umbrella », que chantait il n’y a pas si longtemps Rihanna, en deviennent méconnaissables.
Déjà, c’est le moment pour chacun de reprendre sa route. Juste le temps d’un grand éclat de rires entre musiciens, qui nuit malheureusement à la qualité de « New Soul », provoqué par le bassiste qui s’improvise apparemment clown. Une belle histoire d’un soir qui, malgré toutes ses qualités précitées, ne m’a pas transcendé. Mais ce récit reste néanmoins agréable à vivre.
Ils furent heureux et eurent beaucoup de standing ovations.
(Organisation : Maison de la Culture de Tournai)
Sharko est mort, vive David Ier. En apothéose à une carrière menée tambour battant durant une bonne décennie, le trio wallon nous a livré un bel héritage sous forme d’un « BeAst of » paru en juillet 2010. Fort de 15 titres, le testament de la formation belge léguait à la postérité ses 15 pierres les plus précieuses.
Et chacun de s’en retourner à ses petites affaires de son côté. Il était clair, dès le départ, que seul David Bartholomé parviendrait à surnager dans cet océan de ‘solitude’ artistique, l’homme ayant déjà depuis belle lurette pas mal de projets en tête et des idées à foison.
A peine douze mois se sont-ils écoulés depuis l’enterrement de première classe de Sharko que David, tel Lazare dans une autre histoire (mais laquelle encore ?) revient à la vie.
« Cosmic Woo Woo », premier album solo de Bartholomé voit le jour en octobre 2011 et immédiatement, c’est le côté fantaisiste de l’homme qui prend le dessus. Libéré des obligations liées à la vie de groupe, David se lâche, écrit et compose ce qu’il a vraiment envie de chanter. Il arrange ses morceaux de façon tout à fait ‘spéciale’, et chacune des plages, truffée de trouvailles et d’originalité démontre le génie de l’homme.
Mardi, mercredi et ce jeudi soir, David Bartholomé défendait son dernier-né devant un parterre déjà tout acquis à sa cause. Ben oui, j’imagine mal des gens se déplacer pour voir quelqu’un ou quelque chose qu’ils n’aiment pas !
Mais si l’album en avait surpris plus d’un (dans le bon sens) que dire du ‘spectacle’ proposé ?
Car plus qu’un concert ou récital, c’est vraiment le terme spectacle qui sied le mieux à la prestation livrée ce soir, digne d’un ‘one man show’ de la meilleure veine. A la fois clown, ventriloque, marionnettiste, amuseur public, le plus Ardennais des Bruxellois laisse libre cours à ses fantaisies et à ses envies les plus folles.
C’est seul à la guitare et en bricolant une boîte à rythmes (qui comporte aussi des lignes de basse et de claviers) à l’aide de ses pieds, qu’il nous propose le classique « Sweet Protection ». Parfaite entrée en matière !
Mais la suite sera beaucoup plus animée… Cachée derrière un petit théâtre de marionnettes, Camille assure les chœurs sur « Mars » tout en nous laissant imaginer que c’est une éponge jaune trafiquée qui chante. Le reste sera à l’avenant… De temps à autre, son autre acolyte vient l’accompagner au piano, jouet d’enfant ou sur une batterie pour nains ! Mais la bonne humeur, les sourires et les éclats de rires sont au rendez-vous.
Au meilleur de sa forme, David propose au public de participer à l’orchestration sur « Moon ». L’un reçoit donc une clochette, le suivant un klaxon, le troisième un canard pouêt-pouêt et ainsi de suite jusqu’au volontaire qui doit crier ‘Cor de chasse’ ; le but du jeu étant d’utiliser son ‘instrument’ lorsqu’un mot bien précis de la chanson est prononcé. Dès les explications et avant l’entame du morceau, tout le monde est mort de rire.
Mais ce doux-dingue va jusqu’au bout de ses idées folles, c’est la raison pour laquelle on l’aime aussi ! Et ça marche, effet garanti !
Ne retenir que les excentricités de David Bartholomé serait vachement réducteur. A côté de ce côté exubérant et festif, il reste un artiste sensible, à l’organe si particulier chantant souvent à la limite de la rupture. Et ses chansons font mouche. Gouailleur, moqueur (les chanteurs français en prennent pour leur grade), un tantinet désabusé politiquement parlant, David fait l’unanimité quant à la qualité de son interprétation et au choix de ses chansons.
Un seul album solo d’une durée de 35 minutes à peine, c’est un peu juste pour passer la soirée. Nous avons droit à quelques ‘vieilleries’ dont « Rise Up » et évidemment, histoire de terminer cette folle soirée, « Excellent » repris (hurlé) en chœur par les 150 personnes qui peuplent la Rotonde ce soir.
Jamais je n’avais autant ri lors d’un concert !
Envie de vous marrer un bon coup ? Allez donc voir David Bartholomé. Il guérit de tous les maux…
(Organisation Botanique)
Sarabeth Tucek est-elle une songwriter étasunienne de plus dans l’univers du folk ? Son parcours artistique parle en tout cas pour elle ; car après avoir entamé une carrière d’actrice, elle rencontre Anton Newcombe de The Brian Jonestown Massacre qui l’incite à se lancer dans une aventure musicale. Qu’elle concrétise, timidement, d’abord, en rejoignant d’abord les chœurs du Bill Callahan Band.
Son premier elpee, remonte à 2007. Et « Get Well Soon » constitue donc son second essai. Empreint de sensibilité, son folk/rock s’inscrit dans la lignée de Cat Power. Des débuts (« Exit Ghost »). Mais sans la folie douce manifestée par Chan Marshall, toutefois ! Les accords de six cordes et de piano renvoient à Neil Young. L’opus recèle des titres plus acoustiques et paisibles (NDR : le titre maître et « Exit Ghost », deux véritables pépites), et des plages qui nous réservent de superbes envolées électriques (« Rising »). Mais l’ensemble se révèle assez inégal, et surtout pas assez décalé. Et puis la voix de Sarabeth, quoique limpide, manque de caractère. Dans ces conditions difficile d’imaginer qu’elle puisse se démarquer. D’autant plus qu’au sein de cet univers americana, il y a manifestement encombrement. Bref, si ce long playing est sympa, il risque de tomber rapidement aux oubliettes…
Bothwell, alias Astronautalis, est né en Floride, à Jacksonville très exactement. Le destin a fini par le conduire à Minneapolis (Minnesota) où il est actuellement établi. C’est en faisant ses armes dans les concours, et notamment en participant à la compétition du réputé ‘Scribble Jam’, que l’Américain s’est forgé de solides bases dans le milieu.
A l’instar de Sage Francis et Buck 65, Bothwell n’hésite pas à sortir des carcans du hip hop en s’ouvrant à l’indie rock. Troquant son nom pour Astronaulatis dès 2003, il sort son premier opus ; mais ce n’est qu’après avoir publié « Pomegranate» qu’il se fait réellement remarquer. Il assure alors la première partie européenne du groupe canadien Tegan and Sara. Tegan qui a d’ailleurs participé à l’enregistrement du morceau « Contrails », sur ce quatrième elpee.
Plus qu’un simple album de hip hop, « This is our Science » brise les frontières entre les genres et va voir aussi bien du côté du folk (« Secret On Our Lips »), de la country (« Holy Water ») que du rock (« Thomas Jefferson » sur lequel apparaît Sims du groupe Doomtree). Le piano côtoie aussi la bien la guitare que les samples ; le tout sur des beats chers au hip hop. Polyvalent, Bothwell est capable de poser un flow soutenu, mais aussi de pondre des ballades qui vous flanquent la chair de poule (« Secrets On Our Lips »). Et quand les chœurs entrent dans la danse, on ne peut que s’incliner (« The River, The Woods »).
Bref, ce « This is our Science » est un album haut en couleurs auquel on reste scotché du début à la fin. Pas étonnant qu’il se soit retrouvé en une nuit parmi les albums les plus téléchargés sur iTunes. Personnellement, certainement la meilleure découverte dans le genre depuis Sage Francis. Plus qu’un rappeur, Astronautalis est un songwriter de génie !
En Italie, l’économie s’effondre. Un clown met fin à sa carrière politique (du moins on espère) ; et comble du cynisme, il est remplacé par un symbole de cette même crise économique. De toute évidence, il ne doit pas être facile, tous les jours, de vivre dans ce si beau pays (NDLR : bien dit !) Heureusement, la musique et la culture en général, sont encore le meilleur moyen pour s’évader de cet univers machiavélique, au sein duquel les dirigeants, plus cons les uns que les autres, sévissent depuis de trop nombreuses années. Camera 237 est certainement un groupe capable de mettre un peu de baume au cœur des Transalpins…
Originaire de Cosenza (NDR : c’est dans le sud du pays), le groupe jouit déjà d’une certaine notoriété à l’intérieur de ses frontières. Si aujourd’hui il participe, chaque année, aux plus grands festivals italiens, vu sa notoriété acquise pour ses prestations ‘live’, avant de se forger cette réputation, il a remporté toute une série de concours organisés dans l’univers de l’indie rock.
« Alone in an Empty Bed » constitue le troisième elpee de Camera 237. Une œuvre recelant des tubes en puissance qui auraient pu figurer au répertoire de Metronomy (« Carry On ») voire même de Postal Service. L’aspect romantique, visionnaire et tendre de leur pop est alimenté par des synthés atmosphériques, mais également par le timbre vocal du chanteur. Et la face la plus âpre, dynamisée par la section rythmique. Bref, pas de référence ici à Pavarotti et consorts, mais plutôt à The Notwist. Ce qui devrait, on l’espère, permettre au combo de s’exporter. Enfin, c’est ce qu’on leur souhaite. Et puis, en attendant, au mélomane autochtone de se changer les idées, avant de retomber dans la dure réalité contemporaine…
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