Pour voir la vidéo de « C’est une pute » :
http://www.wat.tv/video/fatal-bazooka-c-est-pute-jsgf_j9zz_.html
Jim Suhler est un chanteur/guitariste qui s’est forgé une solide réputation au cours des deux dernières décennies. Ce Texan arpente les scènes internationales depuis une vingtaine d’années et a épaulé, comme deuxième gratteur, le célèbre rocker George Thorogood au sein de ses Destroyers. Il exerce également une carrière en parallèle. Chez Monkey Beat. Il en est également le leader. Une formation qui compte déjà pas mal d'albums à son actif : "Shake" en 1995, "Radio mojo" en 96, "Bad Juju" en 2001 et "Starvation box" (un "Best of" !) en 2003. La musique de Suhler correspond parfaitement au profil texan du blues et du rock. Un profil dont l’amplitude oscille de ZZ Top à Johnny Winter. Ce nouvel opus a été enregistré à Nashville sous la houlette de Tom Hambridge. Jim est soutenu par son Monkey Beat : Carlton Powell à la basse, Shawn Phares aux claviers et Jimmy Morgan aux drums. Notre Texan signe la majorité des plages
Dès l’ouverture, en l’occurrence la plage générique, il affiche un solide tempérament rock. Les riffs sont solides et bien gras. Ils évoquent immanquablement les barbus de ZZ Top! Suhler est un remarquable de joueur de slide. En effet, il se montre particulièrement à l’aise le bottleneck au doigt. Il le laisse glisser violemment le long des cordes ; et manifeste une certaine sauvagerie tout au long du tonique "Devil in me". Cette approche du Delta blues se révèle plutôt détonante. Et pourtant, c'est dans ce registre qu'il se montre le plus à son avantage. Il s'attaque à "Drunken hearted boy" d'Elvin Bishop, un morceau franchement plus blues. Et c'est bien l'ancien guitariste de Paul Butterfield qui entre en studio. Pour la circonstance, Elvin se réserve la slide. Une solide tranche de blues sans concession! Le rockin' blues se durcit. Forgés dans un acier bien trempé, les riffs déferlent. Mais, diable, "Up to my neck in you" n'est-il pas une composition d’AC/DC ? Celui de la grande époque? Une reprise sans surprise mais exécutée à haut niveau. Le rock dur persiste et signe, mais se colore de country sur "Long hot summer". Les parties de guitare démontrent le talent de ce musicien qui est parvenu à assimiler toutes les ficelles du métier. Et il ne s'en prive guère! L’éclectisme réapparaît lors de l'apparition du jeune et talentueux Joe Bonamassa. Cet invité de marque tire son épingle du jeu tout au long du très atmosphérique "Deep water lullaby". Une plage introduite comme lors d’une jam, et qui se fond dans un slow blues très ‘hendrixien’, empreint de saveur et de sensibilité. "Years of tears" évolue sur un mid tempo. La ligne mélodique assurée, Jim arrache des sons incroyables de ses cordes. L'album demeure intéressant de bout en bout. Il recèle des titres plus rock, tels "Border rock" ou "Sunday drunk" ; mais aussi une compo particulièrement originale : "Po' lightin". Plus funk, caractérisée par des percus bien mises en avant, elle bénéficie du concours vocal de Jimmy Hall. Un titre qui manifestement lorgne du côté de Little Feat. Mais chassez le caractère et il revient au galop ! Le spectre de ZZ Top hante à nouveau le boogie "Mexicali run" et le déjanté "Chaos in Tejas". En finale, Jim Suhler s’autorise une version fort réussie du "I could 've had religion" de Rory Gallagher. Un hommage bourré d'intensité, d'émotion et de feeling accordé au regretté Irlandais. Une cover au cours de laquelle la frêle Cheryl Arena intervient à l'harmonica. Un album de toute bonne facture !
Tout d’abord, il y a lieu de féliciter celui qui a eu l’idée du concept de la pochette. Bien en rapport avec le titre « Délivré sans ordonnance ». Les jeux de mots relatifs à la médecine et surtout à la pharmacopée sont légion (‘14 capsules’, ‘voie auditive’, ‘conservation : entre 5 et 80°, à l’abri de la haine et de la stupidité’, ‘2mg de skarockcuivrique acidorigolochoride’, etc.) Normal, quand on est atteint par le syndrome de la skarlatine… (fallait bien que je la place celle-là ?). Mais venons-en à l’album concocté sous la houlette de Rudy Coclet et Géraldine Capart (Arno, Mud Flow). Aux studios Rising Sun. Tout d’abord, les cuivres (une trompette, un saxophone et un trombone) sont enfin bien mis en évidence. Et il faut reconnaître que le trio tire parfaitement son épingle du jeu. Même si les accès de folie ne sont pas encore assez fréquents à mon goût. Les dérapages dans le dixieland (« Mi amor ») ou dans la fanfare slave de type Emir Kusturica (l’intro « Pré-scription) laissent un goût de trop peu. Ce qui n’empêche pas l’aspect festif de dominer les débats (qui a dit les ébats ?) En outre, le mixing n’est pas irréprochable. Lorsque la guitare devient plus envahissante, on n’entend presque plus la voix de Sim. Et pourtant, ses textes engagés constituent une des forces de Skarbone 14. Et je pense tout particulièrement à la diatribe adressée à la StarAc sur « Le producteur » ou encore à « J’entends du vent », une chanson consacrée à l’immigration, à l’intolérance et au racisme. Il y en a d’autres, mais il faut bien tendre l’oreille pour comprendre le message. Ce qui n’est pas normal. Sans quoi, on a droit à quelques bonnes surprises. Tout d’abord « Jamais deux sans toi ». Balayée par un accordéon, cette chanson qui conjugue valse et cabaret évoque quelque part Yann Tiersen et en particulier « Le fabuleux destin d’Amélie Poulain ». Bref instrumental cuivré, « Le coup classique » aurait pu servir de bande sonore à un épisode des « Aventures d’Arsène Lupin ». Quant à « Déroutes en route », il évolue aux confins du skiffle. Bref, pas de panique pour les aficionados de Skarbone 14, les références à La Mano Negra, la Ruda, Les 100 gr de Têtes ou encore Babylon Circus sont toujours bien présentes ; mais en tentant (timidement ?) l’ouverture vers d’autres styles, le groupe se réserve une certaine marge de manœuvre pour l’avenir. Reste à bosser, bosser et encore bosser pour atteindre le niveau du trio de cuivres. Et le groupe a peut-être trouvé la solution en multipliant les concerts à travers l’Europe. L’expérience est un atout irremplaçable. Et à ce prix, le succès est peut-être au bout du chemin. C’est tout le mal qu’on souhaite à cet ensemble qui compte quand même huit musiciens…
A la manière de Gainsbourg et son « Melody Nelson », Benjamin Schoos (alias Miam Monster Miam) nous sort « L’histoire de William Buckner ». Un album ‘concept’, dit-on. Concept ? Ne sont-ils pas merveilleux, ces termes qui accordent implicitement une valeur ajoutée, tout en signifiant tout et n’importe quoi sous leurs étiquettes ? Infatigable touche-à-tout (musique, collages, interventions chez Mercier…), Benjamin Schoos semble s’être fait plaisir en enregistrant cet album. Plaisir qui, dans ce cas-ci, est difficile à partager. Quoique… Après plusieurs écoutes, on s’attache au personnage incarné par William. On l’imagine, une Lada pourrie en guise de fidèle destrier, tenter la traversée d’un far-West moderne. Une odyssée commune. Pas de quoi fouetter un chat. Sauf qu’on s’y reconnaît étrangement. Ses peurs, ses envies, ses rêves sont un peu les nôtres. S’il n’y avait cet harmonica redondant et agressif, on se reprendrait même à écouter l’album encore une fois. Mais non. Pour le coup, Benjamin a déjà fait mieux.
Cet album est le résultat d’un projet monté par Kim Salmon, en 2004. Pour le concrétiser, il avait réuni 5 autres guitaristes (Dave Graney, Ash Naylor, Penny Ikinger et Anton Ruddick) ainsi que deux drummers (Clare Moore et Michael Stranges). Neuf plages sont issues de sessions d’enregistrement opérées en studio. Treize autres ont été immortalisées au Metro de Sydney. Inutile de dire que ce disque pète d’électricité. On est d’ailleurs plus proche du heavy métal (parfois aussi du prog) que du garage auquel Kim nous avait habitués jusqu’ici, que ce soit en compagnie des Surrealists ou au sein des Scientists. Rien à voir avec une jam cependant, toutes les partitions ayant été écrites par Salmon. On y retrouve d’ailleurs l’une ou l’autre compo issue du répertoire de l’un ou de l’autre de ses groupes. Revues et corrigées pour la circonstance. Pas de lyrics, mais de temps à autre, des cris, onomatopées ou samplings de voix. Presque une symphonie en métal dirigée de main de maître par l’homme poisson ! Enfin, pour la première partie, l’enregistrement ‘live’ souffrant manifestement de la prise de son un peu trop étouffée. Néanmoins, les amateurs de gros riffs à la Black Sabbath devraient y trouver leur bonheur…
Le grand air, les vertes campagnes sauvages des Highlands et une brume à trancher à la machette plantent le décor de la musique d’Eddi Reader. Nationaliste convaincue, l’ex-chanteuse de Fairground Attraction se lance à la recherche de ses racines écossaises. En 2003, le folk d’Eddi Reader s’était déjà attaqué aux grandes traditions régionales en mettant en musique des poèmes de Robert Burns, véritable institution littéraire au pays. Sur « Peacetime », son nouvel album, la chanteuse recourt à nouveau à la poésie de Burns, tout en s’entourant d’autres paroliers locaux. Rêveur, mélancolique et légèrement pompeux aux entournures, ce disque met surtout en exergue une production recourant à tous les artifices de la musique traditionnelle écossaise : flûte, accordéon et violon s’accordent ainsi à donner le ton à ces treize chansons. Dans les pires moments, on songe aux mauvaises galipettes celtiques des Corrs. Et dans les meilleurs instants, on s’assoupit paisiblement. « Peacetime », donc.
On ne peut pas dire que ces Cubains perdent leur temps. Formé vers la fin des années 90 après leur rencontre en France, Orishas compte à peine 3 albums dans sa discographie et sort déjà son premier « Greatest Hits ». Rien d’exceptionnel donc, un simple recueil des singles et morceaux préférés du quatuor devenu trio, Flaco-Pro ayant quitté la formation. Enrichi de deux inédits, « Antidiotico » n’offre pas de quoi sauter sur sa chaise, mais juste assez de bons morceaux pour se secouer les fesses dessus. On pense notamment aux hits radios « Represent, Cuba », « El Kilo » et « A Lo Cubano ». Un disque estival qui fera plaisir aux fans de Hip Hop ensoleillé et aux inconditionnels du festival Couleur Café mais laissera probablement de marbre tous les autres…
Avant toute chose, j’aimerai saluer le retour des enfants chéris du label californien Delta Groove. "Big plans" constitue déjà leur troisième opus. Il fait suite à "That represent man" et "Live and in demand", deux disques encensés par la critique. Neuf musiciens figurent aujourd’hui au sein du line up des Boys. Et parmi ceux-ci, on y dénombre pas moins de cinq chanteurs, deux harmonicistes et trois guitaristes. Certainement une des plus solides machines à blues de notre univers.
Dès l’ouverture, "Border town blues" dévaste tout sur son passage. De la dynamite ! La rythmique est imparable et en particulier Richard Innes, véritable chef d’orchestre qui dirige la manœuvre en martelant sèchement ses peaux. Tom Leavey le suit à la trace de sa basse, immédiatement talonné par le piano de Leon Blue. Finis Tasby chante d'un timbre sûr et autoritaire. Kirk Eli Fletcher se réserve un des solos de l'année sur ses cordes. Frank Goldwasser attaque son "I can't stay here". Le son de sa slide est volontairement sale, primaire. Une compo qui baigne dans le Delta. Frank libère une puissance phénoménale dans son chant, comme si sa vie en dépendait alors que la slide tente bon gré mal gré de survivre au sein de ce climat étouffant. Finis chante "I get so worried", un bon blues lent dominé par la guitare de Kid Ramos. Parmi les invités, on retrouve Rob Rio aux ivoires, Jeff Turmes à la basse acoustique et au sax alto ainsi que Woody Woodford au saxophone ténor. Bien que disposant de 5 chanteurs, les Boys se paient encore le luxe d'en inviter d'autres. Tout d’abord Bobby Jones. Cet ex-Aces (celui des frères Myers) chante "Mary Jane". Randy Chortkoff souffle dans son harmonica tout au long de ce Chicago shuffle, très Jimmy Reed dans la démarche. Le patron du label transperce la solution sonore de ses sonorités acérées. Rob Rio, ensuite. Il interprète "Carpet bogger blues", assis derrière ses ivoires. Il pianote à la manière d'Otis Spann sur ce blues lent à l'intensité dramatique, pendant que Kirk dispense ses petites phrases assassines. Le vieux Johnny Dyer également. Il monte sur les planches. Son harmonica à la main. Il chante toujours à la manière de son ami Muddy Waters. Et en fait la plus parfaite démonstration sur "Just to be with you". Rick Holmstrom se réserve la guitare et Larry Taylor la basse. Quel show! "Why do things happen to me?" constitue un autre blues de toute grande classe. La voix de Finis Tasby est impériale. Il est épaulé par les cordes chaleureuses de Ramos et le sax baryton de Woodford. L'apparition soudaine de Jody Williams est une autre bonne surprise. Issu de Chicago, ce guitariste a accompagné Howlin' Wolf, Bo Diddley, Otis Rush, et quelques autres. Il chante son "Groan my blues away" tout en grattant sa râpe. Une compo qu’il avait immortalisée en 1955, lors de sa toute première session comme leader. L'impresario Chortkoff a composé deux plages. "Mina all mine" et "Young and tender". Il chante le premier morceau face à la slide de Kid Ramos, un blues délicat qu'il avait composé pour Jody Williams. Et le second d’un timbre soul, tout en sensibilité. Un feeling qu’il accentue en s’accompagnant à la guitare et en s’appuyant sur la rythmique de Rick Holmstrom Larry Taylor et de ‘Big Foot’ Innes. L'intérêt de cette œuvre est constant. Même en fin de parcours. Tasby chante le nerveux "My baby's a good 'un" d'Otis Rush et son "Walkin' down Fillmore". Les échanges de cordes évoluent à très haut niveau. Que ce soit face à Eli, d'abord ou au Kid, enfin. Mitch Kashmar est le dernier le la liste des guests. Harmoniciste maison, il participe à deux plages. Tout d’abord "Broken hearted blues. Signé Jimmy Rogers, ce slow blues sent bon le Chicago Southside. Dyer se charge des vocaux. Et ce n'est pas une surprise, car ce bluesman est originaire du même patelin que Muddy Waters, dans le Mississippi. Cet excellent opus s’achève par le "California blues" (bien sûr!) de Howlin' Wolf. Bobby Jones le chante d’une voix puissante, proche du grand Chester Bennett.
« Mirror King ». Premier titre de « Crossing the strings », et déjà, Leo fait mal. La mélodie est du même gabarit que celles susceptibles d’être inventées à brûle-pourpoint pour entonner un air qu’on ne connaît pas… Et les chœurs n’y changeront rien. Suivant ! Re-aïe ! Non, Leo ne séduit pas. Allez, un brin de chauvinisme tout de même (c’est qu’il est liégeois, le Leo !) : le petit duo de cordes (violoncelle-violon) est !…sympa. C’est mêlé d’inquiétude et d’espoir qu’on passe au troisième titre : « My private apathy ». Ô joie ! Ô délivrance ! Des rythmes captent l’attention, des accents mineurs caressent agréablement l’oreille… Mais Leo entame le refrain et chante d’une voix presque désespérée « My private apathy… Oh yeah ! ». Si le « Oh yeah ! » est la goutte d’eau qui fait déborder le vase, pas de regrets, le refrain foutait déjà tout en l’air, cassant ce petit rythme blues qu’on espérait devenir grand. Cessons-là le suspens ! A ceux qui se bercent d’illusions, la suite n’est pas mieux. Des accents folks aux airs blues afro-américains, rien n’accroche vraiment.
Loïc Lantoine… ! Le nom, combiné à la pochette de l’album, est aussi attractif qu’un déodorant l’est pour les mouches. N’en déplaise à celle reproduite sur ladite pochette. Mais lorsque Loïc Lantoine entame son « Tout est calme », force est de constater qu’on l’écoute. Sa voix est empreinte d’une sincérité telle que c’en est touchant. Il ne parle pas vraiment, ne chante pas non plus. Il a sa manière à lui de nous dire qu’on est foutrement bien ensemble. Bourré d’humour (« NNY »), Loïc Lantoine a l’âme d’un poète des temps modernes (« Pierrot » dont la mélodie rappelle Mano Solo). Bien sûr, il ne s’agit pas d’un nouvel Apolinaire, non. C’est juste un gars sans prétention, à la sympathie contagieuse, partageant ce qu’il a sur le cœur. A nous de le suivre lors d’un léger coup de blues (« Pierrot ») ou d’un abus de whisky (« Quand les cigares »)…
Ne cherchez plus l’excellente surprise rock du printemps : la voici. Et elle vient de chez nous. De Bruxelles, pour être précis. Trio monstrueusement inspiré et délicieusement décadent, Kube ne traîne pas pour appâter nos tympans. Dès l’ouverture, les riffs sont robustes, débordants de vitalité et de hargne, empruntés à tout ce que le mot ‘rock’ contient comme déclinaisons et qualités. Certains citeront les Queens of the Stone Age, d’autres penseront à And You Will Know Us By The Trail Of Dead. La liste des influences est aussi vaste que vaine à énumérer: nos trois gaillards ont tout simplement choisi de se fier à tout le monde, mais de ne copier personne. Succession d’uppercuts assénés par des guitares tantôt ‘décoiffantes’ tantôt hypnotiques, ce « Stockholm Syndrom » ne souffre d’aucun temps mort et s’offre le luxe -trop souvent négligé par les énervés d’aujourd’hui- de laisser une grande place aux envolées purement instrumentales. En un mot : ‘waow’.
Comme l’ironise Bénabar, ‘Ils s’appelaient tous Michel : Polnareff, Jonasz, Delpech, Fugain, Berger et Le Forestier ( ?!?!?)’. En conjuguant le verbe ‘s’appeler’ à l’imparfait, il ne veut certes blesser personne. Mais il a peu raison : les carrières de tous ces Michel sont derrière eux. Heureusement, l’air du temps autorise une formule idéale : l’album de reprises. Il y a quelques mois, c’était un certain Michel... Delpech qui y allait de son petit retour en arrière, sur une rondelle revisitant ses propres succès en compagnie d’artistes d’hier et d’aujourd’hui.
Voici donc le nouvel album -le quatorzième- d’un Michel nommé Jonasz. Un album de reprises. Mais pas les siennes. L’interprète de « La boîte de jazz » explore un répertoire presque ‘classique’ de la chanson française, de Brassens (« Les copains d’abord ») à Brel (« Fernand », « La chanson des vieux amants ») en passant par Prévert (« Les feuilles mortes »), Ferré (« Avec le temps ») ou encore Nougaro (« Armstrong »). Bien entendu, ce projet n’aurait aucun intérêt si le gaillard n’y mettait pas, avant toute chose, de la sincérité. Dont acte. Et, bien entendu, personne n’y aurait prêté attention si notre homme ne s’appelait pas Jonasz, qu’il n’avait pas ce timbre de voix si chaud et ce don inimitable de chanter des histoires. Mais bizarrement, on apprécie sans en profiter pleinement. La raison est simple : les morceaux choisis ont vécu dans d’autres bouches, avec une force qui ne réclamait ni rappel, ni hommage…
Si le grand classique « Anyone Can Play Guitar » de Radiohead devait atterrir dans les bacs aujourd’hui, ses géniteurs l’auraient probablement intitulé « Anyone Can Play Electro ». Imaginez vos deux petits frangins, cloîtrés dans leur chambre, la bouche collée à un micro cheap et les doigts scotchés sur un synthé arraché aux puces deux heures plus tôt pour 5 euros 95 seulement. Un prix défiant toute concurrence s’expliquant par l’étrange absence de certaines touches. Mais les deux garnements n’en ont rien à foutre, ils s’amusent comme des bêtes à composer les morceaux les plus débiles que l’humanité ait eu à endurer. Dans le salon, votre petite famille s’impatiente. ‘C’est quoi ce bordel ?’, hurle maman. ‘Ils commencent à faire chier, ces deux petits cons !’, s’époumone papa. ‘Je vais leur couper les bras et leur faire bouffer leur synthé de merde’, s’énerve la grande sœur. Et comme si cela ne suffisait pas, voilà que le duo infernal décide d’inviter ses potes pour faire encore plus de bruit. Ayant de la suite dans les idées, les trublions décident de graver sur disque leurs morceaux ‘self-made’ préférés, pour la postérité et le grand bonheur de leurs proches. Afin de s’y retrouver dans leur ouvrage dantesque, ils auront même pensé à classer les 29 créations originales et collaborations par ordre alphabétique ainsi que de subtilement intituler l’ensemble « Alphabetically Arranged ».
Quelques semaines plus tard, en se promenant sur la toile, maman, papa et grande sœur tombent sur quelques morceaux electros leur semblant étrangement familiers mais dont l’origine leur paraît un peu floue. Et malgré eux, parents et enfant se mettent à taper du pied, à balancer la tête et à sautiller dans tous les sens, faisant dangereusement valser tous les meubles du salon. Le tout, sous l’œil amusé des deux garnements, tapis dans l’obscurité et se régalant à l’avance de la manière dont ils nargueront sournoisement le trio qui, jusque à cet instant, voulait impérativement les réduire au silence.
Depuis le début des années nonante, un groupe s’obstine à caresser la beauté musicale dans le sens contraire du poil : Low, trois lettres qui modèlent une ascension. De bas en haut. Toujours. Et, une fois encore, la formation d’Alan Sparhawk évite le repos, les lauriers et tout autre considération, préférant se concentrer sur l’essentiel : sa musique. Fouiller les sons, remuer les technologies pour toucher à l’essence d’une vie nouvelle. Voilà, en substance, le programme de « Drums And Guns », le nouvel album des Américains. Profondément marqué par les incivilités d’un gouvernement belliqueux (à ce titre, on se penchera sur les paroles de l’introductif « Party People » : ‘All soldiers they’re all gonna die’), Low dépose armes et guitares. Désormais, la puissance incantatoire du groupe passera par des sonorités électroniques. Mais cela ne change pas la donne : délicate, austère et hypnotique. Ne craignons rien, jetons-nous à Low !
Alan, tu es originaire de Duluth, dans le Minnesota. Bob Dylan est également natif de cette ville. Considères-tu Duluth comme une bourgade propice au développement personnel des grands musiciens ?
Alan Sparhawk : C’est assez difficile à dire... Duluth se situe à la frontière entre les Etats-Unis et le Canada. Il y fait très froid. Nous sommes à quelques pas des Grands Lacs. La vie de ce centre urbain est rythmée par les fermes, les usines métallurgiques, quelques magasins. En fait, en évoquant l’existence de ma ville à voix haute, je me rends compte qu’il s’agit d’un endroit très éclectique. Cependant, Bob Dylan n’a pas vraiment dû rencontrer l’essence même de Duluth. Au contraire, il devait s’y sentir aliéné dans sa jeunesse car, dès qu’il en a eu l’occasion, il a filé : à Minneapolis, d’abord et à New York, ensuite, où il est devenu célèbre. Il existe pourtant une atmosphère particulière qui se dégage de cet endroit. De là à dire que Duluth guide toute notre création artistique, il y a un pas que je ne franchirais pas. Mais il est indéniable que le froid, le vent, l’absence de soleil ont un impact sur notre vision des choses et de notre musique. Nous aimons vraiment cette ville.
Tu es marié avec Mimi Parker, actrice phare de votre formation. Ton épouse t’accompagne donc sur la route. Est-ce difficile d’associer vos vies professionnelles et privées ? La musique fait-elle surgir des tensions au sein de votre couple ?
A.S. : Evidement. Déjà, à la base, faire partie d’un groupe de musiciens n’est pas une chose facile à gérer. Dans un même ordre d’idée, le mariage ne constitue pas qu’une partie de plaisir. Le fait de travailler ensemble sur un projet artistique peut entraîner quelques tensions. En même temps, travailler ensemble et partager ces instants nous procurent une indescriptible satisfaction. C’est une chance que de vieillir proche l’un de l’autre, d’avancer ensemble sur un projet, de le voir grandir. Mon mariage est une bénédiction, j’ai la chance d’avoir une femme formidable et une famille compréhensive. Il est vrai que certaines tensions peuvent surgir mais elles sont toujours bénéfiques. Nous n’avons pas cherché à établir une frontière délimitée entre notre vie professionnelle et privée. Ce serait bien trop difficile. Il faut laisser les choses se dérouler naturellement. Parfois, à la maison, nous sommes en train de jouer de la guitare et les enfants débarquent dans la pièce pour jouer. Généralement, on ne se pose pas de questions : nous allons jouer avec les enfants. A la maison, on ne s’impose aucune contrainte. On se contente de vivre les choses comme elles viennent. Il ne faut pas rendre la vie trop compliquée : elle l’est déjà pas mal comme ça !
En Europe, votre précédent album (« The Great Destroyer ») était signé sur le label anglais ‘Rough Trade’. Cette fois, on vous retrouve sous l’égide du célèbre label « Sub Pop ». Comment s’explique ce changement de crémerie ?
A.S. : En fait, aux Etats-Unis, nous sommes signés sur le label Sub Pop depuis des années. Le patron du label est fan de notre musique. En Europe, « The Great Distroyer » était distribué par le label anglais Rough Trade. Je n’ai rien contre Rough Trade. Pas de ressentiment en vue, donc. Simplement, il était temps de partir. Les gens qui avaient travaillé pour nous chez Rough Trade ont emprunté d’autres chemins. On les adorait vraiment. Dès lors, on ne se sentait plus comme à la maison. Ce n’était plus les mêmes personnes. Et, chez Low, nous accordons beaucoup d’importance à la notion de stabilité dans le travail. C’est la principale raison pour laquelle nous sommes passés chez Sub Pop pour la gestion internationale de notre album.
Lors de votre dernière tournée, vous aviez déjà joué quelques morceaux de “Drums and Guns”. Quand avez-vous composé les chansons de ce nouvel opus ?
A.S. : Certaines chansons du nouveau cd ont été écrites à l’époque de « The Great Distroyer ». Nous avons pris le temps de retravailler ces morceaux, de les reconsidérer. Quand nous sommes entrés en studio pour le précédent, nous disposions d’un stock d’une vingtaine de chansons. Cependant, certaines d’entre elles présentaient un côté inachevé. Il fallait donc les laisser mûrir. Elles possédaient un indéniable potentiel. Mais il fallait pouvoir l’utiliser à bon escient. D’ailleurs, musicalement parlant, il existe une distinction entre « The Great Destroyer » et « Drums and Guns ». Pour le précédent, nous avons tout enregistré comme si nous étions en concert. C’était très brut, très élémentaire : guitare, basse, batterie. Cette fois, nous recherchions de nouvelles sonorités. Nous avons donc abandonné la tradition pour mieux explorer les sons. Pour « Drums and Guns », la première étape s’est concentrée sur l’élaboration des morceaux. Les voix sont ensuite venues s’ajouter. C’est la première fois que nous expérimentons à ce point. Certaines personnes trouveront que ce disque est trop électronique. Mais, en fait, « Drums and Guns » est peut-être notre œuvre la plus artisanale ! On ne s’est jamais imposé le biais des musiques électroniques. Ces sonorités se sont imposées lors du travail sur les morceaux. Rien n’était prémédité ! J’espère simplement qu’en écoutant ce nouvel album, les gens percevront l’évolution sonore recherchée ces deux dernières années.
Vous avez confié la production à Dave Fridmann. Dans quelle mesure sa personnalité ressort-elle de « Drums and Guns » ?
A.S. : Lors des sessions d’enregistrement, Dave a été notre plus proche confident. Parfois, on se disait : Oh lala, c’est une véritable catastrophe ! Et Dave nous soutenait le contraire. Il a vraiment essayé d’explorer nos idées les plus folles. Nous étions un peu comme des enfants découvrant de nouveaux jouets. Il n’a pas arrêté de nous encourager. Parfois, on ne comprenait plus rien et lui, dans un élan magistral, il survenait : On va prendre ces deux sons-là et cette voix : voilà la chanson ! Pour mener à bien ce nouveau projet, nous avions besoin d’une personne talentueuse, calme, capable de reconstituer des fragments sonores pour en délivrer une chanson. Dave était parfait dans ce rôle. Il était un peu comme un professeur à notre égard.
Bande originale d’un film qui n’existe pas, le deuxième album de cette formation de Portland confirme la bonne impression qu’elle nous avait laissée sur l’album « Spirit in Stone », sorti il y a quelques années sur le même label. « Gutterfly » plonge l’auditeur au sein de l’atmosphère seventies des polars ‘blackploitation’, en vogue à l’époque. Un casting prestigieux (George Clinton, Oh No, Vernon Reid, Smif’N’Wessun, Fishbone et quelques autres) qui s’applique à rendre une trame éclatée sur des beats très efficaces où les orgues, cuivres et les guitares lascives apportent une forte dimension mélodique. Car la mélodie est le point fort des Lifesavas, que ce soit sur le dansant « Double Up » (produit par Oh No), la belle ballade de « No Surprise », le funèbre « Dead Ones » ou encore le funk caribéen « A Serpent’s Love » au cours duquel ISH (Digable Planets) pose les rimes. A signaler aussi, la belle intervention de George Clinton sur « Night Out » narrant l’histoire d’un contrôle de police qui tourne au vinaigre et la nuit subséquente. Bref, beaucoup de bonnes choses et peu de déchets. Un disque vivement conseillé.
« Raw, X-Rated Dancehall » précise la pochette. L’acheteur ne sera pas trompé sur la marchandise, l’essentiel de ces titres se focalisent sur la fête, les fesses, l’abus d’alcool, mais pas nécessairement dans cet ordre. Sur des musiques très électro influencées par le r’n’b américain, le crunk et l’euro dance, l’auditeur a droit aux titres les plus efficaces qui ont balayé les dancefloors jamaïcains cette année. A boire et à manger sur cette plaque. Pourtant il recèle quand même pas mal de bons titres. Et en particulier ceux signé Shaggy, Bennie Man (l’excellent « Reverse Da Ting »), Future Fambo (le très drôle « Tom Drunk ») ou encore Tony Matterhorn (l’explicite « Bawl & Beg »). Il est tout de même assez drôle de constater que certaines de ces plages évoquent la dance roumaine, comme le « Whine Pon You » de Vybz Kartel où le chanteur déclare dans un délire de vocoders : ‘Gimme that fuck look, pretend like you didn’t fuck in a while !’ « X-rated » on vous dit !
John Turner est né au Texas. A Port Arthur, très exactement. Il y vit toujours. La notoriété de ce drummer éclot en 1968, lorsqu'il intègre le groupe de Johnny Winter. Il y rejoint le bassiste Tommy Shannon (futur Double Trouble) et le saxophoniste/claviériste Edgar Winter. Il participe ainsi à la confection des elpees "Johnny Winter", "Second Winter" et "The progressive blues experiment". Il émigre ensuite à Austin. En compagnie du même Shannon pour y fonder Krackerjack, et engagent un certain Stevie Ray Vaughan, alors débutant. John devient alors insatiable. Il retrouve à nouveau Johnny Winter pour concocter "Third degree" (paru chez Alligator), puis collabore à différents projets ; et en particulier ceux ce Paul Orta, Mike Morgan, Lazy Lester, Alan Haynes ainsi que des Français Benoit Blue Boy et Big Dez. Pour réaliser cette plaque, il a reçu la collaboration d'amis texans. Pour la plupart méconnus.
Le titre maître ouvre l’opus. John chante. Il est soutenu par son ami Paul Orta à l'harmonica. Et John Edery à la slide, pour le riff célébré par Elmore James. Il attaque ensuite le célèbre "I hear you knockin" de Jay Miller, le spécialiste du swamp louisianais. Paul Orta chante d’un timbre nasillard. Il est épaulé par les cordes d'Edery, le leader du House Rockers Band, une formation texane. Issue de Beaumont, très exactement. "Bridge City blues" baigne au sein d’une ambiance très louisianaise. Un fragment adapté du "St Louis blues" de W.C Handy. Floyd Moore chante d'une voix grave et fascinante. Roger Ward (un inconnu !), le "Good understanding" de Willie Dixon. Le tempo est très enlevé. L'harmonica d'Orta décolle. Il est rapidement suivi par le piano de Mark Solis. Puis par les guitares du même Ward et de Little Ray Ybarra (il drive les Blues Sonics !) Edery, son "Beaumont Blues". Il laisse délirer ses cordes sur un motif rythmique emprunté à "Spoonful". Nous sommes au Texas, non loin de la frontière mexicaine. Uncle John, "Hey senorita" dans la langue de Cervantès. Une compo caractérisée par ses rythmes exotiques bien syncopés. Paul, un swamp blues intitulé "Really is hurtin' thing". La guitare de Little Ray s'adapte très bien au sein de ce climat malsain. Le son réverbéré est bien typique de la Louisiane. John, encore un dernier titre : "T Bone intentions". L'harmo d'Orta se plaint pendant que les cordes de Tonky de la Pena s'enivrent au cœur de ce décore sonore. Le "Honest I do" de Jimmy Reed opère un nouveau retour du côté de Baton Rouge. La voix chaleureuse de Floyd Moore mène les débats. L'harmo se démène et monte dans les aigus. La guitare réverbérée de Little Ray emprunte des sonorités particulièrement bayou tout au long d’"I'm gonna keep what I've got", un morceau digne des meilleures plages de Creedence Clearwater Revival. Roger Ward shoute de son timbre abrupt, "She's nineteen years old", un slow blues signé Muddy Waters. La slide est très incisive. En finale, Paul Orta chante "Hurricane Rita", un excellent shuffle à la texane. Little Ray se déchaîne avec bonheur sur ses cordes. Il y est au sommet de son art. Bref, un elpee qui réunit de très bons moments.
Highway to helle. Enfer et damnation, chroniquer ce genre d’album n’est pas chose aisée. Difficile aussi d’exprimer la sensation exacte qu’il procure, l’auditeur non-averti capitulera vite devant la tâche, tant la complexité électronique de ces Frenchys est proche du malaise. Conglomérat de bruits expérimentaux, les sons semblent sortir de nulle part, se fracassant sur la montagne de notre confort auditif. Dérangeant au possible, les Sister Iodine produisent 13 plages dénuées d’un quelconque sens de la mélodie. Influencés par Sonic Youth ou The Ex, ils n’en ont gardé que l’acide pour dessiner au creux de nos conduits auditifs, un sinueux chemin froid et chaotique. Le trio n’est pas à son coup d’essai, les deux précédents albums avaient déjà l’ambition de perturber la ligne claire en la faisant littéralement exploser. Atypique, arythmique, la fragmentation de ce dernier album dilue cris de détresse et guitares larmoyantes avec cynisme. Tel du papier de verre sur une blessure, il écorche un peu plus la partie sensible et effrite nos zones saines. Un album qui demande patience et oubli de soi.
Olabelle ! Un bien joli nom de famille pour ce sextet new-yorkais qui s’efforce de relire l’histoire pour mieux la réinterpréter. Les mélodies traditionnelles s’offrent donc un lifting dans le salon d’Olabelle, coiffeur contemporain et typiquement américain. Le folk, le blues, le gospel et, au final, toute la souffrance de plusieurs générations noires américaines sont au centre des préoccupations de nos six musiciens. Vu d’ici, on frôle l’épure nationaliste. Toujours est-il que ce premier album éponyme s’ouvre sur un morceau du feu de Dieu : « Before This Time », un titre originellement composé par Bessie Jones et Alan Lomax. Le gospel suinte des baffles, on se met à taper dans les mains, à lever les yeux au ciel. On commence sérieusement à croire au miracle. Mais il faut déchanter. La suite du disque abandonne le gospel à ses champs de coton et part à la rencontre de sonorités convenues. Et si les voix féminines s’enlacent aux cordes vocales des mâles, copulant pour mieux nous bercer, on finit par s’endormir. Pas chiant, non. Mais pas forcément captivant, le répertoire revisité aurait, dans certains cas, mérité le repos éternel. Revisiter sans perdre l’authenticité : mission difficile. Impossible ?
Pourquoi Keith ? ‘Pourquoi pas Keith ?’, vous répondront Oli Bayston (chant), Mark Nicholls (guitare), John Waddington (basse) et Johnny Winbolt-Lewis (batterie). Pur produit de Manchester, le groupe en connaît ses légendes : The Smiths, Stone Roses mais aussi New Order et Happy Mondays. D’emblée, le single « Back there » prouve que le groupe a bien digéré ses influences et annonce les atouts de Keith : une section rythmique qui surfe sur la vague Madchester et la voix d’Oli Bayston qui, non sans rappeler celle de Morrissey, s’impose amplement, soutenue de temps à autre par des chœurs impeccables. Catchy, bien ficelé (ces gars-là sont des bosseurs), « Red thread » serait, selon les Mancuniens eux-mêmes, un « best of » réunissant les titres du premier EP (où figurait déjà l’imparable « Hold that gun ») et de nouvelles compositions. Le tout est cohérent, étonnamment cohérent même au vu de l’éclectisme qui s’en dégage. Car « Red Thread » puise, entre autres, parmi brit pop (mais sonne années quatre-vingt), Northern soul (la ballade « Gunshot revelry » aurait pu être signée par Badly Drawn Boy), indie (« Down below ») et psychedelia (l’obsessionnel « You »). Et au milieu coule « The Miller », ce morceau étrange qui débute sur des percussions aztèques avant de flirter avec l’avant-garde de Brian Eno. Au final, il ne s’agit pas d’un chef-d’œuvre mais simplement d’une collection de bonnes chansons qui, comme « Mona Lisa’s child », feront bouger le cul des nostalgiques de l’Hacienda. Frénétisme oblige…
John Earl Walker est chanteur et guitariste. Il s’est forgé son son style à l'écoute de Freddie et Albert King, T Bone Walker et Magic Sam. Son band compte déjà quelques (et encore le mot est faible !) années au compteur. Peter Harris, le bassiste, figure au sein du line up depuis les débuts du groupe. Bobby Infante, le drummer, a rejoint la formation en 1990. Un musicien qui aurait côtoyé Muddy Waters et Pinetop Perkins. Une photographie immortalisée en mai 1981, atteste cette information! Aux cordes également : Joey Tremolo. Gene Cordew se réserve les claviers pendant que Johnny Byrne souffle dans son harmonica! La formation comptait déjà quatre elpees son actif : deux live ("Live at Le Bar Bat" et "Live at Chicago Blues") et deux disques concoctés en studio : "I'm leavin' you" (en 2003) et "Little Miss Perfect" (en 2005).
"People are talkin" ouvre l'opus. Les guitares sont bien en rythme. L'harmonica souligne les riffs. La voix de John s'inscrit parfaitement au cœur de cet environnement sonore. Johnny Byrne souffle puissamment dans sa musique à bouche. La rythmique possède, dans son ensemble, un pouvoir de séduction certain. Long slow blues, "It's all up to you" est imprégné du Chicago Southside. Une plage très classique dynamisée par les deux guitares amplifiées et illuminée par l'harmo de Johnny. Blues rock des bayous, "Introduction plan" évolue dans un style proche d'Omar (des Howlers), mais sans la voix surpuissante de ce dernier. Les cordes de Walker sont furieusement maltraitées, écrasées, laminées… Ballade roots rock, "I got a rhtythm" interpelle. A cause de la guitare inventive et fort mélodique. "Lyin' and cheatin" est un shuffle caractérisé par son allure rapide. Le piano impose le rythme. Harmo et cordes s'envolent vers les sommets. John Earl joue du dobro sur "Too sad to weep", une ballade bluesy, légèrement country, proche des ballades composées par les Stones à leurs débuts. Une excellente plage hantée par la voix un peu nasillarde et assez proche de celle de Mark Knopfler. Les six cordes sont un plaisir pour les oreilles. La guitare prend des accents rockabilly tout au long du rocker "Pretty baby". Plage funkysante, "I still got it bad" opère un échange entre harmo et cordes. En outre, la section rythmique s’y montre à son avantage. L’album tire à sa fin. Mais il nous réserve encore un titre lancé au galop : "Little girl" ; et puis un dernier blues lent : "Welcome back Mr Blues". Une compo impériale aux accents menaçants. Pour la circonstance, Gene Cordew est passé à l'orgue. Ce qui explique la densité du son. Et tout au long de ce morceau, les cordes volontairement suramplifiées exercent un certain effet. Le nouvel opus de Mr Walker tient la route!
Enrichi de quelques mixes destinés aux ‘soundsystems’ de l’époque, cette réédition remet au goût du jour le deuxième album de cet excellent duo de deejays jamaïcains basé à Londres. Lors de la confection de leur premier opus, les deux gaillards avaient utilisé les riddims puissants du producteur Henry ‘Junjo’ Lawes pour poser leurs rimes dynamiques, parfaitement représentées sur l’excellent « Another One Bites the Dust ». Sur ce « Stop that Train » paru en 1983, ils ont préféré mettre sur pied les « Inity Rockers », leur propre groupe dont relevait le saxophoniste Courtney Pine. Leur son a alors gagné en propreté et « Stop That Train » a fait un énorme carton en Angleterre, Hollande, Allemagne et Espagne. Ce disque résume bien le talent particulier de Clint Eastwood et General Saint : un flow à l’unisson proche du hip hop, un sens de l’humour qui n’exclut pas la gravité (« Nuclear Crisis »), de l’originalité et un sens certain des mélodies. Ajoutez-y les grosses rythmiques dancehall (à la mode à l’époque) et vous obtiendrez une série de titres toujours très susceptibles aujourd’hui de remplir les pistes de danse et de laisser apparaître un sourire de contentement sur les visages de ceux qui préfèrent taper du pied.
Cofondé par Mick Hucknall (chanteur de Simply Red), Blood & Fire poursuit depuis quelques années une entreprise de réédition des trésors cachés de la musique ‘roots reggae’ issue des années septante. C’est d’ailleurs grâce à Blood & Fire que « Heart of the Congos », le chef d’œuvre psychédélique des Congos produit par Lee Perry, est à nouveau disponible… Cette compile se concentre sur les travaux des plus éminents ‘conscious singers’ des années 70 : Max Roméo (sur le riddim de War In A Babylon »), Gregory Isaacs au sommet de ses capacités, Juior Byles, Yabby You, Horace Andy, Dennis Brown (il reprend le très beau « Man Next Door » de John Holt), Black Uhuru, Johnny Clarke, Willi Williams, les Congos et quelques autres tout aussi talentueux. Ces très bons titres ne se contentent pas de militer ou de manifester une pertinence sociale, mais ils jouissent d’un haut niveau musical et mélodique, ce qui en fait tout l’intérêt. Quasi rien à jeter donc, et si l’envie vous prend d’approfondir le sujet, il vous est loisible de vous reporter aux albums (déjà réédités) recelant ces quelques pépites sonores.
Contenant des riddims produit par Frenchie (il a notamment composé des titres pour NTM, Raggasonic, Jah Mason) et mixé par le dj anglais Rudie ‘Twin Spin’ Ranx, ce quatrième volume de la série française invite quelques stars jamaïcaines à venir poser leur chant ou flow sur la poignée de morceaux constituant ce recueil. Elephant Man, Bounty Killer, Luciano, Ward 21, Wayne Marshall, Anthony B, etc. Que du beau linge! Mais le menu musical est tout de même un peu maigre : l’auditeur a droit à un quelques relectures paresseuses du « Here I Come » de Barrington Levy, d’un classique d’Ini Kamoze (remis récemment à la mode par Damian Marley sur « Welcome to Jamrock ») et d’un vieux titre des Viceroys. Le tout étiré plus que de raison sur les ¾ du mix. Parmi ceux qui tirent leur épingle du jeu on citera Bounty Killer & Lukie D (leur tube « Kill Another Sound » déjà repris sur « Ragga Dancehall anthems 2006 »), Tony Curtis sur le très roots « Bless Me » et le très bon Luciano (« A No Like We No Like Them »). Les contributions des autres artistes manquent un peu d’inspiration et la monotonie du mix n’arrange rien…
Tapette record is back. Qu’on se le dise, le parcours de Dirk Darmstaedter (aussi simple à lire qu’à écrire) ne se fait pas à vive allure. 3 albums en 10 ans, ça ne va pas décoiffer les moumoutes. Sonnez trompettes, résonnez hautbois donc, le fils du pays germain a décidé de poser un nouveau bébé dans les bacs. Force est de constater qu’il a déposé l’enfant et l’eau du bain à la fois. C’est vrai que l’artiste n’a rien d’un amateur, que l’album est excellent en qualité d’arrangements, que tout ça est bien beau… mais qu’est-ce que c’est mou aussi ! L’artiste solitaire, dédouble ses mains sur les instruments, aidé dans cette manœuvre par Lars Plogschties et Lee Russe. Sans vie, sans rebondissements, la lassitude apparaît assez rapidement : aux environs –déjà– de la 3ème plage (titre éponyme). Sans énergie, ni charisme, « Our Favorite City » réunit 12 plages bien pliées, bien formatées, parfois à la limite du gimmick commercial. Les cordes vibrent avec justesse, mais ça ne suffit pas, il aurait fallu une âme pour alimenter la flamme. Les accords se succèdent… et se ressemblent. Certains prendront la défense de l’album, d’autres leur responsabilité avouant sans honte, que cette galette finira chez eux en sous-verre ou mieux, en cadeau d’annif pourri. Soyez sur vos gardes si votre anniversaire tombe bientôt, un ami aura peut-être cette funeste idée, histoire de s’en débarrasser…
Le Charles Walker BB est né à Milwaukee, il y a trois ans. Son fondateur ? Aaron Charles Walker. A l’origine, un amateur de jazz. Passionné par la musique de John Coltrane, Lester Young et Charlie Parker, il joue du saxophone et des claviers. Avant d’entamer son projet personnel, il a milité chez Muddy Blue. Au sein de son line up, le chant est assuré par Miss Shanna Jackson. Un vocal qui semble envoûté par Shemekia Copeland et Koko Taylor. Originaire de Turquie, Emre Alp est préposé à la guitare. Enfin, Kent Hamùele et Nic Furgate forment la section rythmique. Le premier à la basse. Le second à la batterie. Avant d’enregistrer ce nouvel opus, la formation comptait trois albums à son actif : "Keep takin", "Hotel room blues"(tous deux parus en 2005), et enfin un elpee enregistré en public, "Live and Low down", commis également en ce début 2007. On peut donc dire que ce combo est vraiment prolifique. Enfin, Charles signe les dix plages de cet album.
"Dog catcher" met le feu aux poudres dès les premières secondes. Puissante, naturelle et taillée pour le blues, la voix de Miss Shana Jackson est divine. Solide comme le roc, la section rythmique est infaillible. La guitare se limite à son rôle rythmique, mais on sent qu’elle en garde sous la pédale. Le saxophone de Charles est toujours prêt à bondir tandis que l'orgue Hammond B de Rob Waters tapisse le décor sonore. "Slow thunder" émarge au soul funk. La voix féminine excelle. Particulièrement inventif, Walker est un musicien bourré de talent. Doué pour construire une ligne mélodique, son intervention au sax ténor monte en puissance. "Outta mind" campe un blues imprimé sur un tempo enlevé. L'orgue Hammond participe toujours activement au rythme. Mais pour la circonstance, c'est le guitariste, Dr Emre Alp qui s’autorise un billet de sortie, révélant au passage un talent certain. Une intervention suivie par celle de Waters, qui fait décoller son orgue. Pur blues, "Ain't no doors" s’ébroue sur un tempo ralenti avant de prendre sa vitesse de croisière. Le vocal de Shanna est toujours aussi sublime, mais le maître à bord, c'est Charles. Un véritable virtuose au saxophone. Un régal! Instrumental, "Hand clappin' évolue sur un rythme endiablé. Un boogie shuffle au cours duquel Rob est passé au piano acoustique, tandis que son leader s'époumone sur son honkin' saxophone. Impressionnant de maîtrise! "Gamblin on love" constitue le slow blues rituel. Une longue plage enregistrée ‘live’ au Cuda Cafe, au cours de laquelle tous les acteurs rivalisent de talent. Et en particulier la voix de Miss Jackson, l’orgue de Waters, ainsi que la guitare de notre gratteur turc. Il libère ici un maximum d'énergie. Chicago shuffle rapide, "Mil town blues" bénéficie du concours d’un nouvel invité : Steve Cohen. Issu de Milwaukee, il souffle vigoureusement dans son harmonica (pour votre information, sachez qu’il excelle également au chant et à la guitariste acoustique) avant de céder le relais à Rob au piano. Autre slow blues, "Cold as hell" est sculpté pour la voix magique de Shanna. Elle vit ici passionnément son texte. "Queen bee" est un autre shuffle issu de la Cité des Vents. Emre Alp a retrouvé toutes ses couleurs sur ses cordes tandis que Steve Cohen est revenu souffler dans son harmo! "Holdin out" achève l’opus. Une ballade blues très mélodique, caractérisée par une dernière excellente intervention du Dr Alp à la guitare. Si cet album est manifestement de très bonne facture, on regrettera que le leader n'apparaisse pas davantage sur le devant de scène.
Soirée événement destinée aux aficionados de doom metal et de post-hardcore, programmée ce mercredi 29 mai, au Grand Mix de Tourcoing, en compagnie du quintette californien d’adoption (la formation est, en fait, originaire de Boston) Isis. Projet d’Aaron Turner, le fondateur du label indépendant Hydra Head Records, Isis en est déjà à son troisième album, « In the ocean of truth », un opus surprenant, complexe, riche en réflexions existentielles, dans lequel le clavier se fait plus présent aux dépens des hurlements ténébreux d’Aaron. Un indispensable de votre discographie de l’année 2006. Et vu la réputation dont ils jouissent sur scène, on s’attendait à une belle claque, place Notre Dame.
Pour chauffer la salle, le projet qu’Isis souhaitait présenter dans le cadre de cette tournée, n’y est pas allé par quatre chemins. Il a choisi Oxbow. Un combo californien qui affiche déjà 20 années d’existence au compteur. Un groupe ‘culte’ qu’on peut franchement qualifier de ‘schizophrène’ en raison de la double personnalité développée à travers deux styles musicaux différents : le post-hardcore lorsque le combo se retrouve à quatre, le blues minimaliste quand Eugène Robinson et Niko Wenner sont réduits à un duo. C’est d’ailleurs sous cette configuration que Docteur Jekyll et Mister Hide nous ont proposé l’ouverture des festivités. Immense, de corpulence impressionnante, à la couleur de peau café, Eugène, véritable sosie de Michael Clarke Duncan (l’acteur qui endosse le rôle du condamné à mort John Coffie dans le film « La Ligne verte »), monte sur scène, flanqué d’un roman écrit en 1895 par Thomas Hardy, « Jude the obscure », une histoire sombre, pessimiste, triste, teintée de colère et d’injustice. Des sentiments qu’Eugène incarne à merveille sur les planches. Nikko sculpte un relief musical très blues à l’aide de sa guitare sèche. Eugène s’y ancre pour y dispenser un set intense, douloureux, rythmé par des moments de clameur et de silence, d’incantations et de prières. De déhanchements malsains aussi. Sans oublier le petit grain de folie. Quelque part entre un Jesus Lizard ‘unplugged’ et la Nico du Velvet Underground, le duo nous propose une bien belle prestation. La scénographie mêlée au personnage impressionne. Le public est surpris, dans le bon sens du terme. Le temps d’un rappel et d’une petite bière pour enfin vivre l’épilogue de la soirée.
Le set d’Isis s’ouvre par quelques notes dispensées au piano. Bryant Cliffort, le guitariste/claviériste (Il collabore également à un autre projet, Red Sparowes, groupe de post-rock qui jouait le même soir à Bruges) en est le responsable. Progressivement, les guitares de Michael et d’Aaron, la basse de Jeff et la puissance du batteur, l’autre Aaron, viennent envahir le public, dans un mur du son décoiffant. Cinq figures charismatiques, montées sur des tapis de pédales à effets sonores multiples, vous prennent alors au fond des tripes durant près d’une heure trente. Atmosphères tantôt pesantes, froides et inquiétantes, tantôt violentes, mécaniques et explosives, les cinq virtuoses nous emmènent dans l’univers de Neuroris, Cult of Luna, Amen Ra, Godflesh, Tool ou Mogwai. Derrière ce génie de technologie, les influences de Pink Floyd et du Led Zep s’imposent dans un tsunami de sons, bien huilé qui frôle la perfection. Le concert atteint des sommets quand « In Fiction », un des titres phares du quintette, fait exploser les décibels. Le moment d’un rappel et déjà le groupe quitte la scène. Le temps semble si court lorsqu’on est si proche du divin…
Organisation Grand Mix Tourcoing
Il a fallu près de dix ans à Dave Matthews pour retrouver la Belgique sur la carte d’Europe. C’est en effet lors du festival Torhout/Werchter en 1998 qu’il a mis pour la dernière fois les pieds dans notre pays. En 2007, le Sud-Africain a décidé de compenser cette longue absence en offrant à notre pays deux concerts. Un premier en compagnie de Tim Reynolds à l’Ancienne Belgique. C’était en mars dernier. Et un second, pour lequel il a emmené toute sa troupe, à Forest National. Un double régal.
Une chose est sûre : The Nightwatchman alias Tom Morello -il assurait la première partie- est aussi bon guitariste qu’il est mauvais chanteur. Et c’est peu dire. En un peu plus d’une demi-heure, il est parvenu à détruire un idéal en se retrouvant en tête de la liste des pires artistes live qu’il nous a été donné de voir. Armé d’une guitare acoustique, Morello s’est égosillé sur des morceaux insipides aux textes pseudo-politiques déjà entendus un millier de fois. La boucle sera bouclée lorsque l’homme massacrera purement et simplement le « Guerilla Radio » de son ex (?) formation, Rage Against The Machine. Plus jamais ça.
Après avoir accordé au public belge un sublime concert acoustique à l’AB en mars, Dave Matthews a eu la bonne idée de revenir en compagnie de son ‘band’, cette fois à Forest National. Et face à lui, un public international et (trop) surexcité. Italiens, Hollandais, Américains, Anglais, Allemands… On en serait presque arrivé à se demander s’il y’avait quelques Belges dans la salle. Arrivée sur scène à 21h pile, la formation déclenche une vague d’hystérie qui s’est poursuivie à fréquence sonore variable durant toute la prestation. Pas l’idéal quand le son provenant des baffles est absolument atroce. Forest National n’étant pas réputée pour son acoustique irréprochable a donc une fois de plus fait honneur à la tradition. Après une courte intro, Dave Matthews et ses condisciples ont enchaîné des morceaux tirés de presque l’ensemble de leur discographie, parmi lesquels un « Don’t Drink the Water » grandiose, « When the Worlds End », « Dreamgirl », « Jimi Thing », un « Crash Into Me » repris par l’ensemble de l’assistance et « Down By The River », cover d’un classique de Neil Young. De longues et excellentes ‘jams’ jazzy ont entrecoupé la plupart des compos, prolongeant un set magistral, durant lequel Tom Morello a été invité à prêter ses talents de guitariste (ouf !) sur les morceaux « #41 » et « Satellite ». En guise de rappel, Dave, seul sur scène, a offert « So Damn Lucky », un superbe titre extrait de son album solo avant d’être à nouveau rejoint par ses camarades et boucler 3 heures (!) de show intense par une version dépouillée de « Two Step », belle à en frissonner. Quoi que l’on puisse en dire, le Dave Matthews Band est et reste un putain de bon groupe !
Organisation Live Nation
Où l’on apprend que derrière les cris il y a un message. Sofy Major dévoile son premier EP qui se veut porte-drapeau. Armé de bonne volonté, d’autogestion (DIY) et d’esprit punk, le groupe pourfend de ses riffs, nos sacro-saintes valeurs capitalistes (shame on us !). Bon ben c’est bien beau tout ça, très humaniste, mais pas très neuf. Presque tous les groupes de hard-core noisy ont la même démarche sociale. Cette motivation à revendiquer justice, liberté, équité. Malheureusement les paroles hurlées à pleins poumons rendent incompréhensible cette bonne volonté et les saturations lancinantes fatigueront vite les profanes du genre. La déduction évidente de tout ce tralala est que : soit vous êtes des habitués de ce genre de message et de musique, et si vous n’avez toujours pas changé d’esprit, c’est peine perdue ; soit vous n’êtes pas habitués et je vous souhaite bonne chance pour le branlage intellectuel qui vous attend. Il ne faut pas nier, malgré tout, une bonne composition de la part du groupe, tout à fait honnêtement, ils peuvent se mesurer aux autres artistes humanistes, qui sévissent eux aussi sur la scène hard-core, sans aucune gêne. Petit clin d’œil : même si le groupe considère que ‘les médias alimentent la misère’, c’est quand même bien sympa une petite chronique. Non ?
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