Klaas Delrue, c’est le chanteur du groupe Yevgueni, un groupe flamand qui rencontre un certain succès au Nord du pays. Parallèlement, il a décidé de monter un projet en solitaire. Et d'enregistrer un album dans la langue de Voltaire. Oui, oui, rien que des chansons en français. Il n’est pas le premier à avoir tenté le challenge. dEUS, Daan, Arno, Axelle Red s’y frottent ou s’y sont frottés avec un certain succès, avant lui. Le premier qui avait tenté l’aventure, c’était Johan Verminnen, au cours des années 70. Klaas revient tout simplement à ses premiers amours. Il est originaire de Rekkem près de Mouscron. Finalement, le français, c’est un peu sa langue maternelle… Et « Risquons Tout » n’est-il pas un hameau de Mouscron ?
Klaas a écrit ces chansons en compagnie de son frère Thijs. Le pari est audacieux, mais le résultat est plutôt réussi. L’artiste possède une jolie voix grevée par un léger accent. Les textes tiennent la route. Que ce soit à travers les cordes, les cuivres ou les accords de piano, les arrangements sont soignés et les chansons mélodieuses…
Je me pose quand même la question de savoir pourquoi ce type d'initiative ne se produit pas en Wallifornie. La Flandre n'est quand même pas un pays étranger. Bien sûr, la langue de Vondel n’est pas facile à apprendre pour un francophone. Mais dans l’univers de la musique, il ne devrait y avoir aucune barrière linguistique. Perso, il y a longtemps que je m’intéresse également aux artistes issus du Nord du Pays. Et croyez-moi, la scène y est florissante. Enfin, rappelez-vous que Musiczine est le seul site bilingue français/néerlandais en Belgique. On ne le dira jamais assez souvent !
En 2005, The Decemberists publiait « Picaresque », un magnifique album de pop/rock/folk. Et sur un label major, Capitol. Le signe de leur entrée dans la cour des grands aux States. La troupe à Colin Meloy grave ensuite « The Crane Wife » (2006), « The Hazards of Love » (2009) et « The King Is Dead » (2011), des long playings qui récoltent un certain succès.
Tout au long de sa, déjà, belle carrière, le groupe originaire de Portland (Oregon) est parvenu à se construire un style bien personnel. Qui se réfère à la nature. Tantôt, on respire l’air pur des bois et forêts ; tantôt on perçoit le souffle du vent salé qui vient de la mer. L’instrumentation est luxuriante et les airs, le plus souvent épiques. Pas étonnant que la presse les compare régulièrement à R.E.M. voire à Wilco.
Fondamentalement, ce septième opus se sert des mêmes recettes. Pièce centrale, la voix nasillarde de Meloy, est enveloppée par les différents instruments. Très classiquement et principalement par la guitare, la basse, l’accordéon et les percussions. Et selon leur feeling, les musicos viennent y ajouter toute une panoplie d’instrus différents.
« What a Terrible World, What a Beautiful World » débute très fort par les deux premiers singles, « Cavalry Captain » et « The Singer Adresses His Audience ». Un départ en trombe qui retombe comme un soufflet. Après ce coup de mou il faut attendre le plus mélancolique et bouleversant « Lake Song » pour que le combo prenne du poil de la bête. Bluesy, « Till the Water’s All Long Gone », « Carolina Low », en sont également deux autres belles illustrations.
Bref, malgré l’un ou l’autre bémol, il faut reconnaître que le long playing tient la route. Meloy est toujours aussi doué pour nous raconter et des histoires, et son backing band, à l’aise pour pondre des mélodies entêtantes.
The Decemberists se produira ce 24 février à l’Ancienne Belgique. A ne manquer sous aucun prétexte. La première partie sera assurée par l’Américaine Serafina Steer.
Un homme d'âge mûr qui s'entiche d'une jeune fille fait toujours jaser. Mais heureusement, pas quand il s'agit de musique. Je peux donc confesser avoir succombé au charme d'une adolescente. Clementine Creevy est une adorable petite blonde californienne qui compose dans sa chambre depuis l'âge de 14 ans. Le team de Burger Records est enthousiasmé par ses chansons étonnamment abouties. Clem hésite un peu. Elle n'a que 16 ans, pas de permis pour se rendre au bureau du label (ce qui implique donc de demander à sa mère de la conduire) et surtout elle veut monter un groupe. Elle se décide enfin lorsqu'elle persuade une amie du même âge de se consacrer à la batterie et déniche un ‘vieux’ bassiste, âgé de 23 printemps. Cherry Glazerr est né.
Je ne suis pas le seul à avoir craqué sur l'irrésistible voix de la demoiselle, puisque le New-York Times présentait le groupe comme la révélation absolue dans son article consacré à Burger Records, l'année passée. Cette structure est décidément une bénédiction pour tous les amateurs de rock DIY, un vivier de talents exceptionnels. La hype ne faisait alors que commencer. Depuis lors, Cherry Glazerr a été la seule formation rock invitée par Tyler The Creator au Camp Flog Gnaw Carnival, cette grosse fête foraine organisée par le collectif Odd Future qui convie chaque année la crème de la scène rap. Et au grand amusement du groupe, Saint-Laurent a utilisé le délicieux "Trick or Treat Dancefloor" dans un de ses clips.
Mais revenons à "Haxel Princess". Ce premier opus, s'il oscille entre garage, indie-rock voire noise léger, repose sur une base pop. Il y a un talent pour les mélodies indéniable et souvent, une efficacité imparable pour qui aime ce style. Si l'on peut penser à une kyrielle de groupes de la scène indie américaine du début des nineties, on a du mal à citer un nom en particulier. La voix à la fois mutine, sensuelle et juvénile de Clementine Creevy et son talent pour les accords simples mais accrocheurs apportent le petit plus qui distingue Cherry Glazerr des centaines de groupes du même style. 25 minutes de pur bonheur dans lesquelles on a envie de se replonger dès le dernier des dix morceaux. Alternance de rythmes nerveux et d'atmosphères plus alanguies, "Haxel Princess" dévoile un son peu travaillé, direct, brut et quasiment dépourvu d'effets sonores. Une simplicité que l'on retrouve dans les paroles. Ces histoires de collégienne narrées malicieusement avec une économie de mots mais suffisamment ambiguës pour ne pas tomber dans le cliché. Est-ce seulement le beurre de son croque-monsieur qu'elle aime faire glisser dans sa bouche? Elle qui fantasme sur son prof tout en déclarant juvénilement sa flamme à son copain. On peut se le demander maintenant qu'elle vient de fêter ses 18 ans et d'emménager dans son premier apart.
Si l'album s'écoute en boucle, on vous recommandera de tendre l’oreille au punky "White is not my color this evening", un des meilleurs singles de 2014. Mais aussi au remuant "Cry Baby", qui prouve que les deux acolytes à la section rythmique ne sont pas que des faire-valoir. Le groove nonchalant de "Grilled Cheese" ou les accords lumineux du déjà cité "Trick or treat dancefloor".
Bref, "Haxel Princess" est une première réalisation pleine de sincérité et de candeur. On espère que le trio conservera ces qualités quand il s'agira de passer l'écueil du deuxième opus. Le deux titres sortis fin d'année sur Suicide Squeeze sont en ce sens rassurants. En attendant, faites battre le petit coeur du teenager qui est en vous et ruez vous sur ce petit moment de bonheur sans prétention.
Chanteur/harmoniciste, Howlin' Bill sillonne les routes depuis plus de 15 ans. Il y est soutenu par un excellent backing group de blues roots. Il a gravé son premier opus, "Cool it", en 2003. Et embraie par "Strike", en 2006, et un ‘live’ en 2009", immortalisé lors d'un concert sold out, accordé à l'Ancienne Belgique. Les tournées du combo sont interminables. Il s’est ainsi produit à trois reprises au Belgium R&B Festival de Peer et a parcouru l’Europe de long en large, transitant notamment par la France, Suède, Norvège, Pologne et Suisse… En 2011, il remporte le premier European blues Challenge, organisé à Berlin. Ce qui lui permet de publier un Ep sous la forme d’un vinyle ("Howl"), puis l’LP "Date with the devil", en 2012. L’année suivante, Howlin' Bill signe sur le label belge Blues Boulevard, et y publie une compilation baptisée "Midnight Hero". Le 1er novembre dernier, la formation célébrait donc ses 15 années d'existence, et début 2015, gravait "Hungry", un nouvel opus, pour lequel elle a encore reçu le concours de ses partenaires habituels, le guitariste Little Jimmy, le bassiste Walkin' Winne et le drummer Daddy T.
Bill a les dents longues. Il le montre dès le premier titre, judicieusement intitulé "I'm hungry", une piste imprimée sur un tempo enlevé. A peine a-t-il chanté un couplet qu’il se met à souffler dans son harmonica, aussitôt rejoint par le petit Jimmy sur ses cordes. Le rythme s’élève encore sur "Drink about it", un piste au cours de laquelle la guitare nous plonge dans un excellent climat swamp. "More than fifty reasons" revient dans un cadre plus propice au blues. Little Jimmy et Daddy T se partagent les choeurs alors que Patrick Cuyvers, invité pour la circonstance, se charge du piano. Blues nerveux, "Highway of life" adopte un tempo proche de Slim Harpo. La section rythmique assure avant que le boss ne se libère sur son harmonica! "Perfect lovers" est une plage country & western. Le son de la guitare est particulièrement réverbéré et la mélodie est digne d’une B.O. d’Enio Morricone. Dépouillé, "You will have to go" est un long blues lent qui met en exergue le talent des deux solistes. Un tempo toujours aussi indolent canalise "Up to you" vers les marais louisianais, dans un climat lugubre. Cuyvers siège derrière son orgue sur "Not my wife", un r&b aux accents funkysants entretenus par les percussions de Daddy T. Et ce même Papa T excelle tout au long de "Rich", constituant une véritable rampe de lancement pour les envolées de Bill et de Jimmy! "Get up" macère à nouveau dans les marais poisseux de la Louisiane. Les musicos chantent en chœur frénétiquement. Les cordes ont quartier libre. Patrick Cuyvers se réserve le piano électrique sur "Robbin' a bank", un excellent funk/soul au cours duquel Jimmy exécute un solo très bien construit. Après "Walk the line", un swamp blues de toute bonne facture, Bill se lâche lors d’une finale country récréative, inspirée par le père Noël…
Absolution est trio anglais fondé en mai 2010. A son actif, "Issues", un premier album paru en 2012, et l’année suivante, "Live from the Front", un LP immortalisé en public. Leur musique mêle blues, rock, jazz et country. Le chanteur/guitariste Joe Fawcett en est le leader. Il revendique l'héritage de Vince Gill mais aussi de Joe Bonamassa, Robben Ford et Eric Clapton. Le line up est complété par Doug Lang à la batterie et Ben Gardner à la basse. Le trio a signé, début 2014, sur le label Blues Boulevard. "Absolution" constitue donc le second opus studio, un disque à la pochette particulièrement soignée. Joe et Doug signent, seuls ou ensemble, les douze plages.
"Blue situation" nous baigne dans un climat blues/rock. Chez ce power trio, l'unique soliste est le guitariste. Il est impeccablement soutenu par sa section rythmique. La voix n'est pas très puissante. Les musicos sont jeunes. Et cela s'entend. Très offensive, la guitare s’inscrit dans l’esprit du blues/rock mélodique pratiqué par Joe Bonamassa. Ses riffs entretiennent une ambiance dramatique. A l’instar de "Giving it up". Efficace, elle rappelle le Free, combo qui a sévi au cours des 70’s, malgré les quelques accents country qui planent circonstanciellement sur l’ensemble ! Le titre maître ne manque pas de charme. A cause de ses sonorités aux effluves surannées et des lignes de grattes bien construites. Caractérisée par sa ligne de basse empruntée à Jack Bruce, "Bitter Venom" évoque le premier power trio, né au cours des sixties, The Cream. Rock/blues puissant, Head for trouble" adopte des accents insulaires, largement inspirés par les débuts du style! "Empty, I'm down" campe un blues/rock indolent, cool, une piste au cours de laquelle la guitare et la basse entrent en fusion. "Left in the corner" nous entraîne dans le Delta du Mississippi. La guitare concède des accents métalliques. Dramatique, la voix est susurrée. Enfin, empreintes de subtilité et de sensibilité, les cordes finissent par se libérer, comme chez Robben Ford. Davantage grattées dans l’esprit des 70’s, elles évoquent Whitesnake tout au long de "Back to the levee", même si la voix de Joe est bien plus inoffensive que celle de Coverdale. "Some kind of liar" et "Lay me to the rest" trempent dans un blues/rock vaporeux et mélodique. "Long ride home" adopte un profil subtilement psychédélique. Acidulée, la gratte emprunte des chemins peu conventionnels. Excellent ! Et le long playing de s’achever par un brillant blues/rock intitulé "Don't know where (I'm coming from)".
Vingt secondes de chant liturgique, c’est le seul répit accordé par Wömit Angel avant de laisser exploser les fantasmes de leur cerveau reptilien. "Holy Goatse" vous traîne dans les plus vils instincts sataniques imaginés par les Finlandais. Hommage à un Satan qui se vautre dans les chairs déchirées, la sexualité contre-nature, le blasphème sur fond d’histoire de sorcière, de faits divers sordides ou de sadomasochisme gras. La couleur est annoncée d’entrée de jeu : tête de cochon mutilée, crochet de boucher, injure au savoir-faire des grands maîtres charcutiers. Ce n’est pas un coup d’essai pour les Finlandais. Leur premier elpee "Sodomatik Rites of I.NR.I.", sorti en 2012, nous avait déjà proposé un art qui tient plus de Jheronimus Bosch que du Douanier Rousseau. Je vous laisse chercher seul !
Au-delà de cette aura de bassesse, W. Horsepreacher, J. Violatör et Vile Anarchy proposent un Black Métal grinçant, fortement teinté de punk. Couverts de sang et de luxure, ils enchaînent les riffs, tambours violents en rythmes rapides, vocaux haineux dignes des pires moments de Sid Vicious et chœurs growls de chiens asthmatiques. Ces neuf titres regorgent d’influences : Motörhead, Impaled Nazarene, Sex Pistols, Mayhem. Mais plus qu’un ensemble linéaire, "Holy Goatse" est une succession de bons et de moins bons moments musicaux, une sorte de manga pornographique décadent au cours duquel de véritables constructions musicales sont entrecoupées de dissonances anarchiques. C’est ce qui en fait sa richesse. La montée en puissance et en destruction auditive est progressive. Ainsi "Serpens Cauda" et "Skin’n’Fuck" restent audibles et rythmés jusqu’à ce solo de guitare, en fin de morceau, fasse un peu tache dans l’originalité proposée. "Nekrofilian kutsu" est la plage qui se réfère le plus à l’univers punk ; mais de nouveau le solo gâche un peu le plaisir. "Nailgun Crucified " constitue le moment phare de l’ouvrage. Rien à blâmer. C’est jouissif pour les amateurs de punk pur et dur. Mais à partir de "Summoning the Spirits of Agony", piste au cours de laquelle éclate la guitare à la Motörhead, on passe en mode violence totale, parfois lassante, jusqu’à la folie vocale en soixante secondes du titre éponyme. A noter encore une belle prestation dérangeante de la dame fessée dans "The Witchhammer", histoire de sorcière et de trahison sur fond de torture.
Autant, à certains moments, j’ai pris mon pied au travers de ces 24 minutes de mise en ambiance sordide et vulgaire, autant à d’autres, l’expérience est devenue insupportable. Pourtant, dans les deux cas, à chaque écoute, j’y ai déniché quelque chose de nouveau. En conclusion, si vous cherchez de l’extrême à inscrire dans votre imaginaire, si vous avez une conception du Diable qui en exclut l’adjectif 'Malin' pour en créer une image voyeuriste à la Torquemada ou si vous avez honteusement raté vos études de boucherie parce que vous aimez massacrer du gigot, alors Wömit Angel vous mettra la bave aux lèvres. Pour les fans absolus, un nouvel EP "Maggotmouth" est en téléchargement libre sur leur site (ici) ou via Facebook. Ils nous proposent deux nouveaux titres et un réenregistrement qui remercie Vile Anarchy pour son dernier crime commis en compagnie de Wömit Angel.
Si vous êtes instable émotionnellement et éprouvez des difficultés à gérer vos pulsions, passez cependant votre chemin…
Grande soirée pour l’écurie CenteRock ce samedi 21 janvier au Rock En Stock à Houdeng. L’ASBL présentait en effet trois groupes hébergés par son label, fondé il y a maintenant deux ans. L’événement était d’autant plus important vu l’annulation récente du Power Festival. CenteRock voulait donc profiter de l’occasion pour se rappeler au bon souvenir des rockeurs louviérois.
C’est Manu Gabriele et les Effets Spéciaux qui ouvrent les hostilités peu après 19h. Des textes en français et un son atmosphérique ont permis au public de rentrer calmement dans la soirée.
Place ensuite à Sourblast, qui évolue dans un tout autre style. Le quatuor propose des compos pop aux sonorités métalliques. De quoi séduire les aficionados de musique plus musclée…
Plus besoin de présenter Jane Doe and the Black Bourgeoises. Véritable fer de lance du label, le groupe de la très charismatique vocaliste a complètement séduit un auditoire qui était pourtant déjà tout acquis à sa cause avant la représentation. Le rock toujours aussi garage du collectif fait mouche et donne inévitablement envie de découvrir leur deuxième opus sorti récemment.
Pour finir, un guest de marque était venu s’ajouter à l’affiche : Fred and The Healers. Le combo va parvenir à faire vibrer le public de la région du Centre jusque tard dans la nuit, grâce à son blues/rock excitant. Une bonne manière de clôturer une soirée qui aura brassé large au niveau des sonorités et ravi les quelques 200 personnes qui s’étaient rassemblées dans la jolie salle houdinoise.
(Organisation CenteRecords)
Two Kids On Holiday est donc dorénavant passé d’un duo à un trio sur les planches. Le troisième larron n’est autre que Romain Cruppa, également impliqué dans un autre groupe issu de la Cité Ardente, Leaf House. Les artistes issus du collectif JauneOrange n’hésitent pas à s’entraider ou apporter leur collaboration, c’est connu. Un Romain, dont la voix sucrée risque bien de faire chavirer les cœurs du public féminin…
TKOH réunit le drummer Gil Chevigné et le chanteur/claviériste Julian Arlia. Des tandems de choc comme les White Stripes ou The Black Box Revelation qui se consacrent à la formule guitare/batterie, c’est plutôt devenu courant. Mais des duos qui adoptent la combinaison batterie/synthé, c’est plus rare. Hormis Cats On Trees, je n’en connais guère d’autres. Curieux, la release party organisée pour la sortie de leur premier elpee, « Hurricane », sert de supporting act à la formation danoise Team Me, un band prometteur. Mais qui ne m’a pas vraiment convaincu sur les planches. J’ai donc faire l'impasse.
Sut le podium, les drums sont plantés au beau milieu. Deux petits palmiers bordent les fûts, un peu comme pour créer un petit décor hawaïen. Julian s’installe à droite de biais, derrière ses machines. Romain, à gauche, armé de sa gratte. Au début du set, le public n’est pas très nombreux. A l’instar de celui des R'tardataires, le bus des aficionados est en retard. Et quand ils débarquent dans la Rotonde, l’auditoire est bien plus conséquent.
« Aloha » ouvre le bal. Un mot hawaïen qui se traduit par affection, amour, compassion, pitié, au revoir et bonjour. Une belle entrée en matière. Les trois voix s’y conjuguent à la perfection. Des harmonies vocales qu’on pourrait qualifier de riches et précieuses. Tout comme sur « Future is bright », une de mes compos préférées. Le trio semble très soudé. En ‘live’, les musicos sont d’ailleurs très proches comme chez BRNS.
On commence à sentir des fourmis dans les jambes dès « The Leaves Are Falling ». Elles gagnent bientôt le bas des reins. Et on se trémousse lors de cette invitation à rejoindre le dancefloor. Un vaisseau « Pirate » nous entraîne jusqu’au beau milieu du Pacifique (NDR : peut-être quelque part en Polynésie…), une plage aux sonorités électro particulièrement généreuses. Mais « Sunset », soit le plus beau moment de la journée...
Après avoir interprété « Father », une ancienne compo, Two Kids On Holiday mord à belles dents dans son « Blood As Food », avec l’énergie d’un vampire. « Jump Like A Frog » est un extrait du premier Ep, « Tchouck Tchouck Nougat », une chanson fraîche et printanière. Et la prestation de s’achever par une version percutante de leur single « The Waves » (NDR : plage à absolument visionner sur YouTube ici), un titre digne du répertoire d’Arsenal. Pas de « Left And Ride », ce soir, malheureusement, une de mes chansons préférées, mais quand même un concert de toute bonne facture qui a inconsciemment donné envie de partir quelque part au soleil, et pourquoi pas du côté des Iles Hawaii…
(Organisation : Le Botanique)
Voir aussi notre section photos ici
Né sur les cendres du groupe Women (NDR : au sein duquel militait le drummer Mike Wallace et le bassiste/chanteur, Matt Flegel), Viet Cong est certainement l’une des sensations de ce début d’année. Il faut dire que, peu importe l’étiquette qu’on leur colle (post-punk, garage/rock, toutes les combinaisons sont possibles), la musique de ces Canadiens est jubilatoire. La preuve en est que, ce soir, le Witloof Bar est archi-comble. D’ailleurs, difficile de comprendre pourquoi le spectacle n’a pas été transféré dans une plus grande salle du Botanique. D’abord, parce que sold out, il a provoqué une déception légitime auprès des mélomanes qui n’ont pu se procurer un sésame. Et puis, parce quand c’est blindé, les ¾ de l’auditoire ne voient pratiquement rien du concert. Heureusement, la formation bénéficiera d’une séance de rattrapage, puisqu’elle se produira le 23 mai à l’Ancienne Belgique. Mais place au quatuor issu de Calgary venu défendre son premier opus éponyme.
Pour assurer leur première partie, Viet Cong a emmené dans ses bagages des compatriotes : Absolutely Free. Originaire de Toronto, ce groupe est en fait un avatar de la formation de math-rock, DD/MM/YYYY. Elle a ainsi l’opportunité de présenter son troisième elpee. Et il est également éponyme. Le trio monte sur les planches vers 20h. A ce moment, la salle n'est pas encore remplie. Il est donc possible de se faufiler entre les spectateurs et de profiter pleinement du spectacle (visuellement et auditivement). Après une longue introduction tout en apesanteur, la musique entre dans le vif du sujet. A la fois expérimentale, puissante et mélodieuse, elle fait mouche. Les compos sont particulièrement bien ficelées. Situé à un bon mètre de votre serviteur, le drummer impressionne. Le chanteur/claviériste/guitariste se montre particulièrement à l'aise, et change d’instrument avec une facilité déconcertante. Bref, je dois avouer avoir fait une excellente découverte. A l’issue de leur set, je me suis empressé d’aller acheter leur vinyle. Des premières parties d'une telle qualité sont plutôt rares!
Vers 21h, la salle est comble. Il est temps de jouer des coudes afin de choisir l’endroit idéal, pour voir ou entrevoir ce qui se passe sur l’estrade. Malheureusement, la foule est trop compacte aux premiers rangs, et ma vision se limitera à contempler Scott Munro (ex-gratteur de tournée pour Chad Vangaalen) jouer de la douze cordes. Si le Witloff Bar est parfaitement adapté à un groupe comme Viet Cong, il faut reconnaître que la salle l’est beaucoup moins en ce qui concerne les spectateurs qui ne sont pas parvenus à se planter aux premiers rangs. Soit…
Quoi qu’il en soit, les Canadiens semblent contents d’être là. Ce concert est le dernier de leur tournée européenne. Leur bonne humeur est communicative et tout au long de leur prestation, ils n’hésiteront pas à tailler une bavette avec le public. Dès le début du set, Viet Cong libère tout son potentiel. Les guitares sont incisives et parfaitement balisées par la section rythmique, basse/batterie. Puissante, néanmoins Une expression sonore sur laquelle Matt Flegel vient poser sa voix. Un peu ébréchée. Faut dire que le Canadien ne l’a pas ménagée tout au long de la tournée. Pendant une heure, les morceaux de leur premier album éponyme ainsi que de leur Ep « Cassette » vont défiler. Et lorsque le combo vide les lieux, l’auditoire est assez étonné que 60 minutes se soient déjà écoulées.
En un soir et deux concerts, les deux formations viennent de replacer (si c'était encore nécessaire) le Canada sur la sphère mondiale de l’indie-rock.
(Organisation Botanique)
La formation mythique américaine Faith No More sera de retour le 19 mai !
« Sol Invictus » est le premier album de la bande à Mike Patton depuis la parution d’« Album of the Year », en 1997…
Tracklisting
2. "Superhero"
3. "Sunny Side Up"
4. "Separation Anxiety"
5. "Cone of Shame"
6. "Rise of the Fall"
7. "Black Friday"
8. "Motherfucker"
9. "Matador"
10. "From the Dead"
A ne pas manquer au Graspop le 21 juin prochain…
www.fnm.com
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www.twitter.com/faithnomore
Paul Weller a annoncé la sortie d’un nouvel album sur le label Parlophone pour le 8 mai prochain.
« Saturns Pattern », son 12ème opus solo a été produit par Jan « Stan » Kybert et le ‘modfather’ himself.
« White Sky », un premier extrait, est à découvrir ici suivant avant son passage au Cactus Club de Bruges le 12 avril et à l’AB de Bruxelles le 18 avril.
Two Kids On Holiday (TKOH) est un duo électro/pop liégeois. Un groupe très contemporain qui se revendique de la mouvance électro. Sa musique s’appuie sur des rythmiques énergisantes et des sonorités synthétiques éclatantes. En ‘live’, le duo se transforme même en trio, pour mieux s'exprimer.
Intitulé " Hurricane ", son nouvel album paraîtra au cours de ce mois de février. Il est précédé par la sortie de "The Waves". Un souffle et des vagues qui devraient éveiller tous vos sens.
Two Kids on Holiday viendra défendre ce nouvel opus le 20 février sur la scène de la Rotonde du Botanique de Bruxelles avant de partir en tournée
En concert :
- le 20/02/2015 au Botanique en première partie du groupe Norvégien Team Me pour la release party et la sortie de l'album " Hurricane ".
-le 25/02/2015 à Le Reservoir à Paris.
-le 27/02/2015 au Mad Café de Liège (Release Party).
-le 21/03/2015 au Young Guns Festival de Namur.
Track list:
Aloa
Sunset
Future Is Bright
One Night Part I
Pirate
Bllod As Food
One Night Part II
The Leaves Are Falling
The Waves
BRNS a dévoilé le clip de « Many Chances », morceau issu du premier album « Platine » du groupe belge. Une vidéo en images animées, dans la lignée de ce qui avait été réalisé pour le titre « Our Lights » de l’Ep « Wounded ».
Le lien youtube : https://www.youtube.com/watch?v=g5nEmPAlgMU
Par ailleurs, le quatuor ne cesse d’accroître sa notoriété, une notoriété acquise récemment qui leur permet de se produire partout en Europe durant les prochains mois.
Les prochaines dates de la tournée :
14.08 - GRAPE FESTIVAL - PIEŠŤANY, SLOVAKIA
05.07 - ROCK A FIELD - ROESER, LUXEMBOURG
04.07 - MAINSQUARE - ARRAS, FRANCE
23.05 - WAY BACK WHEN - DORTMUND, GERMANY
13.05 - HANDELSBEURS CONCERTZAAL - GHENT, BELGIUM
11.04 - EKKO - UTRECHT, NETHERLANDS
10.04 - MOTEL MOZAÏQUE - ROTTERDAM, NETHERLANDS
09.04 - SIMPLON - GROENINGEN, NETHERLANDS
17-22.03 - SOUTH BY SOUTHWEST - AUSTIN, TEXAS, USA
13.03 - KREUN - KORTRIJK, BELGIUM
07.03 - ALHAMBRA - MONS, BELGIUM
06.03 - BETWEEN THE BEATS - BURGHOF LÖRRACH, GERMANY
05.03 - KIFF - AARAU, SWITZERLAND
04.03 - SALZHAUS - WINTERTHUR, SWITZERLAND
03.03 - LE ROMANDIE - LAUSANNE, SWITZERLAND
02.03 - MILLA - MUNICH, GERMANY
28.02 - FESTIVAL LA FERME - LOUVAIN-LA-NEUVE, BELGIUM
24.02 - PARADISO - AMSTERDAM, NETHERLANDS
21.02 - BIRDCAGE - BRISTOL, UNITED KINGDOM
20.02 - THE HOPE - BRIGHTON, UNITED KINGDOM
19.02 - BIRTHDAYS - LONDON, UNITED KINGDOM
17.02 - BROADCAST - GLASGOW, UNITED KINGDOM
14.02 - DE ZWERVER - OOSTENDE, BELGIUM
Gabriel Rios a été récompensé aux MIA, la plus importante institution de remise de prix musicaux en Flandre.
Gabriel Rios s’est distingué comme meilleur auteur-compositeur et récompensé pour le ‘Hit de l’année 2014’ grâce à son morceau « Gold », extrait de « The Marauder’s Midnight ». A ses côtés, notamment, son ami Stromae, rafle 4 récompenses. (Les MIA’s sont l’équivalent belge des Victoires de la Musique.)
En décrochant 4 MIA, Stromae a survolé la cérémonie flamande de prix musicaux.
Oscar and The Wolf a remporté trois distinctions, dont celles de la révélation et de l’album de l’année (« Entity »), pour six nominations.
Le musicien Luc De Vos, récemment décédé, a lui reçu, à titre posthume, le Lifetime Achievement Award.
Triggerfinger, meilleur groupe, a conquis son septième Award, à ce jour, tandis que Selah Sue, dans la catégorie artiste féminine de l’année, a ajouté un prix à sa collection qui en comptait déjà trois.
Et pour en revenir à Rios, il vient de publier un nouveau single : « World Of Sex », un extrait de « The Marauder’s Midnight », sorti l’année passée. Gabriel y est épaulé au chant par la belle Welshe Katell Keineg, une collaboratrice de Natalie Merchant et de David Byrne, qu’il a rencontrée à New-York.
L’année 2015 commence très bien pour le duo avec la sortie du maxi single et du clip « Dirty Road ». Un disque paru ce 26/01/2015, le même jour que « A Sunny Morning » de Beautiful Badness.
Alaska Gold Rush est un duo réunissant le chanteur/guitariste Renaud Ledru et le drummer Alexandre De Bueger. « Pilot Village Midnight », leur premier Ep, leur avait permis de décrocher de nombreuses dates de concerts. Une notoriété que le tandem allait sacrer en gagnant les concours du tremplin Verdur Rock et le Concours-Circuit. Si la paire se veut aussi efficace que les White Stripes et The Black Box Revelation, sa musique puise davantage ses racines dans le Bayou, mais n’en oublie pas pour autant ses références rock, roots et folk.
Renaud est passionné par la musique américaine traditionnelle (le blues des années 20 à 30, la country, l'americana et le rock'n'roll). C’est, en outre, lui qui assure l’essentiel de la composition. Alex est davantage influencé par la musique instrumentale de la scène contemporaine, une expression radicale susceptible de libérer un max d’énergie et de puissance, comme le rock pur et dur. Cette dualité fait l’originalité de leur style. Alex s’est produit à trois reprises au festival ProPulse. Avec Maw//Sitt//Sii, Alaska Alaska et Alaska Gold Rush.
Dirty road - track list:
1 - Dirty Road
2 - Where The Mountain Ends
3 - Rich
A écouter en intégralité sur leur Bandcamp : http://alaskagoldrush.bandcamp.com/
Par ici, la vidéo c’est là
En concert :
27/02/2015 : Alhambra - Mons
06/03/2015 : AB-BOTA / Ancienne Belgique - Bruxelles
14/03/2015 : Rock System - Louvain-la-Neuve
28/03/2015 Soirée concert Rock - Gerpinnes
14/04/2015 Le Buzz – Paris
22/04/2015 Le Biplan – Lille
02/05/2015 Century Rock Festival - Mouscron
16/05/2015 Nationa(a)l - Bruxelles
19/06/2015 L'Eden - Charleroi
10/07/2015 Les Ardentes - Liège
17/07/2015 Dour Festival – Dour
30/08/2015 Bucolique – Ferrieres
05/09/2015 Ward'in Rock Festival – Wardin
http://alaskagoldrush.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/alaskagoldrushmusic
Le festival ProPulse 2015 s’est achevé la semaine dernière. Un bilan positif pour les découvertes effectuées lors des journées professionnelles.
BXL Production est une nouvelle agence de Booking qui se charge des artistes bruxellois dont la musique sort de l'ordinaire (world, pop, tango et chanson française singulière).
Dynamique, cette boîte s'occupe notamment de faire tourner d'o'tchalaï, de Tout Finira Bien, du Bruxelles Aires Tango Orchestra et Venusberg.
Vous aimez entendre souffler un vent frais qui nous vient de l’Europe du Sud-est ? Penchez-vous sur l'album « Couleur de Lune » du groupe o'tcholaï qui vient de sortir chez Mogno en janvier 2015. Le trio nous y réserve des musiques balkaniques et tsiganes aux accents nostalgiques et aux rythmes endiablés...
Vous appréciez le tango bohème ? Découvrez celui des poètes du Bruxelles Aires Tango Orchestra. De la poésie, des plumes, des corps qui s'entrelacent sur une musique captivante. Cette musique libère une puissante émotion au cœur de la quelle le spectateur complice. Et ce voyage en Argentine, vous le vivrez en ne bougeant pas de votre siège...
Une musique contemporaine un peu décalée ? Une couleur jazz épurée ? Ils sont 5. Au trombone, à la flûte traversière, à la contrebasse, au sax et à la clarinette. Ensemble, ils tournent et détournent leur répertoire sur les scènes parisiennes et bruxelloises. Un premier album à découvrir « Mouton Mouillé », sorti en 2011. Ils ont collaboré avec des artistes tels que Grand Corps Malade, Oxmo Puccino et Kerry James.
Vous aimez la pop cabaret festive et déjantée avec un chant théâtral en anglais, français et espagnol ? Un duo. Entre une femme de théâtre : Genevière Voisin, explosive et volcanique et un lettré, plasticien et pervers : Fransua de Brussel. Vous aller danser décalé en compagnie du groupe Venusberg...
Vous aimez le rock, la world musique et surtout élargir votre univers musical ? C'est le moment. Il est indispensable de découvrir des groupes qui font de la musique autrement et qui n'est diffusée que dans des cercles restreints.
Un drôle de sentiment vous envahit en écoutant ce « The Ivy Leaf Agreement ». Déjà rien que le titre…
Entre les cordes cristallines et les accès de basse saturés, à la limite indécents, vient se glisser une pedal steel aux relents prog et une rythmique aux accents post-mat’. De quoi se poser des questions…
Bien sûr, cet étonnement se muerait en approbation, si les pièces du puzzle parvenaient à s’assembler pour mettre en exergue une voix agréable.
Or, les compos de cet elpee n’ont pas vraiment de fil conducteur. Les mélodies sont pop. Sucrées, également. Ou cherchent à épouser un profil post punk. Une valse-hésitation qui me laisse perplexe. D’autant que la durée des titres oscille entre 2’30 et 8’30. Sur les 5 plages,
Russell and the Wolf Choir essaye d’étaler son large spectre musical. Mais en s’éparpillant, il ne parvient ni à nous décevoir, ni à nous enthousiasmer.
Et faute de comprendre la démarche du groupe, on range le disque dans le tiroir de l’oubli…
Suivant…
Derrière le patronyme hispanique de Ramona Lisa, se cache la très douée Caroline Polachek, déjà active au sein de Chairlift pour un nouveau projet solo. « Arcadia » a été enregistré en mode ‘DIY’ pendant la tournée de son groupe, sur son PC portable mais –bonne nouvelle– cette contrainte n’est pas répercutée au sein d’un éventuel et souvent pénible son ‘lo-fi’. A travers cette aventure sonore parallèle, la New-yorkaise décide d’explorer le côté plus ‘éthéré’ de son inspiration, suivant une ligne de conduite tracée par d’autres artistes comme Julia Holter ou Juliana Barwick. A l’aide de cloches célestes ou de ses nappes de synthés, elle s’éloigne de la synth-pop pour un travail plus abstrait (« Hissing Pipes at Dawn (They're Playing Our Song) ») restant toutefois abordable (« Lady’s Got Gills »), parfois élégamment pop (« Backwards and Upwards »), romantique (« Dominic ») ou proche d’une liturgie légèrement ennuyeuse (« Wing of the Parapets »). Une récréation mystérieuse mais charmante qui laisse entrevoir de nouvelles perspectives pour cette Américaine aux ressources multiples…
Ou lala…
Le job d’un chroniqueur musical n’est pas toujours cousu de fil blanc.
Et si bien souvent on pense être assez calé pour pouvoir rédiger n’importe quelle pige sur n’importe quel style ou artiste, il faut de temps à autre avaler cette boule d’orgueil et se rendre à l’évidence, certaines sont plus ‘sportives’ que d’autres.
Si pour vous, Ibiza est la destination de vacances idéales ; si une soirée réussie correspond à quelques décilitres de sueur qui dégoulinent entre la raie des fesses, avant de se déverser sur le dancefloor ; si vous aimez lever les bras en hurlant ‘wouuuhouuuu’ ; si pour Noël vous avez demandé une dent postiche en or ; si enfin, le tempo d’une boîte à rythmes vous met en transe, alors, « It’s Time » n’attend que vous.
Derrière cette grosse machine à transpirer se cache Sean McCabe, DJ briton, casquette vissée sur la tête et barbe rasée approximativement…
Ce petit malin de McCabe produit du son qui ne laisse pas indifférent, même si vous n’êtes pas le plus grand noceur du monde.
C’est que le DJ sait s’entourer. Sa disco-house chaloupée bénéficie du concours d’artistes comme Jennifer Wallace, Diane Charlemagne ou Nathan Adams, qui servent de détonateur pour faire exploser les beats concoctés et mixés par l’Anglais.
Grâce à ses accès de basses susceptibles de fendre la pierre et sa consommation outrancière d’effets, « It’s Time » fleure un parfum festif de clubbing exalté.
Difficile cependant de s’enfiler la galette jusqu’au bout sans quelques haut-le-cœur, tant les rythmes et les mixes se traduisent par un matraquage pur et simple.
‘It’s Time’, dès lors, de refourguer la galette à l’un de vos potes.
Vous savez celui qui roule les fenêtres ouvertes, la musique à fond la caisse. Si, si, on en a tous un dans son cercle de connaissances. Lui en tout cas, vous remerciera 1 000 fois. Mais attention, chaque fois qu’il vous véhiculera, il ne pourra s’empêcher de mettre le son plein pot. Ben oui, c’est ça les amis…
Ce qu’il peut être parfois agaçant ce Lapointe.
On aimerait quelquefois pouvoir lui formuler un reproche, lui balancer un uppercut ou un swing dans les dents. Une critique virulente qui permettrait de conclure : ‘Ah là, le Québécois s’est viandé’.
Ben non, pas possible. Chaque nouvelle suscite le respect, s’écoute en silence et provoque l’admiration pour ses paroles envoûtantes et d’une infinie beauté.
Il reste donc peu de place à la réprobation, face à cet artiste confirmé, cet auteur/compositeur à la plume hallucinante, ce musicien talentueux...
Et pourtant…
« Paris tristesse » avait de quoi justifier une attaque en règle. Le titre, tout d’abord. Sombre. L’instrumentation. Limitée aux cordes et à un piano. Le climat. Ténébreux, presque arrogant.
Pourtant ce qui s’annonçait compliqué pour l’artiste et à la limite du supportable pour le mélomane, s’est transformé en idée géniale…
Certes, il faut accepter notre partie sombre, ces recoins secrets que nous tentons tant bien que mal à dissimuler. Il faut admettre ces instants où le cœur s’emballe face à la mémoire de moments tendres et perdus. Il faut faire preuve d’introspection et de remise en question. Il y a un travail, « Paris Tristesse » ne se gagne pas tout seul. Mais comme par enchantement, au fil des morceaux, cet univers volé aux dénis apparaît comme sublime.
Oui, on peut être heureux d’être triste. On peut accepter d’être humain, de fondre en larmes.
Car si le bourreau fait son boulot, il l’exécute avec tant d’expérience et de volupté qu’on en vient à trouver son acte superbe.
Il n’y a ni forme de masochisme, ni conspiration affective, mais un ressenti de l’essentiel des émotions et de la réalité des événements, de la situation.
Un sentiment profond teinté d’amertume que l’on gratte, que l’on creuse, et qu’on ressort du fond de soi.
Quoique délicates, les compos de « Paris Tristesse » atteignent leur cible dans leur cœur. Un disque dont on appréhende l’écoute, qu’on finit par s’y résoudre, parce qu’on a simplement envie de communiquer avec le plus profond de ses sentiments.
Il est agaçant ce Lapointe, mais il revient quand il veut.
Paru ce 9 février, ce long playing a été précédé par la sortie du single « Matin ». Le nouvel opus de Joseph d'Anvers est hanté par Bashung et Daniel Darc. Par Dominique A, également ; mais lui, il est encore vivant. Jouant habilement avec les codes actuels, sa musique oscille entre chanson française, rock et pop hexagonale.
Si Joseph d'Anvers,a pu sortir cet album, c’est notamment grâce à la mobilisation de ses fans sur les réseaux sociaux et la plateforme de financement participatif 'Kisskissbankbank', où la somme nécessaire a été récoltée en moins de 24h. Décomplexé, s'entourant des meilleurs collaborateurs, Joseph d'Anvers passe un nouveau cap en gravant « Les Matins Blancs». Autoproduit, ce disque est plus personnel que les précédents, comme une promesse de lendemain qui chante.
Joseph n'est ni anversois, ni flamand, ni belge. Il est français. Et n’est pas né de la dernière pluie. Il a simplement décidé de prendre un nouveau départ en signant chez At(h)ome. Il avait déjà publié trois elpees sur le label Atmosphériques et un pour l’écurie de Pantin. Et puis, auparavant, il a également sévi sur la scène indépendante, en compagnie de son ex-groupe Polagirl et Super 8, une période au cours de laquelle, il puisait ses influences chez Reed et Nick Cave & The Bad Seeds. Enfin, à ses heures perdues, il est écrivain et cinéaste.
Pour ce nouvel essai, Dominique A lui a écrit le texte de « Tremble », Miossec celui de « La nuit je t'aime quand même » et Lexcop, de « Marie ». Le reste est de la plume de Joseph. Des chansons poétiques au cours desquelles il raconte, un peu comme dans un clip vidéo, une histoire qu’il a vécue. Après une nuit blanche, il faut écouter ce petit rayon de soleil dans le paysage musical de l'Hexagone.
Des violons accrocheurs et mélancoliques ouvrent « Petite », une compo qui évoque la jeunesse qui part trop vite. « Surexposé » raconte l'histoire d'une dame coquine qui propose de vous aventurer sur des terrains interdits. Plage magnifique au refrain travaillé et immédiat, « Avant Les Adieux » est sculptée dans une pop à la fois lumineuse et dépouillée.
Contagieux, « Mon Ange » nous replonge dans les années 80. Joseph parle d'un amour triste, peut-être perdu, sur « La Vie A Présent », une piste tramée par des accords vaporeux de gratte acoustique. Les mélodies de « Sally » et « Marie » lorgnent plutôt vers Gaëtan Roussel. « Les Amours Clandestines » nous narre l'histoire de deux amants blottis à l'arrière d'un taxi…
La présence de cordes accentue le feeling mélancolique de « Chaque Nuit En Son Temps » et « Histoire de Johnny S ». Un duo violoncelle/trompette balaie « Les Jours Incandescents ». Et « Regarde Les Homme Tomber » achève ce superbe long playing, un titre au cours duquel la voix est soutenue par des accords de piano réconfortants.
Joseph d'Anvers accomplira une tournée, à travers toute la France, périple qui commence par le Café de la Dance, ce 10 mars 2015.
Sarah Carlier a publié son deuxième album en octobre 2014. Il s'intitule "SMS", le texto de ‘Save My Soul’. Treize perles tissées le long d'un fil groovy, composées et chantées en anglais. Surtout enregistrés et mixées par Dan Lacksman, à Bruxelles. Les sessions d'enregistrement ont été opérées au studio SynSound. Le choix a été dicté autant pour ses qualités techniques (enregistrement analogique) que pour les qualités humaines de Dan Lacksman, maître des lieux.
Mais les compos ont également été préparées en famille. Faut dire que le paternel, Sylvain, est guitariste. C’est également lui qui s’est chargé de la mise en forme du nouvel opus. Et la maman n’a pas hésité à mettre la main à la pâte, en aidant sa fille à mettre en boîte « Save My Soul ». Sarah joue de la guitare, chante et compose depuis son plus jeune âge. Elle puise ses influences majeures chez Nina Simone, Jimi Hendrix, John Mayer et Richie Havens. Sa voix campe un hybride entre Tracy Chapman et Nina Simone. Elle compte parmi ses amis, depuis ses débuts, Laurent Stelleman et Frank Baya (NDR : des musiciens incontournables en Belgique francophone). Ils se sont également investis pour la confection de cet elpee. Enfin, elle a également reçu le concours de Manon De Clercq, personne de l’ombre et manager qui lui a quand même écrit 5 chansons pour cet opus. Sarah a voulu superviser chaque étape de la confection du disque. Une manière de prendre ses marques.
C'est en 2009 que Sarah s'est lancée dans l'aventure musicale, en présentant un projet sur AkaStarter du label Akamusic (NDR : ce qu'on appelle aujourd'hui le crowdfunding). 283 personnes avaient ainsi financé la sortie de son premier single, « Let's Believe ». En 2010, son second projet, est soutenu par 594 personnes. Il se concrétise en 2011, par la publication de son premier album, « For Those Who Believe ». Après avoir accompli quelques premières parties prestigieuses au Cirque Royal et à l'Ancienne Belgique, pour Yael Naim, Emeli Sandé, James Morisson ou encore Amadou et Mariam, Sarah se produit dans le cadre de plusieurs festivals, dont le Couleur Café et le BSF. En 2013, elle grave une version limitée en vinyle et cd de son « Live Flagey ».
« SMS » est un album résolument optimiste et particulièrement ‘groovy’. Il baigne à la fois dans le folk, la pop, la soul et le reggae. Il s’ouvre également aux musiques du monde.
Une gratte discrètement funky stimule « My Counsellor », un titre judicieusement (NDR : ce qu’elle n’a pas encore décidé d’inclure sur les planches) cuivré. Des accords de guitare réverbérés ouvrent « Misery », avant que la voix puissante de Sarah ne fasse son apparition. « Mr James » est un retour aux sources. Une jolie ballade folk/soul qui met du baume au coeur. Coécrite par Manon Declercq, « Dreams » est une plage bouleversante et visionnaire.
« Misty » replonge dans le funk. Sylvain, le paternel, y réincarne Nile Rodgers. Omniprésent, il a également écrit « Big girl » (NDR : non, ce n’est pas Mika). La voix de Sarah est empreinte de douceur tout au long de « Shut ». « Save My Soul » est une superbe chanson. Elle touche l’âme et remue vos tripes. Et c’est toujours le père Carlier qui se réserve la six cordes. Franchement, il est vachement doué. Un soutien rêvé pour un artiste. Le piano nous ramène au calme sur « Call You ».
La voix est particulièrement soul sur « I'm Yours ». Sarah adapte le « All Along The Watchtower » de Bob Dylan; histoire de se rappeler que le Zim a bercé sa jeunesse. « This Story » achève l’œuvre en beauté. Sucré, cuivré, cet excellent slow vous incite à entraîner votre partenaire sur le dancefloor…
C’est sans doute après avoir écouté en boucle le « Ghosts of the Great Highway » de Sun Kil que ce duo a décidé d’enregistrer cet opus. Faut dire que la paire est particulièrement influencée par le folk et le blues obscur des années 30.
Et le moins que l’on puisse dire, c’est que l’inspiration leur a plutôt bien réussie.
Le tandem anglais réunit Alex Carter et Simon Kobayashi. Actionnaire chez Damnabli, ce dernier milite également chez Smallgang. Ensemble, ils ont décidé de nous tricoter une écharpe pour l’hiver, d’une grande douceur, en y tramant leurs plus belles mailles.
Subtil et ronronnant, « Album » se caractérise par sa fluidité et sa constance dans les accords délicats.
Comme pour lier la sauce, le duo devient trio, afin d’enrichir leurs envolées folk tantôt de drums, tantôt d’interventions d’une contrebasse.
Affichant de faux airs de Sam Beam, Lou Barlow voire Elvis Perkins, les Insulaires effacent les lignes de leur Union Jack pour redessiner, et sans le moindre complexe, un Stars and Stripes sans aucun complexe.
Dès que les doigts glissent sur les cordes, laissant transparaître, ce bruit de peau calleuse entre les accords, on voyage du Kansas au Kentucky, en passant par l’Ohio…
Parfois hasardeux (« Patient Song ») ou téméraire (« Home to No Home »), mais le plus souvent simplement excellent (« Stay By My Side », « Dartford Tunnel », « I Think the Shape of Your Head »,…), « Album » est une œuvre qui mérite une attention particulière. Classieuse, visionnaire, belle, tendre, enjouée, envoûtante, elle est de celles qui s’écoutent en faisant le vide autour de soi. Un peu comme lorsque derrière une vitre givrée, on regarde le froid se casser les dents contre votre bonheur, d’être au chaud…
Fondé par Bill Corgan, il y a 28 ans, Smashing Pumpkins est considéré comme un dinosaure.
Et on doit vite se rendre compte que nous sommes les victimes de ce prédateur.
Si le succès n’est réellement apparu qu’au début des années 90, on a vite fait le calcul, ces enfoirés ont grandi avec ma génération ; Corgan était d’ailleurs à peine plus âgé que votre serviteur.
Un dinosaure, certes, mais qui peine à disparaître.
Non pas que nous le souhaitions, mais parfois mourir de sa belle mort, communique au mythe une certaine forme d’élégance.
Dans le chef des Pumpkins, il semble impensable de poser le mediator.
Mais essayons d’être objectif ; en nous demandant ce que « Monument to an Elegy » a vraiment dans le ventre ?
Faisons fi des accords métalliques chers au combo. Oublions leurs martèlements de fûts spécifiquement marécageux. Délaissons ces fiévreuses envolées si caractéristiques. Supprimons la voix nasillarde de Corgan. Que reste-t-il ?
Une innovation ? Une nouvelle approche de la musique ? Une subtilité discrètement camouflée ?
Et bien, si on enlève tous les éléments spécifiques à leur expression sonore, il ne reste rien. Nada !
Il faut pouvoir accepter cette situation. Pourtant, 20 ans plus tôt le combo nous réservait des compos originales, percutantes, élaborées, savoureuses et même bouleversantes. Aujourd’hui, il se mord la queue et n’est plus que l’ombre de lui-même.
Pourtant, « Monument to an Elegy » devrait ravir les irréductibles, nostalgiques des nineties. Ceux dont l’horloge s’est alors arrêtée.
Vu le talent de la bande à Billy, il est incompréhensible de la voir incapable de se remettre en question. De s’ouvrir de nouveaux horizons sonores. Pourtant, elle a suffisamment d’expérience pour y parvenir. Afin de mettre à genoux la nouvelle génération, sur son propre terrain.
Bref, soyez rassurés quand même, tout au long de « Monument to an Elegy » Smashing Pumpkins fait du Smashing Pumpkins. Les aficionados crieront peut-être même au génie mais Dieu reconnaîtra les siens.
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