Les ‘London Sessions’ de LCD Soundsystem seront dans les bacs le 24 janvier ! Enregistrées ‘live’, en un jour, le 29 juin 2010 à Londres, ces sessions réunissent neuf extraits sélectionnés parmi l'ensemble de leurs albums studios. Destinés initialement à être diffusés partout dans le monde via les radios rock, les titres de cet elpee reflètent l'énergie dispensée par le groupe sur les planches. Rien n'a été retravaillé par l’informatique, tout est interprété en temps réel.
Les morceaux ont été mixés par James Murphy à New York et masterisés par Bob Weston, à Chicago.
Le tracklisting:
1. Us v them
2. All I want
3. Drunk girls
4. Get innocuous
5. Daft punk is playing at my house
6. All my friends
7. Pow pow
8. I can change
9. Tr city's a sucker
http://www.lcdsoundsystem.com
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En rallumant la flamme du hip hop old school, Pigeon John pourrait bien incarner le premier buzz de 2011 ? En tout cas, son premier single, « The Bomb », qui précède un nouvel elpee, « Dragon Slayer », dont la sortie est prévue pour le 7 mars prochain, sent le revivalisme à plein nez. Un avant-goût ? Le clip de « The Bomb » :
Repéré et signé par David Commeillas du label Chapa Blues Record (Victor Démé, Yapa), Debademba vient d’enregistrer son premier album. Il paraîtra ce 25 janvier. Il a été concocté sous la houlette de Sodi au Studio Zarma (Fela, Femi Kuti, Rachid Taha).
Entre funk, blues et world, Abdoulaye Traore et Mohamed Diaby proposent une musique atypique qui va bien au-delà de l'exercice de style…
http://www.myspace.com/traorabdoulayedebademba
Beth Ditto et le duo de producteurs anglais Simian Mobile Disco ont décidé de conjuguer leurs efforts pour concocter un Ep. Un disque dont la sortie est prévue pour le 6 mars prochain. Cette collaboration vise avant tout les dancefloors et s’inspire ouvertement de Grace Jones et d’Aaliyah. Vous n’avez pas encore de fourmis dans les jambes ?
En prélude à la sortie de son nouvel album, sobrement intitulé « 101 », prévue pour le 28 février, Keren Ann propose de remixer son morceau « My Name is Trouble ». Téléchargez les pistes séparées et uploadez votre remix sur http://remix.kerenann.com
Keren Ann et John Mavroudis se sont également associés pour créer un décompte de jours en ligne. Celui-ci a débuté le vendredi 19 novembre 2010, et s’achèvera le 28 février 2011, date de sortie de l’album.
Chaque jour sera l’occasion de découvrir sur http://www.101kerenann.tumblr.com une expression de Keren Ann associée au nombre de jours, et le tout sera mis en images par John Mavroudis.
Pour enregistrer leur troisième album, « All this dancin’ around », Triggerfinger s’est donc rendu aux studios ‘Sound City’, à Los Angeles, un endroit mythique où a été immortalisé l’album ‘Nevermind’ de Niravana, mais également où Rage Against The Machine, Bob Dylan, Red Hot Chili Peppers, Metallica et quelques autres grosses pointures, ont transité. Et la mise en forme a été assurée par Greg Gordon, notoire pour avoir produit Wolfmother, Oasis et même Slayer... Un choix ou une opportunité qui méritaient des explications. Et c’est au grand complet, c'est-à-dire le chanteur/guitariste Ruben Block, le drummer Mario Goossens et le bassiste Paul Van Bruystegem alias Monsieur Paul que le groupe est venu parler de son nouvel opus, tantôt dans la langue de Shakespeare, tantôt dans celle de Molière… au cœur d’une ambiance détendue mais parfois aussi désopilante…
Et c’est Monsieur Paul qui prend d’abord la parole : « En fait, c’est Greg (NDR : Gordon) qui a opté pour ce studio. Et nous sommes heureux de son choix. Et très satisfaits de tout le personnel qui y travaillait. Très pro. Très concentré sur notre projet. Au début on était un peu impressionnés, mais après 10 minutes, on avait pris nos marques et on se sentait comme à la maison. » Mario embraie : « Cet endroit nous avait été conseillé par Greg, que je connaissais depuis qu’il avait bossé sur l’album ‘Set Your Head On Fire’ (NDR : au mixing) de Black Box Revelation. En outre, au moment où on est parti aux States, il y avait une grave crise financière ; mondiale, bien sûr, mais surtout là-bas. Et le cours du dollar était au plus bas. Alors, lorsque nous avons établi notre budget pour enregistrer notre album, on s’est rendu compte que les sessions seraient moins onéreuses à Los Angeles qu’en Belgique. Enfin pas tout à fait, mais presque. Le choix était vite fait. On a donc préféré partir outre-Atlantique pour bosser, mais en même temps prendre un peu de bon temps. Et on y a vécu une aventure formidable. D’autant plus qu’en Amérique, il existe une histoire du rock n’ roll. Enfin, Greg a quand même travaillé pour des grosses pointures comme Wolfmother, Oasis ou Public Enemy. Son expérience dans la musique est énorme. Il est également musicien et joue dans un groupe ». Monsieur Paul reprend le crachoir : « Le matin, tu te réveilles et tu dégustes le meilleur café du monde. Tu prends une petite douche. Piscine. Puis tu commence à bosser. Un séjour très agréable, très relax. Et tout s’est déroulé très vite. Il était prévu 8 jours pour élaborer la structure basse/batterie/guitare ; or après 4 jours, on avait achevé les prises. Finalement on aurait pu tout boucler en trois journées, mais on a préféré prendre notre temps. C’était tellement facile. Tout semblait couler de source. Comme quoi, il est aussi possible de réaliser un album dans des conditions agréables ; et ne pas constamment être soumis au stress… » Mario commente : « Greg s’est chargé du mix et du son. Il est très old school. Son job est très physique. Il avait essayé de traiter certains de nos morceaux comme un DJ, notamment sur la ligne de basse ; tout en préservant le morceau. Ce qui demande un énorme effort de concentration. Il nous a ainsi entraînés à remettre, parfois, notre métier sur notre ouvrage, afin de tirer le meilleur de nous même… » En live, la prestation de Mario est souvent explosive. Se comporte-t-il de la même manière en studio. Accepte-t-il de jouer, un casque d’écoute sur les oreilles. Il nous répond : « Je joue toujours avec un casque. L’énergie dispensée par Triggerfinger n’émane pas seulement moi, mais du trio. C’est la raison pour laquelle on a choisi pour patronyme Tiggerfinger (trad : le doigt sur la gâchette) ». Et Paul d’insister : « Quel que soit l’endroit, on joue de la même manière. Et on transpire. Full energy ! » Et toujours pas d’invités lors des sessions. Ruben le confirme : « Oui on aurait pu ajouter un peu plus de guitare ou des claviers à notre propre partition ; mais ce n’était pas à l’ordre du jour. Greg nous l’avait d’ailleurs proposé, mais pour l’instant nous voulons en rester au socle basse/guitare/batterie. Afin de communiquer un maximum de punch à notre musique… »
Mais passons maintenant aux différentes plages de l’elpee. ‘All this dancin’ around’ ouvre l’opus. C’est aussi le titre de l’album. Une compo caractérisée par un groove particulièrement intense. Mais pourquoi ce titre ? Ruben argumente : « Dans le sens littéral, on pourrait penser à une action de remuer les hanches. On ressent le groove. C’est une partie de l’explication. Mais sous un autre aspect, la question devient peut-être existentielle. A quoi cela va-t-il nous servir de danser toute la journée ? Et cette réflexion constitue le thème principal du disque. Bien sûr, il y a quelques titres plus intenses au niveau des lyrics, mais on essaie de placer la danse sous un angle émotionnel… » Deux morceaux plus minimalistes figurent sur ce long playing. Tout d’abord ‘All night long’ enregistré un peu dans l’esprit de ‘No teasin’ around’, une plage qui figurait sur l’album précédent, ‘What Grabs Ya’. Ruben s’explique. « En fait, il s’agit d’une chanson de Ray Charles. Je ne sais plus si c’est lui qui l’avait écrite, mais il l’avait interprétée. La première fois que je l’ai entendue, je me suis dit que j’allais un jour pouvoir en faire quelque chose. Plus je la travaillais, plus cette situation devenait une évidence. Et puis, elle correspondait bien au climat de l’album. La version a été enregistrée en prise directe. Mario se charge des enchaînements et Paul se réserve la grosse caisse. C’est la compo la compo la plus intimiste du disque. Elle constitue un moment d’apaisement entre deux titres plus heavy… » Et l’autre, est manifestement ‘Without a sound’, un superbe morceau au sens mélodique très aiguisé, un titre dépouillé mais intense qui me fait penser à Sufjan Stevens voire à Bonnie Prince Billy. Ruben embraie : « C’est une chanson qui est très proche de moi, même si je ne la considère pas comme minimaliste ; mais je pense qu’il faut la comprendre dans l’ensemble du contexte de l’album. La dynamique est différente… » Dans un autre style encore, ‘Love lost in love’ se révèle énigmatique, cinématique. Un peu comme une bande sonore d’Ennio Morricone pour un western. Mais lorsque les chevaux sont au galop. A cet instant, un grand éclat de rires éclate au sein du groupe. Ruben confirme : « La comparaison est superbe. En fait, la première version de cette chanson était instrumentale. Mais comme j’adorais le refrain (NDR : il chantonne), j’ai pensé y ajouter des paroles. Effectivement, on peut imaginer, en l’écoutant, le galop d’une cavalerie. » Tiens et pourquoi le refrain de ‘Tuxedo’ est-il aussi emphatique que chez les Scorpions. Monsieur Paul et Mario se regardent, puis fixent Ruben, avant, à nouveau, de se tordre de rire. Et le mot est faible. Entre deux éclats, Monsieur Paul se met à siffler le refrain de ‘Wind of changes’ du groupe allemand ; et Ruben d’ajouter laconiquement : « Très bien… » ‘Cherry’ est manifestement la compo la plus blues de l’elpee. Puisées chez les artistes issus du Nord du Mississipi, les références au label Fat Possum sont manifestes. Ruben admet : « C’est un riff très simple. L’esprit du blues est présent tout au long de l’album, à des degrés divers. ‘My baby’s got a gun’ en est un autre, mais imprimé sur un tempo plus lent. Mais tu as raison de penser au label Fat Possum pour ‘Cherry’. »
Et on s’est payé une dernière bonne pinte de bon sang avant de clôturer notre entretien en leur remémorant une invitation qu’ils avaient reçue pour se produire à Roland Garros. En fait, je me demandais s’ils étaient montés sur le court avec des guitares ou des raquettes pour renvoyer les balles… Passé ce moment d’hilarité générale, Monsieur Paul clarifie : « On a joué dans les loges. Pour un concert privé, après les matches. C’était rigolo. Lors d’un drink plutôt chic. Champagne. Tenues de soirée. Et en montant sur scène, tu zoomes automatiquement sur les femmes… Mais pas trop quand même, car les mecs avaient l’air menaçants. Au début du set, le public semblait vraiment choqué. Puis après quelques minutes, il s’est décrispé et je pense qu’il a apprécié. Mais cette prestation était importante pour nous, car elle nous a permis de bénéficier de quelques reviews en France. Et elles étaient favorables. Dès lors… »
Merci à Vincent Devos et à Jean-Claude Mondo
Photo Sindy Mayot
Le groupe rock progressif britannique Marillion a été l’un des premiers à prendre le contrôle total sur sa musique en créant son propre label ‘Rocket Records’ et en se chargeant lui-même de la distribution de ses albums via son site internet http://www.marillion.com
En 2009, Racket Records s’associe au label hambourgeois earMUSIC (Deep Purple, Europe, Gamma Ray, Savatage, Chickenfoot) pour la distribution de l’album « Less Is More » sur le marché traditionnel tandis que Marillion continue à assurer lui-même la vente via la grande toile.
Les deux parties semblent s’y retrouver puisqu’ earMUSIC/Edel vient d’annoncer une seconde collaboration en ce qui concerne la sortie d’un CD/DVD live intitulé « Live from Cadogan Hall ».
Enregistré le 7 décembre 2009 lors de l’ultime date de la tournée ‘Less Is More’, « Live from Cadogan Hall » a été capturé par pas moins de neuf caméras pour un rendu très intimiste de la prestation. La plage sonore à été mixée en 5.1 DTS par Michael Hunter, le producteur de Marillion. Comme « Less Is More », « Live from Cadogan Hall » présente une collection de classiques du groupe anglais réarrangés en versions acoustiques et alternatives donnant beaucoup plus d’espace à la voix de Steve Hogarth ainsi qu’à la guitare de Seve Rothery.
Le CD/DVD sera disponible dès le 18 février 2011.
earMusic et Racket Records annoncent dors et déjà que leur collaboration n’en restera pas là !
Ce vendredi 14 janvier, Trish Keenan, chanteuse du groupe Broadcast, s'est éteinte à 42 ans des suites d'une pneumonie. La scène indie perd l'une de ses plus belles voix. Broadcast avait publié 4 albums depuis 1995 ainsi que quelques travaux collaboratifs dont le dernier, "Investigate Witch Cult Of The Radio Age" avec The Focus Group, avait été publié en 2009.
House Of Pain est de retour! Et celui-ci s'effectuera sur les planches de la Last Arena au festival de Dour cet été. 14 ans après leur split, Everlast, DJ Lethal (Limp Bizkit) et Danny Boy se réunissent à nouveau et ça risque evidemment de sauter sec sur la plaine de la machine à feu.
House Of Pain est donc le premier nom officiel à s'apposer sur l'affiche 2011 du festival qui a lieu du 14 au 17 juillet. Les tickets sont en vente depuis quelques mois déjà! Plus d'infos sur le site officiel.
Trip Fontaine évoque, pour votre serviteur, le superbe film de Sofia Coppola, « Virgin Suicides », un long métrage qui met en scène le destin tragique de quatre jeunes sœurs. C’est au cœur de cette Amérique conservatrice incarnée par cette famille, qu’apparaît un jeune adolescent indocile, Trip Fontaine. Fougueux, défiant l’autorité, playboy, Trip Fontaine tombe toutes les filles, hormis l’une des quatre sœurs (NDR : rôle interprété par Kirsten Dunst) qu’il tente désespérément de conquérir.
Quant à savoir si ce quintet allemand a adopté ce patronyme pour rendre hommage à ce personnage, je n’en ai aucune idée. D’abord leur biographie n’en fait pas mention et puis je ne pratique pas la langue de Goethe ; ce qui m’aurait permis de mieux comprendre les textes des compos.
Trip Fontaine (le groupe) est issu de Rudgau, dans la région de Hesse. Sculpté dans l’indie rock, « Lambada » constitue leur premier opus ; et il est foutrement jouissif, intense et plaisant.
L’elpee s’ouvre par l’excellent « I’ll Gain Eternal Life », une plage au cours de laquelle les voix se mêlent aux claviers psyché et aux grattes noisy, dans un superbe crescendo. Les vocaux cèdent le relais aux cris sur « No Guts », une compo davantage punk-rock. Le tracklisting alterne morceaux mélodieux (« Wit Taker », « Bobo Blues ») et plus rythmés, fougueux, énergiques (« New Sweater », « The Latest Type of Flue »). « Mario Border » lorgne même carrément du côté de The Rapture.
Pour un premier elpee, le combo album vient de réaliser une œuvre magistrale, à la fois audacieuse et provocatrice. Le Trip Fontaine de Virgin Suicides aurait certainement apprécié…
Même si les reformations de vieilles gloires se multiplient ces derniers temps, on était loin de s’imaginer que le groupe culte Unruly Child reviendrait un jour sous les feux de la rampe. Grâce à la sortie de « Worlds Collide », ce qui n’était même pas l’ombre d’un rêve s’est concrétisé. En 1992, Mark Free, ex-chanteur de Signal et de King Cobra, entouré d’anciens musiciens de Stone Fury et de Hurricane, forme Unruly Child, dont le premier opus deviendra une référence pour les amateurs de hard fm. Balayé par la vague grunge, le combo se sépare rapidement. Six ans plus tard sort « Waiting for the Sun ». Echec commercial autant qu’artistique pour le groupe qui ne compte plus alors que deux membres de sa formation d’origine.
2010 voit le retour de l’équipage de base au complet. Enfin, presque. Puisque le line up a subi un changement notoire de configuration. Mark Free a vécu une lente transformation, autant sur le plan physique que psychologique, et s’est rebaptisé Marcie Michelle Free. Le chanteur est devenu une chanteuse, une première dans l’histoire du hard rock. Paradoxalement, rien n’a changé sur le plan vocal. Chargé d’émotion et de mélodies imparables, « Worlds Collide » impressionne, émerveille dès le splendide titre d’ouverture « Show me the Money ». La suite oscille parfaitement entre puissance et mélodie. Chaque titre est délivré avec faste et panache, alternant guitares parfois bien heavy et claviers majestueux. La voix si particulière de Marcie fait merveille sur des mid tempi propices à quelques envolées du plus bel effet. Si le riff de « Show me the Way » est inspiré de Led Zeppelin, celui de l’énorme « Love is Blind » lorgne sérieusement sur le « Contagious » de Y&T. Caractérisé par son intro queenesque, « Read my Mind » élève encore le niveau. Le groupe ne relâche la pression que sur la sublime ballade finale « You don’t Understand », exercice indispensable pour tout groupe de AOR qui se respecte. Inutile de chercher la faille sur cet album. Il n’en possède pas. Une œuvre qui n’a pas grand-chose à envier aux dernières productions de Journey ou de Foreigner. Unruly Child entre dans la famille des valeurs sûres du hard mélodique.
Dans le monde de la musique, Gilles Peterson occupe une place à part entière. DJ influent, et créateur de labels (Acid Jazz Records ou encore l’excellent Talkin’Loud) le Français peut se targuer de nombreux exploits sonores. En 1998, il est recruté par Radio 1 (BBC) afin de lancer une émission destinées aux ‘jeunes’. Il la baptise Worldwide Radio Show, et y consacre une programmation essentiellement partagée entre dub, jazz et hip hop. Ce qui va lui permettre d’être diffusé tant sur Radio Nova que Studio Brussel. Excusez du peu ! Toujours à la pointe de l’actualité, il est également responsable de la confection de nombreuses et riches compilations, parmi lesquelles « The BBC Sessions » ou encore « Gilles Peterson Digs America » demeurent les plus notoires.
L’écurie bbe s’est penchée sur cet increvable collectionneur de disques et propose sa nouvelle compilation qui fait mal ! Double galette, « Gilles Peterson Presents : Worldwide- A Celebration Of His Syndicated Radio Show » reflète la personnalité de Peterson à travers un vaste éventail de tracks qui ont fait le succès des émissions radio de l’artiste. Des titres orientés hip hop, R&B et jazz qui ne reflètent pas nécessairement la meilleure sélection opérée chez Peterson, mais bien sa vision panoramique de la musique ainsi que les grooves qu’il affectionne le plus. On épinglera notamment des pistes magiques telles que « Let’s Ride » de Q-Tip, « Green Eyes » d’Erykah Badu, le « Galang » de M.I.A., « Emotions » de Benga ainsi que la pépite signée Sébastien Tellier « La Ritournelle », une véritable tuerie au cours de laquelle Tony Allen siège derrière les fûts.
Gilles Peterson offre là un florilège subtil. Passer à côté de cette compilation serait une tragédie pour ceux qui ne jurent que par les émissions de radio pointues. Bref, rien à voir avec la daube que nous sert aujourd’hui Pure FM ! Indispensable !
Dans un mode préventif ou d’automédication pour traiter les maux du quotidien, prendre une dose de White Noise Sound une fois par jour, de préférence entre les repas.…
Si le fantôme psychotrope du « Ladies and gentlemen, we're floating in space » de Spiritualized plane tout au long de cet album d'excellente facture, c'est le Spectrum de « Revolution » qui d'emblée hante les esprits, sur « Sunset », premier rayon de soleil sur une galaxie nouvelle et pourtant si familière. On redoute le plagiat, on succombe au final à cette rythmique syncopée sur laquelle se greffe une voix qui correspond parfaitement à ce type de musique. Dès que les guitares s'élèvent à l'unisson vers ce bruit blanc, vers des sphères balisées où l'on croit croiser pêle-mêle Black Rebel Motorcycle Club, les Dandy Warhols ou encore les Jesus and Mary Chain, on se cale dans son siège, aspire une grande bouffée d'oxygène liquide et on se prépare au voyage, enclenchant le pilotage automatique.
Les premières notes de « It is there for you » transparaissent au cœur d'une boucle spatiale en mode redondance cyclique. La voix caresse et susurre, les étoiles défilent à vive allure et après deux cent-cinq secondes, nous sommes propulsés à vive allure vers ces horizons striés de larsens.
Quelques instants plus tard, escale sur une planète rouge, au bord d'un océan de quiétude, survolé par des nuées d'oiseaux colorés, spécimens inconnus d'aucun ornithologue à ce jour. Une pluie de notes synthétiques balaie le ciel. Oui, mesdames et messieurs, nous flottons bien entre ciel et terre.
« There is no tomorrow » tranche alors un peu dans le vif du sujet. Judicieusement placé à ce moment de l'album, cette chanson (oui, chanson!) emmenée par une voix chevrotante, bercée par des violons, un orgue hypnotique et balayée par des trompettes triomphantes rappelle le meilleur de Jason Pierce. Si l'originalité n'est pas franchement de mise, l'efficacité et le savoir-faire sont assurément au rendez-vous. Parfois, on n'en demande guère plus.
Pour enfoncer le clou, « Blood » appuie sur le champignon (hallucinogène) et démontre si besoin est, que ces Gallois maîtrisent parfaitement les codes en vigueur. Batterie martelée, riff hypnotique, amplis dans le rouge, on touche à l'« Amazing grace ».
Si « Blood (reprise) » pourrait sembler une expérimentation vaine à certaines oreilles, il n'en demeure pas moins une récréation bienfaitrice à ce moment de l'opus, aire de repos pour voyageurs malmenés.
S'amorce alors la seconde partie de « White Noise Sound ». Dans un lointain écho parfumé d'encens, un chant incantatoire mène nos pas aux frontières d'un déluge sonore dévastateur. « No place to hide », too young to die, et dans une spirale jubilatoire, que dansent nos sens.
« Don't wait for me » poursuit dans cette veine teintée de mantras, amorcée par le morceau précédent, loops renversés et renversants, et réminiscence du Velvet Underground.
Enfin, « (In both) dreams and ecstasy » sur fond de sitar finit en procession magnifique. En forme de jeu question/réponse, dialogue entre une slide guitare et une onde modulée facétieuse qui prend le dessus dans un motif répétitif tourbillonnant.
Un excellent album qui termine 2010 en beauté et amorce 2011 en force.
A voir très prochainement aux quatre coins du royaume*.
‘Certaines personnes réfutent l'idée de la mort et de l'univers et préfèrent se focaliser sur les quelques mètres devant eux’ jugeait un jour Jason Pierce. A ce titre, cette médication pourrait bien être une des portes du subconscient...
*En tournée:
le 09/02, La Zone, Liège
le 11/02, Le Vecteur, Charleroi
le 28/02, 4AD, Diksmuide
le 19/02, Trix, Anvers.
Membre du fameux collectif américain Elephant 6 (NDR : réunissant des groupes conséquents issus de la scène indie américaine), Apples in Stereo nous propose son septième elpee depuis sa formation en 1991. Décrit par le leader du groupe, Robert Schneider (également le seul membre fondateur encore présent dans la formation), comme ‘rétro-futuriste’, cet album conceptuel a été composé tel une ‘capsule de temps’ pour les auditeurs du futur ; un pari qui, grâce à l’éclectisme radiophonique du groupe, est plutôt réussi.
Tout comme leur précédent opus « New Magnetic Wonder », qui avait vu le jour après un hiatus de cinq années, Apples in Stereo assure un bon équilibre entre rock alternatif de la vague Pavement et électro-rock qui envahit nos ondes depuis quelques années (MGMT).
Le public des deux dernières décennies leur reconnaissait des influences puisées chez les Beatles et les Beach Boys. Si cet esprit est toujours latent, le groupe originaire de Denver a agrémenté certaines pistes de quelques clins d’œil issus de la même époque mais d’un autre registre. Et en particulier les chœurs de Queen (« Dream about the future ») voire les riffs des Rolling Stones (« Dignified Dignitary »).
Et aujourd’hui, les nouvelles oreilles leur trouveront instantanément des similitudes avec la fraîcheur Phoenixienne (« No One In the World ») ou encore l’allégresse des Scissor Sisters (« No Vacation », « It’s Alright ») : une sorte de ‘space disco’ efficace promettant certains titres plutôt sexy (« Dance Floor » et « Hey Elevator »).
Avec l’application de sa ‘gamme non pythagoricienne’ (notamment dans « C.P.U »), que Schneider avait inventée pour son album précédent, le songwriter intello sait ce que signifie un album abouti. Les fans de Phoenix comprendront que ce n’est pas eux qui ont inventé la légèreté du rock pop optimiste et entraînant : le son de « Travellers in Space and Time » est extrêmement frais pour un groupe actif dans le métier depuis 20 ans.
Reformée en 2008 sous son line-up original, c’est à dire Steve Howe (guitare), Geoff Downes (claviers), Carl Palmer (batterie) et John Wetton (chant et basse), la légende Asia est revenue sous les feux de l’actualité grâce à deux albums studio somptueux. « Phoenix » sorti la même année, et le plus récent « Omega » qui surpasse en qualité le précédent elpee.
Enregistré à Cambridge à l’occasion de la dernière date du ‘Phoenix Tour’, « Spirit of the Night », également disponible en format Dvd, offre une setlist irrésistible qui pioche allègrement dans les deux premiers chefs d’œuvre du supergroupe. Les incontournables « Asia » (82) et « Alpha » (83). Seuls deux extraits de « Phoenix » et une reprise d’Emerson Lake and Palmer, le classieux « Fanfare for the Common Man », s’ajoutent à la longue parade de hits : « Time Again », « Sole Survivor », « Only time Will Tell », « Open Your Eyes », « Heat of the Moment », etc.
Une sélection de rêve. Pourtant on attendait mieux de la part de ces quatre monstres sacrés du rock progressif et de l’AOR. Le groupe éprouve bien de la peine à restituer sur scène la finesse et les subtilités de sa musique, et le manque d’unité se fait ressentir tout au long de cette prestation en demi-teinte. En outre, la voix de Wetton a perdu de sa superbe. L’ex-King Crimson n’est ainsi plus capable d’atteindre les notes les plus aigües. Heureusement, le jeu cristallin de Steve Howe nous permet d’oublier les imperfections de cette démonstration live à la mise en son parfois douteuse. Non dépourvu de défauts, « Spirit of The Night » n’est pas mauvais pour autant, mais il ne satisfera que les inconditionnels d’Asia. Aux autres, nous recommanderons de se tourner plutôt vers les deux derniers opus studio qui ont relancé la machine avec une classe déconcertante. Il reste à espérer que ces voyages auxquels le quatuor nous convie ne s’arrêtent que lorsque la source d’inspiration ne sera tarie.
Dès l'intro, surgit déjà, entre deux bandes froissées, le fantôme de Syd Barrett. Et il hante constamment l’esprit évanescent de ce disque sorti en 2009. L’expression sonore de cette formation française est empreinte d’une mélancolie certaine et d'une certaine mélancolie.
Vaguement cold wave dans l'âme et parfois noisy en background, chacun des titres se compose comme une bande son épique d'un grand film choral. Souvent théâtrale, la musique de Demian Clav peine à sortir de certains clichés grandiloquents et irrite parfois (« Me, myself and I (you »)
A l'auditeur de fermer les yeux et de se laisser guider. On peut s'amuser à retrouver à quel film appartient tel passage, tel dialogue, tel intro de chanson ou se laisser bercer sans demander son reste. Dans un univers ou Syd Matters, on se dit que finalement, Roger matters aussi...
A noter que « Wisteria Lodge », troisième opus du groupe, est paru en 2010.
Musiczine n’avait pas reçu « Black Light », le cinquième opus du duo anglais Groove Armada, un disque déjà paru en février 2010. Difficile donc de chroniquer ce « White Light ». Et pour cause, il s’agit d’une version remixée de quelques uns de titres qui précèdent la sortie de « Lumière noire ». Première constatation, les featurings sont plutôt médiocres. Un exemple ? L’horrible Nick Littlemore d’Empire Of The Sun. Les tracks lorgnent parfois vers Jimmy Sommerville. Et quoique robustes, les synthés abusent de clichés. Paradoxalement, « Not Forgotten » (impliquant pourtant l’horrible Littlemore) m’a procuré une drôle de petite sensation. A cause de quelques beats qui produiraient de bons effets sur les dancefloors. Les compos libèrent d’ailleurs de l’énergie, mais pas vraiment de nature à me sensibiliser. Je m’abstiendrai donc de tout commentaire complémentaire, en laissant ce soin aux inconditionnels de Groove Armada. Ils seront certainement plus constructifs.
Aucun doute : Nils Lofgren est un guitariste de génie. Cependant, je ne suis probablement pas le chroniqueur le plus approprié pour vous parler de ce Dvd. Car Lofgren a beau manifester un immense talent, je n’apprécie pas du tout sa musique. Mais pas de bol pour moi, ni pour l’artiste d’ailleurs, c’est dans mon bac qu’est atterri ce double Dvd intitulé « Cry Tough ». Quatre heures à passer en compagnie du grand Nils. Un enfer pour votre serviteur, mais probablement un pur moment de bonheur pour les fans du bonhomme.
Je ne m’aventurerai pas à critiquer le musicien. Après tout, il ne m’a pas attendu pour faire ses preuves. Peu de musiciens peuvent se targuer d’avoir milité comme guitariste au sein de l’E Street Band de Bruce Springsteen et chez le Crazy Horse de Neil Young. Pour ne pas manquer de respect à ce grand artiste, je me contenterai donc de vous énoncer les faits.
« Cry Tough » est un double Dvd, témoignage des trois shows accordés par le Nils Lofgren Band dans le cadre de la célèbre émission de la télévision allemande ‘Rockpalast’. Le premier concert date de 1976, à l’époque où Lofgren venait de publier son premier album solo. A mon humble avis, le concert le plus intéressant puisque plus brut et plus axé sur l’improvisation que les deux autres. La seconde performance a été immortalisée en 1979. Lofgren est alors un artiste reconnu. Le show gagne en professionnalisme, mais perd beaucoup en spontanéité. Le troisième set de Lofgren au Rockpalast remonte à 1991. Cet enregistrement intéressera probablement les fans purs et durs du musicien américain puisqu’il n’a jamais été publié auparavant. La musique de Lofgren est le fruit d’un mélange de rock, blues et country. Le fan de hard rock que je suis retiendra les superbes soli de guitare. Pour le reste, « Cry Tough » devrait probablement plaire aux fans de Springsteen ou de Tom Petty.
Je m’excuse humblement auprès des fans de Monsieur Lofgren qui trouveraient cette chronique insuffisante. Les goûts et les couleurs… je ne vais pas vous faire un dessin.
Depuis sa reformation en 2001, Magnum publie des albums avec une régularité métronomique. Né au milieu des seventies, le groupe AOR/rock progressif britannique s’est accordé un break de huit ans entre la sortie de « Rock Art » (NDR : son onzième opus studio sorti en 1994) et celle de « Breath Of Life » (2002). Cette interruption volontaire de carrière semble avoir eu un effet salutaire sur la santé du combo de Birmingham, puisqu’il enchaîne, depuis son retour, des albums d’une qualité quasi-irréprochable. Après « Brand New Morning » (2004), « Princess Alice And The Broken Arrow » (2007) et « Into the Valley of the Moonking » (2009), c’est au tour de « The Visitation » de venir confirmer l’excellente forme de Tony Clarkin (guitare), Bob Catley (chant), Mark Stanway (claviers), Al Barrow (basse) et Harry James (batterie).
Car ce n’est pas encore aujourd’hui que Magnum décevra ses fans. Tony Clarkin semble toujours aussi inspiré par ses muses. Son sens pointu de la composition et son savoir-faire en matière de mélodies inoubliables font à nouveau merveille. Les dix compositions proposées sur « The Visitation » oscillent, comme toujours, entre un AOR accrocheur et un rock progressif mélancolique. Des refrains entêtants, greffés sur de subtiles mélodies traversées par des interventions instrumentales techniques et passionnées. Cette formule utilisée par le groupe depuis plus de trente-cinq ans n’arrive toujours pas à lasser. Au contraire, on en redemande. La raison en est simple : tout en conservant les bases qui ont établi son succès, Magnum parvient encore à surprendre. Oh, rien de bien avant-gardiste : un riff heavy sur « Black Skies », le titre d’ouverture, quelques petites touches électroniques sur le titre éponyme, l’intervention d’un orchestre sur « The Last Frontier » ou une alternance de passages heavy et d’interludes au piano sur « Freedom’s Day ». Rien d’exceptionnel en somme. Juste de quoi nous tenir en haleine du début à la fin de l’elpee.
Clarkin et Bob Catley sont les derniers survivants de la formation originale des seventies. Ce dernier possède une des plus belles voix du rock anglais. Le temps ne semble pas avoir de prise sur sa performance qui porte littéralement chaque composition vers des sommets de perfection.
Afin que chacun puisse trouver son bonheur, le label (SPV/Steamhammer) multiplie les formats : un double vinyle coloré, un Digipack Cd accompagné d’un Dvd bonus et un Cd (jewel case) agrémenté d’une pochette différente.
En 2011, Magnum est encore et toujours une valeur sûre.
La collaboration entre Zach Lopez et Sean Stockham remonte à leur adolescence. Les deux Californiens se connaissent donc depuis longtemps. Après avoir fondé un premier duo sous le patronyme de Leisure, les deux compères décident, en 2006, de le transformer en Middle Class Rut. Dans la foulée, leur répertoire s’élargit et le tandem acquiert une certaine notoriété. Entre 2006 et 2009, le groupe publie une série d’Eps ; ce qui leur permet d’accomplir quelques tournées en compagnie de grosses pointures comme Socialo Distorsion, Them Crooked Vultures, …And You Know Us By The Trail Of Dead ou encore The Bronx. Excusez du peu ! Après quatre années d’existence, il était donc temps à la paire yankee de réunir la quintessence de leur discographie sur un album. Et c’est chose faite sur « No Name No Color ». Cette publication devrait ainsi permettre au tandem, pourtant déjà unaniment reconnu outre-Atlantique, de séduire les mélomanes du Vieux Continent.
Pourtant, après avoir écouté une première fois ce disque, je dois reconnaître ne pas avoir été particulièrement emballé par la marchandise. Cependant, au fil des écoutes, j’ai dû revoir mon analyse. Après m’être adapté à la reverb sur la voix. Puis à la production un peu trop proprette. Car je dois reconnaître que la musique de Middle Classe Rut possède une certaine classe. Notamment pour combiner énergie et mélodie. Tour à tour paisible ou agitée, leur solution sonore navigue manifestement en eaux troubles. Sans doute trop ‘pop’ pour les uns et trop agressive pour le autres, elle surprend, tout simplement. Et des superbes morceaux comme « New Low », « Thought I Was » ou encore « Alive Or Dead » en sont les plus belles illustrations. Enfin, je promets bien du plaisir si vous cherchez absolument à leur coller une étiquette. Perso, je n’y suis pas encore parvenu…
Il existe un cabaret sur Madeleine Boulevard, à la lisière d'une forêt au nord du pays, où les chansons de Spencer The Rover prennent leur envol, la nuit, et où l'amour est décliné sur un piano aqueux (NDLR : à queue ?) Joliment orchestrées, ces histoires habitent cet ensemble de neuf comptines qui s'écoutent loin des tourments de l'envie. Il y a aussi du trombone dans les coulisses, des cordes pour se peindre et des cuivres à mastiquer, parfois on y fait du cor(ps) à cor(ps). On pense à Bambi, seul sans sa maman, et tristement, on se demande à quoi on cerf. Sur un tapis de feuilles mortes, bruissent les pas du gibier ; au loin, le soleil se levant, la chasse accourt. The Accident n'en est peut-être pas un. C'est un bel album, qui emprunte tantôt aux Beatles, tantôt à l'Elton John des 70's, se moque des tendances et mise sur l'originalité. Koen Renders n'est pas inconnu au-delà de la frontière linguistique, et l'homme sait s'entourer. Sa voix est pour beaucoup dans le subtil équilibre qui régit l'ensemble de ses belles chansons. En prime, une version léchée de « Sad songs », histoire d'attirer l'attention des radios. En catimini, l'oiseau a fait son nid.
Stonehelm est un quatuor lourdingue qui débarque du sud de la Californie et plus précisément de la ville de Ventura. Des chevelus tatoués qui, depuis 2008, ne cachent pas une passion profonde pour l’herbe thérapeutique qui fait rire et témoignent d’une addiction indéfectible à la musique d’Electric Wizard.
Il n’est probablement pas nécessaire d’en remettre une couche. Vous avez certainement déjà compris que nous sommes en présence de stoner/doom metal bien enfumé. Car quand les musiciens planent, ce sont nos oreilles qui trinquent. Difficile de ne pas se sentir écrasés face à la rythmique massive de Zack Bickler. Périlleux, aussi, d’essayer de résister aux assauts de la basse distordue d’Andrew Renteria. Impossible, en tout cas, de ne pas succomber au groove monolithique des riffs balancés par John Daniels et Wes Caley.
A l’instar de celle de ses cousins britanniques d’Electric Wizard, la musique de Stonehelm est douloureusement pesante et se décline avec la vélocité d’un gastéropode somnolent. Les vocaux, assurés par Daniels sont brumeux et hypnotiques. Ils évoquent la dope et ses plaisirs interdits, le retour des zombies de l’apocalypse, les épopées barbares et même les religions martiennes. L’artwork du Cd est absolument magnifique : une imagerie occulte sulfureuse combinée à un plaidoyer pour la légalisation de la marijuana à des fins thérapeutiques.
Pas de bol pour ceux et celles d’entre vous qui voudraient soutenir la cause, il faudra encore attendre un peu avant de pouvoir vous procurer ce premier opus éponyme. Le label Death Earth Records qui devait le publier vient de faire faillite. Stonehelm est à la recherche d’un nouveau deal destiné à atteindre son but final : ‘Bring marijuana and doom to the masses’.
En attendant la sortie officielle de cette plaque fumante, Stonehelm nous a autorisés à publier un lien de téléchargement gratuit vers son album, artwork compris. T’en veux man ? On en a… ici : http://rapidshare.com/files/372449535/Stonehelm_2010___Booklet_and_Artwork.rar
Un groupe à découvrir d’urgence si vous aimez Electric Wizard, Sleep et Cathedral.
Le très prolifique et aventureux Rudy Trouvé (ex-dEUS, Kiss My Jazz, Dead Man Ray,…) n’est pas homme à se reposer sur ses lauriers… Flanqué du batteur Eric Thielemans ainsi que de la chanteuse et reine de l’improvisation jazz, Lynn Cassiers, il vient de monter un nouveau projet qu’il a baptisé Tape Cuts Tape. La musique du trio privilégie l’improvisation et puise ses influences à la fois chez Cocteau Twins, Moondog, Brian Eno, le dub que le Krautrock teuton. Une bonne raison de croire que le résultat ne sera pas très accessible, mais assurément éclectique…
Publié sous la forme d’un vinyle, il y a quelques mois, « Pagan Recorder » est découpé en compos languissantes et climatiques, des compositions dominées par les riffs de guitare concédés par Rudy et les interventions vocales éthérées de Lynn Cassiers. Deux ans plus tôt, la formation avait entamé les sessions par des séances d’impro ; aussi, l’ambiance générale du premier album s’en ressent. Les mélodies ne se dévoilent que lorsqu’on fait abstraction des sonorités bizarres et parfois dissonantes. Des moments magiques qui nécessitent cependant une attention particulière de la part du mélomane. A cet instant, on peut dire que la formule est gagnante. A l’instar de « Heavy », dont les accords de guitare subtils et obsessionnels contrebalancent parfaitement les expérimentations électroniques, pendant que la voix délicate de Lynn Cassiers se pose avec beaucoup de classe. Ou « Petrol Blue », au cours duquel l’expression sonore, enrichie de bidouillages électro et alimentée par une boucle hypnotique, plonge dans l’univers quintessentiel de Portishead. Un des sommets de l’opus. Tout comme le plus rock « The Red » et le très atmosphérique « Chosen Profession », une plage de plus de 7 minutes au cours de laquelle Cassiers et Trouvé partagent un remarquable duo. Bien sûr, certaines plages pèchent par un excès d’expérimentation. Un peu comme s’il s’agissait de brouillons. D’autres encore s’évaporent dans l’interlude dispensable ou l’élucubration bruitiste. Et je pense tout particulièrement à « Exit », « Vaccum » ou encore l’horripilant « Kinder ».
Bref, malgré ces quelques réserves, il faut saluer l’audace du trio pour s’être aventuré hors des sentiers battus. Et puis surtout d’être parvenu, en expérimentant, à proposer des compositions riches et intéressantes. Les mélomanes les plus exigeants, en recherche constante de nouveaux horizons sonores, devraient apprécier.
Engendré en 2002 dans les recoins de Berlin, Thieves Like Us réunit Björn Berlung et Pontus Berghe, deux Suédois, et l’Américain Andy Grier. A cette époque, le trio écumait les clubs de la capitale teutonne en recherche d’inspiration. N’y trouvant pas leur compte, les trois hommes se sont envolés vers les rues de New York pour y enregistrer leur premier single, « Drugs In My Body » qui se fraie, quelques petites années plus tard, un chemin vers les oreilles des dirigeants de l’incontournable label français Kitsuné. Et qui dit Kitsuné, dit forcément buzz. Un petit buzz qui leur permet en 2008 de publier « Play Music », leur premier album. En 2009, les trois hommes décident de s’installer en France et rejoignent les rangs du label deBonton au sein duquel ils publient ce qui deviendra leur second labeur, « Again and Again ».
En choisissant pour patronyme Thieves Like Us, il est évident que l’une des influences majeures du combo répond au doux nom de New Order. Mais « Again and Again » s’inspire autant de ces derniers que d’artistes tels que les Cocteau Twins, Pet Shop Boys, Daft Punk ainsi que, plus généralement, de la scène New Wave. Mais le mariage de ces influences ne fonctionne qu’à moitié. Il se dégage une désagréable impression de monotonie à laquelle le trio ne se soustrait qu’à de très rares moments (« Loves Saves », « Shyness », « Never Known Love » et « So Clear »). Ce que propose Thieves Like Us au sein de leur « Again and Again » a déjà été dispensé un million de fois, souvent avec cette pointe d’originalité qui fait ici cruellement défaut. Anecdotique.
En février 2010, cette chanteuse californienne, profondément marquée par la légendaire Janis Joplin, avait publié « Low down where the snakes crawl », un opus remarquable. En octobre de la même année, elle a commis un elpee immortalisé en public, "Seriously raw". Sous-titré "Live at Sunbanks", il a été enregistré dans le cadre du festival Untapped Blues.
Sur les planches, elle est soutenue par son backing group. En l’occurrence, son époux, Rob ‘Slide Boy’ Andrews, à la guitare rythmique et à la slide, Jason Childs à la lead guitar, Dan Mohler à la basse et Chris Leighton aux drums. Le tracklisting de ce long playing est particulièrement éclectique, puisqu’il épingle trois de ses compositions, deux reprises de chansons popularisées par Miss Joplin et puis des classiques signés Robert Johnson, Willie Dixon, Hound Dog Taylor, BB King et Luther Allison…
Rob Andrews ouvre le set de sa slide. Il imprime le tempo de "Crossroads", un classique parmi les classiques. La voix de Christina est déjà bien chaude. Le spectre de Janis hante la plage. Le bottleneck roucoule de plaisir avant de céder le relais au gratteur soliste, Jason Childs! Le riff caractéristique de "I ain't superstitious" fait mouche. Miss James a revêtu la peau du vieux loup de Chicago, Howlin' Wolf. Le tempo est bien relevé. Jason s’en délecte et n'arrête pas de disserter, malgré les coups de semonce menaçants adressés par la vocaliste au bord de la démence. Elle attaque ensuite une de ses meilleures compositions, "Make it to the other side". Et c’est un autre fantôme qui vient rôder sur ce titre : le grand Jim Morrison des Doors circa "L.A. woman"! L'excitation est à son paroxysme. Le rythme s'accélère comme lors d’un set enjoué et déjanté. La machine est brûlante. Le band a conservé le tempo du boogie, mais sous une forme plus décontractée pour attaquer "I got the right to sing the blues"… et comment a-t-elle le droit de chanter le blues ? La slide d’Andrews s’investit totalement lors de ce morceau, ma fois, fort captivant. "Give me back my wig" déménage. Le turbo est enclenché. Jason travaille nerveusement ses cordes sur l'avant de la scène! Enfin, Cee Cee se décide à chanter "Done love wrong", un blues lent de toute beauté qui figurait sur son précédent opus. Elle module ici volontairement le son ; et lorsqu’elle pousse le vibrato, un sacré frisson secoue tout notre corps. Rugissant tel un lion affamé, elle assène ses coups de griffe, comme autant de claques que l'on prend avec un réel plaisir… Interprété a cappella, "Mercedes Benz" constitue son exercice de style joplinesque. Elle lâche un Cri, avec un grand C, sans ressentir, apparemment, la moindre douleur ; il est suivi par une parfaite réplique de "Me and Bobby McGee". Désormais plus rien ne peut arrêter notre chanteuse au faîte de l’excitation. Jusque la fin du set, elle aligne les covers. Et tout d’abord le très évocateur "I just want to make love to you". Elle y atteint un orgasme sonore. Sa version du "Nutbush city limits" peut rivaliser avec celle de la grande Tina Turner. L’adaptation du "Living in the house of the blues" de Luther Allison est judicieuse. Un autre blues lent qui met aussi en évidence le talent du gratteur Jason. Il embraie sur le fiévreux "Going down" de Don Nix, au cours duquel il torture les tonalités de ses cordes en se servant de ses pédales. Et en bonus, on entend un dialogue entre Cee Cee et son public, au cours duquel, elle parle ouvertement de son admiration pour Janis Joplin.
Ne la manquez surtout pas lors de sa tournée européenne qui se déroulera au cours du mois de févier. Elle se produira ainsi le 5 à Douzy, près de Sedan, en première partie de Lightnin' Guy and the Mighty Gators (NDR : merci à James Couchot de Chorus), le 6 au Café T'Goor, à Wuustwezel, le 7 au Banana Peel de Ruiselede et, semble-t-il, au Centre Culturel De Steiger de Menin le 17.
Découvert par Tom Woodhead de !Foward Russia!, Minnaars est un combo issu de Leicester qui propose ici un second Ep. Un disque qui devrait ravir les inconditionnels de Math-Rock. En particulier les fans de Foals dont ils reprennent sans aucune gêne les mêmes sonorités. La plus-value du quintet procède ici de leur esprit largement plus post-punk que celui de leurs pairs. « Of Our Delirious Former Loving Hours », amalgame du premier Ep et de quelques unes de leurs premières compos, recèle huit morceaux plutôt bien produits et au potentiel énorme. Minnaars est de ces formations qu’il faut tenir à l’œil tant ils tapent dans le mille. Chacune des plages de la plaque déclenche l’irrépressible envie de sautiller en hurlant en chœur chacun des mots prononcés par Adam Pickering et ses acolytes. On épinglera plus particulièrement « Are Lovers », « An open Letter To Andrew » et « Spelt with a K not a C ».
« Of Our Delirious Former Loving Hours » n’est certes pas aussi raffiné qu’un « Total Life Forever » mais nul doute que Minnaars proposera tôt ou tard une œuvre comparable. Le quintet se produira au Café Video de Gand ce 31 janvier 2011 afin d’y défendre cette plaque ainsi que l’Ep « Ideal & Error », dispo depuis le 10/01. A bon entendeur…
Nous ne vous ferons pas l’affront de présenter Joe Satriani. Artisan riffeur passé maître dans l’art de ciseler des solos de haute voltige, le gaillard est aussi bon prof que compositeur. Ce quatorzième album solo confirme que les années n’ont en rien altéré son imagination et son savoir-faire.
Après avoir écumé les festivals d’été au sein du super groupe Chickenfoot, fort d’un elpee époustouflant, Satch s’est attaché à l’élaboration de onze nouveaux titres qui symbolisent plus que jamais l’alliance de la mélodie et de la technique.
Si d’ordinaire les albums instrumentaux visent essentiellement un public de musiciens passionnés, le simple mélomane trouvera sa dose de sensations fortes dans ce réjouissant « Black Swans and Wormhole Wizards ». Le maître en assure la production, épaulé par le talentueux Mike Fraser. Les quatre premiers fragments déroulent une structure résolument metal. « Premonition » annonce la couleur. Le son est monumental, heavy à souhait, sec et rond à la fois.
« Pyrrhic Victoria » confirme que l’aventure Chickenfoot n’a pas laissé Satriani indifférent. Pas étonnant que son riff évoque le Van Halen des années 80 ! La mélodie est parfaitement calibrée. On se laisse séduire.
Les morceaux s’enchaînent avec grande aisance. Le guitariste a savamment étudié ses plans, évitant de sombrer dans les clichés éculés des plages instrumentales à rallonge. « Light Years Away », au groove contagieux, constituera un excellent single, tandis que le très bref « Solitude » assure la transition vers des titres qui lorgnent davantage vers le funk, le blues et même le jazz. On pense souvent à certaines expérimentations de Steve Vai, mais on trouve aussi une parenté avec le talent de Jeff Beck et même d’Hendrix. La wah-wah, utilisée sobrement sur « Wind in the Trees », n’est pas un accessoire coutumier dans le jeu de l’artiste.
Le meilleur reste à venir, lors d’un « Wormhole Wizards » qui s’annonce comme un futur classique. Le riff de base est divin et la mélodie balaie les codes des exercices de style dont sont friands les guitares heroes de la génération Satriani.
Si vous avez craqué sur le classique « Flyin in a Blue Dream » il serait peu opportun de vous priver de cette nouvelle galette éclectique dotée d’un énorme potentiel.
Fin des eighties, début des nineties, en pleine période grunge/alternative, trois jeunes japonaises originaires d’Osaka apportent une fraîcheur inespérée à la scène garage/punk/alternative. Naoko Yamano (guitare, chant), Atsuko Yamano (batterie) et Michie Nakatani (basse) ont des goûts éclectiques. Elles aiment les Ramones (NDR : dont elles reprendront plusieurs titres au cours de leur carrière), XTC, les Beatles, les Kinks, les Buzzcocks, Blue Oyster Cult, Kiss et bien d’autres. Les trois gamines forment Shonen Knife dès 1981. Elles donnent leur premier concert l’année suivante. Un premier essai discographique sort au japon en 1983. D’autres suivent.
En 1986, Shonen Knife est repéré par le célèbre label américain Sub Pop (Nirvana, Afghan Whigs, Dinosaur Jr.) qui publie un de ses titres sur une compilation. En 1987, les trois Nipponnes participent à la célèbre émission radiophonique de John Peel, le découvreur de talents de la BBC. En 1989, le trio séduit la scène rock américaine à l’occasion d’une tournée accomplie auprès de Sonic Youth et Redd Kross. Shonen Knife devient un groupe culte. Quelques combos yankees (Sonic Youth, Redd Kross, L7, Lunachicks, Babes In Toyland, …) enregistrent même un album de covers de leurs titres (“Every Band Has A Shonen Knife Who Loves Them”).
Les Japonaises enchaînent dès lors sorties et tournées nationales et internationales. Une dizaine d’albums sont publiés entre 1990 et 2008. La musique de Shonen Knife est un mélange improbable entre punk rock, pop et rock garage des sixties. Des guitares au son cradingue sont combinées à des textes d’une naïveté confondante. Les lyrics du groupe évoquent petites fleurs, bonbons acidulés, ours en peluches, bisons en voie de disparition, nourriture, poupées Barbies et musiciens cultes. Naoko Yamano chante souvent à la limite du faux et son accent japonais est particulièrement prononcé. Mais, c’est ce qui fait tout le charme du groupe.
« Super Group » est sorti au japon il y a déjà deux ans. En 2010, l’édition européenne de ce dernier album de Shonen Knife est enrichie de trois titres live inédits enregistrés lors de la dernière tournée anglaise du groupe. Du line-up original, il ne reste désormais que Naoko. Ritsuko (basse) et Etsuko (batterie) ont remplacé Atsuko et Mitchie. Côté musique par contre, pas beaucoup de changements. Malgré une cinquantaine galopante, Naoko interprète toujours des textes candides avec la naïveté d’une adolescente. Les compositions évoquent encore et toujours le garage rock et la pop des sixties, ne s’autorisant que de rares incursions dans le punk.
Shonen Knife est un groupe qui ne s’apprécie qu’avec une bonne dose de second degré. Indispensable si vous aimez le rock et que vous avez une âme de petite fille.
Les Canadiens de Shout Out Out Out Out (ou Shout Outx4 pour simplifier) sont de drôles d’oiseaux. Le combo réunit six hommes qui, avant de se focaliser sur ce projet, exécutaient des métiers touchant tous à la musique ; mais aussi divers que DJ, musicien, producteur ou promoteur de concerts. Outre le synthé, Shout Outx4 se targue de créer ses compos à base de pas moins de quatre basses et deux batteries. En 2006, le sextet publie son premier recueil via Normals Welcome, un label appartenant à deux des membres de la formation. Il s’agissait du moyen mais néanmoins relativement intéressant « Not Saying/Just Saying » qui hébergeait deux ou trois tubes en puissance (« Dude You feel Electrical », « Procrastinator’s Fight Song » et « Chicken Soup For The Fuck You »).
Quatre ans plus tard, le sextet délivre un deuxième album difficile à cerner. Tout d’abord parce que l’indie rock orienté dancefloor de Shout Outx4 est assez répétitif et pourrait sans mal être concocté par deux, voire trois individus. Ensuite, parce l’ensemble 4 basses / 2 batteries ne produit que très rarement des étincelles tout au long de ce « Reintegration Time ». A l’écoute de ce disque, on peut sans aucun mal conclure que Shout Out Out Out Out doit être redoutable sur scène. Mais la bande sonore est telle qu’il est difficile de l’avaler cul-sec, certains morceaux tirant inutilement en longueur. A apprécier sur les planches plutôt que dans son salon.
Depuis la publication de son quatrième LP (NDR : premier au sein d’une major), « Begin To Hope », en 2006, Regina Spektor s’est imposée comme une figure particulièrement respectée de la scène indie pop féminine. A l’heure où Fiona Apple est aux abonnées absentes et Tori Amos concocte le même disque trois fois de suite, la New-yorkaise d’origine russe arrive au bon moment. Quatre ans et quelques millions de disques écoulés plus tard, la poétesse propose son premier disque enregistré en public. Accompagné d’un Dvd retraçant une version imagée de l’œuvre sonore, « Live in London » a été immortalisé le 4 décembre 2009 à l’HMV Hammersith Apollo, au cœur de la capitale britannique, et retrace un large pan du parcours de la jeune femme. Une sorte de best-of ‘live’ que la charismatique chanteuse envoie tout sourire et parfois avec une pointe de second degré aux auditeurs/téléspectateurs.
Le Dvd s’ouvre sur une reprise culottée de l’intro du « November Rain » des Guns’n’Roses avant de suivre plus ou moins la même trajectoire que le Cd. Spektor virevolte majestueusement de ses tubes (« On The Radio », « Laughing With », « Dance Anthem Of The 80’s », sans oublier « Us ») à quelque uns de ses meilleurs morceaux (« Après Moi », « Man Of A Thousand Faces », « Ode To Divorce », « Hotel Song », « Samson ») en passant par deux ou trois inédits. Le tout bonifié par la présence d’un petit orchestre à cordes. Circonstanciellement, une guitare opère une rapide incursion (« That Time », « Bobbing For Apples ») mais la voix de Regina Spektor n’est jamais mieux mise en valeur que lorsqu’elle s’exprime derrière son instrument de prédilection, le piano. « Live In London » se destine autant aux fans qu’à ceux qui désirent découvrir un joli panorama de la carrière de la demoiselle.
Les reformations d’Unruly Child et de Strangeways étaient les plus attendues de la fin 2010, sur le catalogue Frontiers. Premier groupe du chanteur Terry Brock, le légendaire Strangeways est toujours considéré, plus de vingt ans après avoir publié un « Native Sons » d’anthologie, comme l’un des fleurons du hard fm britannique. Plutôt discret ces dernières années, Brock a vu sa carrière prendre un nouvel envol lors de la sortie, il y a six mois, du nouvel opus très convaincant de Giant, autre carrure du AOR. Il y a peu, le vocaliste remettait le couvert et comblait les amateurs du genre en publiant son deuxième album solo, « Diamond Blue », florilège de titres accrocheurs à haute teneur mélodique. Autant dire que le tant attendu nouvel elpee de Strangeways s’annonçait sous les meilleurs auspices après cet avant-goût sans faute et plutôt bien burné pour du fm rock. « Perfect World » n’arrive malheureusement pas à la cheville de ce scintillant ‘diamant bleu’, et encore moins à celle de l’indétrônable « Native Sons ».
Malgré la présence de trois membres de la formation d’origine (Ian Stewart, Jim Drummond et Terry Brock), cette nouvelle livraison ne parvient jamais à décoller, à l’exception d’une quatrième plage salvatrice, le très beau « Time », qui sauve le combo d’un naufrage quasi total. Desservie par une production catastrophique, cette succession de ballades insipides s’apparente davantage à un excellent remède contre les insomnies plutôt qu’à un bon album de rock, même mélodique. Les artistes sont pourtant doués, réputés pour leur perfectionnisme et leur amour du travail bien fait. Aucun fan ne s’attendait à si piètre résultat. Le mot déception n’est pas trop fort pour décrire le sentiment qu’on éprouve à l’issue de l’écoute de la plaque dont on espère qu’elle ne sera qu’une parenthèse dans la carrière d’un Strangeways aujourd’hui largué à des encablures de ses années dorées. Unruly Child n’aura, à juste titre, aucune peine à s’imposer dans la catégorie ‘meilleure reformation AOR de l’année’.
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