D’une voix forte et veloutée, Gabrielle Verleyen réconcilie l’indie-folk et la pop à texte française. Dans un univers sonore sans bord, mélancolie et sérénité se côtoient pour offrir un paysage intime et lumineux. Cette ex-timide découvre, à plus de 20 ans, sa voix comme un passeport, voix qu’elle réservait jusqu’alors aux murs rassurants de la maison familiale. Un diplôme de Langues et Littératures romanes en poche, elle s’échappe à Rotterdam pour y intégrer un conservatoire de musiques du monde. Et c’est son propre univers qu’elle se crée, fait de vécus personnels et d’influences (pop-folk, indie rock et musique indienne). De ce séjour, il reste des expériences, parfois douloureuses, qu’elle évoque en anglais, par respect pour la langue de celles-ci. Mais quand les choses se vivent ici, c’est en français qu’elle ose les dire.
En 2018, elle remet le cap sur Bruxelles, avec quelques compositions en poche et beaucoup de tristesse liée à ce départ. C’est sur ce terreau nostalgique qu’elle écrit la plupart des chansons de son premier Ep, « Le Lac ». Sorti fin 2021, on y découvre une cartographie intime et sincère. Son premier extrait, « Le Renard passe », a rayonné des ondes belges jusqu’au film international, ‘American Night’ (Alessio Della Valle, avec Rhys Meyers, Emile Hirsch, etc.). Belle récompense pour la jeune femme, qui avait déjà remporté la 3ᵉ finale du ‘F dans le texte’ la même année. Ces reconnaissances et les critiques positives de cet Ep lui permettent de se produire sur quelques belles scènes (Botanique, Atelier 210, Théâtre National, Le 140, Festival FrancoFaune, LaSemo), accompagnée par le guitariste Romain Verwilghen, le tromboniste Julien Guilloux et le batteur Édouard Cabuy.
Sur fond de guitares planantes, parfois saturées, et de sonorités indie-folk, Gabrielle nous plonge dans une mélancolie rêveuse traversée d’éclats de lumière. D’une voix singulière, Gabrielle Verleyen dévoile les contours d’une histoire d’amour douloureuse en tentant de comprendre et de réparer ce qui peut l’être. Porté par un refrain dont le ton doux et sucré charme instantanément, le titre annonce un premier album, prévu pour début 2026.
Le morceau est accompagné d'un vidéo clip réalisé par Cyril Marbaix et met en scène un road trip décalé, en compagnie d'une mascotte peu ordinaire.
Le clip de la vidéo « Pourtant », est disponible ici
Etabli dans le New Jersey, Skot Kremen a forgé son expérience au sein de différentes formations comme You Shriek, Blue Diner et Model Behavior, avant de se lancer en solo, il y a 5 ans. Et parallèlement, outre ses collaborations, il a monté un alias électronique, baptisé Milestar, démontrant ainsi sa polyvalence.
Sa capacité à équilibrer énergie brute et détails minutieux transparaissent tout au long de son Ep, « This again ».
Il y superpose des guitares vaporeuses, des rythmes hypnotiques et des voix ténébreuses pour créer des paysages sonores éthérés, cinématographiques et intimistes, aux textures obsédantes qui suintent de nostalgie et d'introspection.
Le titre maître de l’Ep est en écoute là
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Yndling c’est le projet de Silje Espevik, une Norvégienne, originaire d’Oslo.
Depuis 2021, elle a enregistré quelques singles et un mini album
Son nouveau single, « As Fast as I Can, précède la sortie d’un elpee, prévue pour le 3 juin.
Captivante, la musique de Yndling fluctue de l’onirique à l’intimiste, en passant par le minimaliste, tout en dépeignant une vision douce mais méditative du monde.
Une forme de shoegaze dont la vulnérabilité enfantine ressemble à un conte de fées.
Si les synthés et les voix superposées allègent l’expression sonore, la production crée une certaine sensation de mouvement.
La version ‘live’ du single est à voir et écouter ici
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Apparemment, à Marseille, il n’y a pas que la scène rap qui existe. Il en existe aussi une bien pop/rock au cœur de laquelle on peut épingler La Flemme.
Un groupe marseillais dont le premier long playing, « La fête », est paru ce 25 avril. Influencé par le shoegaze, le punk, le garage et le rock psychédélique, cet opus est à la fois énergique et coloré. Les riffs de guitare sont puissants, les mélodies contagieuses. Les textes, en français, passent bien la rampe. Faut dire que la voix douce et éthérée de Stella, qui se charge également de la basse, colle parfaitement à la musique empreinte de mélancolie.
Sur « Sans Fond », paru en single, La Flemme nous plonge dans une critique acerbe des conversations creuses et des échanges qui ne mènent à rien.
La voix, posée, presque désabusée, raconte le malaise sans l’enrober. La guitare déroule ses arpèges limpides pendant que la rythmique la porte sans t’écraser. C’est clair et élégant.
Le clip de « Sans fond » est à voir et écouter là
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Originaire de Lanceston, une ville sise au nord de la Tasmanie australienne, Dvrkworld vient de graver son premier Ep. Une formation drivée par Mary Shannon, la chanteuse/guitariste de Meres.
Son expression sonore glaciale semble intrinsèquement liée au milieu sauvage et au climat de l'île du bout du monde.
Formé au début de l'année 2023, le groupe développe un mélange éclectique de garage-rock, de dream-pop, de rock psychédélique, de shoegaze et de grunge.
Recelant 7 plages et éponyme, cet Ep tient toutes les promesses suscitées par les 5 singles précédents.
Chargées de fuzz et de reverb et traversées de sous-jacents fluides, les sonorités de guitares sont riches et fluides, alors que la voix veloutée mais déchirante de Shannon flotte au-dessus de la mélodie.
Issu de cet Ep, « Lotus » est en écoute là
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Etabli à Toronto, au Canada, Mount Mural publiera son premier elpee, ce 16 juillet 2025.
En attendant, il a gravé un single, « Everyone ».
Véritables artistes bricoleurs, les musicos sont responsables des compositions, du mixage et de la production.
Bien que ses racines restent fermement ancrées dans le shoegaze, « Everyone » s'aventure dans des territoires inattendus, expérimentaux, alternant sans transition entre des éléments de post-punk et de dream pop.
Caractérisé par son instrumentation complexe, le morceau finit par se dissoudre dans un paysage sonore Introspectif et à l’atmosphère presque hypnotique.
« Everyone » est en écoute là
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Rocket Rules est une jeune formation, originaire de Melbourne, responsable, à ce jour, de deux Eps, Un Eponyme, paru en septembre 2024, et « Immediately and without hesitation », en mars dernier.
Sa musique baigne dans une forme de jangly shogaze/dream pop.
Sur les trois titres de cet Ep, « The Weight » évolue sur un tempo plus lent ; une compo à la mélodie fraîche et mélancolique, qui flirte avec des guitares floues et parfois bourdonnantes, alors que la voix délicieuse de Rach s'envole littéralement.
« The Weight » est en écoute ici
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Issu d’une collaboration entre musiciens nantais et rennais Basic Partner a sorti son premier long playing, « New Decade », en avril dernier.
Le combo est souvent comparé à Viagra Boys et Psychotic Monks ; Viagra Boys pour le son post-punk bruyant et le recours au saxophone, et Psychotic Monks pour sa dimension noise et immersive. Enfin, pour le climat cinématographique, le combo avoue s’inspirer des courts métrages de David Lynch.
Mais le groupe cherche simplement à trouver sa propre voie et à être sincère dans ce qu’il propose en explorant les paradoxes d’un monde oscillant entre incertitude et renouveau.
Enfin, vu le titre de l’elpee, les stigmates de Joy Division transparaissent comme une référence. Et puis, la musique émarge quand même, fondamentalement au post punk. Et à son atmosphère mélancolique.
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Originaire d'Essex, au Royaume-Uni, Phi Milson est une auteure-compositrice-interprète.
Agée de 20 ans, elle vient de graver son premier Ep, « In Over My Head », sur lequel figure ses deux premiers singles, « Closing Time » et « Thedistance », parus en 2024.
Inspirée par les textures oniriques du shoegaze et l'émotion pure de groupes indépendants comme Wolf Alice et Slowdive, Phi nous plonge dans des paysages sonores atmosphériques au lyrisme introspectif.
Elle crée des chansons brutes et sincères qui explorent les thèmes de l'identité et de la santé mentale.
À travers sa musique, elle cherche à créer une connexion, en transformant ses expériences personnelles en principes universels…
Extrait de cet Ep, « Thedistance » est en écoute là
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Daily Toll, c’est une formation australienne, issue de Sydney très exactement, dont le premier elpee, « A Profound Non-Event », paraîtra ce 20 juin.
Un profond non-événement ! Curieux ce titre ! Et en même temps une thématique qui soulève, probablement, l’idée d’une communication apparemment primordiale annoncée, notamment, par les médias, mais qui s’avère, finalement, inintéressante.
Cet opus constituera, le premier du trio.
En attendant ce futur long playing, le groupe a partagé le single « Killincs », décrit comme suit dans la bio :
Une rumination verbeuse sur les sentiments d'isolement et de nostalgie, explorant les défis de faire la paix avec ses décisions dans l'incertitude d'un monde souvent dur et la réalisation que certaines choses restent mieux non résolues…
« Killincs » est disponible sous forme de clip ici
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Sextuor, Kallsup est originaires d’Orebro, en Suède.
Paru ce 21 février, le single « Forever » annonce la sortie d’un premier album
C’est une chanson triste voire dramatique qui porte, néanmoins, le même genre d'espoir qui existe lorsque la dernière pluie d'été s'est calmée et que vous êtes en équilibre entre l'asphalte mouillé et la boue.
Si ce nouveau single continue d'explorer le son shoegaze rêveur, il lorgne davantage vers les qualités éthérées de la dream pop.
C'est un changement rafraîchissant qui crée un joli contraste avec le ton plus énergique de ce morceau.
La chanson gagne progressivement en intensité, incorporant des éléments plus lourds qui accentuent le climat atmosphérique et l'impact émotionnel.
« Forever » est en écoute ici
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Lorsqu’on part à la recherche d’infos relatives à cette formation, sur la toile, on a souvent le message : ‘Ce groupe n’existe pas !’
Et pourtant, Sonic Transistor est le projet shoegaze/dream-pop du producteur, compositeur et multi-instrumentiste, Giovanni Ianiro.
Né dans un village isolé des montagnes du sud de l'Italie, il s’est désormais établi à Rome.
Il a créé ce concept par passion pour le shoegaze, mais il a enrichi ce style de new-wave et post-punk.
Après avoir gravé l’Ep « Distances », en 2022, Sonic Transistor a sorti son premier elpee, « Floodgaze ».
Chaque morceau raconte l’histoire d’une personne rencontrée par Giovanni au cours de la vie quotidienne. Ces situations reflètent son besoin de croire au genre humain, malgré la déception qu'elle génère.
Issu de cet LP, « Life est en écoute ici
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Après avoir gravé » l’album « Wobble », en 2024, ‘Black Market Karma’ sortira le second chapitre du diptyque, « Mellowmaker », ce 6 juin.
‘Black Market Karma’, c’est le projet de ‘Stanley Belton’. Il écrit, enregistre et produit tout lui-même.
Sur cet elpee, il embrasse les imperfections de l’analogique et l’effet des oscillations des magnétophones, en découpant les bandes et en les réassemblant à l’aide de techniques modernes pour créer une forme de psychédélisme ‘lo-fi’ agrégeant pop sixties, néo-psyché des nineties et breakbeats hip-hop bien croquants, tout en conservant les voix délavées et les sonorités de guitares frémissantes, mais en y ajoutant des sonorités de mellotron.
En attendant la parution de « Mellowmaker », ‘Black Market Karma’ en a extrait un single. Alors en route pour un voyage profondément introspectif à travers le temps, la mémoire et la nature éphémère de l'expérience humaine.
Ce nouvel opus embrasse les imperfections de l’analogique et l’effet des oscillations des magnétophones, découpant les bandes et les réassemblant à l’aide de techniques modernes pour créer une forme unique de psychédélisme lo-fi mêlant pop des années 60, néo-psyché des années 90 et breakbeats hip-hop bien croquants. Pour Belton, il s'agit d’une tentative de donner une forme de permanence à l’intemporel et à l’immatériel, une sensation liminale qui traverse les onze morceaux, soutenue par des voix saturées et des guitares cristallines enregistrées à l’aide de son Vox Ultrasonic vintage, doté d’une fuzz intégrée. Les synthés s’effacent davantage au profit d’échantillons de mellotron aux accents rêveurs. Les batteries, toujours captées avec un seul micro puis passées dans des amplis guitare ou mêlées à des boîtes à rythmes, s’orientent encore plus franchement vers les breakbeats des pistes de danse des années 60.
En attendant, il nous propose un single, extrait de ce futur elpee, le titre maître « Mellowmaker ». Il est à découvrir là
Après près de deux décennies de quasi-silence, The Lemonheads sortira un nouvel elpee cet automne. Renouant avec la pop presque parfaite qui a fait sa renommée, il dévoile un tout nouveau single mettant l'accent sur la lumière et l'obscurité de cet opus qui s’intitulera “Love Chant”. Avant de repartir en tournée, la formation dévoile son nouveau single, “Deep End”, paru ce 14 mai, accompagné d'un nouveau clip vidéo produit par Surreal Hotel Arts.
Magnifiquement asymétriques, “Deep End” et “Sad Cinderella” traversent les hauts et les bas de la vie, illustrant parfaitement les goûts musicaux ésotériques d'Evan Dando.
« Deep End » est un monstre de riffs, avec des breaks de guitare signés J Mascis de Dinosaur Jr, un morceau compulsif de pop punk intemporelle, la bande-son parfaite pour fumer une cigarette. Coécrit en compagnie de son partenaire australien Tom Morgan de Smudge et Juliana Hatfield, il marque le retour du groupe aux antipodes, où plusieurs dates ont été programmées en mai.
‘Je suis très heureux de retourner en Australie, juste à temps pour la sortie de la nouvelle musique sur laquelle je travaille, y compris un single coécrit avec l'incroyablement talentueux Tom Morgan. L'Australie a toujours été une grande source d'inspiration pour ma musique, et avec le nouvel album qui sortira bientôt, c'est un rêve qui devient réalité’, ajoute Evan.
Le clip de « Deep End » est à voir et écouter là
« Little One" est le tout nouveau single de l'auteur-compositeur-interprète et artiste visuel londonien Vin Bairo (alias Pravah Project). Ce titre est le premier extrait d'un futur elpee intitulé « Sutures ».
‘Cette chanson est une conversation avec un enfant sur la perte de ses proches et sur la vérité de ce que l'on ressent’, explique Vin. ‘Elle montre que la vie n'est pas toujours agréable, mais qu'il est également important de ne pas rester bloqué dans un mode et que le fait d'aller de l'avant permet à la vie de s'épanouir à nouveau.’
Au départ, Vin avait l'intention de réaliser un album acoustique composé d'une poignée de chansons existantes et de quelques autres à écrire pendant les sessions d'enregistrement, mais ses plans ont changé après avoir sollicité les conseils et l'expérience de l'artiste, producteur et compositeur Marc Olivier (Marc O) aux Plastic Sound Studios. Les connaissances et l'amour de la musique de ce dernier ont rejoint l'esthétique de Vin et, ensemble, un voyage magique a commencé qui a transformé ses chansons en une véritable collaboration artistique.
Bien que les compos soient toutes profondément personnelles à Vin, elles ont également évolué, avec la contribution de Marc, en une lettre d'amour aux artistes qui l'ont initialement inspiré, tels que Beck, les Beatles, Bob Dylan, Elliott Smith, John & Yoko, Joni Mitchell et bien d'autres encore.
Pendant le mixage de l'opus, l'idée de relier chaque chanson par des bribes de son a été évoquée, Marc faisant remarquer à Vin qu'il s'agirait de ‘sutures’.
« Sutures » est une œuvre véritablement éclectique qui a ouvert la voie à la prochaine phase de la carrière de Vin. Compte tenu de la connexion florissante avec Marc, toutes ses futures collaborations seront publiées sous le nom de Pravah Project et constitueront une opportunité fluide et toujours bienvenue de se combiner avec d'autres artistes et d'autres idées.
Le clip de « Little One » est disponible ici
Split Chain sortira son premier album, « motionblur », le 11 juillet chez Epitaph Records.
Entre influences grunge, neo metal et shoegaze, le groupe originaire de Bristol fait sensation et cumule déjà des millions de streams, réunissant ainsi parmi ses fans aussi bien des nostalgiques des années 90 et du début des années 2000 que des amateurs de sonorités plus actuelles. Après le succès de singles comme « Future », le quintet passe à l'étape suivante en enregistrant « motionblur ». Nul doute donc : les onze titres de ce disque seront autant de déclarations envoûtantes d'une formation en pleine effervescence.
Split Chain fait simplement ce qu'il veut et ce dont il a besoin, affirme son frontman Bert Martinez-Cowles. Et derrière ce mantra, se trouve le parfait moyen de résumer la liberté créative et sans contrainte avec laquelle le band aborde son art, ainsi qu'un moyen d'essayer de donner un sens à la trajectoire fulgurante sur laquelle il s'est retrouvé.
Il y a ici des nuances de Deftones, de Superheaven ou de Narrowhead, des éclats de nu-metal et des ondulations shoegaze. La mélancolie et le grunge planent lourdement sur « motionblur » pendant que le metal crépite sous sa surface. L'ADN même de Split Chain réside dans cette coalescence savamment élaborée.
La vidéo de "bored. tired. torn" est à voir et couter là
Repéré par le chantier des Francofolies dès 2024, il fait encore partie de la sélection en 2025.
Cassien est, comme Malik Djoudi et François & The Atlas Mountains, un artiste issu du vivier culturel du Poitou-Charentes. Il a dévoilé son premier Ep, vendredi 14 mars dernier.
Ses chansons évoquent des sujets de tous les jours, tels que le besoin de lâcher prise, comment laisser un futur vivable pour nos enfants ou simplement faire la fête et parler pendant des heures pour refaire le monde.
Sur scène, le duo révèle une pop plus explosive, où la danse et le mouvement s'accordent parfaitement à des mélodies instinctives, enivrantes et hypnotiques.
Le clip du titre maître de l’Ep, « Je prends le vent » est disponible ici
Après 15 ans d’études classiques, deux masters en harpe et plus de 200 concerts à travers le monde, Kety Fusco s’est imposée comme une figure incontournable de la scène musicale contemporaine. Saluée par The Guardian, diffusée sur BBC Radio par Iggy Pop et programmée sur des scènes prestigieuses comme la Royal Albert Hall ou le Montreux Jazz Festival, elle bouscule les codes avec sa harpe électrique et ses explorations sonores radicales.
Après le succès de « The Harp – Chapter I » et de sa bibliothèque sonore primée « Beyond the Harp », elle nous propose « Bohème », un album-manifeste où la harpe devient un instrument d’avant-garde, libre et inclassable. Elle s’apprête à dévoiler son nouveau singe « She », en collaboration avec Iggy Pop.
Le morceau est né d’un élan viscéral, d’une vision partagée. Dans une interview où il évoquait le premier Ep de la harpiste suisse, Iggy Pop disait : ‘The harp is not heard, as much’. Ces mots, Kety les a pris, écoutés, aimés, sculptés dans la musique. Ce qui s’est passé ensuite a tout changé : Iggy Pop a accepté de collaborer officiellement avec elle.
« She » est une lettre d’amour à la harpe, mais aussi une déclaration d’intention : briser les frontières, défier les règles, et faire résonner cet instrument dans des espaces où elle n’avait jamais osé s’aventurer. C’est un geste radical de liberté et de révolution.
Le clip de « Blow » est à voir et écouter là
Irrévérencieux et explosifs, les concerts de Choses sauvages revêtent une atmosphère électrisante inimitable.
Réputés pour être de véritables bêtes de scène, les membres du groupe, mené par l'incandescent chanteur/guitariste Félix Bélisle (La Sécurité), se font un devoir de mettre le feu à n'importe quelle scène, offrant un set hypnotique, cardiaque, et plus dansant que jamais.
Dans « Choses Sauvages III », son dernier album, le quintet montréalais navigue entre des influences post-punk, disco, new wave et krautrock pour livrer une production dansante, complexe et sur tension.
« Choses Sauvages III » constitue l’opus de la formation qui réduit considérablement la distance entre l'auditeur et l'artiste. On vous propose un disque intimiste, aux sonorités crues et live, où on vous invite à faire partie de l'enregistrement. Empruntant tantôt au post-punk, tantôt au krautrock, cet elpee parfois dissonant, reflète une énergie pubescente à la fois violente et bienveillante. On y aborde des sujets propres à notre époque dysfonctionnelle. Une réflexion modeste vis-à-vis notre place au milieu des guerres, du contexte géopolitique, de l'intelligence artificielle et de la croissance personnelle).
La vidéo de « En joue » est à voir et écouter là
Il y a toujours une heure, un lieu, un visage qui nous hante. Montréal à cinq heures du matin, le vent qui refuse de tourner, un boulevard sans fin où s’échouent les amours impossibles. « Toute ta vie recherche les tiens » n’est pas qu’un album, c’est une quête, un mirage, un cri que l’on jette dans la nuit en espérant que quelqu’un l’attrape.
Thomas Saddier dévoile ce nouvel opus en version vinyle grâce à une collaboration entre les labels Suisse Urgence DIsk Records, Paroisse Records et l’écurie québécoise Woody Musique.
Enregistré à Montréal, ce disque pop rock francophone résonne comme une errance moderne, un road trip intérieur où se croisent mélodies accrocheuses et textes ciselés. L’elpee se déploie en deux faces L’une recèle des compositions originales de Thomas Simon Saddier et l’autre les remixes réalisés par Strike et Laora Gems pour Paroisse Records. Le visuel de ce vinyle a été créé par l’artiste serbe Myllen Art.
Mais la route ne s’arrête pas là. En juin 2025, un Ep de remixes intitulé « Toute ta vie remix les tiens » viendra prolonger le voyage. Parce que la musique est un écho. Parce que les rêves continuent, même quand on n’y croit plus. Parce qu’il y a toujours quelqu’un, quelque part, qui cherche les siens.
Le clip consacré à « L'Amour est un crime parfait » est disponible là
Fin de l’année 2024, Mélanie Isaac dévoilait « En attendant Nico », un album marquant un retour à la simplicité qui a forgé ses débuts. Un projet épuré, centré sur l’essentiel : les chansons, la voix, le texte, portés par une force narrative où chaque seconde résonne d’une intensité autobiographique.
Aujourd’hui, Mélanie Isaac poursuit la présentation de ce disque en publiant le single - clip « Elle cherche le A » (à découvrir là)
Un ostinato au piano emmène la voix de Mélanie Isaac dans cette chanson-quête où sont renvoyés dos à dos les psys, les yogis, les youtubeurs et toutes les promesses d'une société qui ne sait plus se satisfaire. Mise au point impossible dans le flou d'une vie parmi les autres, comme une photographie en noir et blanc à l'instar du clip qui l’accompagne, mis en images et monté par Maël G. Lagadec.
Chanteur et songwriter né à Paris, Hugo Jardin découvre la scène par le punk, monte plusieurs groupes en France et à New York, et enchaîne les concerts depuis son adolescence. Passionné de poésie (dont il publie un premier recueil), mais également de danse butö et de mime, il réalise ensuite des performances où se mêlent textes déclamés, rock et expression corporelle, avant de se tourner vers la pop et la chanson.
Pendant la crise sanitaire, Hugo publie une série de vidéos sur les réseaux sociaux qui comptabilisent plus d’un million de vues (dont plusieurs adaptations en français de Nirvana), compose de nouveaux titres et crée son label avec ses amis Tatiana F-Salomon, Natacha Quester-Séméon, Sacha Quester-Séméon et Étienne Parizot.
Ils produisent ensemble son premier futur Ep ainsi que quatre singles et un clip (soutenu par le CNC) en 2024-2025. Ces premières sorties reçoivent un excellent accueil critique (130 articles dont Paris Match, Le Point, Têtu Mag) et sont accompagnées de plusieurs release parties affichant complet au Silencio, au Pop Up du Label, etc.
Ce premier Ep est prévu pour octobre 2025 - précédé de deux singles en juin et en septembre.
En attendant, l’artiste aux multiples facettes, revient avec « Cantique I », un single prophétique qui anticipe la fin d'un monde et l'émergence d'un nouveau.
Ce titre mêle des paroles puissantes à des arrangements musicaux chauds et des chœurs lumineux, reflétant une dualité entre mélancolie et espoir.
Inspiré par la poésie et la danse butô, Hugo Jardin fusionne pop, rock et groove entêtant pour créer une œuvre singulière.
La ‘live’ session de « Cantique » est disponible là
Hugo Chastanet vient tout juste de publier son nouvel album, « From The Trees ».
La tête encore infusée par les premiers albums de REM, le souvenir de Neil Young, la fougue juvénile de Stone Roses et des Trash Can Sinatras, son chant se libère et s'émancipe du français maternel. Surtout depuis qu'il chante dans la langue de David Lynch.
Comme ce grand maître des idées le faisait en images, Chastanet mêle merveilleux, romance et noirceur surnaturelle dans ses textes.
Hugo Chastanet est un raconteur d'histoires et un mélodiste. ‘Je voulais créer un espace de rêve avec ces chansons. Un folk-rock moderne avec des textures sonores un peu granuleuses, scintillantes, un mélange de mélancolie et de grands espaces, Italo Calvino raconté par Tom Petty’.
Le clip d’« Another Time » est à voir et écouter ici
Aauteur-compositeur-interprète, Antoine Armedan est un artiste belge, amoureux des mots et des mélodies.
Son nouvel album, « Un rêve une vie » - enregistré chez Francis Cabrel – est maintenant disponible depuis un petit mois.
Une guitare dans chaque pièce de la maison, des chansons en français sur chaque disque écouté, et Julos Beaucarne en grand- oncle poète et chanteur, ça vous marque une enfance.
Pas étonnant qu'après ces années-là̀, une adolescence vitaminée à la pop et au rock, un master en guitare jazz au Conservatoire de Bruxelles, les racines refassent surface.
En 2012, Antoine Armedan grave son premier album, « Le jardin des nouveaux jours », puis « Sous la lune », en 2017.
En plein Covid, la chanson « Ensemble », fait le buzz sur les réseaux, entraine une signature en label, tourne sur les radios belges, et est retweetée par Vianney.
Sacré artiste de l'année par la télévision Notélé et Radio Quartz, le chanteur sort 5 autres singles, dont « Et c'est ça la vie » qui reste 45 semaines dans le classement de la radio nationale Vivacité. Le troisième opus, « Des plumes sous les comètes », paraît en juin 2022.
La tournée est folle : les Francofolies de Spa, une première partie au mythique Cirque Royal, et 200 concerts devant 10.000 spectateurs, en se déplaçant en train et à vélo.
Après des symptômes de burn-out, Antoine Armedan décide de se consacrer à 100% à son métier d’artiste, et enregistre dans le studio de Francis Cabrel un nouvel elpee au titre évocateur : « Un rêve une vie ».
Il en a révélé consécutivement l'hiver dernier et ce début de printemps, trois singles : « Toc toc » (dont le clip est à découvrir ici), « Un rêve une vie » et « Je garde ».
La scène est un des endroits préférés d'Antoine Armedan : 5 tournées, plus de 400 concerts, et des premières parties de Louis Chedid, Les Innocents, Les Frangines, Barcella, Saule, etc.
Etoile culturelle 2024 d'Enghien, artiste des Rencontres d'Astaffort, trois chansons en tête des classements belges, le prix Ça Balance aux Francofolies de Spa 2019 : Antoine Armedan est considéré par certains comme l'un des talents les plus prometteurs de la scène pop francophone.
The Flying Bones est un duo rock / garage aux multiples inspirations naviguant entre le rock psychédélique fuzz à la Thee oh Sees, le vacarme organisé du math rock de Pneu et le zouk / rock de Francky Goes To Pointe-à-Pitre.
Véritable boulet de canon, le tandem sait délivrer une expérience généreuse bien qu'équipé d'un équipement minimaliste (batterie, guitare, pédales d'effets, ampli guitare et basse ainsi que deux chants).
Obsession, isolation, musculation... Voici en quelques mots la trame de "Muscles" le dernier clip du duo garage-punk-psyché The Flying Bones qui est à découvrir ici
On y découvre un protagoniste se donnant cœur et âme à la musculation et plongeant petit à petit dans la folie. La callisthénie : une obsession comme une autre.
Inspiré par l'humour inquiétant et décalé de Quentin Dupieux, le tout est accompagné par un titre musical répétitif, énergique et dynamique rappelant le mythique Thee oh Ssees ou encore les originaux Snapped Ankles.
Indie pop, le nouvel elpee de Lucie dans le ciel, « Sauvage et Vivante », est à la fois envoûtant, aérien, subversif et contestataire.
Après la parution en novembre 2017 de son premier Ep « Tako Tsubo » sous le pseudonyme Lux’s Dream, elle en un deuxième, intitulé « Three », au printemps 2019. Elle accompagne également, sur scène, les artistes Rosemarie et Erotic Market en tant que claviériste / machiniste.
Aujourd’hui, elle chante principalement en français et c’est pourquoi elle a choisi de se présenter sous un nouveau nom : Lucie dans le ciel ; mais toujours dans ce même univers : onirique, un peu sombre, et cependant diaphane et coloré d’éclats de synthétiseurs.
Soutenue par le label Microcultures, elle sort son premier LP « Ombres » qui prend genèse dans l’exploration de ses propres zones d’ombres en 2022.
« Sauvage et Vivante », son nouveau long playing, aborde des thèmes multivoques, du féminisme à la solitude choisie, du polyamour à l’exaltation des premières rencontres, de l’écologie à notre rapport émotionnel à la nature.
Lucie dans le ciel, telle une sorcière des sons, nous propose ici une indie pop toujours aérienne et psychédélique contrastée par une énergie plus brute, une délicieuse potion inspirée par des artistes tels que PJ Harvey, Chris Clark, Hania Rani, Dominique A, Halo Maud. Sur cet elpee, Lucie dans le ciel marque à nouveau son chemin d’une nouvelle formule musicale où elle ne se prive de rien, ne se censure pas, où elle est définitivement sauvage et vivante.
Le clip consacré à « Mâle dominant » est disponible là
Dixième album et retour en grâce pour Arman Méliès, l'un des acteurs les plus discrets de la chanson française.
Après Obake (2023), double album maximaliste aux volutes synthétiques saluées par la critique, il nous propose un nouvel opus épuré et littéraire, où le folk astral de ses débuts, patiné par le temps, n'aura jamais été si incarné et si ardent. Irradié de poésie, « Ambrosia » fait la part belle aux guitares acoustiques et aux textes. Emily Dickinson et Andrée Chedid notamment, ont été de véritables sources d'inspiration pour ce disque, en emmenant Arman dans des territoires d'écritures plus lumineux, où les paysages pastoraux se sont imposés comme l'arrière-fond de ce disque.
Épaulé par le batteur-percussionniste américain Adam Bradley-Schreiber, qui milite notamment au sein de Timber Timbre, et par la violoniste Pauline Denise, Arman a donc enregistré seul, entre Detroit, Paris et la campagne gâtinaise, cet « Ambrosia » épuré et lumineux, avant de confier le tout aux mains expertes de Yann Arnaud (Dominique A, Camille, Air, Syd Matters, Alex Beaupain...)
Le résultat : une liturgie païenne qui n'est pas sans évoquer Jean-Louis Murat ou le spleen habité de Feu Chatterton, pleine de soleil et de questions à mi-chemin entre les balades patraques de Tom Waits et les incantations apaisées de Nick Cave.
Le clip de « Requiem pour un Pou » est disponible ici
Influencée par des artistes comme Damien Rice, Daughter et Phoebe, Bridgers Benni est une auteure-compositrice-interprète belge dont l’univers folk libère des émotions à fleur de peau.
Finaliste du Concours Circuit en 2020, elle s’impose rapidement sur scène en ouvrant pour Cœur de Pirate, November Ultra ou encore Clara Ysé, et en se produisant dans des lieux emblématiques tels que le Cirque Royal, le Botanique et les Francofolies de Spa.
Son premier Ep, « Bleeding Colours », paru chez PiaS, est une immersion dans un monde sensible où sa synesthésie donne une teinte unique à chaque note et émotion. À travers sept titres intenses, Benni transforme une histoire d’amour tumultueuse en une fresque sonore poignante, de la déclaration passionnée (« You ») à la rupture (« September 20 »), jusqu’au deuil musical de « Queen of Cove ».
De sa voix captivante et grâce à une sincérité brute, Benni trace sa route avec détermination et poésie, laissant derrière elle des morceaux d’émotion pure qui résonnent bien au-delà des notes
« September 20 » est en écoute ici
« basho basho basho » constitue le troisième et dernier single de marcel, avant la sortie de son deuxième album « ô fornaiz ».
A la base de ce morceau de noise-punk un peu primitif, il y a cette ligne de basse insistante, obsédante, qui fait écho à une image : un trou noir, symbole de création et de destruction, de permanence et de changement à la fois. Une image qui rend fou. La source de chaleur par excellence, qui glace le sang des humains lorsqu’ils tentent d’en aborder le mystère. L’incarnation du mystère-même, tellement énorme qu’il en devient presque hilarant.
Dérision du savoir, de la certitude et de tous les dogmes fondateurs, le trou noir est ainsi mis en perspective avec le concept de basho (場所), découvert dans un livre d’initiation ‘à la phénoménologie japonaise’ de l’école philosophique de Kyoto, qui tentait de concilier la tradition du bouddhisme zen avec les travaux d’Heidegger sur l’ontologie.
Haha ! Attendez, la suite est encore plus trépidante.
Ce que marcel en a retenu vaut bien une messe : c’est à dire rien de bien folichon. Mis à part que le monde et la conscience proviennent du néant absolu et aspirent à y retourner. En gros. Entre le départ et l’arrivée, un ensemble de mues, plus ou moins consenties, agitent l’individu qui déterre une version différente et semblable de lui-même chaque fois qu’il se réveille dans son lit, tout cela sans jamais comprendre pourquoi il se sent poussé à se déterrer chaque jour, même lorsqu’il prend le temps de lire un livre d'initiation à la phénoménologie japonaise. On tâtonne, on lève les sourcils en émettant des ‘hmm...hmm...’ Tout cela ne nous protège même pas du fascisme. Autant lire un manuel de pêche sur l’amorçage pratique, c’est plus rigolo. Quoique.
Le clip consacré à « basho basho basho » est à voir et écouter là
Au travers d'un rock alternatif décalé, Felancolie vous fait rêver d'un bonheur approximatif. Et le problème avec le bonheur, c'est qu'on n'en a jamais assez. C'est pourquoi son nouvel Ep, « Terne Gris Bleu », nous réserve un nouveau regard sur sa soif d'émancipation. Deux singles sont déjà parus, dont « Ciel Bleu », accompagné d’un clip enjôleur. Bien plus qu'une simple envie de fermer les yeux, ces chansons explorent la quête de la joie dans un monde désillusionné.
Entouré de David à la basse, Carlos à la batterie et Sarah au saxophone, le groupe poursuit son exploration d'un rock alternatif belge, qui puise son inspiration chez Philippe Katerine, The Velvet Underground, Odezenne, teinté d'humour et de poésie.
Le clip de « Ciel bleu » est disponible ici
Il est de ces artistes qui sculptent des univers, des refuges où les âmes égarées se retrouvent, frémissantes, pour communier dans une transe collective. Chris Corner, l’âme tourmentée d’IAMX, est de ceux-là. Depuis 2002, cet alchimiste tisse une toile sonore singulière, mêlant dark synthpop, électro hypnotique, darkwave envoûtante, burlesque décadent et indus rageur. Enfant prodige, il n’a que quinze ans lorsqu’il intègre Sneaker Pimps, avant de s’émanciper pour donner naissance à IAMX, son projet solo, son laboratoire d’émotions brutes. En 2006, grâce à « Spit It Out », il déchaîne une ‘IAMX-mania’ qui, on s'en souvient encore, a fait trembler les murs de l’auditoire Paul-Émile Janson, à Bruxelles. Mais Corner n’est pas homme à se reposer sur les lauriers d’un succès facile. Il a choisi l’exil volontaire dans un univers autistique, un refuge d’expérimentations audacieuses où il célèbre sa singularité aux côtés d’une tribu fidèle, disséminée aux quatre coins du globe.
Ce soir, dans l’antre mythique de l’Ancienne Belgique, le prince noir de l’électro-rock opère son retour. Il y a dix ans, votre serviteur a eu l’honneur de fouler cette même scène à l’invitation de l’artiste, un souvenir gravé dans l’éternité. Ce soir, l’AB, en configuration ‘box’, vibre d’une ferveur palpable. Les premiers rangs frémissent, les cris fusent comme des éclairs avant l’orage. La salle, presque comble, retient son souffle.
Le rideau s’ouvre sur « The Ocean », joyau tiré du dernier opus, « Fault Lines² ». La voix éthérée d’Hafdís Huld, la chanteuse islandaise, absente physiquement mais présente grâce à une bande-son, flotte comme un spectre bienveillant, tandis que des images en noir et blanc, d’une beauté austère, dansent sur trois écrans dressés sur l’estrade. La scène s’anime, et Chris Corner surgit, figure chamanique drapée de noir, le visage orné d’un masque surmonté d’une couronne d’épines mystiques, tel un succube post-apocalyptique. À sa gauche, Sarah Pray, dont la voix cristalline et la présence magnétique (connue sous son excellent projet solo Carrellee) captent la lumière. À droite, Janine Gezang, fidèle bassiste et choriste, ancre le son dans une énergie sensuelle. Derrière, Jon Siren, batteur aguerri aux accents heavy metal et indus, martèle le rythme avec une précision féroce, fort de son passé auprès de formations comme FrontLine Assembly ou Psyclon Nine.
À peine le concert s’élance-t-il que l’énergie explose. Sur les planches, c’est une chorégraphie de chaos maîtrisé ; dans la fosse, une marée humaine s’agite, électrisée. Les titres prennent une ampleur nouvelle, transfigurés par une patine électro-indus. Sailor, née en 2004, se mue en un monstre rythmique. Ses pulsations implacables sont accompagnées d’une vidéo aux accents fétichistes délicieusement provocateurs. « Aphrodisiac », réverbérant des échos d’Obsession d’Animotion, révèle la complicité entre Corner et ses deux muses. « After Every Party I Die » embraie, déferlante qui embrase la foule. Corner, possédé, se jette dans un stage diving sauvage, porté par une vague humaine.
L’atmosphère s’apaise un instant, grâce aux mélodies introspectives de « Grass Before The Scythe » et « Break The Chain », mais la machine électro reprend vite ses droits. « I Come With Knives » et « Neurosymphony » électrisent, cette dernière prouvant que les nouvelles compositions d’IAMX passent bien la rampe. Puis arrive l’inévitable « Spit It Out », apogée de la soirée. La foule, emportée par un raz-de-marée électronique, chante à l’unisson : ‘And it breaks my heart…’ Corner, tel un sorcier magnétique, règne sur l’assemblée. Sa présence androgyne, son chant d’une précision tranchante et son charisme brut captivent. ‘Vous êtes magnifiques ! Et très érotiques !’ lance-t-il, malicieux, avant d’enchaîner par « The Great Shipwreck of Life ». La salle se transforme en un dancefloor tribal, où les stroboscopes tailladent l’obscurité, plongeant le public dans une transe collective.
Le rappel, hélas, prive les fidèles de « Kiss + Swallow », mais « The Alternative » et le burlesque « Bernadette » font monter la fièvre d’un cran. « Mercy » conclut la cérémonie, comme un ‘merci’ murmuré par une foule reconnaissante.
Une fois encore, IAMX a conjugué virtuosité musicale, performance scénique et intensité émotionnelle. Si Chris Corner ne soulève plus les foules avec la même frénésie qu’il y a dix ans, il demeure un alchimiste des âmes, capable de tisser une communion presque mystique avec son public. Ce soir, il a prouvé qu’il reste, indéniablement, IAMX-traordinaire.
Setlist :
The Ocean
Disciple
The X ID
Sailor
Aphrodisiac
After Every Party I Die
Grass Before the Scythe
Break the Chain
I Come With Knives
Neurosymphony
Exit
Spit It Out
The Great Shipwreck of Life
Rappel :
The Alternative
No Maker Made Me
Bernadette
Mercy
En première partie, le duo Ductape, originaire de Turquie, a enchanté le public grâce à une darkwave évoquant Siouxsie, Lene Lovitch et Sisters of Mercy. La chanteuse, Çağla Güleray, possède une voix grave et envoûtante, tandis que son acolyte, Furkan, tisse de belles arabesques mélodiques à la guitare électrique. Un projet prometteur, qui sera de retour à Bruxelles le 12 juin prochain (infos ici et page ‘Artistes’ là)
(Organisation : FKP Scorpio)
Photo : Thomas Jansson (Instagram)
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