Exercice périlleux pour lequel j’affiche toujours une certaine appréhension, l’établissement d’un Top proposant le meilleur du meilleur de l’année écoulée me pousse toujours à retarder l’échéance au maximum. Bien m’en a pris, puisque ce jeudi quinze décembre, m’était donné l’occasion d’aller applaudir les Canadiens de DucHeSs SaYS, pour ce qui restera, d’un point de vue scénique, un des hauts faits d’armes de 2011.
Au vu de leur prestation incendiaire, pleine de gouaille et de rébellion bon enfant, dont le souvenir brûlant dessine encore quelques jours plus tard un rictus jubilatoire aux commissures de mes lèvres à peine engourdies par les premiers froids, je ne peux que les asseoir définitivement sur le trône consacrant la prestation de ces douze derniers mois.
Ce soir, je me suis échappé de ma cage sur le tard, et malgré un vol sans encombre, je déplore devoir manquer à l’appel de Lady Fucked Up. Gentes demoiselles, veuillez me pardonner ce malencontreux contretemps qui ne m’a pas permis de juger de votre prestation. D’autant plus que selon les rumeurs, elle était des plus réussies. Jeunes pousses du label Cheap Satanism Records, ces fleurs du mâle devraient me permettre au plus tôt de pallier à ce manquement, car je ne doute pas avoir l’occasion de les croiser à l’entame de l’an nouveau. Et pour sûr, je ne manquerai pas d’en faire le compte rendu, ici même.
Il est à peine un peu plus de vingt heures et les Parisiens de Pilöt prennent corps sur le devant de la scène.
Petit bout de femme étrangement vêtue, Alex C.T. De Selve, chanteuse de son état, se dresse alors dans la lumière, et sa douce folie s’étend alors comme une ombre démesurée qui va planer tout au long du set, sur un public happé par son chant sauvage et sa fausse fragilité.
L’ossature tour à tour cambrée, puis recroquevillée dans un pyjama enfantin trop large, rappelant les baigneurs du début du vingtième siècle, elle étrangle sa voix avant de la laisser prendre corps et finalement subjuguer l’auditoire.
Illustration parfaite de la brindille allumant un feu de forêt.
Sur le fil d’un rasoir dont la lame entaille joyeusement les poncifs de multiples genres, du Punk aux épileptiques soubresauts d’un Rock Bleu-Blanc-Rouge désireux de se faire plus anglophile que la très chère Albion, Pilöt libère une énergie primale que l’on rencontrait chez Sloy, autre fantastique groupe Hexagonal.
Une belle claque, qui annonçait une fameuse gifle…
Parce que confronté à DucHeSs SaYS, l’ampleur du séisme allait encore gravir quelques échelons sur la réglette de Richter.
Dresser le tableau de l’univers frappadingues de ces Québécois me demanderait plus de nuances que ma palette n’en comporte.
Ces prédicateurs de l’Eglise des perruches (un ordre mêlant clairvoyance et astrologie) déconstruisent et reconstruisent à leur guise les préceptes du Saint Rock, en y ajoutant une bonne dose d’humour et de démence sauvagement dosée.
Annie-Claude Deschênes, en grande prêtresse de cérémonie, sait y faire quand il est question d’haranguer les foules et amener le public à communier dans une orgie sonore explosive.
N’hésitant pas à inscrire le titre du morceau suivant au feutre indélébile sur le bras d’une spectatrice, à frapper le front des plus distraits ou encore à subtiliser quelques draps de son hôtel pour les transformer en étendards festifs animés par son auditoire, la charismatique Canadienne a passé les trois quarts du concert au milieu d’une foule enchantée et prête à en découdre, comme le prouve les nombreuses invasions ‘on stage’, aux côtés de musiciens vraisemblablement acquis à cette cause et passablement indifférents à ce genre de débordements.
D’un bout à l’autre de ce concert mémorable, tension et frénésie se taillent la part belle d’un gâteau que l’on mangerait jusqu’à l’indigestion.
Au final, on aura droit à deux rappels ‘expérimentaux’. De quoi asseoir la popularité de ces Ducheess au regard d’un Magasin 4 ravi d’une telle débauche de saine folie, et surtout au mien.
Pour ceux qui avaient eu la chance d’assister à un de leurs sets (notamment celui accordé à Dour, cet été), comme pour les autres qui les découvraient ce soir, DS démontre qu’elle est une formation à voir, revoir et re-revoir absolument !
Certains concerts vous donnent le sentiment d’assister à un événement. Parce que pléthore de groupes préfèrent se la jouer ‘sérieux’ et ne dégagent pas grand-chose, si ce n’est un ennui profond, il faut participer à un concert de DucHeSs SaYS, au moins une fois dans sa vie.
Lady Fucked Up + Pilöt + DucHeSs SaYS
(Organisation : Cheap Satanism Records + HeXaGEN + Magasin 4)
Quand un ex-punk décide de débrancher son ampli et de renoncer aux distos, pour embrasser un style plus basique, le plus souvent folk, limité en général à la sèche et à la voix, ça passe ou ça casse. Parce que lorsqu’on est seul avec sa guitare acoustique, il n’est plus possible de se cacher derrière le moindre artifice. Seule la qualité de songwriting importe. Parmi les reconversions les plus réussies, on épinglera Elliott Smith et Micah P. Hinson, qui militaient également au sein d’une formation punk avant de se lancer dans une aventure une solitaire. Il y en a d’autres, bien sûr, et l’exemple le plus récent est certainement celui accompli par l’ex-chanteur de Million Dead, Frank Turner.
Malheureusement, il faut reconnaître que Tony Sly n’a pas vraiment fait le bon choix. En outre, son deuxième album risque fort de définitivement éloigner les fans de No Use For A Name. Et pas seulement, parce que l’énergie légendaire dispensée par le groupe culte californien est ici totalement absente. Quant aux quelques étincelles qui parsèment accidentellement l’une ou l’autre plage, elles ne parviennent jamais à allumer la flamme. Simplement parce que les neuf morceaux qui figurent sur « Sad Bear » sont d’une niaiserie indicible. Les lyrics, tout particulièrement. Qu’il interprète, trop souvent d’un ton pathétique (« Discomfort Inn », « Therapy »). Même que si Tony Sly voulait faire pleurer sous les chaumières, il ne parviendrait qu’à provoquer des fous rires. Le pauvre !
Too Much and The White Nots est un collectif bien belge qui ne connaît pas la crise. Un septuor réunissant, un véritable ‘melting pot’ noir, jaune, rouge ; soit deux Wallons, une Bruxelloise d’origine néerlandophone ainsi que des Bruxellois d’adoption (français, italien). Et le collectif est parvenu à trouver le bon équilibre en n’hésitant pas à faire des compromis, pourvu qu’ils soient source de joie et de bonne humeur.
« Hootenanny » constitue leur tout premier elpee. Leurs influences ? Ils les puisent essentiellement dans le folk des sixties et du début des seventies. Pensez d’abord à Bob Dylan. Pour la face étasunienne. Et Nick Drake. Pour l’insulaire. Des influences que le collectif revendique d’ailleurs. Evidemment, si on se limite à la scène contemporaine, ce serait plutôt du côté de Fleet Foxes qu’il faudrait lorgner. Tout en imaginant un chanteur dont le timbre est aussi nasillard que celui de Devendra Banhart.
Parfois légèrement teintées de blues, les compos de Too Much and The White Nots sont balisées par un violoncelle et des guitares. Une trame sur laquelle vient se greffer une multitude d’instruments, dont un ukulélé, des dununs, du glockenspiel et un xylophone. Bien que le climat soit le plus souvent allègre, une certaine tension est parfois palpable sur certaines plages. Quant aux vocaux, dispensés sous forme de dialogues ou conjugués en harmonie, ils communiquent beaucoup de vivacité aux chansons. Deux regrets cependant, certaines pistes tirent en longueur. Et puis, il y a cette reprise « My Moon, My Man » de Feist, absolument abominable…
Bonne nouvelle quand même, le groupe a bien la tête sur les épaules. Et il est conscient que c’est sur les planches qu’il parvient à donner le meilleur de lui-même. Il lui faudra donc encore bosser pour reproduire sur un support, tout le talent qu’il parvient à afficher en ‘live’…
Wu Lyf, initiales de ‘World Unite - Lucifer Youth Foundation’ fait la nique à toutes les convenances et aux genres établis. D’ailleurs, pour enregistrer ce « Go Tell Fire To the Mountain », la ‘fondation de la jeunesse luciferienne’ s’est enfermée… dans une église. Les Mancuniens en sont sortis muni d’un premier LP énorme, aux hymnes que l’on imagine facilement repris par un stade de foot entier. Ellery Roberts, alias Elle Jaie, scande ses versets à qui veut les entendre. Et même si personne ne les entend, il n’en a rien à clairement rien foutre. Chaque syllabe est hurlée comme si son auteur recherchait la moindre once de délivrance que pourrait lui apporter ses interjections. Emmené également par des riffs de guitares séraphiques, le « Go Tell Fire To the Mountain » de Wu Lyf joue la carte de la dualité avec un brio désarmant.
« Heavy Pop », tel est le titre qui clôture la galette mais qui décrit également à merveille les dix morceaux qui la compose. A mi-chemin entre l’enfer et le paradis, les quatre Britons peuvent se targuer sans rougir d’avoir généré le chaînon manquant entre Pop, Indie et Metal. Suffit de jeter une oreille à « We Bros » ou l’énormissime « Spitting Blood » pour se laisser convaincre. Oubliez le sacrifice de chèvre et n’implorez plus l’absolution. Ecouter « Go Tell Fire To The Mountain » de World Unite – Lucifer Youth Foundation est l’acte le plus libérateur et spirituel susceptible d’être réalisé en cette période trouble.
Après avoir mis fin en 2009 à son aventure en compagnie des musicos de Queen, Paul Rodgers, s’est réservé quelques dates en solo, avant de reformer Bad Company. Le combo vétéran du hard blues des seventies a ensuite accordé une série de concerts, dont le plus prestigieux reste celui de la Wembley Arena de Londres, en septembre 2010. Le live qui témoigne de cette grande soirée propose un Bad Co resserré autour des trois membres originels. Paul Rodgers, mais aussi Mick Ralphs et Simon Kirks. Le trio s’est adjoint les services du guitariste Howard Leese (Heart, Lita Ford) et du bassiste, moins célèbre mais non moins talentueux Lynn Sorensen.
En 74 déjà, le succès est au rendez-vous et Bad Co se montre déjà comme un groupe taillé pour la scène, autant pour la puissance qu’il dégage que pour le charisme d’un Rodgers à la voix aux accents rauques et blues. Près de quarante ans plus tard, elle n’a pas failli, comme en témoigne « Can’t Get Enough » qui ouvre cette dernière date de la tournée 2010. L’énergie libérée par les 14 titres qui suivent, impeccables et sans fioritures, reste elle aussi intacte. Même s’il y a près de trente ans qu’ils ne se sont plus produits en Angleterre, tout le stade reprend à tue-tête le refrain irrésistible de « Shooting Star » et applaudit avec fracas à l’annonce des titres. Tous des tubes, comme les célèbres « Seagull », « Feel Like Makin Love », « Movin On » ou « Rock’n Roll Fantasy ».
Bad Co offre au public les chansons qu’il souhaite entendre, et on reste bouche bée en réalisant qu’autant de ses compos soient devenues des ‘classiques’. En outre, le temps n’a altéré ni le look, ni la voix, de celui qui a succédé à Freddie Mercury. Une magnifique leçon de hard rock à l’ancienne qui donne toujours envie de taper du pied. Peut-être le live de l’année !
Petite escapade solo pour Chris Taylor, membre très actif de Grizzly Bear et Department Of Eagle ainsi que producteur à ses heures perdues. Sous le sobriquet de CANT, Taylor dévoile ses premières divagations en solitaire, entre pop et electronica. Enfin, pas si solitaire qu’on ne l’imagine. Car George Lewis Jr. donne également de sa personne en jouant quelques instruments sur plusieurs morceaux de « Dreams Come True ». Un choix peu étonnant tant la voix de Chris Taylor se rapproche de celle de son protégé. En effet, les intonations relevées ici évoquent implacablement celles qui étayent le « Forget » de Twin Shadow, produit l’an dernier par le Grizzly Bear himself.
Après une mise en bouche très Yeasayer-esque (« Too Late, Too Late »), le disque ratisse large au niveau des influences. Outre Twin Shadow, Chris Taylor s’aventure également sur les terres déjà occupées par Brandon Cox et ses nombreux projets. « Believe » et « Bang », pour ne citer qu’eux, auraient aussi bien pu apparaître au sein d’une œuvre de Deerhunter qu’une autre d’Atlas Sound. Si on se laisse facilement prendre au jeu de CANT, ce n’est pas tant pour son originalité que son foisonnement d’idées. La richesse et la variété des compositions de « Dreams Come True » se révèlent être ses principaux points forts. Peut-être même les seuls. Mais c’est déjà beaucoup plus que d’autres…
Déjà disponible en MP3 sur la plupart des plateformes de téléchargement payant, "Choeurs" sortira ce vendredi 16 décembre en livre-CD chez Actes-Sud et sera distribué en librairie.
De "Dithyrambe au soleil" aux "Serviteurs d'Arès", 17 pistes figurent sur cet enregistrement, prolongement de la trilogie "Des Femmes", consacrée à Sophocle par le dramaturge Wajdi Mouawad. ‘L'album « Chœurs » est une dérive des chœurs mis en musique par Bertrand Cantat, Bernard Falaise, Pascale Humbert et Alexander MacSween dans les pièces "Les Trachiniennes", "Antigone" et "Electre" de Sophocle traduites par Robert Davreu et qui composent le spectacle Des Femmes, trilogie théâtrale mise en scène par Wajdi Mouawad’, explique l'éditeur Actes Sud.
D'une couleur très rock, le groupe –qui, sur scène, prenait la place du chœur antique– réunit Bertrand Cantat, le bassiste Pascal Humbert (ex-Passion Fodder et ancien membre de 16 Horsepower), le guitariste canadien Bernard Falaise et son compatriote, Alexander Mac Sween, préposé aux drums.
Toutes les musiques ont été composées et signées par les quatre musiciens. Quant aux textes, ils sont adaptés de Sophocle, sauf deux exceptions : "Bury Me Now", un titre issu de la plume de Bertrand Cantat, qui a cosigné "Dithyrambe au Soleil" en compagnie de Wajdi Mouawad.
Par sa noirceur, sa puissance émotionnelle et –forcément– la forte personnalité de la voix ainsi que l'instrumentation (guitare, voix, basse, batterie), cet ensemble n'est pas sans connexion avec l'univers que Bertrand Cantat est parfois parvenu à développer, par le passé, chez Noir Désir.
Pour ses moments de forts contrastes, il peut être rapproché du projet ‘Nous n'avons fait que fuir’. Le 21 juillet 2002, Noir Désir avait alors donné à Montpellier, dans le cadre du festival Radio-France, une représentation unique de ce long poème de Bertrand Cantat, mis en musique en direct par Noir Désir.
Programmé par France-Culture, ce projet avait fait l'objet d'une parution en livre CD aux éditions Verticales, en 2004.
Tracklisting de « Chœurs » :
1. Dithyrambique au soleil
2. Déjanire
3. Le Choeur Joie
4. La puissance de Cypris
5. Les mouillages
6. Révélation de l’Oracle
7. Puisse un vent violent se lever
8. La victoire de Thèbes
9. Rien n’est plus redoutable que l’Homme
10. Heureux sont ceux qui du malheur
11. Eros
12. Bury me Now
13. Dionysos
14. Elle viendra l’Erinys
15. Courir sous la pluie
16. Le Chœur des Oiseaux
17. Les serviteurs d’Arès
Alors qu’il est annoncé à l’agonie voire à bout de souffle depuis quelques années, le post-rock enfante encore régulièrement de bonnes surprises. De quoi laisser présager une durée de vie bien supérieure à celle qui lui avait été attribuée.
Feorm est une formation insulaire, dont l’expression sonore puise dans les structures post-rock, mais également la musique électronique. Les références ? Tortoise, Mogwai mais également la scène allemande des années 70 (Komische Musik).
Au départ, à l’instar des jazzmen, les 5 musicos ont développé des séances d’improvisation au sein d’une fermette sise dans le Norfolk rural. Les 12 morceaux ont ensuite été mixés (NDLR : mis en f(e)orm(e) ?) par Denis Blackham, sur l’île de Skye. Un travail d’équipe exigeant qui a conféré à l’ensemble une dimension cinématographique évoquant les paysages froids et noirs comme sur le véritable western nordique de « The Long Drop ».
Tout en préservant l’aspect mélodique, Feorm est parvenu à pondre des compos qui tiennent la route et dont le style lorgne tour à tour vers le post-rock classique (« Munc the Grover »), l’électro-groove ambient (« Clatterhoof »), le jazz (« Necterne ») et même le prog (« Oriens »).
Il y a deux ans, Fool’s Gold frappait un grand coup, en publiant son premier opus. Un disque éponyme au cours duquel la formation était parvenue –avec pas mal de classe d’ailleurs– à agréger rythmes éthiopiens et sonorités hébraïques, sur des structures chères au krautrock teuton. Réunissant une dizaine de membres, le collectif californien (NDR : établi à L.A.) impliquait alors des musiciens de Foreigner, la star latine Erica Garcia et l’ex-drummer de We Are Scientists…
Leur nouvel elpee a été enregistré sous un line up bien plus classique. Cinq musiciens drivés par le duo fondateur Luke Top (voix et basse) et Lewis Pesacov (guitare). Les compos figurant sur « Leave no Trace » sont bien plus rock que sur le précédent elpee. Moins originales également. En outre, elles sont interprétées dans la langue de Shakespeare et plus en hébreu. Une version alternative du titre maître, rebaptisée « Sans Laisser de Trace »), l’est même dans celle de Molière.
Ces changements sont-ils la conséquence d’une volonté de rendre leur expression sonore plus commerciale ? Avouons-le, on s’en fout un peu ; pourvu que le résultat soit à la hauteur. Et il l’est manifestement ! Luke Top se révèle ici excellent chanteur. Sa voix est même proche de celle de Nick Urata (Devotchka). Et tout particulièrement sur « Leave No Trace » et « The Dive ». Elle porte même littéralement les morceaux. Et pas seulement ceux qui ont revêtu un format moins répétitif, donc rock, mais aussi sur les plages hantées par les sonorités africaines, dans l’esprit Talking Heads voire des Clash (« Wild Window »). Fool’s Gold signifie ‘Attrape-nigaud’ ; et c’est loin d’être le cas pour ce « Leave No Trace », qui flaire plutôt la bonne affaire !
Les fans des Beasties Boys sont invités à écouter impérativement « We Want to be Numb », le premier album de The Fox Heads, un duo qui mélange brillamment le hip-hop old school et l’esprit indie. Un ‘hip-pop’ franco-canadien bicéphale composé du MC Ira Lee –déjà entendu aux côtés de Rubin Steiner sur l’immense et rigolo « Gay & Proud »– et du producteur tourangeau Funken.
Bénéficiant du concours remarqué d’artistes ou de groupes comme Boogers, Pneu ou Mesparrow (NDR : l’inénarrable « Tits » rappelle les œuvres honteuses mais jouissives de Bloodhound Gang), The Fox Heads explore l’électro-pop (« We Want to be Numb »), le rock (« Best Day » et « Single Friends », deux compos qui s’inscrivent manifestement dans la lignée du Français Boogers) et la pop (« Google It »). Ce single ainsi que « Happy Father’s Day », une plage magnifiée par le flow très cool d’Ira Lee, sont drôles et truffés de traits d’esprit. Et difficile de résister à l’humour pétillant qui en émane.
Sculpté dans un hip-hop hybride et positif, « We Want to be Numb » est un véritable concentré de bonne humeur !
Chilly Gonzales, jamais à court d’idées, revient moins d’un an après la sortie de l’album-concept au résultat mitigé, « Ivory Tower ». Pour la circonstance, le délire du Canadien est autrement plus fun que son escapade précédente. Pas de long métrage pour accompagner cette nouvelle galette, mais un orchestre. Car Jason Beck, alias Gonzales, propose le premier album de rap entièrement orchestral de l’histoire ! The Roots se sont d’ailleurs presque immédiatement emparés du concept en annonçant que le successeur de « Undun », leur nouvelle galette, surferait sur cette vague. Gonzo retourne donc à ce qu’il fait de mieux sur ce « The Unpeakable Chilly Gonzales » : surprendre l’auditeur.
Les trompettes chevaleresques de « Supervillain Music », les percussions et le refrain entêtant de « Party On My Mind », les cordes cinématographiques de « Different Kind Of Prostitute » sont autant d’éléments intrigants qui font de cette galette l’une des plus intéressantes de l’année. « Shut Up And Play The Piano », clin d’œil à son excellent « Piano Solo », referme sublimement la galette. Pour arriver à un tel résultat Chilly Gonzales s’est payé les services de… son frangin, le compositeur Christophe Beck (responsable notamment des B.O. de Buffy The Vampire Slayer, Very Bad Trip, Percy Jackson, etc.) ainsi que de son amie de toujours, Leslie Feist, qui a, pour l’occasion, endossé le rôle de coach vocal ! Le résultat : neuf morceaux solides, entre rap et musique de film. Un mariage de genres qui ne devrait laisser personne indifférent, à commencer par les fans de Gonzo. A quand l’opérette électro ?
Fruit d’une maléfique collaboration entre des ex-musiciens d’Entombed, d’Opeth, et de Therion, Krux est diaboliquement emmené par Leif Edling, actuel Candlemass, dont le split serait imminent !
Troisième volet d’une trilogie taillée dans un doom spatial seventies à souhait, Krux III élargit encore ses horizons en envoyant quelques riffs plus actuels, bien palpables dans l’intro de « Emily Pane » chargée de chœurs à la Therion.
Titre épique d’une dizaine de minutes, « Prince Azaar And The Invisible Pagoda » s’avère tout simplement magistral. Son break sublime est dominé par une basse au son ultime, le tout dans une atmosphère moins spatiale, mais pas très loin d’une dimension cinématographique.
Hommage ou simple hasard ? Une plage nous renvoie carrément dans le ciel d’un Rainbow, époque RJ Dio, c’est une évidence.
« The Death Farm » se veut plus direct, plus doom dans la tradition années 80. On pense même à Nemesis, la toute première mouture de ce qui deviendra Candlemass.
Ce troisième tome se distingue enfin par la grande qualité de ses solos de guitare, des parties comme on en trouve rarement au sein de la scène actuelle du metal pachydermique. Fredrik Akeson est tout simplement bluffant, aussi à l’aise dans la mélodie que dans les exercices plus ténébreux. Krux nous invite à découvrir une autre vision du doom, tout au long d’un futur classique qui, souhaitons-le, permettra à Edling et sa troupe de ne plus tirer le diable par la queue, à l’avenir.
Un titre hommage à Françoise Sagan, pour étaler la confiture, un album enregistré à Girona (Espagne), pour le côté ‘exotique’, des claviers vintages, pour la hype, un pop-rock dans le vent, pour imiter ses pairs… « Los Campesinos ! » aurait-il sorti, sabots aux pieds, la panoplie complète destinée aux clubs des popeux branchés ? Une plaquette pop de plus ? Fort heureusement, le bilan de « Hello Sadness » n’est pas si dramatique. Le quatrième long-playing des génies pop-rock en provenance de Cardiff respire la générosité et la sincérité. Dix titres, évoquant l'amour, la rupture, la perte, le chagrin, les corps emmêlés, spontanément sortis des tripes de Gareth Campesinos ! Un album instinctif dans lequel le chanteur s’épanche sans retenue, parle de lui, confie son expérience. Le contexte général change alors le décor musical. Il amorce une certaine rupture artistique et donne à entendre des compositions sensiblement teintées de mélancolie (« Every Defeat A Divorce (Three Lions) », « Hate For Island »).
Après avoir conquis l’Europe et les Etats-Unis, grâce à trois albums salués par la critique, mais également à des tournées intenses accomplies aux quatre coins du monde, lui permettant de se produire dans des festivals prestigieux tels que le Primavera en Espagne ou le festival des Inrockuptibles en France, la formation galloise nous revient aujourd’hui à la tête de chansons pop directes et concises, à l’image du premier extrait « By your hand ». Des arrangements à la production, en passant par la qualité des textes, tout indique que « Los Campesinos! a changé de cap. De quoi ravir les fans et attiser la curiosité des autres ! ‘C’est par l’urgence, les couleurs, l’excentricité et l’hédonisme que Los Campesinos! rénove la pop music’.
Un détour intimiste qui aura néanmoins le mérite d’attirer la curiosité des amateurs du genre.
Premier Best-Of pour Louise Attaque, qui célèbre 17 ans de tubes. Car Louise Attaque c’est une machine à tubes ! Et on les reconnaît immédiatement à la voix cassée de Gaëtan Roussel et au violon d’Arnaud Samuel. Le quatuor compte aussi Robin Feix à la basse et Alexandre Margraff aux drums. Leur travail a d’ailleurs été récompensé par trois victoires de la musique. Et leurs chansons ont marqué toute une génération de trentenaires.
Leur premier opus « Louise Attaque » sort en 1997 et se vend à 2,5 millions d'exemplaires (!) ; le second « Comme on a dit », en 2000, s’écoule à 700 000 ! Le groupe se sépare alors momentanément. En 2005, ils gravent « A plus tard crocodile ». En 2009, en solo, Gaëtan Roussel publie « Ginger » (et hop, encore une victoire de la musique). Mais aujourd’hui, le temps d’un instant, le groupe se reforme et propose un véritable petit trésor pour les fêtes de fin d’année.
Vous pensez ne pas connaître tous les morceaux de ce Best-Of ? Détrompez-vous ! Ecoutez et vous serez surpris d’entendre que tous sonnent familiers.
De « Amours », « Ton invitation », le célébrissime « J’t’emmène au vent », « Les nuits parisiennes », « Savoir » et « Léa » (issus de leur premier album – une des meilleures ventes dans l’histoire du rock français) à « Depuis toujours », « Si l’on marchait jusqu’à demain » et « Si c’était hier » (« A plus tard Crocodile »), en passant par « Tu dis rien » et « La Plume » (« Comme on a dit »), ils n’ont certainement eu aucun mal à composer cette compile à partir de leurs trois albums. Mais quels albums !
Ce Best-Of recèle aussi deux inédits : « Snark », ressuscité des débuts de Louise Attaque (en 1998), et le single de lancement de l’album « Du monde tout autour », qui porte clairement leur signature et tourne déjà à profusion sur les meilleures radios. On vous le dit, ils sont forts, très forts !
Le coffret Edition Collector réunit le CD 17 titres, un DVD d’1h30 offrant 4 titres live, 2 documentaires et le clip du single « Du monde tout autour », ainsi qu’un livret 24 pages, 2 stickers et 3 lithographies. Dessin original de Robin Feix. Les fans sont gâtés !
‘Tout ce qui brille n’est pas or’. Tiens, pourquoi les apparences peuvent être trompeuses, lorsqu’on évoque Clare Louise ? Elle a une jolie voix, ses mélodies sont à la fois entraînantes, douces, subtiles et légèrement folk et quoique vivant à Bruxelles, elle n’incarne pas pour autant une nouvelle découverte belge, quoique…
Née entre Normandie et Bretagne, mais exilée dans notre capitale pour terminer son cursus scolaire, Claire Girardeau décide, diplôme en poche, d’y rester pour tenter de percer dans son domaine de prédilection, la chanson folk. Baignée lors de son Erasmus par les rythmes irlandais, c’est tout naturellement qu’elle se rapproche du chant traditionnel et du folklore celtes.
Un premier Ep plus que confidentiel ne la décourage pas. Et bien aidée cette fois par Marc Huygens (ex-Venus), elle réussit à enregistrer douze titres sur ce premier album. Bénéficiant de la collaboration de ses fidèles acolytes Charlotte Danhier au violoncelle et Cédric Van Caillie à la guitare, mais aussi d’un petit coup de pouce de quelques invités, dont Tuur Florizoone, Françoise Vidick (JOY) et Mathieu Catala (Balimurphy), notre Belge d’adoption atteint son objectif. Il en résulte une première œuvre intime, fragile, raffinée.
Portées par une voix pure et somptueuse, haut-perchée et profonde, ses douze chansons sont autant de compositions intemporelles, tantôt emplies de simplicité, tantôt minutieusement arrangées.
La réussite est au rendez-vous. Les guitares et le violoncelle, se partagent seuls le pouvoir de véhiculer ces mélodies délicates.
Premier véritable essai gentiment transformé pour ‘notre’ adoptée, longuement bercée par les guitares des Dylan, Neil Young et autre Joni Mitchell qu’écoutaient ses parents dans les brumes qui cachent parfois le Mont Saint-Michel.
David Lynch cherche de nouveaux horizons pour chouchouter son cher public. Il choisit donc de se laisser choir dans la chanson. Charmante idée à priori! Changeant de ton sur chaque piste, l’une chassant l’autre comme on jetterait un chat noir tel un chiffon dans une chasse aux sorcières. Certains se sentiront chagrinés par ces enchaînements peu chatoyants, d’autres déboucheront peut-être le champagne et chantonneront : ‘Lynch est un génie, un champion toutes catégories’. Mais cet album est plutôt charcuté et digne d’un charlot que chargé et blindé comme un char prêt à écraser chaque obstacle sur son chemin. « Crazy Clown Time » fait chuter le cinéaste au rang de charlatan. Il nous sert du réchauffé, il ne chamboule pas le monde musical. Il a versé dans un chaudron de vieilles chaussettes usées qu’il espérait changer en chant chaleureux. C’est quelque peu le chiche-kebab. On ne sait pas trop ce qu’on peut trouver dedans. C’est de la chirurgie, on rafistole. Mais nous ne sommes pas de vulgaires chameaux qui peuvent être chahutés au bon vouloir des chacals qui les entourent, il faut que l’on puisse s’abreuver aux bonnes sources. Dès lors, si son challenge était de chambarder, ce vieux charognard n’a pas raté son coup. Son disque est bien chaloupé, il nous fait même parfois un chouia chanceler, il nous chatouille les tripes. Mais cet ensemble parait aussi chétif qu’un château de cartes. Si un chasse-neige passe par-là, il aura vite fait de chaparder la place de David Lynch.
« Crazy Clown Time » est une allitération musicale (vous savez cette répétition de sons dans une phrase ou un texte). C’est indiscutablement un exercice de style, mais je vous laisse juger si c’est poétique ou si, au contraire, c’est d’une lourdeur profonde.
Ce premier Ep marque les débuts de Manatee, groupe issu de Normandie, créé en 2009. Le trio de Caen (Maxime Marais, Tiphaine Moreau et Charlotte Paiola à la voix) a fait sensation au festival Nördik Impakt, en 2010. Manatee est à la fois un fleuve des Etats-Unis et le nom anglais d’un mammifère marin, mais il s’agit surtout ici d’un clin d’œil adressé à Animal Collective et leur album « Danse Manatee ».
Ce que les Français ont gravé là, c’est de la pop acidulée et rafraîchissante dans la veine des Cranberries ou des Cardigans. Du moins pour les deux premiers titres. L’Ep s’ouvre sur « Blind night Travel », au rythme entraînant et enivrant. « Reflection » est sans conteste le meilleur morceau de l’elpee. Gâce à la sensibilité et la simplicité de sa mélodie. C’est magique, scintillant, comme un manège de chevaux de bois qui prendrait son envol. La chanteuse nous envoûte en anglais sur des rythmiques électro. « The one » et « Sponge » nous invitent à plonger dans le monde sous-marin à l’aide de sonorités aquatiques, organiques, parfois un peu agaçantes. Ces deux derniers morceaux plus artificiels, déstructurés et synthétiques ne plairont peut être pas au plus grand nombre, mais font de Manatee un groupe à part sur la scène pop.
Gageons que le trio continuera sur sa lancée prometteuse et nous proposera prochainement un album complet plus jusqu’au-boutiste dans son approche.
Contrairement à ce qu’on pourrait croire, Mina May et l’actrice porno du même nom n’ont aucun point commun. Enfin, presque, puisqu’on ne décèle rien que de la testostérone chez ce quatuor toulonnais formé en 2000 : Antoni (basse-claviers-guitare), El Pulpo (batterie), Kriss Baritone (guitare) et Flashing Teeth (voix, guitare, claviers). Après avoir accordé des centaines de concerts, un premier album éponyme sort en 2008, puis un remarquable Ep (« Skylarking »), l’année suivante. La formation décide alors de partir et de s’évader pour mieux se retrouver. Leur année passée ensemble à Montréal a donné naissance ce 15 novembre à « Everything was beautiful and nothing hurt », un opus publié sur le label indépendant Pacinist / Almost music.
Un album puissant, qui démarre sur les chapeaux de roue, en balançant des sonorités à la Ghinzu. Excusez du peu ! La suite ne déçoit pas. C’est du rock, du vrai, toutes guitares électriques dehors et ambiances psyché empruntées aux Doors. C’est enivrant, hypnotique. La façon de chanter (en anglais) de Flashing Teeth n’est pas sans rappeler les années New Wave. Siouxsie, tout particulièrement. Mais la voix proprement dite ressemble à celle de Frank Black, des Pixies. Une sacrée référence encore ! Le cinquième morceau marque une rupture nette et soudaine. « Everything was beautiful and nothing hurt » est beaucoup plus électro, la voix est plus présente et plus torturée. Un bijou. « Visitor » a des allures de longue litanie déstructurée, davantage parlée que chantée. Sur « Think Twice », on retrouve le style autrement plus rock du début de cet elpee. Les guitares de « Nails on stainless steel » sont stridentes, presque dérangeantes pour qui serait sensible aux acouphènes. « Rising sun » nous permet de planer pendant 6 délicieuses minutes électro. Et nos boys psychédéliques concluent par « In the turmoil », lors d’un mélange rock et synthés vintage qui résume bien leur style, souvent comparé à celui de Radiohead, à très juste titre.
Bref, un disque riche, ambitieux, intéressant, intelligent et qui brasse une multitude d’influences. Ne passez pas à côté de cet elpee typiquement anglo-saxon et pourtant bien français. Un grain de folie et beaucoup de talent. Et plus on écoute, plus on aime, vous êtes prévenus !
Miossec n’est certainement le plus poétique des paroliers francophones, mais appartient sans aucun doute à la catégorie des plus directs! Il n’enrobe pas ses paroles d’un doucereux emballage ! Ce n’est pas nécessaire pour donner le goût au travail du Brestois. Ses « Chansons Ordinaires » perpétuent sa tradition. Pas question de déroger à la règle. Mais soyons honnêtes, ses coutumes musicales ne métamorphosent pas Christophe Miossec en artiste transcendant. Ce huitième opus va contenter son public déjà acquis à sa cause, mais aura du mal à en conquérir un nouveau. Les textes sont pour la plupart relativement faibles, faciles. Les mélodies manquent de renouvellement. Et on ne rencontre pas sur ce disque les plus grandes compos de l’auteur-compositeur-interprète français. Là où il y a un véritable effort, c’est sur le titre qu’il a adopté. C’est en effet un record de longueur qu’il a établi en choisissant « Chansons Ordinaires », puisque jusque là, celui qui dénombrait le plus de lettres était « A prendre ». Je me moque un peu parce que les chansons sont intitulées de manière un peu simpliste (« Chanson que personne n’écoute », « Chanson pour les amis », etc.). L’origine remonte à l’entre-deux guerre où les chansons avaient toutes une fonction et étaient baptisées par rapport à celle-ci. Mais n’éternisons pas cette chronique qui suscite aussi peu d’intérêt que l’elpee auquel il se rapporte.
Nouvel opus de Mr. Oizo, « Stade 2 » constitue un pur exercice de style comme peut si bien les produire Quentin Dupieux, depuis ses débuts. L’électron libre d’Ed Banger n’en fait jamais qu’à sa tête et sa nouvelle production ne déroge pas à la règle. Les beats délirants, distordus et puissants issus d’un cerveau passablement dérangé (si en juge ses films complètement barrés comme ‘Rubber’, sorti l’année dernière) sont toujours au programme. Le hit « Flat Beat » pour la pub de Levi’s lui a permis de bénéficier d’une grande liberté d’action et le Français ne s’en prive pas. Les 13 plages de « Stade 2 » aux titres loufoques (« Camelfuck », « Oral Sax » ou « Douche Beat ») oscillent entre house, rock et acid tout en s’offrant des samples souvent drôles. Pas la moins mélodie à l’horizon, mais de l’électro massif et percutant. Un album libre et irritant à la fois mais probablement jouissif lorsqu’on est dans un état second (« Stade 2 » ?) Evidemment, celui-ci n’est pas prêt de passer sur France 2 !
Après nous avoir permis de découvrir Astronautalis, responsable d’un superbe premier album chroniqué en ces pages la semaine dernière, le label yankee Fake Four Inc persiste et signe en nous livrant le second opus de Paranoid Castle. Deux petits bijoux sculptés dans un hip hop particulièrement novateur. Et franchement, dans le style, l’écurie se révèle la plus intéressante, pour l’instant. D’ailleurs, je dois avouer que depuis quelque temps, ma flamme pour le hip hop était occupée de s’éteindre. Et ce label américain, grâce à ces deux opus, vient tout simplement de ranimer les braises…
Paranoid Castle est né de la collaboration entre Kirky Dominant, un rappeur issu d’Oakland mais aujourd’hui établi à New York, et le producteur canadien Factor. Une association qui est née en 2003. Intelligents, ironiques, sarcastiques même, les lyrics abordent les relations humaines difficiles. Ils sont tour à tour chantés ou rappés par Dominant. Mais contrairement à ses condisciples du genre, il aborde ses thèmes avec beaucoup d’humour et d’autodérision. Et le tout est superbement soutenu par les beats et les samples de Factor. Un coup de cœur ? « Stacey Is Doing WAY Too Much », une plage qui baigne dans une atmosphère ‘bon enfant’…
Rafraîchissant, allègre même, « Champagne Nightmares » est un album à consommer sans modération.
Manifestement, pour l’instant la Cité du Doudou a le vent en poupe. Alors que Di Rupo vient d’être nommé Premier ministre, le duo montois Petula Clarck nous propose son second opus. Deux évènements qui n’ont aucun rapport, mais qui suscitent un certain intérêt. Voire un intérêt certain. Musiczine ne traitant pas de politique, nous nous concentrerons donc sur Petula Clarck.
Aucune crise identitaire chez Petula Clarck. Les deux enragés reprennent les affaires là où ils les avaient laissées il y a deux ans, lors de la sortie de l’excellent « Aye-Aye-Aye », un elpee qui leur avait permis de se faire connaître.
Dès le morceau d’ouverture, Petula Clarck prend le taureau par les cornes ou plutôt le dragon par la queue (comme tout bon Montois qui se respecte). La formule n’a pas changé. Quatorze morceaux chargés d’intensité et efficaces qui ne dépassent pas les deux minutes. Enfin, à l’exception de deux plages. Les riffs incisifs sont omniprésents. Les drums convulsifs et frénétiques. L’énergie est communicative. Et sans s’en rendre compte, les pieds battent la mesure, tandis que la tête suit le mouvement. Différence quand même, les cris sont moins présents… Autant dire que si vous ne parvenez pas à vous contrôler, dans le métro, les gens vous regardent de travers. D’ailleurs, j’aspire à assister à un de leurs sets, afin de pouvoir gesticuler, en toute tranquillité.
Bref, si chez Petula Clarck, le style est de mieux en mieux maîtrisé, il serait peut-être souhaitable que le groupe commence à se remettre en question. Afin de ne pas épuiser le filon jusqu’à le rendre stérile. Et ainsi nous réserver de futures et bonnes surprises…
Originaire de Glasgow, Rustie militait, à ses débuts, dans l’univers du hip-hop. Puis, il a décidé de s’orienter vers l’électro. Et grand bien lui en a pris, car pour un premier opus, le jeune musicien vient de frapper fort. Non seulement, il affiche une grande maîtrise du ‘beat’, mais il possède un art inné pour développer des mélodies house.
L’elpee s’ouvre par "Glass Swords", une plage qui baigne de manière assez surprenante, dans les sonorités tribales. Mais au fil des écoutes, on se laisse emporter par le rythme, d’abord endiablé, puis finalement irrésistible. Ce qui autorise une comparaison avec une légende du genre, Daft Punk.
Particulièrement agréable à écouter, "Surph" déborde d’énergie. Et "Hover Traps" aurait pu devenir un tube s’il avait pu bénéficier d’un refrain contagieux. N’empêche, sur le dance-floor, il devrait mettre tout le monde d’accord. Enfin, celles et ceux qui ne jurent que par l’électro pure et dure ; car pour les non-initiés, ce style risque fort de devenir rapidement lassant. Chacun ses goûts !
Bref, « Glass Swords » est un LP qui se révèle, dans son ensemble, fort réussi. Une étoile montante de l'électro à surveiller attentivement. Et une nouvelle fois, la preuve que le label Warp a toujours le nez creux…
Ty Segall est un artiste un peu fêlé. Mais son talent est indéniable.
Relativement moins sauvage que ses précédents essais, « Goodbye Bread » explore le côté le plus pop du jeune prodige californien. Il affiche ici une forme de maturité inattendue, bien loin des volées de bois verts lancées à la face d’un monde en perpétuelle recherche d’un diamant brut à polir. Et pour y parvenir, il a décidé de piller avec grâce et élégance sa collection de disques les plus incandescents.
Pointant son « Revolver » droit sur la cible, il tire à bout portant dans le garage de ses grands parents. Insaisissable, il s’offre ainsi le portrait de Beck et dégomme le fantôme de Jay Reatard avec insolence.
Jamais trop propre sur lui, iconoclaste et adepte d’une cool attitude irrésistible, le gaillard nous livre ici un digne successeur à son « Melted », maintes fois plébiscité par les férus de Rock sixties bien crade et un rien barré.
C’est un sacré bon disque au cours duquel, sous ses allures foutraques, l’artiste dissimule mal une certaine révérence à ses aïeuls. Mais comme il affiche avec un tel aplomb, une telle fougue et même une telle candeur, on ne saurait que (se) (ré)jouir pleinement d’un tel bonheur…
Pour introduire cette interview, on va simplement vous rappeler l’essentiel de ce que vous avez déjà lu ou entendu, dans la presse spécialisée ou non, au sujet de “Liquid love”, le 3ème opus de The Experimental Tropic Blues Band. Cet elpee a donc été enregistré sous la houlette de Jon Spencer. A New York. Au sein des studios de Matt Verta Ray (Heavy Trash). Et pas de prises digitales, mais comme autrefois, analogiques. Deux ou trois maximum. Afin que les compos soient les plus spontanées possibles. Le titre de l’album ? Inspiré d’un club de rencontres entre ‘blacks’, sis sur la Bedford Avenue, au sein duquel, Jon les avait invités. Un choix judicieux, puisque les lyrics parlent de sexe et de fantasmes. Et le reste, on vous invite à en prendre connaissance, en compagnie de Jeremy, alias Dirty Wolf, rebaptisé Dirty Coq, qui nous a accordé cet entretien à Liège, deux jours après le concert du trio, accordé au Magasin 4 de Bruxelles, c’est-à-dire ce 26 novembre.
Et inévitablement, il était intéressant de savoir comment s’était déroulé leur set. Réponse : « Perso, j’ai vraiment pris mon pied, comme je ne l’avais plus pris depuis longtemps ; enfin je veux dire comme je le prends rarement. En tous cas, sur la scène, c’était très bien, très intense aussi. Maintenant, je n’étais pas au sein du public. Mais après le concert, j’ai croisé de nombreux spectateurs qui m’ont avoué avoir adoré notre prestation. Et toute la soirée, dans son ensemble, s’est parfaitement déroulée. Une affiche très rock ’n roll, entamée par les Magnetix et clôturée par DJ Ponpon et Bronco Billy. Une belle fête, du début à la fin. Partagée par le public… »
On entre maintenant dans le vif du sujet. Et tout d’abord le recours aux bandes analogiques, lors des sessions d’enregistrement. « C’est différent. On n’avait jamais enregistré sous cette forme. Et au début, on a été un peu effrayés, parce quand tu te plantes, tu te plantes. Tu ne sais pas rectifier les erreurs aussi facilement qu’en digital. Bref, tu disposes de bien moins de marge d’erreur qu’en numérique. Mais finalement, les sessions se sont plutôt bien déroulées. En y laissant nos qualités et nos défauts. Et puis on y a gommé toutes les fioritures. Ce qui rend le disque plus humain… La différence entre l’analogique et le numérique ? C’est que l’analogique, ce n’est pas parfait. Et c’est dans l’imperfection que se fait la perfection. La magie, en tout cas. C’est dans l’imperfection que la magie prend naissance… » Pourtant, les trois musicos sont des éternels insatisfaits. Aussi, avec le recul, qu’auraient-ils changé à cet album, maintenant qu’ils ont eu le loisir de le réécouter ? « Bonne question ! Parce que lorsque tu as réalisé deux albums, tu cherches à ce que le suivant soit parfait. Que les vocaux soient impeccables. De ne pas faire une seule erreur, même au niveau du rythme. Et là on s’est retrouvé en studio, en compagnie d’un mec qui nous dit d’y aller à fond ; et que si on se plante, c’est tant mieux. Et il y a des tas de morceaux où on s’est planté. Où ça sonne faux ou on pète une corde. Et il nous disait que c’était bon. Tu imagines, après ces incidents, on était un peu interloqués, en se demandant s’il n’était pas dans l’erreur. Je crois que c’était en mars que nous étions en studio (NDR : il s’adresse à JF, qui opine de la tête) ? Après ce laps de temps, on a un peu digéré cette aventure. Et finalement, je pense qu’il avait totalement raison de nous pousser vers la déglingue. Car en ‘live’, c’est ce qui correspond à notre identité. Ce n’est pas parfait. C’est même loin d’âtre parfait. Notre musique passe plutôt dans l’énergie et dans l’émotion. Et c’est ce qu’il a voulu reproduire en studio. Il a récupéré notre énergie et notre émotion pour l’immortaliser sur un support. Finalement, je n’ai aucun regret. Et je ne changerai rien à ce disque, parce que Jon a vraiment bien fait son job… » Alors, à l’avenir, le groupe a-t-il déjà une petite idée du prochain producteur, en compagnie duquel, il aimerait travailler, pour enregistrer leur futur elpee. La réponse fuse : « Le prochain ? Ce sera nous trois. Parce qu’en enregistrant ce disque, on a appris énormément. Vraiment. Aujourd’hui, nous sommes suffisamment mûrs pour se charger de ce boulot. Nous ne serons plus dans nos petits souliers, quand on pénètrera dans un studio d’enregistrement. Nous ne serons plus honteux, parce qu’on n’est pas super bien en place. C’est cette spontanéité qui va faire notre force. Et on sera tout aussi bien capable de la traduire sur un support… »
Jon Spencer a produit l’elpee. Mais s’est-il également investi au niveau instrumental. Un peu de theremin ? Des claviers vintage ? Des interventions à la guitare ? Ou quoi encore ? « Il ne joue pas de claviers, mais c’est lui qui nous a proposé d’en jouer. Des idées un peu improvisées. Il imitait un motif de la voix. Et après il fallait le reproduire. Puis on recherchait les notes avec lui. Et quand c’était à son goût, on pouvait foncer. C’est vrai que le clavier, c’est pas habituel chez les Tropics. Mais c’est aussi la raison pour laquelle on lui a demandé de produire le disque. Afin d’avoir des idées qui sortent de l’ordinaire. Avant de le rencontrer, ce genre de fantaisie ne nous aurait même pas effleuré l’esprit… Et il n’y a pas de theremin. En fait, ce sont des sonorités produites par les nouvelles pédales de disto. Après les avoir enclenchées, il suffit de moduler le bouton de volume pour obtenir le même résultat. Par contre, oui, il joue de la guitare ; et notamment sur ‘Do it’. C’est lui qui se réserve le solo. Sans quoi, il participe essentiellement aux chœurs et aux voix criées… »
Un détail qui permet de passer au chapitre suivant. L’analyse des plages de ce ‘Liquid love’. Dont la compo la plus influencée par Jon est manifestement ‘Nothing to prove part 2’. Pas dans l’esprit du Spencer, mais plutôt de Pussy Galore. « Tout à fait. Parce qu’il n’était pas convaincu du refrain proposé par Jean-Jacques. Et il lui a proposé une autre ligne vocale. Et elle est clairement estampillée Jon Spencer (NDR : il la reproduit au chant). Je veux dire très rythmique… » Quant à ‘Keep this love’, c’est incontestablement la compo la plus radiophonique de l’opus. Un peu ragtime, très country & western, mais sous une forme qui peut rappeler Johnny Cash. Jeremy acquiesce : « Johnny Cash, Buddy Holly. Ces légendes issues des 60’s. Un peu, c’est vrai. Et c’est assez curieux, car quand on l’a enregistré, on n’y pensait même pas. On a limité l’instru à une gratte, un harmo et une boîte à rythmes. Mais c’est après l’avoir enregistré qu’on s’est seulement posé des questions. Enfin, c’est Jon qui nous a dit que cette compo lui rappelait Johnny Cash. Mais c’est aussi lui qui a voulu qu’elle sonne ainsi. Car la musique, ce n’est qu’une question de son. Je veux dire que si quelqu’un d’autre enregistrait cette chanson, elle ne ressemblerait pas du tout à du Cash ou du Holly… » Après l’entretien, dans la voiture qui me reconduisait au centre de Liège, je me suis quelque peu entretenu avec JF. Justement au sujet de cette compo, qui pourrait, vu son sens mélodique, passer en radio. Et même faire un hit. J’ai donc été très étonné d’entendre que chez Pure FM, on estimait que le son n’était pas assez propre. Sans commentaire…
Lors des sessions, le trio a donc eu recours à une boîte à rythmes, on vient d’en causer, mais aussi à l’électronique, malgré l’immortalisation sur bandes analogiques. Et c’est manifeste sur ce fameux ‘Do it to me’, dont nous parlions en début d’interview. Mais sous une forme épileptique, abordée dans l’esprit de Suicide. « Encore une fois, et je le répète, lorsqu’on a composé ce titre et quand on l’a joué, on ne ressentait pas cette influence. Elle est apparue postérieurement. Jon nous avait confié, que si jamais, pour un morceau, nous souhaitions emprunter une certaine direction, de lui signaler. Il voulait qu’on lui cite des noms d’artistes. On lui a lancé, Suicide, Alan Vega. En fait, je pense que nous avons émis cette idée au même moment. C’était comme une évidence. Et sur cette piste, il y avait un long passage au cours duquel il y avait comme un vide. On se demandait ce qu’on allait bien pouvoir y insérer. Alors Jon a pris sa guitare et a branché son ampli. Il a joué un solo. Il nous a demandé si son intervention nous bottait. Et puis de la reproduire. On n’a pas insisté, on lui a répondu que la sienne était impeccable… » Les deux titres les plus frénétiques du long playing sont ‘Break up’ et ‘Sex games’. Dignes de Bad Brains. Un pur hasard, car finalement, ils ont été initiés par le drummer qui adore ce type de rythme. Par contre, après avoir écouté ‘Worm wolf’ et ‘Holy peace of wood’, il est clair que le groupe a cherché le lien manquant entre Captain Beefheart et Prince. « Très bien vu ! En fait pour ‘Worm wolf’, l’idée est née en studio. La compo n’aurait pas dû être enregistrée sous cette forme ; on devait uniquement entendre ma grosse voix (NDR : il la reproduit, à titre d’exemple). Mais lors de l’enregistrement, il en fallait une ‘témoin’. Et simultanément, en ‘off’, je chantais faiblement, de manière aigüe. Et Jon a dit que ça tuait. Qu’il fallait utiliser ma voix sous les deux formes. Quand au funk, il touche surtout ‘Holy peace of wood’. Une rencontre entre Prince et Captain Beefheart ? C’est ce qui s’est dit à New York… » Si le meilleur burger se prépare avec un gros morceau de punk, saignant à souhait, en y mettant beaucoup de sauce piano dessus, on se demandait quand même où les Tropics étaient allés pêcher un titre comme ‘TETBB Eat Sushi’. Pas au Japon, en tout cas ! Jeremy s’adresse à JF : « Dis tu l’as briefé avant ? » JF répond par la négative… Et notre interlocuteur de poursuivre : « Au départ ce morceau était instrumental. Et il n’avait pas de titre. En fait, tous les midis, Jon nous emmenait dans un resto différent de New York. Et nous sommes allés manger des sushis. Bref, lors de l’enregistrement de ce morceau, il a indiqué sur une pancarte, ‘TETBB Eat Sushi’. Il l’a brandie, derrière la vitre ; et il nous a dit, c’est ce que vous allez déclarer dans la chanson. Il ne nous l’a même pas proposé, mais imposé… »
Alors, ‘Liquid love’, album charnière ou simple exercice de style ? C’est vrai qu’il est moins blues, plus roots et surtout sujet à des influences inhabituelles pour les Tropics. La question méritait quand même d’être posée. « Album charnière, parce que je pense qu’on s’est déplacé à New York pour l’enregistrer et qu’on s’est imprégné du climat de la ville. De sa puissance. Et puis on a enregistré en compagnie de quelqu’un qui est assez connu dans le milieu underground. C’est ce qui nous a permis de franchir une étape. Enfin, je ne sais pas. Peut-être qu’auparavant, nous étions dans une situation de recherche. Et elle nous a permis d’aboutir à cet album. Nous ne sommes pas un groupe qui proclame jouer du blues ou du rock. Notre éventail d’influences est tellement large. On ne se focalise pas sur l’une d’entre elles tout particulièrement. On répète. On interprète naïvement nos morceaux et puis on les enregistre. C’est tout. Bien sûr, ce disque est beaucoup plus dur, plus rock’ n’roll aussi. Mais ce n’était pas conscient au moment de créer les morceaux. On les a composés, suivant le processus habituel. En répète, on crée un riff. Et il sert de base au morceau. Ensuite on passe au suivant. Maintenant, il est probable que nous allons prendre cette direction, par la suite. Enfin, je n’en sais trop rien, si ça tombe, on va s’engager dans une voie plus électro (rires)… »
Et Jeremy a confié un scoop à Musiczine. Pas le fait qu’il soit bleu du dernier album de Tom Waits. « Il me troue le c**. C’est un pote qui m’a informé de sa sortie. Il n’était pas trop emballé. Or, je possède tous ses disques en vinyles. Je suis allé l’acheter, simplement pour compléter ma collection. Et j’ai pris une claque comme c’est pas possible. En fait, si je l’apprécie autant, c’est sans doute parce que mon ami m’avait dit qu’il n’était pas terrible. C’est comme lorsque tu vas au cinéma voir un film que l’on t’a vivement conseillé. Faut que t’aille le voir ! Et quand t’es devant l’écran tu déchantes. Il n’est pas à la hauteur de tes attentes. Parce que tu es influencé. Et là, à l’inverse, l’avis négatif a rendu mon opinion positive. C’est mon disque de chevet, car il baigne dans un univers remarquable, unique en son genre. Et chez les Tropics on essaie de créer le nôtre. Je trouve que le plus important, dans la musique, c’est d’incarner un univers. Peu importe comment tu y parviens, avec ton corps, ton cul, ta bouche ou en te frappant dessus, l’essentiel dans la musique c’est d’incarner un univers. » On en vient quand même au scoop : « En fait, après les sessions, il nous restait encore deux jours à passer à New York et Jon m’a demandé d’enregistrer ma voix sur un morceau de Heavy Trash. Attention, il m’a précisé qu’il ne savait pas si mon intervention figurerait sur la version finale. C’est à l’état de démo. J’y parle de sexe (NDR : on y revient !), mais en français, pendant 2’30, à la manière de Serge Gainsbourg. C’est ce qu’il souhaitait. Touchons du bois pour que ce soit sur le disque… »
(Album « Liquid Love », paru chez JauneOrange ce 14/11/2011)
C’est grâce à de grands rôles au cinéma que l’image de Thomas Alan Waits s’est inscrite à l’encre indélébile dans la mémoire collective. Une forte personnalité qui sera magistralement exploitée par Jim Jarmusch dans les cultissimes « Down by law » et « Coffe & Cigarettes ». Une filmographie exceptionnelle où le musicien américain côtoie les grands noms du cinéma : Francis Ford Coppola, Terry Gilliam, Wim Wenders, Robert Altman… Excusez du peu !
Du coup, on en oublierait presque que ce pionnier du rock alternatif est avant tout un auteur-compositeur, un musicien et un chanteur de talent. Un artiste qui traverse le temps avec un je ne sais quoi d’indéfinissable mais néanmoins fatal, définitif, inexorable. Songez donc : plus de 38 ans de carrière et 17 albums studio.
Sept ans après avoir publié son dernier opus (« Real Gone » sorti en 2004), Tom Waits reprend les chemins du studio pour nous régaler d’un dix-septième essai. Un treize titres voluptueux qui ne ménage pas les sens et les enlise, les vautre dans les bas-fonds crasseux des grandes villes américaines. Ainsi, « Bad As Me » tisse une atmosphère inouïe, de celles qui vous suffoquent, vous prennent à la gorge et vous étouffent l’âme. Dès la première piste, Waits balance un ‘Chicago’ blues-rock à la voix rocailleuse et enragée. Quelques crachats, quelques vomissures plus tard, et c’est votre corps tout entier qui erre dans les ruelles glauques du Old Chicago. Un album intense porté par une voix unique qui aurait été trempée dans un fût de bourbon, séchée et fumée pendant quelques mois, puis sortie et renversée par une voiture. Et magnifiquement sublimé par les coups de griffes de Marc Ribot à la guitare.
Une première partie principalement baignée dans un rock-blues dense qui se métamorphose, qui changera progressivement de ton pour chavirer dans les univers contrastés du jazz et du blues (« Talking At The Same Time » et « Kiss Me »), se cloîtrer dans un spoken word au romantisme déglingué (« Back In The Crowd » et « Last Leaf ») ou se teinter d’une voix de crooner corrodée (« Kiss Me »). Ne craignez rien, le tempo n’émousse nullement la plume cynique du portraitiste du bizarre. Elle continue de peindre, de sa pointe aiguisée et trempée dans l’acide, les traits de personnages et de lieux miteux. Paradoxalement, le ton, s’il est mordant, n’en demeure pas moins chaleureux et triste.
Soulignons tout particulièrement le magnifique « Bad As Me ». Un morceau au bord de la crise d’épilepsie où le chant est enragé et les orchestrations chaotiques. Soit 3’10’’ de pure folie contagieuse. Délicieusement insane !
Bref, ce dernier album se présente globalement comme une œuvre charnière dans la carrière de Tom Waits. Une musique qui indique une direction nouvelle sans jamais oublier de regarder en arrière. Une plaquette dont l’artiste soigne davantage les orchestrations et dans laquelle il offre incontestablement la plus belle voix de sa carrière.
S’achevant par « New Year’s Eve », « Bad As Me » s’affiche indéniablement comme une idée précieuse de cadeau de fin d’année. N’hésitez pas, c’est un excellent cru Waits !
La charmante Alys a plus d’un tour dans son sac. Dotée d’une voix douce pleine d’innocence, cette jeune à la French Touch assure un sacré coup de balai aux chansons actuelles tout au long de son premier opus, “ Happy Days”. D’une fraîcheur hors pair, en quelques notes, elle arrête le temps et ouvre les portes de l’évasion. Ses chansons donnent envie de courir pieds nus dans l’herbe couverte par la rosée du matin, pour ensuite les réchauffer, sous un soleil dont les rayons se déposent timidement sur notre peau.
Alys, c’est un style s’imposant dans la même lignée que Cœur de Pirate.
Dans un répertoire anglophone, les chansons s’interprètent de manière joyeuse mais laissent exprimer des textes aux thèmes plutôt sombres. Y sont ainsi abordés des sujets tels que l’anorexie sur “Anna”, la relation homme-femme interprétée de manière humoristique dans “Time”, mais aussi les difficultés du deuil traduites à travers “ Overseas”.
“Happy Days” est donc très éclectique et nous offre une autre manière d’aborder les sujets qui fâchent en coloriant les mélodies de tons pastel.
Alys, magicienne? Peut-être, en tout cas, elle a de quoi donner le sourire tant sa simplicité se propage comme des petits papillons qui viendraient nous chatouiller les oreilles, afin de nous réveiller de se doux rêve incarné par cet album.
Décidément, Bradford Cox est insatiable. Un an à peine après avoir publié « Halcyon Digest », un quatrième opus (NDR : magnifique, il faut le rappeler !) sous le patronyme de Deerhunter (NDR : dont il est le leader incontesté), Bradford Cox nous propose le troisième volet de son projet solo. Un projet solo qu’il a baptisé Atlas Sound. Et un nouvel elpee qu’il a intitulé « Parallax ». Ce concept individuel, il le consacre aux explorations sonores qui collent moins bien à son vaisseau amiral. Les plages baignent davantage dans l’‘ambient’. Elles sont résolument plus ténébreuses et mélancoliques. Sa voix est toujours aussi étonnante, mais elle est ici moins chargée d’effets. Le son et plus propre. Donc plus facile d’accès, même si plusieurs écoutes sont nécessaires avant de totalement s’imprégner de l’œuvre.
Les 12 morceaux sont signés par Cox. Lors des sessions d’enregistrement, il a cependant reçu le concours de quelques collaborateurs. Plus léger, plus pop, dans un style réminiscent des Kinks, « Mona Lisa » bénéficie ainsi de la participation d’Adrew VanWyngarden de MGMT au piano. Le troublant « The Shakes », de Carrie-Anne Murphy au saxo et « Praying Man », de Paul McPherson à la batterie. Et si « Angel is Broken » baigne également dans la pop, le disque recèle une majorité de complaintes psychés et mélancoliques, à l’instar du remarquable final « Lightworks », une compo plongée dans une reverb’ surprenante…
Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que l’illustration très 50’s de la pochette a été conçue par Mick Rock, artiste célèbre pour avoir immortalisé sur pellicule des légendes comme David Bowie, Blondie et Lou Reed. Bradford Cox marcherait-il sur leurs traces ?
Après avoir vu, à plusieurs reprises, cette bande de loufoques norvégiens en concert, je m’attendais à découvrir un album trempé dans l’électro-pop vintage, mais à l’humeur résolument positive. Déçu ? Pas le moins du monde ! Sans faire de bruit, les jeunes Scandinaves commencent à s’imposer comme le pendant nordique de Metronomy. Leur pop nappée de synthés ne manque, en tout cas, pas de charme. Un charme qui exerce ses effets tout au long de l’opus au titre improbable : « Aabenbaringen over Aaskammen » (NDR : traduisez par ‘La Révélation sur la Montagne’).
Il s’agit de leur troisième elpee. Les textes sont interprétés dans la langue du pays. Mais sous une forme éthérée. Un choix qui accentue l’aspect mystérieux des compos. Si « London Zoo » évoque Hot Chip, en général, les plages baignent dans une certaine douceur. Mélodique, bien sûr. Parfois en épousant des rythmes caribéens, dans l’esprit de l’illustre Suédois Jens Lekman (« Dresinen »). Ou encore en parvenant à la traduire dans des morceaux dansants absolument imparables. Des exercices de style que Casiokids accomplit, sans jamais glisser dans le kitsch, malgré les fameux claviers vintage. Et le single « Det Haster ! », en est certainement le plus bel exemple.
Depuis qu’il a opéré un remixe du morceau « No Protection », pour le compte de Massive Attack, Neil Joseph Stephen Fraser, alias le Mad Professor, s’est montré plutôt discret. Il est de retour aux affaires, pour un projet, ma foi, fort sympathique. Et pour cause, il a décidé d’adapter à la sauce dub, sept morceaux de l’ensemble colombien Frente Cumbiero. Drivé par Mario Galeano, Frente Cumbiero est spécialisé dans le doux exercice de la ‘nueva Cumbia’, un style latino privilégiant les cuivres, les maracas et les bongos, mais qui intègre également des éléments hip-hop.
Les Colombiens ouvrent le bal par 7 morceaux originaux avant que l’anglo-guyanais n’entre dans la danse. Evidemment, les versions primitives sont plus excitantes, évoluant entre tradition et modernité. Qu’elles soient dynamisées par la rythmique endiablée (« Bestiales 77 »), hantées par un esprit hip-hop (« Ariwacumbé ») ou tapissées de cuivres (« La Bocachico »). Mais lors de ses exercices de style, le vétéran britannique s’en tire plutôt bien, nous proposant des relectures enfumées des morceaux sud-américains. Le professeur fou a encore frappé !
Il faut bien avouer que l’Autriche n’est pas le pays le plus rock’n’roll d’Europe ; et on doit chercher loin ou être un fin connaisseur pour retrouver la trace d’un groupe autrichien. Bien sûr, si on parle de musique dite ‘classique’, les valses de Vienne signées Strauss ont de quoi séduire. Joseph Haydn et Franz Schubert, y sont nés. Mozart et Beethoven y ont vécu et y sont morts.
Les spécialistes du métal vous parleront certainement de Belphegor. Mais pour le reste, la scène au pays du ‘Beau Danube bleu’ est fantomatique… Pourtant Killed by 9v Batteries est actif depuis 2002, même s’il a connu une période de pause. Il est issu de la capitale. Et semble surtout inspiré de l’indie-rock des années 90. Mozart à laissé la place à Sonic Youth, Dinosaur Jr. ou encore Pavement. Les sonorités de guitares stridentes, parfois bruitistes, rappellent les superbes supplices infligés par Thurston Moore à sa six cordes. La voix fait irrémédiablement penser à Stephen Malkmus. Autant dire que « The Crux » est un condensé de références aux 90’s ; et on ne s’en plaindra pas. Certes Killed by 9v Batteries n’a rien inventé ; mais sa musique est particulièrement jouissive pour les tympans. Bref, cet elpee s’adresse surtout aux trentenaires (et plus si affinités) nostalgiques de ce style, mais également aux plus jeunes qui n’ont pas connu cette période si faste.
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