A l’instar de Fela Kuti au Nigéria, Ebo Taylor est un véritable Dieu chez lui, au Ghana. Véritable institution du high-life, un style lié au colonialisme fusionnant guitares portugaises, fanfares, rythmiques africaines et calypso caribéenne. C’est durant les années 50 et 60 que ce guitariste hors pair est parvenu à faire trembler le Ghana au son de sa musique endiablée teintée d’afrobeat.

Parti étudier à Londres en 1962, Ebo Taylor fonde le Blackstar Highlife Band et tente d’y propager des semences de jazz. De retour au pays, le monde s’arrache les services de Taylor. Il devient alors très vite arrangeur et producteur pour le label Essiebons.

En 2010, Strut publiait « Love And Death », dernier album studio d’Ebo Taylor composé, disait-il, pour promouvoir l’afrobeat et perpétuer l’héritage de Fela Kuti. C’est désormais toujours au sein de l’écurie teutonne que le Ghanéen sort cette double compilation réunissant ses plus beaux succès récoltés entre 1973 et 1980.

« Life Stories : Highlife and Afrobeat Classics 1973-1980 » comble les tympans des soiffards en manque d’afrobeat et de rythmiques chaudes comme le soleil. Sur une période de 7 ans, Ebo Taylor a réussi à se surpasser jusqu’à obtenir une notoriété internationale. Pour preuve, même l’infect Usher a réussi à sampler un riff de « Heaven » pour son titre abominable « She Don’t Know » en compagnie de Ludacris. Mais bon, ça c’est pour la petite info. Car sur cette double plaque, qu’il soit en solo ou au sein des ses formations telles que The Apagya Showband ou encore Super Sounds Namba, Ebo Taylor range vite Usher au stade de vulgaire chanteur. C’est maintenant au Ghana qu’il faut se tourner car les pépites afrobeat se succèdent sans jamais que le cœur ne cesse de virevolter au son des guitares catchy et des cuivres soufflant les plus belles mélodies entre jazz et musique typique du pays des Blackstars.

En Afrique, Ebo Taylor est devenu un artiste incontournable, au même titre que Manu Dibango. Riche pour ses grands moments de musique, « Life Stories » est officiellement la bande son de l’été !

Eclatant, osé et euphorique, Animal collective triomphe ce soir sur les planches du Cirque Royal lors du concert le plus arty de cette édition 2011. Un show chaotique de plus d’une heure trente rendant hommage à la planète geek.

Le quatuor de Brooklyn (originaire de Baltimore) est réputé, cependant, pour la fâcheuse habitude de présenter une setlist expérimentale lors de ses prestations scéniques. Un spectacle hermétique de construction high tech truffé d’innovations, créations inédites dont l’essence s’adresse fondamentalement à un public averti. Pas d’album en vue pour les New-yorkais qui utilisent la scène comme champ expérimental à leurs futures compositions. Hormis « Brothersport » et « Summertimes Clothes », moments où le public exulte réellement, le concert est laissé à la découverte. Un Crash test musical, utilisé de plus en plus souvent par de nouvelles formations, visant à mesurer l’interactivité du public avant de construire le tracklisting de leur prochain opus (NDR : procédé partiellement utilisé par Moriarty, ce mardi 17 mai, aux Nuits Botanique).

Comment décrire un chaos artistique en quelques lignes ? Tâche ardue s’il en est. Que nous allons tenter de démêler…

Techniquement, rien à dire, Animal Collective est une merveille. Un véritable défi à toute forme de gravité sonique. Un brouillon chaotique sous haute surveillance et merveilleusement maîtrisé. Si le quatuor nous suggère l’impression d’écouter quatre morceaux à la fois, il sait précisément vers quel espace sonore tout ce bruit se dirige. Il érige des perspectives multiples dont les lignes de son fusionnent peu à peu et convergent finalement. Une musique ancrée dans son époque et copieusement inspirante. 

Malgré des artifices visuels plutôt faibles, quatre hommes plantés en rang d’oignons dans un décor minimaliste, un écran géant projetant des images psychédéliques plutôt ordinaires et un jeu de lumière quasi inexistant, le quatuor parvient pourtant à créer des mondes parallèles et à porter le public vers la lévitation.

Côté salle, rien à dire, la fosse du Cirque est conquise. Difficile de lutter contre les transes électro-chamaniques du groupe. Lorsque le batteur-chaman Panda Bear lance un chant indien d’une voix énigmatique, l’audience, le diable au corps, se laisse emporter sur des danses tribales hypnotiques. Une deuxième partie de set truffée de morceaux délicieux accompagnés parfois de rythmes vocaux afro transcendants. Animal Collective accélère alors la dérive des continents et invite l’oreille à se heurter à des sonorités surprenantes venant d’Inde ou d’Afrique. Un psychélectro étonnant mélangeant les cultures et les époques et parfaitement apte à passer aisément de rythmes tribaux compulsifs à une musique psyché-rock plus classique.

La mécanique des ‘Animal’ n’est pas toujours évidente à déchiffrer. Un mélange d’arythmie logique et de précision chirurgicale qui fait souvent mouche. Une musique qui interroge le futur et bouscule le présent. Une recette qui atteint sa cible depuis plus de dix ans et régale régulièrement le public. Pourtant, ce soir, Animal Collective n’a pas vraiment convaincu la masse. Le piège du succès du phénomène trendy, dont le rock expérimental, ne se refermerait-il pas inexorablement sur la vague qui le porte mais l’érode peu à peu ? A suivre.

Animal Collective                   

Alors que le chapiteau vibre aux sonorités des groupes pop-rock belges et français, votre serviteur a décidé de se rendre au Grand Salon, une salle habituellement consacrée aux expositions, et aménagée pour la circonstance. Surprise, en pénétrant dans cet espace, la scène a été installée au milieu. Elle est entourée de canapés et de sièges. De quoi baigner l’atmosphère dans une ambiance cosy.  

Projet solo de Yann Tambour, (Thee,) Stranded Horse ouvre le bal. Un artiste qu’on avait déjà eu le loisir de découvrir au sein du groupe français de post-rock, Encre. Le public est attentif et silencieux pour assister à son set. Une ambiance qui lui est particulièrement favorable. Surtout pour dispenser des morceaux acoustiques, au cours desquels il alterne entre sèche et kora, un instrument considéré comme le cousin africain de la harpe. Sa musique est apaisante et colle parfaitement à sa voix nasillarde. Après 50 minutes de prestation le public est prêt à passer au plat de résistance ; en l’occurrence celui que nous promet le trio américain Akron/Family.

Reconnu pour ses performances scéniques, on se demandait comment Akron/Family allait se débrouiller pour s’adapter à ce cadre particulier. Même si deux ans plus tôt, lors des mêmes Nuits Botanique, la formation avait fait un malheur, mais dans d’autres circonstances. Faut dire aussi que tant sur disque qu’en ‘live’, le combo constitue une véritable énigme. Mais le suspense a fait long feu. Et pour cause, deux minutes après le début du show, les Yankees ont invité les spectateurs à s’installer dans les divans.

Le groupe est capable de brasser un éventail impressionnant de styles musicaux. Psychédéliques d’abord. Tantôt dans l’esprit des 60’s, tantôt proche d’un Animal Collective. Une solution sonore chargée de nuances, mais tramée, le plus souvent, dans le folk. Et puis dont les mélodies sont de toute beauté. Et comme leurs harmonies vocales sont superbes et la maîtrise de leurs instruments impressionnante, la formation n’a plus qu’à dérouler. Quoique. D’abord, il n’y a pas de jeux de lumières. Et puis, comme s’il était trop facile se reposer sur ses lauriers, le band commence à s’aventurer dans de (très) longues séances d’improvisations, jusqu’à en torturer nos tympans.

Face à cette attitude, les mélomanes réagissent différemment. Le public averti n’est qu’à-moitié surpris des dérapages provoqués par ces fameux énergumènes. Mais le spectateur lambda tombe carrément des nues. Souvent réceptif aux compos bien construites, il perd complètement le fil lors des passages expérimentaux. Pourtant, chaleureux, les trois multi-instrumentistes s’efforcent d’entrer en communion avec l’auditoire. D’ailleurs, en finale, lors d’un morceau chanté a cappella, les trois bardes d’Akron/Family vont même l’inviter à chanter et à claquer des doigts ; un peu comme s’il participait à la célébration d’un rite d’une secte.

En sortant de la salle, les oreilles bourdonnent ; et puis on a cette drôle d’impression de s’être fait endoctriner par les chefs spirituels d’une société secrète…

Béber

Akron/Family + Stranded Horse

 
En apéritif aux Franco-américains de Moriarty qui, ce soir, tenait la tête d’affiche des Nuits au Cirque Royal, les mondes divergent. Les champs tendrement pop de La Fiancée, éclairés de musique sixties et proches de l’univers de  Françoise Hardy ou de Brigitte Bardot, croisent brutalement les contrées obscures de Jacques Duvall.

Une entrée en matière sans détour pour le chanteur-parolier bruxellois : ‘Bonsoir ! Nous sommes les experts en désespoir’.

Chapeau de cowboy noir sur costard noir pour tout l’équipage bruxello-liégeois. Noir comme les mélopées lentes et lugubres que Jacques Duvall distille amèrement tout le long de son set. Etat d’âme qu’il confirme dès le premier morceau : ‘Je vais essayer d’écrire la chanson la plus triste du monde’. Pas plus de cinq minutes ont suffi à donner le ton d’un concert plongé au cœur des ténèbres. Un public au bord de la crise de nerfs qui doit attendre quatre morceaux pour s’extraire des eaux sales coulant de la plume caustique de l’artiste belge. L’atmosphère demeure pesante mais le ton s’allège. Ainsi, la reprise de « Banana Split » de Lio et celle, modifiée, de « Ti amo » d’Umberto Tozzi chantée en français viennent apaiser le ton général.

Un spleen qui revient rapidement sur « Chagrin de beauté ». Moment où la voix grince, dérape, se désespère et nous montre un autre visage. Le visage d’un homme sincère qui ne se prend pas au sérieux, et ça fait du bien !

Une prestation où le parolier  de Lio, Alain Chamfort, Jane Birkin… trace des portraits au vitriol sur une trame musicale rock, folk, country. Les huit musiciens tissent une atmosphère anxiogène plutôt réussie. Jacques Duvall sur scène, certainement l’un des concerts les plus déprimants de ces dernières années.

22h00 : Moriarty nous invite à un voyage musical intense. Un folk-country en lévitation où l’on se laisse embarquer sans résister.

Composé de véritables derviches tourneurs, le sextet (NDR : quintet étoffé d’un batteur additionnel pour les besoins de la scène, Vincent Talpaert) reste fidèle à son pseudonyme inspiré du nom du héros de ‘Sur la route’, roman culte de Jack Kerouac. L’invitation au voyage et l’esprit beatnik demeurent omniprésents dans les compos du groupe. Un esprit communautaire responsable d’une tournée gigantesque comptant plus de 200 concerts en un an. Un vertige de la route qui les a menés en terre inconnue (USA, Japon, Inde, Taïwan…). Durant ce périple, ils ont presté des concerts dans des lieux inédits tels que des hôpitaux psychiatriques, des prisons… Une richesse interculturelle qui s’entend et imprègne leur setlist de morceaux contant des histoires de rencontres, de destins croisés et de lieux improbables. Grande évasion dont ils ont ramené également des instruments insolites (Harmonium indien à soufflet, micro-guitare hard-rock, Kazoo, claviers atypiques…) qui vont modifier significativement l’identité sonore du groupe. L’excellent cadavre exquis « Decaf » fait d’ailleurs partie de ces délires d’écriture inscrits dans le van tour. Inutile de préciser que Rosemary Standley et sa petite famille (Tom Moriarty, Arthur Moriarty, Zim Moriarty, Charles Moriarty, Vincent Talpaert, Eric Tafan) connaissent la scène sur le bout des doigts.

Nul besoin de décor excentrique et de show lumière aveuglant pour que le combo franco-américain s’exprime. Un habillement minimaliste suffit. Une toile de lin, un lustre-ampoule diffusant une faible lumière et quelques vieilles valises qui traînent sur les planches. L’essentiel réside dans la complicité entre les membres du groupe et dans la mise en scène féérique articulée autour de Rosemary Standley, un monde peuplé de contes enfantins et de merveilleux. Le résultat ? Six musiciens qui construisent des structures inventives et ludiques entre folk, country et rock alternatif. Un jeu professionnel et improvisé bénéficiant d’une voix au timbre intemporel et aux potentialités infinies de par son expérience de l’art lyrique et de l’opéra. Moriarty enchante le public bruxellois d’une mise en scène superbement théâtralisée et d’un contry-folk aux allures d’un melting-pot culturel fortement imprégné de musique américaine des années 30. Son dernier opus recèle d’ailleurs d’anciens morceaux sortis du grenier à musique du groupe.

Jouant parfois en cercle et/ou à capella, la belle cohésion du groupe irradie l’audience. Un spectacle largement acclamé par un public averti qui s’exprime particulièrement sur le tube  radio « Jimmy » et le nouveau titre « Isabella ». Une jolie communion irradiant le Cirque de frissons électriques et provoquant des cris de joie. La foule réceptive chante alors comme un seul homme, sourire aux lèvres.

Les enfants de la Beat Generation n’inventent rien mais distillent leur musique à la perfection.   

Eric Ferrante    

Moriarty + Jacques Duvall + La Fiancée               

Rock’n’roll !!! Un slogan, un thème, une trame et un style pour électriser l’Orangerie du Botanique, ce mercredi 17 mai, dans le cadre des Nuits 2011. Et les guitares n’ont pas cessé de rugir sous les riffs acérés des Black Lips, de l’Experimental Tropic Blues Band ou des Young Legionnaire, tout au long de cette soirée!

Young Legionnaire, c’est le nouveau groupe de Gordon Moakes, le bassiste de Bloc Party. Le trio anglais est venu défendre « Crisis Works », son premier album, dans les jardins bruxellois. Le public est encore clairsemé, mais il assiste à un show puissant et efficace, opérant une rencontre improbable entre la pop anglaise et le rock féroce de McLusky. Le drummer est très efficace, mais la carence en sens mélodique et la voix quelconque du chanteur ne permettent pas à l’ensemble de se transcender. A revoir de toutes manières…

Après avoir accompli une mini-tournée aux States, l’Experimental Tropic Blues Band semble (re)gonflé à bloc. Le trio liégeois débarque vers 21h. La température a pris quelques degrés et les corps transpirent. La formation doit autant à Elvis Presley qu’aux Blood Brothers. De véritables bêtes de scène. Difficile de faire plus rock’n’roll !!! Trempées dans le blues et/ou le boogie, les compos sont efficaces, variées, sales et puissantes. Le public est aux anges. Les voix des deux chanteurs sont terriblement complémentaires. Et la bonne humeur des musicos communicative. En renversant tout sur leur passage, TETBB nous a asséné une belle claque. Un titre du futur album, nous même a carrément scotchés : « Sex Game ». Irrésistible ! On comprend mieux pourquoi Jon Spencer a accepté de produire leur prochain elpee, dont la sortie est prévue pour cet automne.

Vers 22h, les Black Lips déboulent sur l’estrade. Le public est nombreux et conquis d’avance. Dès les premières notes, les sales gosses d’Atlanta –dont le dernier album a été mis en forme par Mark Ronson, le producteur d’Amy Winehouse !– nous balancent leur punk-rock fleuri à la figure. Les chœurs sont ‘ramonesques’ et les guitares lo-fi. Ça sent le crachat et la sueur. La foule est enthousiaste. Elle rejoindra d’ailleurs le combo sur scène, en fin de parcours.

Mais perso, je ne retrouve pas ce zeste de folie qui fait la différence. Le set est bien ficelé, les musiciens se donnent à fond, mais ils semblent fatigués et ne parviennent pas à justifier leur réputation scénique sulfureuse. Pas que l’on s’ennuie, mais le show n’est pas véritablement surprenant. Pour celles et ceux qui ont déjà assisté à l’un de leurs concerts, il semble même carrément sur rails. Faut dire que leur tournée est interminable. Et qu’un peu de repos leur serait nécessaire pour recharger les accus. Pourtant, au vu des dates qu’ils ont encore à assumer, ils ne sont pas au bout de leurs peines. M’enfin, cette sorte de ‘Prom Night indie’ a peut-être permis à quelques spectateurs plus âgés de rajeunir de dix ans…

L’Experimental Tropic Blues Band remporte donc le match ! Mais une question me traverse l’esprit : qu’est-il écrit dans les statuts officiels du rock’n’roll lorsqu’un groupe belge surpasse ses maîtres américains sur leur propre terrain de jeu ?

Taï

Young Legionnaire + Experimental Tropic Blues Band + The Black Lips

Das Racist, ce sont trois rigolos issus de Brooklyn qui, en 2010, avaient publié deux mixtapes distribuées à l’œil. Une première, « Shut Up Dude ! », alliait à merveille Hip Hop satirique et beats électroniques savamment contrôlés. La seconde, « Sit Down, Man », démontrait que le trio était capable de bien s’entourer en quelques mois à peine, tant il rassemblait du beau monde (e.a. Diplo, Chairlift, Teengirl Fantasy, El-P, Quincy Jones, etc.). A l’aide de ses textes percutants et ses mélodies grisantes, Das Racist a réussi à gagner les faveurs du public et des critiques. Mais si, couché sur disque, les beats de la formation sont imparables, il en est tout autre chose en ‘live’. Le show Grand Guignol du trio s’arrêtait à l’ABClub ce 16 mai. Chronique d’une soirée décevante à souhait.

Ce soir à l’ABClub, triple affiche Hip Hop, avec Kraantje Pappie, Speed Dial 7 et Das Racist. Arrivée dans la salle à 21h. Le Hollandais Kraantje Pappie a déjà rangé ses valises et c’est au tour du Coutraisien Speed Dial 7 de prendre les commandes. Les beats que balance son DJ tapent très fort mais quelque chose cloche. A bien l’observer, Tom De Geeter, alias Speed Dial 7, semble complètement à bloc. Il court de gauche à droite frénétiquement, entame des phrases qu’il ne termine jamais et se montre particulièrement agressif (verbalement) envers son DJ. Un peu à la ramasse, le jeune MC belge tente de couvrir ses fausses notes et son flow imparfait en blâmant son collègue, qui esquisse un sourire gêné mais enchaîne sans se laisser démonter. Au final, ce dernier est parvenu à délivrer une bien meilleure prestation que Speed Dial 7. Ce n’est pas ce soir que ce dernier va se faire de nouveaux amis sur facebook…

22h. Victor Vazquez, Himanshu Suri et Ashok Kondabolu ainsi que leur DJ montent sur l’estrade, bouteille de rhum à la main. Le concert démarre sur les chapeaux de roue. Le public est clairsemé mais chaud comme la braise tandis que le trio envoie ses bombes « Hugo Chavez », « Who’s That? Brooown! » et, un peu plus tard, « You Oughta Know ». Mais très vite, le spectacle commence à ressembler à une réunion de potes bourrés qui font la fête entre eux, sans vraiment prêter attention aux invités. En outre, les morceaux tirés de « Sit Down, Man » sont plus lents et s’accordent plutôt mal à ceux de l’excellent « Shut Up, Dude! ». Das Racist a placé la barre haute lors de son arrivée sur les planches. Mais la frénésie des premières minutes retombe assez rapidement. Notamment lorsque le trio et le DJ s’offre un délire rock’n’roll qui aurait pu être drôle et suivi par le public s’il n’était pas tombé comme une touffe de cheveux dans une soupe déjà froide. Au bout de 30 minutes, Himanshu Suri semble enfin se rendre compte que la sauce ne prend pas et tente de raviver l’étincelle des premiers instants du concert. Mais la formation de Brooklyn continue d’emprunter la pente descendante en enchaînant des versions mollassonnes de leurs compos. Cerise sur le gâteau, le trio entame leur tube « Combination Pizza and Hut Taco Bell », acclamé par l’assistance, avant de l’arrêter au bout d’environ une minute et demie pour s’en aller sans se retourner. N’est pas OFWGKTA qui veut.

Organisation : AB       

Ce dimanche 15 mai, le Botanique accueillait un habitué des lieux : Micah P.Hinson. On ne sait d’ailleurs plus trop combien de fois, il s’est déjà produit dans une des salles de ce Centre Culturel Bruxellois. Pour la circonstance, l’Orangerie avait déployé ses sièges. Faut dire que l’Américain avait délaissé, le temps d’une soirée ses backing groups habituels (Pionneer Saboteurs, Red Empire Orchestra ou Satellite) pour laisser place au Mons Orchestra.

Le concert débute à 20h30 précise. Micah P.Hinson monte seul sur l’estrade. Il boitille et s’appuie sur une canne. Il explique avoir été victime accident sur l’autoroute. Il a été renversé par une voiture, alors qu’il circulait à moto. Plus de peur que de mal apparemment ! Il ajoute ensuite que pour ce set, il piochera dans toute sa discographie. Il n’est donc pas venu pour assurer la promo d’un quelconque nouvel album.

Le contact établi avec son public et la guitare accordée, Micah P.Hinson entame sa prestation. Le son n’est pas bon. On n’entend presque pas sa gratte et sa voix manque d’assurance. Paraît que cette situation lui arrive de temps à autre. Le temps d’ajuster correctement les balances et on devrait oublier la déception provoquée par la première chanson. Mais au bout d’une demi-heure de réglages, entrecoupés d’une dizaine de minutes de musique à tout casser, Micah P.Hinson est en détresse. Sa six cordes se désaccorde constamment. Ses câbles (du moins c’est que l’on comprend) crépitent. Et comme Micah est légèrement éméché, on n’est pas sorti de l’auberge. D’ailleurs, les morceaux suivants ne sont pas de nature à rassurer l’audience.

Il est 21h15. Le natif de Memphis nous annonce enfin l’arrivée de ses ‘sauveurs’. C’est-à-dire un quatuor à cordes issu du Mons Orchestra. Trois violonistes et une violoncelliste. Pas vraiment confiant, le quartet n’est manifestement pas habitué à se produire en compagnie d’un artiste aussi peu conventionnel. Pourtant, Micah P.Hinson se sent plus à l’aise, même si ses collaborateurs doivent parfois s’adapter au style du songwriter. Sous cette configuration, il parvient à mieux poser sa voix. En outre, ce type d’instrumentation apporte une autre dimension à ses chansons, bien plus proche des versions originales. Et au cours des quarante-cinq minutes qui vont suivre, la formation va rétablir une situation très compromise, épinglant avec beaucoup de bonheur des titres tels que « Dying Alone », « Diggin A Grave » ou « Little Boys Dream ».

A 22h, le Yankee et le Mons Orchestra quittent la scène. Au bout de quelques minutes, ils remontent sur l’estrade afin de nous réserver un dernier morceau. Puis de laisser notre Micah en interpréter deux derniers en solitaire.

Manifestement, ce soir, l’Américain n’était pas très à l’aise dans son exercice de style en solo. Et c’est le soutien du Mons Orchestra qui lui a permis de sauver les meubles. L’artiste possède un talent indéniable. Mais aujourd’hui, c’était un jour sans. Il nous doit une revanche…

Micah P.Hinson & Mons Orchestra

Béber

22 heures. Bonne nuit les enfants ! Philippe Katerine débarque et nous invite dans la version adulte de ‘Casimogore’. Après une entrée fracassante, le quatuor, armé de quatre ‘majorettes’ fluo, lance d’emblée des assauts de provocation au mépris des convenances et violant tout principe de son humour scato. Dès le deuxième morceau, l’extra-terrestre vendéen schizophrénise et se réincarne dans La Reine d’Angleterre : ‘Je suis la reine d’Angleterre et je vous chie à la raie’. Une introduction raffinée qui donne directement le ton à cette cinquième soirée des Nuits Botanique. 

Face à une assistance d’aficionados, attendue plus nombreuse, le plus burlesque des chanteurs de pop française était venu défendre le très controversé Philippe Katerine. C’est arborant une moustache, coiffé d’une casquette de camionneur et affublé d’une veste de jogging bleu et jaune ainsi que d’un kilt décoré de jambières en peau de yéti tombant sur une paire de baskets blanches que le roi de l’absurde multipliera les inepties inspirées d’un neuvième album qu’il revendique pleinement.

Un concert d’une folie contagieuse, sans temps mort, qui agite la foule de ses tubes iconoclastes imprégnant déjà la mémoire collective (« Des Bisous », « Liberté », « La Banane », « J’aime tes fesses »…) Dès lors, les douces folies adolescentes s’enchaînent. La chaleur sulfureuse « Des Bisous » invite très tôt Katerine à dévoiler les rondeurs de son anatomie. Le kilt explose et laisse place à un short en jeans extra-extra-small décoré d’un t-shirt remontant jusqu’au nombril. « J’aime tes fesses » tendra bien évidemment une perche à l’exhibo-punk pour montrer son cul. Visiblement, sa physionomie d’athlète de comptoir ne pose aucun problème à cet artiste sans complexe. Un ridicule parfaitement assumé et minutieusement stylisé.

Le poète vendéen possède cependant plus d’une corde à son arc. Ces illuminations géopolitiques valent aussi le détour. Ainsi, lors de l’introduction de Juifs Arabes, le grand prophète Katerine pousse un cri de révélation : ‘Juifs, Arabes… ensemble !’ Enfin, voilà le problème israélo-palestinien résolu en quelques mots. Et dire que c’était si simple : ensemble !

Un savoureux dixième degré qu’il cache sous le masque d’un clown touche-à-tout lui permet ainsi d’aborder tout sujet avec légèreté et innocence. Un manque de crédibilité qui mériterait cependant plus d’attention. Pas si candide qu’il n’y paraît, le guignol de l’Hexagone ! C’est pourtant au détour de quelques-unes de ses longues réflexions philosophiques que l’homme devient touchant : ‘Dans la vie, on est un brin de blé dans un champ de brins de blé !’, s’explique-t-il gravement pour terminer les festivités. A méditer !

Des chansonnettes pop, somme toute très banales, qui relèguent la musique au second plan ; des paroles qui pourraient tenir sur un timbre-poste… Deux leitmotivs que Katerine utilise pour se mettre en scène. Théâtre au sein duquel le chanteur schizophrène devient comédien et nous raconte ses histoires ubuesques entre révolte et rêveries. Les longs intermèdes restent d’ailleurs les moments les plus délicieux du spectacle. Instants interactifs improvisés, entrecoupés d’apartés illogiques où l’artiste rentre en pur délire. Naturellement, il réagit aux réflexions du public avec une aisance déconcertante. Capsules d’air où il taquine, non sans humour, la Belgique. L’intro de « Moustache » servira d’ailleurs de prétexte pour interpeller le public : ‘Je vois qu’il y a des gens avec une moustache. Eh bien, je trouve ça lamentable. Je croyais qu’en Belgique la moustache était interdite’. Aussi, un débat sur le villo bruxellois sera lancé pour larguer le morceau « Parivélib’ »… Tout mot est prétexte à foutage de gueule.

C’est par « Louxor j’adore » que l’épicurien termine sa prestation quasiment nu sur scène. Il sera même remercié d’un langoureux baiser sur l’aisselle accordé par une fan inconsciente. Un spectacle caustique et sans prétention qui rend les âmes plus légères. Katerine, sur scène, une thérapie qui devrait être remboursée par la sécurité sociale.

Katerine

Eric Ferrante

C'est la première fois que je mets les pieds au Splendid de Lille. J'espérais y entraîner mon fidèle pote métalleux dans l’aventure, mais il a décliné l’invitation pour raisons familiales. S'il croit que je vais me laisser démonter par sa défection, il rêve. Je parviens à embrigader Guillaume, un de mes jeunes collègues qui n'a jamais assisté à un concert de métal. Je pense que pour une première, il ne sera pas déçu par les mythiques Britons…

La salle devait servir de cinéma, il y a quelques années. Derrière la console son, on y retrouve d’ailleurs toujours des sièges. Elle est déjà bien peuplée lorsque la formation batave Vanderbuyst monte sur les planches. Et tout au long de leur set évalué à une trentaine de minutes, elle va se remplir. Le combo pratique un heavy metal old school de très bonne facture caractérisé par ses jolis soli de guitare et ses titres chantés à deux voix. Une guitare, une basse et une batterie : tout ce qu'il faut pour concocter du heavy de qualité quand on a le feu sacré ; et manifestement ces gaillards l'ont. Un reproche ? Un air de déjà entendu ; mais bon, quand on se réclame du metal old school, difficile de ne pas marcher sur les traces de ses maîtres…

Place ensuite à Crimes of Passion. On est carrément replongé dans les 80’s. Même le look du chanteur, dont la crinière blonde est retenue par un bandana, nous le rappelle. Leur set est destiné à présenter leur dernier album. Leur tracklisting alterne sympathiques ballades heavy et morceaux plus lourds et rapides à la fois. Quarante minutes de prestation ponctuée par un bel hommage à Ronnie James Dio. Le public ne s'y trompe pas et quelques chevelus commencent à s'agiter le bocal, autour de nous.

Il fait chaud. Dans la salle, une moiteur commence à envahir l’atmosphère et elle baignera la foule jusque la fin du concert de Saxon. Si le métal était une religion, je proposerais Biff comme pape, tant le bonhomme et ses comparses incarnent l'essence même du métal depuis ses premières heures. Leur tournée, baptisée ‘Call To Arms World Tour 2011’, effectue une halte lilloise le lendemain d'un concert accordé à Paris, et quatre jours avant de conquérir le Trix d'Anvers. Et c'est à un véritable best of, parsemé de quelques nouveaux titres qu'on a droit ce soir. D'entrée de jeu, le ton est donné : "Hammer Of The Gods", "Heavy Metal Thunder" et "Never Surrender" accompagnent ma séance de shooting photos. Des titres les plus divers sont présentés ce soir, parmi lesquels le nouveau "Call To Arms" au milieu de classiques comme "Dallas 1PM" et "Eagle Has Landed". C'est au moins la troisième fois en trois ans que votre serviteur assiste à un de leurs sets et celui-ci est certainement le plus énergique. Mon jeune collègue se prend une de ces claques. Il a d’ailleurs bien du mal à revenir sur terre. Les têtes de mes voisins de salle s'agitent en tous sens. Biff, s'il n'a plus la fougue de ses jeunes années, semble cependant s'éclater comme un gamin sur les planches. Douglas Scaratt gratte son manche tout en discrétion et efficacité. Dès que Biff a terminé de nous conter les aventures de Sweeny Todd, Nigel Glockler, caché derrière ses fûts hauts perchés, nous balance un de ses soli de batterie pas possible. Les guitares et la basse nous réserveront encore également chacun un solo, celui de Tim Carter se révélant le plus dispensable, bien qu'énergique à souhait. Comment ce gars a-t-il encore des doigts alors qu'il pince ses cordes comme un malade à mains nues ? Mystère. Notre ami Paul Quinn semble de nouveau vouloir cacher sa calvitie en début de parcours, mais bien vite, il laisse tomber le foulard et exhibe son crâne lisse comme un oeuf. Les envolées de Biff et les duels de grattes se succèdent à un rythme effréné.

Quand les lumières s'éteignent, une chape de plomb s'abat sur la salle. Les Anglais nous gratifient de deux rappels, au cours desquels Biff fait encore monter la pression comme s'il voulait que les fans présents ce soir s'arrachent les cordes vocales. Il se donne tellement que Guillaume se demande si le groupe ne va pas remonter sur les planches pour recommencer un set complet. Malheureusement ce n'est pas le cas, et au terme de "Crusader" et "747 Strangers" en premier rappel et "Strong Arm" puis "Wheels Of Steel", lors du second, la bande à Biff s'en retourne définitivement dans sa loge. Nous, on quitte le Splendid le sourire aux lèvres. On vient de se prendre une bonne claque. Que demander de plus ?

(Voir également notre section photos)

Organisation Diva Productions

La quatrième soirée musicale des Nuits Botanique s’illustrait une nouvelle fois par sa programmation qualitative (The Dodos) et audacieuse (The Luyas). Une volonté délibérée du centre culturel de la Communauté française de réunir les talents d’hier et de demain, d’ici et de là-bas (NDR : dix-huit nationalités sont représentées lors de cette édition 2011). Un paysage interculturel qu’accueillait l’écrin surchauffé de la Rotonde ce samedi soir. Drapeaux portés par les Etasuniens des Dodos, des Canadiens de The Luyas et notre national Rodolphe Coster (Flexa Lyndo).

Venu nous présenter son dernier opus, sorti le 4 mars dernier (« Too Beautiful To Work), le cinq pièces de Montréal, dirigé par la chanteuse/guitariste Jessie Stein, nous a littéralement submergés de sortilèges jetés dans son univers onirico-mécanique. Un univers où chaque protagoniste use de sa lyre –Jessie Stein au chant et à la guitare, Pietro Amato préposé au cor français, au cloches, au melodica ainsi qu’au clavier, et drums réservés à Stefan Schneider– afin de bâtir une pop orchestrale frénétique et hypnotique. Un décor, parfois psychédélique, équipé de lampes vintage oranges et imprimé d’un unique moodswinger (une cithare électrique douze cordes conçue par un luthier expérimental hollandais nommé Yuri). Cette fresque étrange se meuble d’une cascade de cordes, de sons distordus et de percussions éclatantes. Luyas constitue manifestement une expérience brillante pour les amateurs d’une autre pop.

La réputation des Dodos en concert est solidement établie et l’éloge de leur nouvel  opus, « No Color », sorti cette année (NDR : album bénéficiant de la précieuse production John Askew, responsable de l’excellent premier album du groupe « Visiter »), n’est certes plus à faire.

Déjà responsable d’une nuit Botanique électrique, en compagnie des excellentissimes Géorgiens de Deerhunter sous le chapiteau en 2010, le trio californien nous revient cette année sous une configuration différente et en proposant un son légèrement modifié. En effet, Keaton Snyder et son vibraphone ‘king size’ laissent place à un nouveau guitariste qui s’efface singulièrement. Ce dernier restera d’ailleurs la grande énigme de ce concert. Qui est-il ? Que fait-il sur scène ? Hormis l’apport de quelques fonds ambiants, les impressions majeures laissées par ce musicien viendront essentiellement de l’expressivité inexistante de son regard bovin. C’est un peu comme s’il traversait l’un des moments les plus pénibles de son existence. Tel est le sentiment que suscite sa présence. La quantité incalculable de bière ingurgitée lors de sa ‘prestation scénique’ explique certainement l’expression de ce regard. Rien de comparable par rapport au volume sonore libéré par le vibraphone de Snyder, lors des concerts précédents.

Quant au son, Long laisse tomber la guitare acoustique et décroche une guitare électrique qui émet des sonorités rock plus abruptes. Une musicalité extrêmement physique dont le volume serait capable d’affoler les sismographes du Botanique. Une performance en montagnes russes qui vacille entre des morceaux orageux aux drums hyper puissants et des mélodies à fendre les cœurs de pierre. La batterie introduit la majorité des titres et impose souvent le ton. Elle demeure, incontestablement, le nerf central de cette formation. Une musique bipolaire qui coupe le souffle du spectateur et le surprend souvent par son défi constant de toute loi de la logique folk ou rock.

Le binôme rompt constamment tout équilibre mélodique et privilégie les percussions frénétiques de Kroeber. Une énergie brutale dont les mélodies rageuses finissent régulièrement dans d’interminables envolées noise ingénieusement contrôlées.

Ce soir, les arabesques alambiquées des trois Américains se font sensiblement sentir sur des titres d’une impressionnante précision comme “Two Medecines”. Un morceau répétitif où tous les éléments guitare/batterie/chant s’agencent merveilleusement. L’autre versant du groupe s’éclaire de morceaux plus mélodieux tel “Companions”. Un titre vibrant d’émotion au  tempo ralenti, aux arpèges qui se déroulent... Une première partie de concert qui nous dévoile « No Color » avant de clôturer sur le romantico-folk « Winter » et le délicieux « Fools ». Deux morceaux changeant néanmoins de visage et dont l’interprétation se veut plus brutale.

Ces instants de frissons nous offrent globalement un délicieux moment de pure énergie brute. The Dodos, une expérience live fascinante !

The Dodos + The Luyas + Rodolphe Coster