Pour enregistrer « Chore of enchantment », Joey Burns et John Convertino font encore, officiellement, partie de Giant Sand, mais manifestement, leur esprit est de plus en plus focalisé sur leur projet Calexico. Ils n’y apportent, d’ailleurs, leur concours, à la basse et aux drums que sur une petite moitié de l’album. Une absence compensée par de nombreux invités. Parmi lesquels figurent Juliana Hatfield et Cat Power aux vocaux. Gelb coproduit l’opus. En compagnie de l’inévitable John Parrish, à Tucson, de Jim Dickinson, à Memphis, et de Kevin Salem à New York.

L’opus est dédié à la mémoire de Rainer Jaromir Ptacek, décédé en 1997, un joueur de slide que Gelb appréciait tout particulièrement. En fin de parcours, il lui réserve d’ailleurs un titre, « Shrine ». Hormis l’une ou l’autre plage plus punk et électrique (« 1972 », « Satellite »), le long playing privilégie les plages indolentes, profilées sur le vocal aride, hanté du leader, dont le timbre semble camper un hybride entre Léonard Cohen et Lou Reed. Parfois même proche de Vic Chesnutt. Pas étonnant que l’œuvre soit aussi ténébreuse et énigmatique. Il y a même ponctuellement du mellotron et une boîte à rythmes. Beaucoup de guitare sèche. Sur le premier cd, on a droit à un remix de John Parish consacré à « Shiver », en bonus track. Ah oui, pour le titre de l’album, Howe a de nouveau pensé à Ptacek, puisque ce dernier appréciait tout particulièrement l’opéra…

La même année, Giant Sand publie un second volume de sa série de bootlegs officiels, qu’il sous-titre « The rock opera years ». Le cd propose 13 titres, dont plusieurs versions différentes de compos figurant sur « Chore of enchantment », et notamment une superbe version live de « Dusted ». Parmi les indédits, on épinglera une cover du « Music Arcade » de Neil Young, à laquelle participent Evan Dando et Victoria Williams (NDR : on suppose aux backing vocals) ainsi qu’une rumba particulièrement entraînante, qui clôt l’opus, « No good ».  Un disque plus expérimental, en général plus électrique, flirtant régulièrement avec le jazz, même si les bases country/rock sont toujours bien présentes. En bref, plus proche de ce que Giant Sand propose, à l’époque, sur les planches.

Quand Howe Gelb enregistre cet opus, Joey Burns et John Convertino ont quitté Giant Sand pour se concentrer sur leur nouveau projet, Calexico. Cependant, lors des sessions d’enregistrement, il reçoit le concours de toute une série d’invités, parmi lesquels on épinglera la présence de feu Vic Chesnutt, Scout Niblett et Eric Drew Feldman (NDR : il a notamment bossé pour Captain Beeheart). Des tas de musiciens danois également. Sans oublier John Parish. A la production, mais également et circonstanciellement aux drums, au mellotron et à la guitare ‘national’. Et cet elpee en revient à une forme plus expérimentale. Explorant tour à tour, la country, le blues, le folk, le roots, le jazz, le rock, sous leur aspect le plus alternatif. Un essai presqu’aussi audacieux que « Center of the Universe », paru en 1992. Il y a même du ragtime, de la rumba, du paso doble, de la valse, du psychédélisme, du swing, du slowcore (déjà !), de la lo-fi et même une adaptation plus qu’approximative d’« Anarchy in UK » des Pistols, rebaptisée pour la circonstance « Anarchistic Bolshevistic Cowboy Bundel », chantée par sa fille. Bref, un disque qui marque le retour de Giant Sand à l’expérimentation…

Alors que les cendres du groupe londonien de free-jazz Acoutic Ladyland sont encore chaudes, le leader et saxophoniste Pete Wareham monte un nouveau projet et le baptise Melt Yourself Down. Histoire de ne pas être trop perdu, il a fait appel à son ancienne collègue Ruth Goller afin de tenir la basse. On retrouve derrière les fûts Tom Skinner. Un deuxième saxophoniste (Shabaka Hutchins), un claviériste (Leafcutter John), un percussionniste (Satin Singh) et un chanteur (Kushal Gaya) complètent le line up du band.

Peu enclin à respecter les codes, Melt Yourself Down se plaît à brouiller les pistes et apparaît comme un réel OVNI musical. Difficile de rester en place à l’écoute de ce premier album. Les Anglais n’hésitent pas à teinter de nuances orientales, de l’afro-jazz ou de la musique latino. Dynamisant le tout d’énergie punk et la saupoudrant de quelques particules d’électro. Un sacré fourre-tout donc ! Mais pour un résultat impressionnant. Car ça groove ! C’est hypnotique. Au chant, Kushal Gaya, le shaman, semble littéralement possédé. Les saxophones sont épileptiques. Et le plus extraordinaire c’est qu’au final, les huit morceaux restent accessibles.

Cet album devrait plaire aux amateurs de musique du monde mais pas seulement, car Melt Yourself Down parvient à transgresser les frontières et transcender les genres. N’hésitez donc pas à vous y plonger. Sensations fortes assurées !

L’album s’ouvre par des bruits de foule, probablement captés dans un marché ou lors d’une vente à la criée. En Grèce. Du brouhaha, qu’on retrouve au début de la plupart des morceaux. Car oui, il a été enregistré et mixé à Athènes, sur trois jours, en 2012, alors que dans la rue, éclataient des émeutes anti-austérité. Faut dire que Savage Republic a toujours été engagé dans la lutte sociopolitique. Fondé en 1980, il s’était séparé en 1990, avant de se reformer en 2002. Mais le line up initial, ne compte plus de membre fondateur. Sauf peut-être Bruce Licher, mais qui se contente de dessiner les pochettes.

Ce n’est pas la première fois que Savage Republic s’intéresse à la République hellénique. « Film noir », un de leurs singles, proposait en flip side une version du célèbre « O Adonis », une chanson révolutionnaire signée Mikis Theodorakis. Mais revenons à ce « Varvakos ». Découpé en 8 plages, il a bénéficié du concours de Blaine L. Reiniger (Tuxedomon). Au violon, bien sûr. Tout d’abord sur le titre maître, une piste à coloration balkanique. Lors d’un superbe morceau acoustique, minimaliste, intitulé « Poro », qu’il entame d’abord seul au milieu du tumulte. Sans quoi, on retrouve la patte post punk bien spécifique du combo californien (Los Angeles), caractérisée par ces drums tribaux, ces guitares noisy, stridulantes, et cette basse vrombissante, sur plusieurs titres : « Sparta », « Hippodrome », « Anatolia » et « Kara », seul compo chantée, au cours de laquelle l’archet de Blaine virevolte littéralement. Un morceau plus expérimental, « Pigadi », histoire de ne pas oublier que le band a aussi, autrefois, flirté avec l’indus. Un retour intéressant, même si les bruitages tirent parfois un peu trop en longueur…

Décidément, les têtes pensantes du label Full Time Hobby ont le bon goût de ne jamais se tromper… La signature des obscurs Danois de Pinkunoizu en est une nouvelle preuve ! Avides de constructions alambiquées mais aussi de mélodies haut de gamme, ces Scandinaves publient leur second album, un disque qui fait suite au très remarqué « Free Time ! », paru en 2012. « The Drop » approfondit leur fascination pour une pop psychédélique qui échappe à tout carcan. Entre ballade foutraque (« I Said Hell You Said No »), longues divagations inspirées du krautrock (« Necromancer ») ou rock d’un autre monde (« The Can Valley »), ils ne tiennent pas en place quitte à perdre l’auditeur en route. Il sera pourtant gratifié de superbes moments s’il donne la chance à certains morceaux enchanteurs (« Pyromancer ») entre basse incroyablement caoutchouteuse, chœurs, synthés loufoques et envolées électriques. Un manque de cohésion qui charme et déroute à la fois. Pinkunoizu porte peut-être le nom d’un Pokémon mais sa musique mutante devrait lui permettre de remporter bien des combats musicaux !

A ne surtout pas manquer le 6 octobre en première partie du non moins magnifiquement déjanté Tuung…

Pour sa cinquième édition, la deuxième sous ce nom, le Bozar Electronic Arts Festival a concocté une affiche alléchante. La programmation du vendredi va nous entraîner dans l'univers de la dark techno. Sombres, les lieux le sont également. La plupart des concerts se déroulent dans une longue pièce fort peu éclairée et problème récurrent du festival, souffrent d’une acoustique de piètre qualité. L'austérité des lieux, l'absence de couleurs et les éclairages minimalistes concordent bien avec la musique proposée et offrent un cadre neutre adapté aux visuels. Mais cette pénombre permanente et cet espace confiné au bout d'un dédale de couloirs suscitent plus l'introspection et la solennité que la fête chère aux technophiles lambda. Atmosphère de musée donc, quelque peu figée, renforcée par la présence des gardiens habituels du lieu un rien effrayés par la faune présente, entre jeunes clubbers en singlet et intellectuels à lunettes d'un certain âge.

Nous débarquons alors que le concert d'Emptyset vient de débuter. Les basses sont à peine supportables et nos oreilles sont directement martyrisées. C'est un des soucis de ce festival. Ces grandes pièces aux très hauts plafonds ont une piètre acoustique et les organisateurs ont beau en changer chaque année, aucune n'en offre une à la hauteur de la musique proposée. Soit, on n'en parlera plus. Concentrons-nous sur la musique dispensée par la moitié du duo de Bristol. Il nous propose un live qui évoque le label Raster-Noton, pour lequel il a d'ailleurs officié. Quelques moments expérimentaux où l'on joue sur la saturation et la répétition des sons. Des beats qui arrivent progressivement et se font petit à petit plus réguliers ; mais rien de transcendant. Le visuels de la Française de Joanie Lemercier, très proche de l'imagerie du label allemand précédemment cité, sont un peu monocordes et accentuent l'austérité de la musique. On aurait aimé un début moins agressif, car la mise en train est un peu violente.

Place alors au Britannique Pye Corner Audio qui nous plonge dans des sonorités ambient proches de BO de vieux films de science-fiction avant de poser quelques beats lents par dessus les nappes. De petites mélodies surgissent çà et là puis disparaissent dans le magma. Plus apaisé que le précédent, ce set aurait dû débuter la soirée. On reste quand même parfois un peu perplexe, car certains passages sont peu compréhensibles comme le sont également les visuels, où films de vacances seventies se mélangent à des vues de l'espace et des figures géométriques. Il est décidément bien difficile d'échapper aux clichés dans l'art difficile du veejaying. 

Il est alors temps de passer dans une salle bien plus adaptée à la musique puisqu'elle accueille généralement des concerts de musique classique. Nous nous installons donc confortablement dans des sièges pour assister au clou de la soirée : Borderland le projet de deux figures mythiques de la techno, Moritz Von Oswald (aka Maurizio, boss des légendaires labels Basic Channel et Chain Reaction) et Juan Atkins (pionnier du son de Detroit sous les pseudos, entre autres, de Model 500 et Cybotron). La foule est venue en grande majorité pour ce moment et accueille religieusement les deux légendes. Ici, il n'y aura rien à voir. La scène est plongée dans le noir, juste éclairée par des lampes de chevet. Trois figures figées devant leurs écrans (le neveu de Moritz, Laurens Von Oswald est également de la partie), émergent de la pénombre. Les premières minutes nous entraînent dans l'ambient de l'album du duo sorti sur Tresor. On a un moment peur que le live ne soit qu'une resucée de ce dernier ; mais après quelques minutes des pulsations naissent à la grande joie du public. C'est à la version rythmée que nous allons assister pour notre plus grand plaisir. Chaque apparition d'un beat, même fantomatique, est accueillie par des cris et des applaudissements de l'assistance. On se retrouve tour à tour au cœur des atmosphères techno dub de Chain Reaction puis dans des contrées plus propres à Juan Atkins période Model 500 (le morceau "Treehouse" par exemple). Les informations se font de plus en plus nombreuses et les clubbers ne tiennent plus en place. Au diable l'atmosphère religieuse et un peu guindée des lieux, quelques téméraires osent se lever et s'approcher de la scène, bientôt suivis par une centaine de personnes avides de se déhancher. Bien entendu, on est loin de la techno grasse et peu finaude des méga festivals, chaque son est réfléchi et subtil. On comprend minute après minute pourquoi ces deux personnages qui ne payent pas de mine sont des légendes. La prestation se termine. On emmène péniblement Moritz Von Oswald vers les coulisses et sa lente claudication nous rappelle que l'on a failli le perdre fin 2008 suite à une crise cardiaque pendant un trajet en avion. Une douce impression d'avoir côtoyé l'histoire de la musique électronique pendant une heure nous plonge dans une certaine nostalgie. Pas pour longtemps. Le présent nous attend.

Et ce présent, il est rudement bon. Retour dans le couloir lugubre pour une prestation qui va me bluffer. William Bennett, mieux connu pour son implication chez Whitehouse, le fabuleux groupe de noise expérimental, s'est, au cours des dernières années, lancé dans un projet consacré aux instruments de percussions ghanéens. A partir de ces rythmes, il a concocté une techno tribale ébouriffante sous le patronyme de Cut Hands et c'est en grande partie son dernier album "Black Mamba" qu'il nous propose. Pas mal de spectateurs sont désarçonnés et c'est compréhensible. Le nombre d'informations à la seconde dépasse largement les capacités d'absorption d'un clubber lambda. En outre, elles partent dans tous les sens ; et pourtant, tout est maîtrisé. On a l'impression d'assister à une cérémonie vaudou et fatalement l'état de transe n'est jamais loin. L'amateur de musique africaine que je suis est aux anges. Je suis littéralement happé par cet enchevêtrement de rythmes traversés par des sonorités industrielles. Mes amis semblent moins réceptifs. Peu importe, j'ai vécu un grand moment et je me promets de me procurer sous peu toutes les productions signées Cut Hands.

C'est Vatican Shadow qui reprend le flambeau. Dominick Fernow, artistes aux multiples pseudos dont le plus connu est Prurient, propose sur albums une IDM/techno industrielle aux mélodies synthétiques sombres qui pourrait figurer dans le catalogue Tympanik Audio, par exemple. Mais les mélodies sont quasi-absentes de son live et on doit se contenter d'une dark techno agressive et un peu ennuyeuse. On pourrait s’imaginer participer à une soirée Ant-Zen ou Hymen des années 90. Et on se dit qu'on aurait bien consommé un intermède un peu coloré au milieu de tous ces univers industriels relativement redondants.

Et ce ne sont pas Silent Servant et son comparse Regis qui nous extirperont de ces atmosphères étouffantes. Ils clôturent la soirée. Leur expression sonore est froide, sombre, industrielle, percussive. Un set sans doute plus réussi que l'artiste précédent ; mais mes oreilles sont repues. Elles sont aussi saturées que le son. Les ingénieuses et abrasives saillies noise ajoutées par Karl O'Connor (Regis) sur la techno indus de Silent Servant ne me titillent plus. Il est temps de s'en aller.

(Organisation Bozar)

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