Une pochette absolument hilarante emballe ce CD. Le contenant d'abord, pliage de carton impossible à refermer de façon satisfaisante, à moins de l'assembler en cube. Puis les notes, délire littéraire en second degré, souvent en référence au grand écran, et absolument désopilant. Et la musique? Elle se décline en sept plages, de durée fort variable (de 0'44" à plus de 22'). Et on y trouve un peu de tout, à des doses très diverses: c’est à dire de l’ambiant, du planant, du psychédélisme, du jazz déviant, de la soundtrack, de la fugue synthétique, du post-rock, de la cold wave, du kraut et j'en passe. Sans oublier les nombreux dialogues (de films ou séries TV), interviews, déclarations publiques et autres dernières volontés d'un personnage célèbre, qui font partie intégrante de l'œuvre. Malgré ses 'chausse-trappes auditives', l'ensemble dépasse le niveau du gag, maintient souvent l'intérêt de l'auditeur et offre même quelques séquences fort intéressantes ou vraiment agréables. Ceci dit, l'album ressemble quand même un peu à une compile d'ébauches et aurait gagné à moins se disperser. Il révèle en tout cas le potentiel d'une équipe de doux-dingues plutôt sympathiques au surréalisme contagieux.

Jaymie Caplen et Tom Stanton forment le couple idéal pour nos oreilles sensibles : à deux ils fredonnent de jolies harmonies, sur un lit de guitares, acoustiques, électriques. Du Simon & Garfunkel interprété par des fans de My Bloody Valentine ? C’est une image, mais elle a la volonté d’interpeller : sur « See Saw » l’oreille est subjuguée, à la fois par les nappes de riffs qui ondoient sous la pression atmosphérique, et par ces voix si aériennes, comme en apesanteur. Des titres comme « Side For This », « Silk As Her Era » ou « Iris » révèlent chez celui qui les écoute un soudain romantisme : on s’imagine peloter des cumulo-nimbus, enlacer des arcs-en-ciel et embrasser la lune. C’est beau, un peu gamin comme à l’époque de nos premiers amours. « Summer Storm », grâce à la joliesse de ces mélodies et à la légèreté de ces arrangements, rappelle le premier Gravenhurst (en moins dépressif), Geneva, l’« Adore » des Smashing Pumpkins, et l’intégrale de Galaxie 500. L’écouter, c’est comme manger un marshmallow un soir d’été avec sa petite copine, s’endormir en comptant les moutons des livres de Murakami, caresser le rêve d’une journée sans soucis. En souvenir de nos plus belles années, où tout n’était qu’improbable insouciance, Pellumair nous dédicace son disque (ses dernières paroles : « Everything that’s here’s for you. ») Ca nous fait chaud au cœur, on verserait presque une larme.

Fondé à Spanish Harlem par des Portoricains, le New Swing Sextet compte parmi les précurseurs de la salsa qui allait essaimer le continent américain à partir de New York. Cette compilation réunit certains de leurs meilleurs travaux réalisés entre 1967 et 1971. Un mélange particulièrement réussi entre des musiques typiquement latino-américaines, la soul, le rock’n’roll et le swing jazz pour constituer un style unique que certains baptiseront ‘latin boogaloo’. La force du New Swing Sextet procède de ses mélodies très inspirées qui transcendent leur propos en pur moment de bonheur pop : « You Better Watch It Now », « Baby Get A Hold On My Heart », « Up Tight », « Goin’ out Of My Head », le magnifique « Belinda »... Des morceaux à chérir pour les amateurs de mélodies soul… On reconnaîtra par ailleurs dans « Coquero » l’intro de « Here Comes the Hotstepper », emprunté par Ini Kamoze pour son unique tube mondial. L’interprétation est assez élégante et subtile. La batterie n’est pas trop mise en avant afin de laisser de la place aux percus, aux autres instruments (piano, vibraphone, guitare) et bien sûr aux voix. On pense souvent à Allegre All Stars, une autre récente réédition de Vampi Soul, mais en beaucoup moins éthylique. Enfin, quelques instrus jazz soul interrompent les plages chantées, le tout dans une ambiance décontractée qui évoque le soleil et les vacances. On se surprend même à en rêver… et on se réveille à Bruxelles, au mois de mai, avec douze degrés à l’extérieur.

L’intitulé du nouvel album de Minus Story est intransigeant : « No Rest For Ghosts » ! Les fantômes se contenteront de hanter nos cauchemars, de se la couler douce dans les manoirs. Point barre. Tant pis pour eux. Tant mieux pour nous. Les dix chansons brodées sur ce disque sont d’une rare beauté. A chaque écoute, ces titres dévoilent leurs recoins harmoniques, petits détails oniriques, frais et mélancoliques. Assurément, la musique colportée par ce quintet du Missouri est rêveuse. S’abandonner dans ces cantiques, c’est se rapprocher des nuages. S’éloigner des fantômes. Nous sommes ici aux confins de deux mondes, entre lo-fi dépouillée et rock baroque. Sous la conduite de Jordan Geiger (chant, guitare, piano), ces univers s’entrechoquent dans une collision de sons. L’orchestration touche à la perfection, tant elle semble accordée aux proportions de ces compositions débridées. Mais où sommes-nous ? La question n’est pas simple... Vite, se repérer, regarder aux alentours, essayer d’apercevoir des bouilles familières. Malgré la brume qui voile l’horizon, on aperçoit Jonathan Donahue. Il est là, accompagné de ses compères de Mercury Rev. ‘Salut Jonathan !’. Mais il ne répond pas. Alors, on passe notre chemin. Tentant toujours de percer ce brouillard, on se réjouit des mélodies psychédéliques de « Waking Up », véritable Rev éveillé. Le moment de grâce surgit sous les accords fragiles de « Will I Be Fighting ? ». Là, tout s’illumine. Les ombres des Beach Boys, de Left Banke et autres Zombies s’éclairent. Et, finalement, on comprend pourquoi il ne restera rien aux fantômes...

C'est à l'âge de 11 ans que Julien Lourau a opté pour le saxophone. Bien du temps s'est écoulé depuis et l'artiste a trimballé son instrument de style en style avec boulimie. « Fire & Forget » est donc un instantané des multiples influences qu'il intègre maintenant dans sa propre musique. A partir d'un jazz résolument moderne, et même s'il évoque parfois Soft Machine (deuxième période), il explore de nombreux territoires de musiques actuelles: fusion, free jazz, funk, jazz-rock, expérimental, … Le brassage des idées évite pourtant l'écueil des albums trop éclatés. Les titres cohabitent sans heurts malgré leurs différences tribales. La plage titulaire campe une ambiance oppressive. La seconde chante son jazz déviant sur rythme impair. « Don't save me », est chantée à la manière d'un Arno agonisant sur boucles lugubres. « Sometimes » libère ensuite son jazz/funk tranquille sur fond de riffs de saxo (un peu de Dibango) et monte en puissance avant de s'éloigner. « I'd rather not » est plus hypnotique et invite un saxo en volutes, parfois parfumées d'Orient et une guitare tourmentée. « La boucle » étale sa langueur et « Lisa et Flavio » sa nostalgie, alors que piano électrique et saxo dialoguent sereinement sur le groove tranquille de « Relaxin ». « Guantanamo » nous emmène brièvement en Amérique Centrale, avant que la dernière plage restaure un classicisme très vite torpillé et referme portes et fenêtres pour nous laisser dans le noir. Un album original et varié, à défaut d'être totalement passionnant. Il atteste de l'ouverture d'esprit de son géniteur, lequel a quelques idées espiègles sous le bras.

Dur… Dur, vraiment… Comment en effet ne pas rester consterné devant cet album de Louis Phillipe Hébert ? Collectionnant les clichés ‘chanson française d’auteur’ et les mauvaises idées, les 13 morceaux qui y sont présentés se passent de commentaires. Mauvais jeux de mots (‘Mayday, venez m’aider’ sur « Mayday »), chant emphatique et mélodies faiblardes se succèdent ou pire, s’associent tout au long d’un disque qui finira même sûrement par horripiler les fans les plus acharnés de Jean Jacques Goldman (avec qui Hébert a pourtant travaillé ! ! !). C’est dire l’ampleur du désastre… Pour être complet, sachez que les chansons de ce chanteur originaire du Québec ont toutes été écrites entre 1998 et 2002 et que Gainsbourg a un dit un jour : ‘Il vaut mieux faire du bon rock sans ambitions artistiques que de la mauvaise chanson française prétentieuse’…

Album testamentaire d'un collectif français sabordé après 10 ans de collaboration, ce CD propose 11 plages en témoignage du travail accompli. Les paroles en sont une composante majeure. Œuvre de Julien Brotel, elles interpellent par leur surréalisme tourmenté. Le problème, c'est que Julien déclame tranquillement tous ses textes, sans la moindre modulation de l'un à l'autre (à part « L'éther du jour », chuchoté). Quant à lui, l'accompagnement est la plupart du temps acoustique (guitare, contrebasse, piano, violon), ce qui pourrait être du plus bel effet s'il n'était aussi confiné, trouvant rarement un peu d'espace, notamment quand il s'électrifie. Bruits et captations diverses viennent compléter le tableau avec goût et un bel à propos. Mais si chaque plage prise séparément s'avère plaisante, leur succession révèle vite ses limites. A moins de pénétrer d'emblée l'univers totalement à part de Jull, l'auditeur est finalement gagné par l'ennui. La pochette est sobre et belle, mais vu le type de création, on déplorera l'absence de livret. Un CD qui intéressera surtout ceux qui ont connu le groupe, par exemple à l'occasion d'un concert, et sont désireux d'en garder une trace permanente.

En 2002, nous découvrions Holden en première partie d’Emilie Simon, la femme « Végétal » aux jolies coccinelles. C’était à l’époque de « Pedrolira », deuxième album pop aux relents jazzy. Profondément ancré dans la culture française, Holden venait remettre au goût du jour les mesures vocales de Françoise Hardy. « Chevrotine », le troisième album du groupe parisien, tire dans la même direction. Entre Keren Ann et April March, Holden présente un univers élégant, loin des sales variétés yé yé. Ici, tous ‘les garçons et les filles’ n’ont pas leur place. Il s’agit d’avantage à apprendre ‘comment dire adieu’ aux soupes populaires servies quotidiennement sur les ondes. Pour appréhender Holden (ce patronyme emprunté au chef-d’œuvre de Salinger), c’est « La Question » qu’il faut poser… sur sa chaîne hi-fi. Cet album de Françoise Hardy demeure, en effet, l’évidente ascendance des mélodies chantées par Armelle Pioline (aucun lien avec les coups de raquette de Cédric). Parler de « Chevrotine » sans évoquer son inoubliable introduction relèverait du blasphème. « Ce que je suis » ouvre la chasse aux titres mélancoliques, à ces morceaux de déprime bienfaisante. Il suffit ensuite de se laisser bercer par quelques arpèges sulfureux (« Dès demain »), des ambiances cinématographiques (« Madrid ») et autres mélodies désenchantées (« Sur le pavé »). Sur « L’orage », ce bon vieux Jean-Louis Murat vient faire son ‘Gainsbarre’. « Chevrotine » nous emmène à la découverte d’une chanson française apaisante. La fugue fictionnelle d’Holden Caulfield s’est ainsi trouvée une bande son de circonstance.

C’est l’histoire d’un couple néo-hippie coincé au stade anal du trip sous acide, dont la vision hédoniste rappelle celle de Jodorowski et des designers de Haight-Ashbury. Ils s’appellent Delia Gonzalez et Gavin Russom, composent de la musique trans-sensorielle, aux confins de la transe psychotrope et du maxi-minimalisme à la Terry Riley. Membres du collectif Black Leotard Front (une chorale disco), magiciens à la Crowley (le Mystic Satin) et chorégraphes spasmophiles (Fancy Pantz), ils vouent un culte à Dionysos, et aux rites païens. Leur musique ? D’étranges oscillations aux harmonies dilatatoires, de l’extase cosmique et progressive, en rupture totale avec le temps et ses compromissions, comme s’il n’existait plus. Quatre morceaux, une heure d’intense divagation, sous le couvert analogique : on pense à Manuel Göttsching et à son disque « E2-E4 », à Vangelis, voire à Brian Eno et à John Carpenter. Les nappes psychédéliques se superposent aux beats contemplatifs, et l’oreille tangue en pleine berlue amniotique. Le chamanisme existe : voilà son rituel sous plastique, destination la piste de danse, atomisée sous le poids de l’étirement… Qui sont donc ces druides du drone mystique, qui « se sentent obligés de planer » (dixit Tangerine Dream) ? Un couple à la pointe de l’onirisme, perdu dans les limbes de l’électro la plus dérivative. Inspirez, expirez, et faites tourner les têtes avec ce disque d’exception, aux ambiances parallèles. Martiennes ? C’est son titre qui le dit.

Découvert par James Holden et signé presque instantanément sur son label, Border Community, Nathan Fake est devenu en l’espace de trois ans l’une des figures de proue de la scène electro. Quiconque ayant assisté à l’un ou l’autre DJ set de ce dernier ne peut nier qu’il sait mieux que quiconque mettre le feu au dancefloor ; mais ceux-là même qui s’imaginent retrouver sur « Drowning In A Sea Of Love » une avalanche de BPM, à l’instar des singles « Outhouse » ou « The Sky Was Pink », risquent fort d’être surpris. Pour son premier essai, le prodige de 22 ans a décidé de mettre les beats en sourdine. ‘Sacrilège!’ hurleront certains. Il s’agira probablement de tous ceux qui n’auront pas pris la peine de s’installer sur leur terrasse, de glisser le disque dans le lecteur, d’appuyer sur la touche ‘play’ avant de se laisser aller à rêvasser tout en regardant les nuages défiler dans le ciel, le verre de mojito à la main. D’une quiétude quasi-religieuse, « Drowning In A Sea Of Love » est tout simplement une merveille d’électro minimale et progressive tendant occasionnellement vers le post-rock aérien (« You Are Here », « Bumblechord »). Bien que l’on pense tantôt à Boards Of Canada (« Bawsey », « Charlie’s House »), tantôt à M83 (« Grandfathered »), Nathan Fake aborde ses compositions de manière beaucoup plus couillue et pénétrante que ses confrères. Même le tube « The Sky Was Pink » dont la version remixée par James Holden fit suer les clubbers tout au long de l’année dernière, y est présenté dans son apparence originale, intimiste, intense et dépouillé de tout attirail superflu. Prémisse d’un été qui s’annonce des plus sereins, l’océan des amours électr(on)iques de Nathan Fake est, assurément, l’une des plus belles choses qui soit arrivée à la scène éléctro-progressive. Splendide !