Depuis la sortie de leur premier opus en 2008 « Worldwide », bien de l’eau a coulé sous les ponts pour The Death Set. Faut dire que le 27 septembre 2009, un des membres fondateurs, le New Yorkais Beau Velasco, était retrouvé mort dans son studio. Il a donc fallu que les musiciens du groupe remontent la pente et aient la force de poursuivre l’aventure. Entretemps, Johnny Siera, l’autre leader du combo, s’est installé à Baltimore. L’Australien a ensuite entrepris le recrutement de nouveaux compagnons ; ils seront deux : Daniel Walker et Jahphet Landis.

Le titre « Michel Poiccard », le second elpee de The Death Set, se réfère au film de Godard, ‘A bout de souffle’. Dès le premier titre, le combo met directement les points sur les ‘i’ : « I Wanna Take This Tape And Blow Up Ya Fuckin Stereo ». Superbe morceau, « Slap Slap Slap Pound Up Down Snap » fait l’éloge des Beastie Boys. On a ensuite droit à une quinzaine de plages énergiques mais accrocheuses, trempées dans un cocktail de pop-punk-électro-hip hop. Mais les deux meilleurs titres sont le shoegaze « I Miss You Beau Velasco » et le final « Is It The End Again ? », deux compos bouleversantes qui rendent hommage à feu Beau Velasco. Et finalement, de cette tragédie, il faut reconnaître que The Death Set en est sorti grandi.

Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que lors des sessions d’enregistrement, le band avait reçu le concours de Diplo et de Spank Rock

Thomas Ruf, ce n’est un secret pour personne, aime les femmes. Il leur voue même une certaine admiration. Le boss leur permet ainsi d’enregistrer et de tourner dans le cadre du projet ‘Blues Caravan Tours’. D’excellents blueswomen ont ainsi sillonné notre Vieux continent, telles Sue Foley, Ana Popovic, Candye Kane, Deborah Coleman ou Erja Lyytinen.

"Girls with guitars" se consacre, vous vous en doutez, aux dames et demoiselles qui jouent de la guitare. Et le trio en présence se débrouille plutôt bien, il faut le reconnaître. Dani Wilde avait déjà publié deux albums, "Heal my blues" et "Shine". Cette jeune chanteuse/compositrice/guitariste anglaise est issue de Brighton. Samantha Fish n’a que 21 printemps. Elle vit à Kansas City, dans le Missouri. Elle s’est produite, l’année dernière, au Chicago Blues Festival. Cassie Taylor, est la fille du bluesman Otis Taylor. Elle aussi affiche à peine plus de vingt ans.  

Ces filles sont capables de rocker. Elles ouvrent la plaque par le "Bitch" des Rolling Stones, une cover qui ne manque pas de panache. Le trio conjugue les voix en harmonie. Dani est emportée par son solo et enflamme ses cordes. La petite Cassie (NDR : très élégante, sous sa chevelure toute bouclée) chante d’un timbre caressant son "Satisfy my soul ", pendant que Dani se dresse sur ses pédales ! Dani Wilde n’est plus une novice. Empreinte de sensibilité, sa voix passe bien la rampe. Elle interprète impeccablement son "Mr loving man", tout en égrenant de subtiles notes sur sa Fender. Samantha (NDR : c’est la fille blonde !) prend son tour de rôle et chante "We ain’t gonna net out alive", soutenue par Mike Zito à la slide. Ce dernier s’est également chargé de la mise en forme de cet elpee. Actuellement, Dani est la seule à pouvoir affronter le public en solitaire. Armée de son seul dobro, elle démontre toute son assurance sur les planches en attaquant "Reason to stay". Ce qui ne l’empêche pas d’injecter une certaine émotion dans son interprétation. "Get back" est sans aucun doute la meilleure plage de cet opus (NDR : non, ce n’est pas une cover des Beatles). Les trois félines se succèdent au chant au cœur d’un climat oppressant entretenu par les sonorités métalliques de la guitare de Mike Zito. Samantha tire également son épingle du jeu sur le lent "Come on home" ainsi que tout au long de "Wait a minute", un morceau dont le rythme particulièrement syncopé épouse un profil très New Orleans. Mais surtout lors du blues rocker "Move on", une chouette compo au cours de laquelle elle libère une bonne dose d’énergie sur sa gratte. Cassie possède une très belle voix. Douce aussi. Pas vraiment adaptée au blues, mais plutôt au folk rock. Une délicatesse quelle laisse transparaître sur son "Leaving Chicago". Dani revient une dernière fois mettre les pendules à l’heure sur "Are you ready". Une chanson abordée dans l’esprit du Fleetwood Mac, deuxième époque, lorsque le combo impliquait deux vocalistes. Et en final, le "Jet Airliner" de Päul Pena, baigne au sein du même climat ; mais pour la circonstance, les trois chanteuses se libèrent en chœur.

Formation californienne, issue de Whitthier très exactement, Funeral Party réunit Chad Elliot, James Lawrence Torres, Kim Kauhola et Tim Madrid. Leur patronyme nécrologique ? Plus que probablement emprunté à une chanson de Cure. A leurs débuts, ce combo pratiquait une musique plus ‘hardcore’. Depuis, il a bien lissé sa solution sonore. Ce qui lui a permis de décrocher un succès lors de la sortie de son premier single, « New-York City Moves To The Sound of L.A. ». C’est après avoir assisté à l’une de leurs prestations ‘live’ que Lars Stalfors, un producteur qui a notamment bossé pour The Mars Volta, décide de les inviter à enregistrer dans son studio. Pourtant, le band n’atteint ni la violence et l’intensité d’un At The Drive-In ni la démence psyché-prog de Mars Volta. Leur soft post punk véhicule des accents pop et même dansants. Malheureusement leurs compos trahissent parfois d’agaçants accents émo. Principalement à cause du timbre vocal irritant de Chad Elliot (NDR : réminiscent de The Used, « Where Did It Go Wrong ? » en est certainement le pire exemple). C’est le principal défaut de Funeral Party. Car, lorsque le groupe lorgne du côté de la piste de danse, privilégiant les guitares acérées, les accès de basse caoutchouteuses et les lignes de synthés 80’s, il devient même convaincant. A l’instar du rythmé « New-York City Moves To The Sound of L.A. », caractérisé par ses cloches ‘latino’, de l’excitant « Car Wars » ou de « Finale », un compo enrobée de chœurs. De véritables petits bijoux ! Autre bémol, la production. Un peu trop sophistiquée à mon goût, elle atténue un peu trop la frénésie originelle des morceaux. Mais c’était peut-être imposé ?

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En intitulant son premier elpee « Trois », le second devait logiquement être affublé du titre « 4 ». Au cours des cinq dernières années Laurent Paradot (basse et chant) et Florian Belaud (batterie, chœurs) ont bourlingué à travers l’Hexagone, se produisant à de multiples reprises, sur le territoire. Néanmoins, malgré son talent indéniable, Gâtechien n’y est guère notoire. Et pas davantage hors-frontières.

Gâtechien pratique une forme de noise rock particulièrement déjantée. D’ailleurs en posant son choix sur Ted Niceley (Fugazi, Noir Désir, Jawbox, …) à la production et Eli Janney (Girls Against Boys, The Rapture,…) au mixing, on imagine plus facilement le style proposé par le groupe. Mais à contrario du précédent elpee, « 4 » privilégie davantage les parties vocales et les mélodies au détriment des interludes instrumentaux. Un choix plutôt judicieux. Le timbre éraillé du chanteur ne manque pas de saveur. L’énergie et la tension sont toujours bien palpables, même si certaines compos sont imprimées sur un tempo moins enlevé. Et puis, j’ai toujours été en admiration devant la dextérité et l’habileté de Paradot, sur ses quatre cordes. La classe !

Si Gâtechien revisite la noise des Fugazi, Shellac, Jesus Lizard et consorts, il le fait à sa manière. Et très bien même. A ce titre, il constitue certainement un des meilleurs duos français, pour l’instant.

Freddy Koella est originaire de Mulhouse, en France. Il est né en 1958, dans une famille très réceptive à la musique. Au cours des années 80, il milite chez Cookie Dingler, un groupe qui décroche alors un gros succès en publiant la chanson "Femme libérée". En 1990, il traverse l’Atlantique. Il s’installe à la Nouvelle Orléans d’abord, à Los Angeles ensuite. Il a alors l’opportunité de collaborer en compagnie de grosses pointures comme Bob Dylan, Zachary Richard, Willy Deville (avec lequel il tournera durant 12 ans) et même Carla Bruni Sarkozy !

Guitariste et violoniste, Freddy avait publié un premier opus, il y a déjà quelques années : "Minimal". "Undone", son second, est intégralement instrumental. Il a été enregistré en 2010, au Sunset Studio, à Los Angeles. Lors des sessions, il a reçu le concours du bassiste David Piltch et du drummer Jay Bellerose.

"Rio" ouvre l’elpee. Une plage intimiste et minimaliste au cours de laquelle Freddy caresse ses cordes parcimonieusement. Il s’insère d’abord prudemment dans le tempo imprimé par ses deux partenaires, puis il progresse, dissertant suivant son inspiration. Sa poésie visionnaire, champêtre, proche de la mélancolie, illumine "Calling you", une compo qu’il interprète seul à la gratte. Freddy reprend courageusement son chemin en "Walkin in G". Il est suivi par David et Jay. Le son est torturé. Nouvel interlude pastoral, "Covington" est profilé sur les cordes, face aux interventions pudiques à l’accordéon d'Alexandre  Leauthaud. Telle une marche lente, accablante, "Elephant" marque ses pas au rythme des percussions. Et une forme d’extase semble enfin atteinte, lorsque l’artiste pince ses cordes pour en extraire de petits gémissements jouissifs. Ballade légère, aérienne, "Snow" observe les flocons de neige qui tournoient devant un soleil blafard. Koella n’accorde jamais à son blues, le temps de s'épanouir. Il en émane une tension qui filtre à travers la beauté désespérée de "Broken dream". Fermez les yeux. Laissez-vous envahir par les étranges vibrations produites par cette solution sonore sans artifice. Vous esquisserez un sourire, même s’il est lent à se dessiner, traduisant alors un véritable ravissement… Freddy aborde "J45", comme un vieux songster qui regarde couler les eaux tranquilles de la rivière Yazoo, sise quelque part entre Jackson et Greenwood. "Undone" referme cet opus. Et nous quittons alors son univers secret, sans en avoir trouvé la clef. Il l’a emportée avec lui. Mystérieux et beau à la fois !

Johnny Mastro & Mama's Boys est une formation californienne que j’apprécie tout particulièrement et dont le parcours m’a toujours impressionné. Un groupe dont le succès s’est forgé à force de sueur et en écumant les routes. Johnny Mastroianni en est le chanteur et l’harmoniciste. Le combo se produit régulièrement dans les petits clubs de L.A. ; et en particulier le Babe & Ricky's, celui de Mama Laura Gross, chanteuse disparue en 2009, à l'âge de 89 ans. C'est elle qui leur avait déniché le patronyme de ‘fils à maman’.

La musique des Boys est rude, largement amplifiée, véhiculant le mal vivre des grandes cités américaines. Pour concocter ce dernier opus, sorti en 2010, les musicos s’étaient rendus sans la Motor City de Detroit. Au studio Ghetto Recorders, sous la houlette du producteur Jim Diamond. Mastro est soutenu par le chanteur/guitariste Smokehouse Brown, le drummer Jimmy Goodall et le bassiste Mike Hightower. Un invité notoire : Kirk Fletcher. Il apporte son concours aux 6 cordes.

Il ne faut pas attendre longtemps pour se rendre compte de la puissance de ce nouveau chapitre musical des Boys. Il sera hard, amplifié à l'extrême. Smokehouse aime tourner la molette de son ampli à fond, afin d’ériger un mur sonore. Il ne reste alors plus à Mastro qu'à pousser ses cordes vocales, à la manière d'un Ozzy Osbourne novice. Mais il n'a pas oublié son harmonica, le chef de la meute. Pas étonnant, dès lors que ce "Spider" écrase déjà tout sur son passage. "Wineheaded" élève le tempo. Un rockin' blues très dense, bétonné par la section rythmique. Johnny se révèle très à l’aise au cœur de cette fête tonitruante et il souffle comme un damné dans son instrument pour contrer les percussions diaboliques de Goodall. Lester Butler pourrait sortir de sa tombe s’il entendait les vibrations produites par "Love tain #2". Le train entre en gare. Il souffle quelques instants avant de redémarrer de plus belle. Les changements de rythmes sont ténébreux, presque terrifiants. La pression s’amplifie. A son tour, Smokehouse se prend pour Tommy Iommi afin de ressusciter "Dirge". Issue du premier elpee de Black Sabbath, cette compo était caractérisée par son climat oppressif. Il s'acharne sur ses cordes, les torture, les piétine. Plage instrumentale, "Fresh squeezed coolaid" retrouve son rythme de croisière. Particulièrement offensive, elle est parcourue d’excellentes interventions à l’harmo et de slide bien gouailleuse. Les riffs dispensés tout au long de "Kings and queens" sont royalement découpés au rasoir. Plus lent, "Shades of grey" baigne dans une certaine sérénité. Enfin sérénité relative, car le climat devient carrément tragique ; moment choisi par Kirk Fletcher pour s’autoriser une sortie princière sur des cordes. Relativement déjantés, acides, les accords de guitare prennent alors une forme étrangement psychédélique. Et "Bonedry" en est la plus belle illustration. "Howling" macère dans une atmosphère de transe. L’ensemble des instruments semble exécuter une danse macabre. A cet instant, nous ne sommes plus très loin de l’univers de Howlin' Wolf. Belliqueux, "Kgb boogie" est parcouru de bruitages produits par des armes ; un morceau qui aurait pu figurer au répertoire de Billy Boy Arnold. Mastro reste menaçant pour attaquer la plage finale. Il mène même ses Boys à la baguette tout au long de "Night", une compo écrite par son maître, Lester Butler, et imprimée sur un rythme hypnotique emprunté à Howlin' Wolf. Un album très sombre…