Il y a un bon bout de temps que Lloyd Cole privilégie le format acoustique, alors que flanqué de ses Commotions, il a connu ses heures de gloire (NDR : c’était au cours de la moitié des 80’s et du début des 90’s), en proposant une musique bien plus électrique. Pendant les 15 dernières années, il est revenu ponctuellement à ses premières amours, remontant même épisodiquement ses Commotions ou en compagnie des Negatives, mais sans jamais recouvrer son succès d’antan.

Pour enregistrer son nouvel opus, « Standards », il a reçu le concours de quelques pointures, dont le drummer Fred Maher (Lou Reed) et Matthew Sweet ainsi que de Joan As Police Woman. Sans oublier son fils, Will. En fait, le goût de l’écriture lui est revenu, alors qu’il avait été invité à rédiger la chronique de l’album « Tempest » du Zim.

Découpé en 11 plages, l’elpee a été mis en forme par Cole, alors que le mixing a été confié à Olaf Opal, un producteur allemand. Un œuvre qui renoue avec la fée électricité, mais dans l’esprit de Lloyd, c’est-à-dire sans jamais négliger le sens mélodique. On retrouve, bien sûr, sa voix énigmatique et chaleureuse et puis quelques titres de country rock (« No track », « It’s late »), sans oublier l’une ou l’autre ballade (« Myrtle & Rose », « Silver lakes ») ; mais en général, les compos libèrent un son vintage réminiscent de « Rattlesnakes ». Et c’est ici que se situe la bonne surprise. Depuis la cover de John Hartford, « California Earthquake » à un « Opposite days » hanté par Television, le plus vintage « Blue like Mars » (NDR : ces orchestrations !) en passant par le très 70’s « Women’s studies ». « Period piece » et le final « Diminished ex » lorgnent, en outre, vers la ‘big music’ des Waterboys ; même la voix de Cole emprunte les inflexions de Mike Scott. Une bonne surprise !

Ah quel bonheur d’écouter cet album éponyme en ces premiers jours pluvieux qui nous frigorifient l’échine… Les ex-Psycho Lemon, Rem Austin et Ann Lake –non, non il ne s’agit pas de pseudos– ont décidé de déterrer les plus belles mélodies tordues du rock plus ou moins underground des années 90. Accompagnés de Julien Barbagallo (batteur chez Tame Impala, tout de même), Rémi Saboul à la guitare (Drive Blind) et Stéphane Bertholio de Dionysos à la basse, les deux sbires revisitent les sonorités classiques qui ont marqué leur génération ; depuis Teenage Fan Club (« So High ») à Blur (« Tell Me Girl »), en passant par Grandaddy (« We Are the Crumble Factory », « Son of Light ») et les mythiques Boo Radleys (« Not-So-Happy Story »). Le chant bancal, la basse caoutchouteuse et un tempo hypnotique : de quoi combler les trentenaires, mais aussi inviter les autres à fredonner. The Crumble Factory nous vient de Toulouse, et constitue probablement la meilleure usine de rock indie française actuelle. Un dessert à consommer sans modération !

Des artistes qui d'habitude font chambre à part se réunissent ici dans un concept pour s'adresser autant aux oreilles qu'aux yeux (NDR : et il est vivement conseillé d'utiliser les quatre).

Le principe de cette auberge espagnole est simple, autant que pertinent : offrir à ces talentueux inconnus qui gravitent tous dans la sphère indépendante, une totale liberté d'expression.

Ce recueil propose donc neuf titres déclinés en Cd, Dvd et autant d'illustrations monochromes autour d'un bien bel objet collector qui attire d'abord la curiosité.

Foncièrement DIY dans son approche, « Songs From Another Room » reflète donc une envie ambitieuse de se démarquer dans la grisaille actuelle et de rendre ses lettres de noblesse à l'objet tant qu'à la production ; mais le tout, fait à la maison et avec peu de moyens…

À tout seigneur, tout honneur, commençons donc par le doyen de cette aventure, Robert Stevie Moore, plus iconoclaste qu'icône vivante, malgré sa carte de visite, qui depuis la fin des sixties a déjà publié plus de quatre cents albums dans les circuits qu'on imagine les plus undergrounds.

Artisan de l'ombre, le bonhomme qui a collaboré avec pas mal de beau monde (et on épinglera Tim Burgess des Charlatans, mais on pourrait de même citer Ariel Pink ou MGMT) propose ici un titre issu de ses archives pléthoriques mais pas rhétoriques.

Ainsi, « Lone », datant de soixante-sept est l'archétype du home recording servant idéalement d'introduction à cette entreprise dont Moore se fait le parrain.

Si le son issu d'une vielle cassette a immanquablement pris des couleurs délavées, le morceau en lui-même garde sa fougue d'antan, joyeusement foutraque et insouciante, laissant filtrer des pans de lumière au travers des persiennes et permettant à la poussière de danser dans l'opacité du temps. Comme si le spectre de Syd Barrett se trémoussait sur une plage brésilienne.

Pour lui emboîter le pas, Les Filles Et Les Garçons choisit la voix d'une Pop assistée par ordinateur (« Sea »). Là où les moyens divergent, on garde néanmoins une certaine cohérence vu la méthode de travail pas si éloignée, même si les outils sont forts différents et le son bien plus léché plus de quarante années plus tard.

Une promenade balnéaire rafraîchissante, dont les fragrances sont empruntées à New Order.

Vient ensuite le tour de Benjamin Lozninger dont le « (Backing) The Wrong Horse » prolonge le bain en eaux troubles.

Emmenant dans le sillage de ses courants chauds un spleen fantomatique qui rappelle de loin la silhouette du regretté Mark Linkous par la grâce de cette douce mélodie bricolée à la lumière scintillante des étoiles et rehaussée de quelques inventives interactions.

Alors, dans un dernier galop, le morceau s'achève dans un bruissement sale comme des draps froissés, après une après-midi d'amour.

Pour continuer, retour à l'Electronique en compagnie d’A. P Witomski dont les influences s’avèrent particulièrement évidentes sur ce titre. 

La bio nous apprend que ces initiales mystérieuses cachent en fait un docteur en physique. Cet esprit mathématique s'exprime sur « In A Sense Of Conformity » en lui insufflant la froideur des machines mais en prenant soin de laisser transparaître un feeling mélancolique qui fait mouche. Se déjouant des lois (qui en physique définissent un rapport immuable entre plusieurs grandeurs), la Synth Pop de ce Grenoblois renvoie au son des eighties, fidèle aux sonorités de ses maîtres mais loin d'en être esclave.

Une basse vient ensuite baliser le chemin pour Marc Desse et sa Cold Wave en français dans le texte.

Exception dans cet ensemble exempt de règles, « Video Club » a bien entendu des connotations très Frenchie.

Mais là aussi, le duo passe l’écueil du passéisme et fait la nique aux révérences datées.

Un moment d'ivresse en seize-neuvième qui se moque de la justesse de ton pour afficher un sourire juvénile et botter les culs qui se dandineraient nonchalamment entre deux chaises.

Le ton redevient plus solennel chez St. Augustine dont le folk lorgne vers des révérences davantage contemporaines.

Boisée et mûrie dans une cage thoracique en cèdre, la voix de François Régis Croisier renvoie vers cet Amérique aux paysages sans fin, croisant les envolées lyriques de Midlake et les bidouillages enfantins de Grandaddy.

Une culture anglo-saxonne qui colle aux basques de cet œuvre hexagonale mais plus en tant que référence que véritable révérence.

Ainsi, Sutja Gutiérrez et His Clanneyness se placent alors judicieusement au bon endroit pour changer de cap et relever le nez vers la voûte céleste.

Sillonnant une constellation habitée entre autres par le vaisseau M83, tant l'Italo-canadien Jonathan Clancy (dévoilant « Slash The Night (Version 1) ») que l'Espagnol (« You Are God (Version 1 ») ramènent notre attention vers des sonorités plus digitales.

Sonorités qui se perpétuent sur le dernier morceau de ce CD.

Soit une mélodie minimaliste qui au fil de quatre minutes que dure « You Wanna Sing » fait la synthèse de cet elpee, tout fait main mais non pas cousu de fil blanc.

Ceci pour n'aborder que l'aspect audio de cette pièce.

Du côté des vidéos, le soin apporté par les différents réalisateurs est bien entendu à l'image de la qualité intrinsèque de chacun de ces morceaux et fidèle aux préceptes du Do It Yourself.

Soit imaginatifs bien que dénués de grands moyens.

À ce titre, mention spéciale au clip de « Modern World » et surtout à celui de « Vidéo Club » (sic!)

Soulignons aussi le travail graphique de Mathieu Labeille, superbement mis en image sur « (Backing) The Wrong Horse ».

Pour conclure, « Songs From Another Room » constitue donc un voyage entre Folk et Electro au pays du trois fois rien, là où les idées et certains talents s'expriment librement, loin des contraintes du quotidien, rendant justice (et justesse) à l'expression artistique.

La formation canadienne Dead Ghosts effectuait un petit crochet par la Belgique, jeudi dernier. L'occasion d'aller écouter en live un des très bons groupes de garage du moment. Interprétant intégralement leur deuxième album, l'excellent « Can't Get No », elle nous a replongé dans les atmosphères des sixties pendant une bonne heure pour notre plus grand plaisir.

Une trentaine de fidèles des concerts JauneOrange, ne connaissant pour la plupart pas le groupe de Vancouver, ont fait le déplacement. Ils ne le regretteront pas.

La soirée débute par un set des Bruxellois de Mountain Bike, un ensemble fondé récemment par des membres de Warm Toy Machine et Thee Marvin Gays. Une très bonne surprise ! D'abord parce que peu de combos belges proposent du garage ; ensuite, parce qu'on assiste rarement à des premières parties de cette qualité. La section rythmique assure méchamment, les compos sont efficaces, garage 60's bien-sûr, mais tout en se référant généreusement à l'indie-rock des années 90. Et si le chant paraît moins assuré que les guitares, en écoutant leur démo, on en conclut qu’il ne faudra pas très longtemps avant que cette voix atteigne, en ‘live’, le niveau des instruments, tant elle est agréable sur bande. Ty Segall et la scène de San Francisco ont des petits cousins au pays des moules et c'est tant mieux.

Arrive alors les Dead Ghosts, un peu timides au début devant cette salle à moitié vide. Mais habitués aux bars nord-américains, ils se détendent peu à peu. Surtout au fur et à mesure que l'assistance quitte le zinc, attirée par l'adrénaline qui se libère de la scène. On ferme les yeux et on se retrouve en 1963, au début du phénomène garage quand des adolescents américains, influencés par les groupes anglais émergents osaient se lancer dan un rock'n'roll crasseux à l'énergie débordante. Plus encore que sur le disque, on déduit que le titre de l’elpee n’est pas le seul à évoquer les early-Stones. Mais ce n'est bien-entendu pas la seule référence qui nous vient à l'esprit. On pense aux débuts des Beatles pour la qualité des mélodies, à des Shadows poisseux, aux premiers titres des Clash (la rythmique du batteur, sorte d'Animal des Muppets, tant il s'agite dans tous les sens) et à des formations plus psychédéliques (la guitare fuzz règne fatalement en maître de cérémonie). Les ‘tubes’ de l'album s'enchaînent. "Cold Stare" ouvre les hostilités tout en mélodie puis c'est l'avalanche de décibels déclenchée par "Can't Get No", "Summer with Phil" ou "I Want you Back", sans oublier la pièce maîtresse de "Can't Get No" à mon sens "Roky Said", hommage non voilé à Rocky Erickson, le leader des mythiques 13th Floor Elevators. Et pour l'anecdote, on est heureux de voir le bassiste arborer un magnifique t-shirt Sarah Records. Est-ce la raison pour laquelle, on entend dans certaines de ses notes des réminiscences de la légendaire structure anglaise? Après tout, Dead Ghosts, c'est autant pop que rock, la pop des débuts, la vraie, pas la soupe actuelle.

Jetez vous sur l'album si cet article vous a alléchés. Enregistré comme les pionniers sur un 8 pistes et par conséquent faisant fi de tout ordinateur, il nous ramène aux racines du rock ; de quoi nous ravir de retrouver un son brut, non trafiqué, plein d'humilité et de ferveur comme le sont les Dead Ghosts.

(Organisation l’Escalier)

Les couloirs du temps se rétrécissent et il n'est plus nécessaire, de nos jours, de posséder une Delorean pour en arpenter les longueurs, largeurs ou toutes autres dimensions.

En empruntant un des vecteurs les plus communs et des plus usuels, je fais route ce mercredi soir vers des contrées hors de portée des affres de la nostalgie, inoculant cette substance non prohibée que l'on nomme simplement bon temps.

Par contre, il serait plus qu'opportun d’enfin concevoir la téléportation !

À défaut de cette grande et belle invention future, j'arrive alors qu’Elephant Stone vient d'entamer son set.

Mince, il est déjà sitar ?

Ben oui, dès les premières rasades, il est évident qu’Elephant Stone n'a pas inventé la roue ; mais ces Canadiens, emmené par leur bassiste, Rishi Dhir, disposent d’un certain potentiel pour renouer avec les trames de motifs sixties tout en y incorporant des éléments de musique traditionnelle indienne.

Passant judicieusement de la basse aux cordes pincées de son noble instrument à manche long, l'ex-membre des High Dials fait valser les compositions outrageusement pop de son répertoire.

Le résultat est donc à ranger dans la catégorie Revival aux côtés de Miles Kane, par exemple, plutôt que sur l'étagère où trônait Cornershop.

Si une écoute distraite avant leur passage n'avait guère affolé les aiguilles de mes potentiomètres, leur concert m'a permis de revoir mes premières impressions à la hausse. Beaucoup moins niaises qu'il n'y paraît à premier abord, leurs compositions recèlent de fort bonnes mélodies, rehaussées de galvanisantes montées sonores assénées par un excellent guitariste.

Et à aucun moment, les ponts brodés au sitar ne viennent encombrer le sentiment de légèreté qui émane des titres proposés.

À l'aise dans son français (et pardon aux néerlandophones), Rishi et son band nous laissent donc sur une agréable impression, tout en sourire et remerciements sincères.

Finalement, la pertinence de cette double affiche apparaît sous la lumière nouvelle de ces quarante minutes, et l'on comprend l'engouement des Black Angels de les emporter dans leurs bagages.

Du bagage, les Texans en ont pris depuis la première fois où je les ai vus en concert.

En quelques années, ils sont devenus incontournables et malgré un crochet récent à la frontière hollandaise, dans le cadre d’un festival gratuit, il n'est pas étonnant que l'Orangerie soit comble ce soir.

Le public enthousiaste (dont certains énergumènes survoltés) ne s'y trompe pas et réserve à chaque titre un accueil chaleureux.

En une heure et demie de passage à la moulinette, de télescopage chromatique et de réverbération hallucinée, les sens tanguent sous la houlette d'Alex Maas et sa clique d'anges ténébreux.

Pas de temps mort. C'est pied au plancher que le groupe d'Austin emballe son auditoire.

Chant incantatoire, pop noyée d'effets multiples, orgue grésillant et assaut de noise, le tout précieusement enrobé du linceul de gloires éternelles, du Velvet aux Doors en passant par 13th Floor Elevators.

La tête dans le tambour d'une machine qui abriterait du beau linge coloré, mais dont le bruit de moteur pétaraderait jusqu'aux portes de l'enfer, nonobstant la dose nécessaire d'adoucissant ajoutée, afin que le groupe entre dans la légende.

Un bref aperçu des titres joués ce soir permet de se rendre compte de l'évolution du band, restant intègre et fidèle à sa ligne de conduite.

Une recette sans cesse génialement réinventée qui donne substance et matière à des morceaux devenant au fil du temps classiques du genre.

Bref, on n’est pas prêt d'arrêter d'en parler de ces anges noirs.

Après cette avalanche de morceaux imparables ponctuée par « Young Men Dead » en apothéose, je n'ai plus qu'à plier genou à terre, tirant ma révérence, définitivement aux anges.

(Organisation : Botanique)

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