La journée de dimanche du festival est également sold out ; et en pénétrant dans un Domaine de Saint-Cloud ensoleillé, on se réjouit de pouvoir à nouveau découvrir une jolie palette de valeurs sûres et de 'jeunes pousses' prometteuses.
Premier arrêt devant la Grande Scène, où Airbourne chauffe l'ambiance. Ces Australiens sont une véritable copie d'AC/DC. Le chanteur/guitariste, Joel O'Keeffe, cumule Angus Young et Brian Johnson à lui tout seul. Déçus, nous gagnons sans attendre la ‘Cascade’, en perspective d'un concert très attendu...
Celui de Warpaint, très exactement, formation californienne réunissant quatre musiciennes. Le titre « Love Is To Die » les a révélés au public 'indie', en janvier dernier. On est donc étonnés de les voir figurer aussi tôt dans la programmation. Qu'importe, les fans sont très nombreux dès 17h pour encourager leurs 'protégées', au moment où elles prennent possession des lieux. Très jolie brunette, Theresa Becker Wayman s’installe à gauche. Elle se consacre au chant, aux claviers (un magnifique Prophet V) et à la guitare. Emily Kokal se plante à droite. Elle partage les vocaux et se charge également de la six cordes. La bassiste Jenny Lee Lindberg et la drummeuse Stella Mozgawa, se positionnent en retrait.
Difficile de décrire la musique de Warpaint : c'est une sorte d’indie-rock psychédélique, aux accents cold wave, qui évoque tour à tour Austra, Beach House, Bat For Lashes mais aussi parfois Björk. Les harmonies vocales sont fondamentales et l'ensemble affiche un côté très dansant, très funky, notamment grâce au jeu de basse, fort syncopé de Jenny Lee Lindberg.
Malgré quelques petits problèmes de son (Emily Kokal se plaint de ne pas s'entendre dans les retours), Warpaint impose petit à petit son style unique. Sur « Bees », Theresa Wayman, particulièrement souriante, établit un très chouette contact avec le public et tout le monde tape dans les mains. « Undertow » déroule son rythme sensuel et le final est étonnant, bruitiste et tout en accélération. D’une durée moyenne de 5 à 6 minutes, les morceaux impliquent de nombreux changements de rythmes, un aspect un peu 'prog' très caractéristique de Warpaint.
‘You seem a bit shy, we need to dance !’ clame Emily. Warpaint enchaîne donc par le hit « Love is to Die », qui recueille un franc succès. Après « Disco//Very » et « No Way Out », le set se termine sur un très beau « Elephants ». Le quatuor allonge la compo en improvisant un final fascinant. La formation se retire ensuite sans accorder de rappel, malgré l’insistance des fans. Un superbe concert, qui donne envie de la revoir au plus vite... Tiens, justement, le quatuor est programmé au Cirque Royal, en novembre prochain...
Retour en vitesse vers la Grande Scène, car Selah Sue est sur les planches. C'est la toute grosse foule et il faut admettre que ce petit bout de femme a un punch étonnant. On connaît son style particulier, qui combine blues, soul, rock et ragga... et fait merveille en ‘live’ ! Un peu comme si Marvin Gaye avait eu une fille aux cheveux blonds et aux yeux bleus ! Très à l'aise, l'artiste louvaniste aligne les hits et nous réserve également quelques nouveaux titres ; et notamment le très beau « Stand Back ». Son prochain elpee devrait sortir en février prochain sur le label français Because : le rendez-vous est pris !
Nous abandonnons (honteusement) notre compatriote, car il faut 20 minutes pour rejoindre la ‘Pression’, où Thurston Moore va se produire. Le fondateur et chanteur de Sonic Youth y présente en avant-première son prochain album, « One More Day », qui sortira en octobre sur le label Matador. Délaissant les escapades acoustiques (voir son dernier elpee solo, « Demolished Thoughts »), il renoue avec ses premières amours, soutenu pour la circonstance, par son acolyte Steve Shelley, ex-batteur de Sonic Youth. A leurs côtés, la présence de la bassiste de My Bloody Valentine, Debbie Googe, et du guitariste James Sedwards (Nøught, Guapo, Chrome Hoof) illustre la consistance du projet.
La prestation de ce 'super groupe' sera franchement excellente. Les nouvelles compos sont superbes et on se régale vraiment ! Le concert commence par une longue séquence 'shoegaze' constituée de sons de guitares saturés, chargés d'effets 'larsen'. Ensuite, les rythmiques répétitives, psychédéliques, obsédantes vont inévitablement évoquer Sonic Youth, période « Murray Street », mais aussi Swans.
Affichant un look débonnaire d'éternel étudiant, Moore est l'anti-star parfaite. Ici, aucune esbroufe, tout est frappé du sceau de la sincérité la plus totale. Dans la setlist, on reconnaît « Forevermore » mais aussi « Detonation », qui a déjà été publié en single par Blank Editions. Debbie Googe trouve parfaitement sa place au sein du line up et sa complicité avec Steve Shelley fait plaisir à voir. Bref, un superbe concert ! Gageons que la prochaine fois, Moore aura droit à une scène plus en vue et une place plus avantageuse dans la programmation.
Après ce grand moment, le public de la ‘Pression’ repart comme un seul homme vers la Grande Scène pour le concert de Lana Del Rey. Arrivés un peu tard, il nous est impossible d'approcher de l’estrade ; car la foule est tout simplement ahurissante. Comme on a déjà pu voir l'artiste américaine, à Forest National, nous nous rabattons sur l'espace VIP, où l'on peut suivre le concert sur l'écran vidéo. Vêtue d'une jolie robe rose fuchsia, Lana Del Rey va accorder une prestation prévisible, mais sans faille. Rappelons que, contrairement aux calomnies, elle chante vraiment en live et dans l'ensemble, correctement. La setlist est une succession de hits, repris en choeur par les fans en délire. Le plus touchant chez Lana Del Rey, c'est l'attention qu'elle porte précisément à ses fans. Après le tout premier titre, « Cola », elle descend déjà les marches et rejoint les aficionados du premier rang pour signer des autographes et accorder des 'selfies'. A la fin du dernier morceau, « National Anthem », rebelote : elle replonge dans la fosse et recommence à s'adresser à son public. Et quand ses musiciens quittent l’estrade, elle s’attarde encore là, pendant de longues minutes. Etonnant !
Enfin, le festival se termine en apothéose par Queens Of The Stone Age (QOTSA). Issue de Palm Desert, en Californie, la formation emmenée par Josh Homme est un 'act' incontournable en festival. Les organisateurs savent que QOTSA est un rouleau compresseur efficace et qu'il n'a pas son pareil pour mettre une ambiance festive et rock'n’roll.
Que ce soit sur le hit « No One Knows », le funky « Smooth Sailing » ou l'irrésistible « Sick, Sick, Sick », les Américains impressionnent. Un point d'orgue idéal pour ce Rock en Seine, qui, une fois de plus, aura été un succès total. Vivement l'année prochaine !
(Organisation : Rock en Seine)
« Fireball » sera le premier single du nouvel album de Pitbull. Un elpee dont la sortie est prévue pour la fin de l’année 2014. Il s’intitulera « Globalization » et paraîtra chez Sony Music
Pour découvrir « Fireball » featuring John Ryan, c’est ici
Spotify : http://open.spotify.com/track/49eplIHvgCLY8HAgcaWrUb
iTunes: http://smarturl.it/FireballiTunes
Début de vie : dès 2007 le combo publie le single « Dance to the Music », clairement orienté fun et éclate. Le ton est donné et la machine lancée. Dans la foulée, il grave l’album « Death Discotheque », et embraie trois ans plus tard par « Dandy Animals ».
Au moment d'attaquer le tournant critique du troisième opus, le noyau central constitué d’Elliott-le beau au chant, de Kevin-la brute à la guitare et de Nicolas-le truand à la batterie (c’est également le principal compositeur) décident de se recentrer sur leur projet. Et engagent deux nouveaux musiciens : Fabrice (Romano Nervoso) et Marie (Gladys). L’opus a été enregistré sous la houlette de Christine Verschorren (Ghinzu, dEUS, Das Pop), un disque 100% organique, où l'énergie et l'humain passent avant tout.
La majorité des titres de « III » a été immortalisé lors de prises ‘live’. Résultat: un rock sans concession, brut de décoffrage qui n'oublie pas pour autant ses racines pop.
Pour découvrir cet album sur les planches, une tournée-éclair de quelques mois (?!?!?) a été planifiée. Elle démarrera le 1er octobre au Botanique (Rotonde). Les places sont limitées. Précipitez-vous sur l’évènement. Pas besoin de casser la tirelire. C’est 11 euros en prévente et 14 euros le jour même.
Quelques anecdotes :
Le mastering de III a été confié à Benjamin Joubert (Noir Désir, Justice, Charlotte Gainsbourg…).
Le clip de « Dead Queen », premier single issu de l'album, a été réalisé par à Julien Henry (La Film Fabrique), qui avait déjà tourné celui de « Dance To The Music » (n°5 du MCM Top Hits, plus de 100 000 vues sur YouTube…)
L’image reproduite sur « III » a été immortalisée, il y a près de 10 ans, après une soirée particulièrement arrosée.
Le premier airplay radio de « Dance to the Music » a été suivi d'un « You Really Got Me » des Kinks tandis que celui de « Devil In Me » précédait « 3's and 7's » des Queens of the Stone Age. On prend les paris pour « Dead Queen » ?
https://www.facebook.com/vondurden?fref=ts
Pour sa 12ème édition, le festival Rock en Seine proposait une affiche très variée. A l’instar des années précédentes, il a investi le superbe domaine boisé de Saint-Cloud, au sud-ouest de Paris. En constante progression depuis sa création, il a fait le plein, totalisant quelque 120 000 visiteurs sur trois jours. N'ayant pu nous déplacer le vendredi, c'est donc le lendemain que nous rejoignons la capitale parisienne.
Au programme du samedi, une belle brochette de formations confirmées, surtout Portishead, dont le retour est très attendu, mais également quelques autres très prometteuses, qui opèrent presque leurs débuts dans un festival d’envergure.
Ce qui frappe tout d'abord à Rock en Seine, c'est l'excellent accueil réservé aux journalistes. En véritables VIP, nous avons accès à un vaste espace privé, avec bar, resto, transats et des écrans projetant les images des concerts. Idéal pour se relaxer entre deux spectacles ! Lorsque nous débarquons, il fait plein soleil et Sean Lennon accorde une interview sur le stand de France Inter... Sympa !
Première halte près de la Scène 'Pression', à flanc de colline, pour découvrir un trio de sirènes issues du Danemark : Giana Factory. Louise Foo, Lisbet Fritze et Sofie Johanne ont fondé Giana Factory en 2008. Evoquant Austra, Bat For Lashes ou encore Marscheaux, leur 'dark pop' est intrigant et les harmonies vocales, très jolies. Rien de vraiment révolutionnaire, mais un set bien agréable pour entamer notre journée.
Sur la Scène de la ‘Cascade’, la deuxième en importance, on découvre ensuite une formation suédoise, Junip. Emmenée par José González (voix, guitares) et Tobias Winterkorn (orgue, Moog), elle pratique un rock psychédélique aux accents folk. Fleet Foxes et Grizzly Bear ne sont pas très loin. Mais ce qui singularise leur musique, c'est la voix très douce et suave de José González, mais aussi les arrangements très psyché, voire même parfois kraut. Mention spéciale à « Line of Fire », un superbe titre extrait de « Junip » (2013), qui recueille un joli succès en fin de parcours. Une belle découverte !
Après une courte pause, nous revenons au même endroit pour Thee Oh Sees, qui a décidé de tout fracasser à coup de riffs psyché/punk. En short et la guitare serrée très haut contre sa poitrine, John Dwyer, le chanteur/guitariste, a la même dégaine qu’Angus Young. Mais la musique lorgne plutôt vers les Sex Pistols alors que les voix oscillent entre cris aigus et grognements rauques. Fun mais de quoi rester sur sa faim. J’ignore si le band californien est responsable, mais il commence à pleuvoir ; et on en profite pour opérer un détour par le Village du Disque, où sont dressés les stands de Born Bad Records, Ground Zero, etc.
Nous décidons de faire l'impasse sur Cheveu, la nouvelle sensation française, que nous avons vus en février dernier, à l'Atelier 210 de Bruxelles. Gageons que leur electro-punk dévastateur aura mis le feu à la Scène de l'‘Industrie’. On me rapporte que le chanteur a, de nouveau, terminé le concert debout sur son synthé. Attention au gimmick !
Pendant ce temps, sur la Grande Scène, Sean Lennon et sa compagne, Charlotte Kemp-Muhl, présentent leur projet créé en 2008 : The Ghost of a Saber Tooth Tiger (oups, quel patronyme) ! L'Anglais arbore un look très sixties et la ressemblance avec son père est frappante. La musique, également ! Par moments, on croirait entendre les Beatles, période psychédélique, un peu comme si Georges Harrison avait modernisé « Tomorrow Never Knows ». Tout est bien en place, et particulièrement lors de « Xanadu » et « Animals », malgré un côté un peu caricatural. Qu'importe, le son est excellent et on en conclut que le 'revival' psyché pourrait offrir au 'fils de...' une opportunité de come-back. Sur l’estrade, la très belle Charlotte Kemp-Muhl se réserve la basse et chante même quelques titres. Un projet à surveiller !
Après une pause bibitive bien méritée, nous décidons de 'zapper' Emilie Simon afin de nous placer idéalement pour le concert de Portishead. L'artiste française a apparemment fait fort en bénéficiant, pour la circonstance, du concours de l'Orchestre National d’Ile-de-France.
Devant la Grande Scène, l'attente est écourtée par la projection d'un film sur les intermittents du spectacle. On sent la pression monter, car le retour des petits génies anglais est très attendu. Portishead a marqué les années 90 et 2000 en créant un style mariant à merveille la voix très 'bluesy' de Beth Gibbons et les arrangements trip-hop, voire kraut, de Geoff Barrow et Adrian Utley. Leur retour coïncide d'ailleurs avec la réédition de leur premier opus, « Dummy », paru il y a juste 20 ans.
Dès les premiers samples de « Silence », on a la conviction qu'on va assister à un concert unique. Beth Gibbons s'avance sur le podium et c'est le délire dans le public. Elle est habillée chaudement d'un imperméable à capuche ; et, suivant son habitude, restera très discrète tout au long de sa prestation. Mais l'essentiel est dans sa voix, et quelle voix ! Elle est empreinte d'une sensibilité déchirante qui vous glace le sang. Après un magistral « The Rip », « Wandering Stars » constitue le premier moment d'absolue magie. Geoff Barrow quitte son espace synthés/percussions et s'assied à côté de Beth Gibbons pour jouer de la basse. Une basse, une voix et quelques sons de guitare sont suffisants pour nous flanquer la chair de poule. « The blackness of darkness forever... » atteint les tréfonds de la noirceur de l'âme ; et comme pour faire écho à ces paroles, la nuit s'installe doucement sur le domaine de Saint-Cloud.
« Machine Gun » marque un changement radical d’orientation. Les basses mitraillent littéralement l’auditoire ; surtout les spectateurs qui sont placés aux premiers rangs, juste devant les énormes woofers ! Le très célèbre « Glory Box » nous plonge ensuite dans son ambiance soul. La foule est aux anges. La fin du set est tout simplement géniale : caractérisé par sa rythmique hypnotique très kraut/wave, « Chase The Tear » fait mouche, alors que « Threads » constitue l'apothéose finale par excellence. La composition est obsédante, lourde, presque 'doom', et gagne progressivement en intensité. A la fin du morceau, Beth Gibbons vide ses tripes et crie comme une possédée ‘I am One, Damned One’, pendant que les écrans vidéos projettent des images hallucinantes. Un final extraordinaire, qui atteint selon moi le niveau de Nine Inch Nails (le 'nec plus ultra' en live, à mon humble avis)...
En rappel, Portishead continue sur sa lancée et délivre un excellent « Roads », marqué par les sons vibrants de Fender Rhodes et enfin, « We Carry On », extrait de « Third ». Une prestation en tous points excellente, qui a véritablement illuminé le festival. Vivement un 4ème elpee !!
Retour à l'espace VIP pour se remettre de ses émotions en suivant distraitement sur l'écran vidéo le concert électro du jeune australien Harley Edward Streten, aka Flume. Mais peut-on vraiment appeler ‘concert’ la prestation d’un musicien qui passe son temps à activer des 'patches' sur un contrôleur tout en affinant le son sur un égaliseur ?
Cap ensuite vers l’'Industrie’, pour assister au show de The Horrors, une formation anglaise que nous suivons depuis ses débuts, en 2005. Après avoir publié deux albums 'culte', l'un très post punk (« Strange House ») et l'autre cold wave (« Primary Colours »), la bande à Faris Badwan a malheureusement viré vers la 'pop', pour ne pas dire la britpop, à partir de 2011. En ‘live’, il y a bien longtemps que The Horrors tourne ‘en pilote automatique’, accordant des prestations professionnelles mais sans véritable spontanéité. Mention quand même à l'excellent « Sea With A Sea », qu'on ne se lasse pas d'entendre. Le public est assez mou, dans l'ensemble, ne réagissant que pour le très mainstream « Still Life ». Mission accomplie pour The Horrors, mais sans aucun éclat.
En repassant devant la Grande Scène, on a l'occasion de suivre de loin la fin du set de The Prodigy, les pionniers anglais du 'Big Beat' qui a marqué les années '90. Un spectacle très puissant, accordé devant une foule enthousiaste. Mais hanté par les mélodies de Portishead, nous reprenons la route vers l'hôtel...
(Organisation : Rock en Seine)
Julian Casablancas et The Voidz se sont associés pour publier un album commun qui paraîtra le 22 septembre prochain.
« Tyranny » sortira sur Cult Records le propre label du fantasque leader des Strokes. Pour le teaser, c'est ici
http://juliancasablancas.com
http://www.cultrecords.com/contact/
Kiasmos est né de la rencontre entre Olafur Arnalds et Janus Rasmussen. Leur album « Same » sortira le 27 octobre sur Erased Tapes ; mais le duo se produira en live, au Bozar Arts Festival, ce 26 septembre.
Un avant-goût ? « Burnt », un extrait de cet opus. Et c’est ici
https://www.facebook.com/kiasmos
Kevin Imbrechts, aka Illuminine, a écrit les chansons de son premier album, en solitaire, dans sa chambre, avant que Christophe Vandewoude (Isbells, Pilod), mais aussi Birgir Jón Birgisson (Sigur Rós) ne l’aident à le mettre en son…
Le processus est à découvrir sur Facebook
http://www.facebook.com/illuminine et http://instagram.com/illuminineband
Un artiste intéressant à découvrir grâce à ce teaser, avant la sortie d’un album prévu pour 2015
https://soundcloud.com/illuminine/teaser-20140723
We Are Shining, le duo de producteurs londoniens, publiera son nouveau single ce 8 septembre. Un chouette mix entre blues et hip hop qui s’intitule “Hot Love”. A découvrir ici
Les événements s'accélèrent pour Lonely The Brave!
Intitulé "Backroads", le premier single de ce quintet insulaire (NDR : il est originaire de Cambridge) a été consacré 'Hottest Record In The World' sur BBC1’ et a été salué par NME.
Cette vidéo a été réalisée en Ukraine. Les premières images ont été tournées parmi les bâtiments détruits de Kiev et le clip se poursuit dans le pays libre. Les figurants ne sont pas des acteurs mais de jeunes Ukrainiens…
Une pochette sortie de l’univers de Tim Burton, une (jolie) intro qui pourrait traverser les paysages austères de Twin Peaks, une photo froide, grise, frissonnante, gravée d’un « If I’m sad enough I will disappear » communique, dès l’ouverture de ce quatrième long playing, un ton dramatique et mélancolique. Mystérieux de bout en bout, le quintet bruxellois emmené par Christophe Thys (guitares), Gauthier Vilain (guitares, samples), Michaël Colart (guitare, basse), Xavier Waerenburgh (drums), nous invite dans un univers hautement atmosphérique. Un univers de 7 titres bondissant sans la moindre hésitation d’une planète dream pop obscure à une autre aux nuances plutôt post-rock ‘shoegazée’. Un choix mélodique qui confère à la plaque une belle unicité, sans lasser l’auditeur. Surfant avec bonheur entre des mélodies vaporeuses down-tempo et de longues reverb sur les guitares, le groupe bruxellois s’appuie sur une section rythmique intelligente et soignée qui ne s’éloigne guère de celle de ses aînés.
Ainsi, les sonorités d’« Isolated Shower » ne tombent jamais très loin des cultissimes Mogwai ou Godspeed You! Black Emperor, alors que celles du final de « Reign » affrontent et modernisent la scène shoegazer des années 90 (Slowdive, My Bloody Valentine, Cocteau Twins,…) Cecilia::Eyes ose s’attaquer à du roc et il le fait avec talent.
Nouvel essai mâture et sophistiqué signé sur le label dEPOT212 (Bruxelles), « Disappearence » devrait plaire à tous les amoureux de post-rock et de noisy ; en outre, il se révèle comme l’une des belles surprises musicales belges pour 2014.
Ce chanteur/guitariste nous vient de Floride. Il s’est intéressé à de multiples styles avant de se forger le sien. Du blues tout d’abord. Dont Muddy Waters et Guitar Slim. Du jazz. Notamment Django Reinhardt et Wes Montgomery. Et enfin du métal. En l’occurrence Black Sabbath et Slayer. Excusez du peu! Il joue sur une Epiphone, mais également, une guitare cigar-box maison à deux cordes.
En 2009, à la tête de son trio, baptisé les Red Hots, il décroche le réputé International Blues Challenge de Memphis. Il remporte aussi l'Albert King Award, comme meilleur nouveau guitariste. En 2011, il publie son premier album, "Back of my mind", et embraie l'année suivante par "More bees with honey". Il rejoint ensuite le gratteur Damon Fowler et le claviériste Victor Wainwright pour participer à l’aventure du super groupe floridien Southern Hospitality. Le band grave "Easy Livin'", chez Blind Pig, en 2013. La même année, il immortalise sa tournée européenne, qu’il accomplit en compagnie de ses Red Hots, "Live from the Netherlands". Il apporte encore sa participation à l’ex-Nighthawks Jimmy Thackery, pour un autre opus ‘live’, "As live as it gets".
"Full moon night in Memphis" constitue donc son premier elpee solo, un disque dont les sessions se sont déroulées au Studio 13 de Jeremy Staska, à Fort Lauderdale. JP et Staska, plus souvent impliqué dans la mise en forme d’albums de groupes de hardcore et de métal, coproduisent le long playing. Qui réunit 14 plages dont treize sont signées par JP. Pour la circonstance, il a reçu le concours de son backing group, soit le drummer Chris Peet et le bassiste Todd Edmunds. Mais également d’une belle brochette d’invités.
La guitare largement amplifiée introduit "Full moon night in Memphis". Les cordes sont même menaçantes. La voix de JP s’impose instantanément. Puissante, impressionnante, elle est ensuite rejointe par l'harmonica du redoutable Brandon Santini, un souffleur dont la réputation ne fait que croître. Solides, les riffs de grattes dialoguent et accrochent tout au long de "Back to broke", un funk caractérisé par les interventions vocales élimées, reflet de leur vécu… Volontiers cool et indolent, "Make no sense" adoucit le tempo. La voix profonde et les cordes échangent leur point de vue. JP double à la basse qui épouse les percussions de Raul Hernandez sur "Somethin' ain't right", un blues rock plutôt âpre. Les percussions exotiques de Chris Peet et surtout la guitare réverbérée tirent leur épingle du jeu sur la superbe reprise de "Mean old world" (NDR : attribué ici à T Bone Walker). Caverneuse et charismatique, la voix rappelle le légendaire Howlin' Wolf. JP est rejoint par un autre gratteur, Steve Laudicina, pour "Savin' all my lovin'", blues indolent propice à un excellent duel entre les deux musicos. Steve participe régulièrement aux tournées de la formation. "Reefer man" est un tube décroché jadis par Cab Calloway. La version déménage dans un style pas tellement éloigné du western swing et du dixieland. D’ailleurs, Scott Ankrom au saxophone et Chaim Rubinov à la trompette sont à la fête. "Way back home" adopte un tempo répétitif et hypnotique. Les sonorités dispensées par la cigar box sont lancinantes, primaires et métalliques. Bref, on replonge dans l’univers de Howlin' Wolf. Du jazz manouche amorce "The back room", avant de se muer en funk sous l’impulsion de l'orgue Hammond dispensé par Mark Leach (Buddy Miles Express). "Thorn in my side" est une ballade R&B un peu particulière. Très roots, mais dans l’esprit de Soars, elle s’illustre par une texture de cordes à la fois surprenantes et tellement belles. Encore une ballade : "Viper". Des cordes acoustiques réverbèrent des sonorités gypsy. La clarinette de Scott Ankrom et la trompette s’incrustent dans l’ensemble. Mais cette voix venant d'outre-tombe refait surface. JP se réserve la lap steel, Santini l'harmonica, et la Texane Teresa James (NDR : encore une guest !) le chant sur la piste particulièrement country, "The road has got me down". "Lil' Mamacita" baigne dans une ambiance hispanisante et enflammée ; à cause des sèches flamenco et des percus de Hernandez. Surprenant, cet opus s’achève dans le jump. "Missin' your kissin'" est éclaboussé par le brio du saxophoniste Terry Hanck, alors que les cordes entrent en folie. Excellent!
Son père était d’origine calabraise. Elle est née à Newtown, en Pennsylvanie, un faubourg de Philadelphie, où elle vit d’ailleurs toujours. Agée de 29 ans, Gina Sicilia a chopé le virus de la musique dès son plus jeune âge. Alors qu’elle n’est encore qu’adolescente, elle écrit ses propres chansons. Ce qui ne l’empêche pas de réussir ses études de journalisme. Elle enregistre son premier opus, "Allow me to confess", en 2006, sous la houlette de Dave Gross, qui semble être son compagnon. Elle embraie par "Hey sugar", en 2008 et "Can't control myself" en 2011. Et enfin "It was'nt real" en 2013, pour le label Vizztone. Elle y adapte le succès d’Etta James, "Don't cry baby". Ce qui explique pourquoi, par la suite, on va la comparer à cette célèbre chanteuse de blues.
"The Alabama sessions" est un Ep 5 titres qu’elle autoproduit. L’an dernier, elle a émigré à Nashville. Et en janvier de cette année, elle s’est rendue à Sheffield, dans l’Alabama voisin, pour y entrer aux célèbres Muscle Shoals, afin d’enregistrer ce disque. Cinq compos qui traduisent un changement de cap. Elle veut en quelque sorte y signer sa déclaration d'indépendance, une espèce de survie, selon ses propres mots!
Son backing group a également changé. Le line up réunit ainsi Bryan Farris (guitares et piano électrique), Mike Vargo (basse) et Scott Key (batterie).
Première constation, les cinq plages affichent une coloration différente. "Sinkin' low" est une piste séduisante et rafraîchissante, qui jouit manifestement d’un potentiel pop. La voix de Gina n’a guère changé, mais elle est mise en exergue sous un autre angle. Je préfère "Wasted it all on you", une compo plus intimiste, au cours de laquelle son chant d’une grande pureté se libère de cet environnement de cordes acoustiques, traversé par un solo subtil et discret, dispensé par Farris. Bien plus proche du blues, "I'm in trouble" replonge dans son ancien style. Farris se révèle un gratteur efficace au sein de cette instrumentation qui met une nouvelle fois bien en exergue les vocaux accrocheurs de Gina. "No use at all" est hanté par la Music City de Nashville, une ballade country savoureuse, au cours de laquelle toute la sensibilité naturelle de l'artiste est parfaitement restituée. "My love" est une chanson très personnelle. Confidentielle, même. Elle y exprime ses sentiments, sa passion ou alors elle cache bien son jeu. On en apprendra davantage lorsqu’elle publiera son nouvel album…
Depuis 1999, Stephan Otten et son comparse Oliver Klemm publient, à intervalles réguliers, des albums dans la lignée des pionniers de la musique électronique allemande et en particulier de la légendaire école de Berlin (Klaus Schulze, Tangerine Dream, Ash Ra Tempel). D'abord sur de petites structures ; puis, depuis 2009, chez Denovali. "Messias Maschine" constitue le cinquième opus en cinq ans pour le label teuton ; et c'est sans doute le plus abouti.
L'indéniable atout vient de la présence d'invités prestigieux sur presque tous les morceaux. Et c’est la rencontre du mythique batteur des Ash Ra et de Cosmic Jokers, Harald Grosskopf, qui va tout déclencher. Ce dernier, les considère comme ses fils spirituels et les met en contact avec quelques personnages notoires. C'est ainsi qu'outre Grosskopf, on retrouve le légendaire batteur de Can, Jaki Liebezeit sur 4 titres de l’elpee. Mais aussi Coley Dennis, le guitariste de Maserati, A.E. Paterra (Zombi, Majeure) ou encore le saxophoniste de Bohren & Der Club of Gore, Christoph Clöser.
La majorité des compositions jouissent donc du concours de percussionnistes prestigieux qui ajoutent leurs pulsations métronomiques aux déambulations synthétiques du duo. Outre cette contribution importante, la musique du duo d'Osnabrück conserve les caractéristiques des disques précédents. Atmosphérique, mélodique, cinématique et forcément rétro. On retrouve donc les sonorités cosmiques des pionniers de l'électronique allemande, mais également quelques petites touches plus actuelles. Certaines plages pourraient en effet attirer certains fans d’Ulrich Schnauss (d'ailleurs présent sur un titre) voire même de BOC. On pense aussi parfois à Pete Namlook, à Cluster et même à Pink Floyd quand des notes de guitares ‘darksidiennes’ éclosent.
"Messias Maschine" nous replonge donc dans les atmosphères spatiales des seventies en évitant le piège de la pure imitation. Les amateurs de l'école berlinoise trouveront donc certainement quelque intérêt à ce prolongement de leurs premiers amours ambient. Et plus généralement, ceux qui aiment les atmosphères hypnotiques et les voyages soniques apaisants y découvriront quelques passages fort agréables. Un moment de recueillement bercé par la mélodie des machines.
Paru chez One Little Indian, « Silkidrangar » pourrait très bien constituer la bande son d’un film de science-fiction, tant sa construction paraît atypique. Une musique venue d’ailleurs chantée dans la langue natale du trio islandais Samaris. Très rapidement proclamé l’un des meilleurs groupes islandais actuels par la majorité de la presse internationale –critiques de NME (‘Elegant and unusual’) en passant par le Financial Times (‘Rich and textured’)– et présent sur les plus grands festivals européens de l’été, Samaris apparaît moins comme une nouveauté scandinave qu’une curiosité structurelle.
En effet, en dépit du refus formel de Jófríður Ákadóttir d’accepter la comparaison, l’influence et la voix de Björk se dévoilent très clairement sur l’ensemble de l’elpee (« Ég Vildi Fegin Verða », « Lífsins Ólgusjór »…)
Outre la spécificité de la langue, l’originalité viendrait plutôt du mélange entre tradition et futur. Un album dichotomique chanté dans leur langue natale naviguant entre musique numérique et poésie traditionnelle islandaise (les textes sont inspirés d’un recueil de poésie ancienne découvert dans le local répétition).
Malgré une trame artistique classique, les mélodies et l’écriture, Áslaug Rún Magnúsdóttir (clarinette) et Jófríður Ákadóttir (chant) cimentent l’esprit final du groupe sur le génie électronique de Þórður Kári Steinþórsson (claviers/laptop). Un court-circuit entre textes anciens et musique d’avant-garde. Une mise en contact insidieuse entre les pôles opposés du temps, et le passé et le futur se mêlent savamment pour produire des morceaux atemporels et exaltants : l’electronica finement ciselée de Brennur Stjarna et la tradition scandinave de Máninn Og Bróðir Hans. Ou encore les lourds beats complexes et obscurs de Nótt ou Hrafnar taillés pour les dancefloor de clubs berlinois.
Un long playing uniquement fabriqué de sons numériques sans l’utilisation de guitares ou autres instruments à cordes. Un son totalement synthétisé qui devrait certainement plaire à tout amoureux de musique électronique en recherche de nouvelles sensations.
D’accord, la galette n’est pas neuve.
Apparue en plein solstice d’été 2013, nous ne nous y intéressons qu’aujourd’hui. Mais à l’écoute de l’œuvre, la fonction ‘espace/temps’ ne semble pas pertinente.
Dès l’ouverture, on est plongés 40 ans en arrière, lorsque les fantômes de Black Sabbath étaient encore menaçants. Alors, 12 mois d’écart entre la sortie et la chronique ne peuvent interférer dans la qualité qui au final en ressort.
Entre les nappes organiques des claviers rutilants, les cordes héroïques et lancinantes, la procession de Rose Windows vient cloîtrer immédiatement le mélomane au sein d’un univers psyché-rock. Epoustouflant ! En y ajoutant des interventions de flûte et de long solos de guitares fièrement déployés, on est vite déchiré entre mélancolie naïve et puissance maléfique, dévotion pieuse et hallucination chamanique.
Sous leur apparence d’hippies attardés, les 7 protagonistes du combo s’affichent tout feu tout flamme, sans la moindre gêne ; et dans une ambiance au sein de laquelle les éléments se baladent, s’entrechoquent, sont cajolés ou retournés, il envoient le bois sans aucune concession.
Au moment même ou l’on signerait le pacte qui lierait notre âme au diable, Rose Windows vient calmer le jeu et nous invite à prendre le recul nécessaire à cette hérésie via la voix superbe de Rabia Shaheen Qazi, la chanteuse, qui teinte les morceaux d’une douceur voluptueuse et permet un répit dans nos errances sataniques.
« The Sun Dog » épate, et peut même carrément laisser sans voix tant la qualité générale présente tout le long de l’album est tout simplement parfaite.
La justesse, tant dans les compositions que les voix, tant au niveau de la production que le choix rythmique des pistes ne pourrait être décortiquée, et c’est justement là que se situe la force imparable de l’elpee : il ne souffre d’aucune faiblesse.
Si l’on peut sourire en voyant débarquer la troupe sous ses airs de nostalgie ‘woodstockienne’ et mettre un fond de doute dans leur sérieux, une fois les amplis allumés et les instruments en branle, la ligne claire et fluide des compositions ne permettent qu’une seule option : tomber délicatement sur un matelas d’épines et s’en relever sans aucune égratignure.
« The Sun Dog » est un petit bijou ; et à l’instar de l’Anneau de Tolkien, il nous mène droit au brasier ardent d’un monde parallèle en plein essor. Et nous y allons, attirés malgré nous, tout en souriant au démon.
Si Bob Mould n’est plus à présenter pour bon nombre de quadragénaires, fans de rock indépendant depuis leur plus jeune âge, l’ex-guitariste de Hüsker Dü, groupe mythique de punk-hardcore, ne jouit pas d’une grand notoriété auprès du jeune public qui n’a pas été bercé par le rock des 80’s. Pourtant, ce n’est pas faute d’avoir publié des disques. Bob Mould n’a jamais cessé d’enregistrer ou de tourner, que ce soit en solo (NDR : il y a 25 ans que son premier album solo est sorti) ou au sein de Sugar, une formation qui n’a malheureusement sévi que de 92 à 95. « Beauty & ruin » constitue donc le onzième opus de l’Américain.
A nouveau, celui qui a influencé toute une génération de groupes et de musiciens (des Pixies à Nirvana) nous propose onze morceaux efficaces au cours desquels la guitare est bien mise en exergue. Tout comme sur son précédent elpee, Bob Mould a reçu le concours de Jason Narducy (basse) et Jon Wurster (drums). Bonne nouvelle, il a décidé de délaisser les sonorités électroniques, parsemées sur plusieurs de ses essais précédents, pour en revenir à la formule qui lui convient le mieux : le rock électrique.
Le New-yorkais nous réserve 13 pistes spontanées aux mélodies accrocheuses (« Hey Mr.Grey », « I Don’t Know You Anymore »). A 54 ans, il nous démontre qu’il n’a rien perdu de son énergie et que son instinct ‘punk’ est toujours intact ; à l’instar de « Little Glass Pill » ou « The War ». Mais, il nous rappelle aussi qu’il est aussi capable de pondre de jolies ‘ballades’ (« Forgiveness »).
Si le ton paraît enjoué et optimiste, Bob a consacré des lyrics existentiels à ce « Beauty & ruin ». Il a pris de temps de faire le point sur sa vie. En début de parcours, il abord des sujets comme ceux de la vieillesse et de la mort. Il analyse ensuite son existence ; et en bout de course, il pose une réflexion sur l’avenir et l’acceptation de soi. Tout ce cheminement est parfaitement illustré par l’image qui illustre la pochette. Elle superpose la photo actuelle de l’artiste et celle issue d’un dossier de presse datant de l’époque de Hüsker Dü.
Si après 25 ans de carrière solo, le guitariste se pose de nombreuses questions et dresse un bilan intermédiaire, le nôtre est sans appel et il est clairement positif !
Lower nous vient du Danemark. De Copenhague, très exactement. « Seek Warmer Climes » constitue le premier album. Auparavant, ces Danois avaient déjà publié plusieurs Eps ; mais surtout partagé deux ‘split cd’ en compagnie de leurs compatriotes d’Iceage. Ces deux formations pratiquent un post-punk brutal et sans concession.
Les dix titres de « Seek Warmer Climes » constituent autant d’hymnes obscurs et urgents à la gloire du post-punk. A cause de la voix vindicative d’Adrian Taudro, de la ligne de basse puissante, écrasante même, des interventions de guitare dissonantes, chargées de décibels et des drums percutants. Il règne un climat oppressant tout au long de cet elpee, avant que les percus tribales ne viennent suggérer l’exploration d’un « Expanding Horizons (Dar Es Salaam) », en toute fin de parcours…
Dans le style, Lower a parfaitement réussi son premier long playing. Et franchement, j’aimerais pouvoir assister à un de leurs spectacles, en ‘live’ ; la forte personnalité du vocaliste apportant –suivant les reviews publiées sur la toile– une dimension particulière à leurs shows…
Incarnation même de l’esprit ‘sombre’ reflété par son band The Walkmen, Hamilton Leithauser s’offre une parenthèse solo, afin que ses aspirations de crooner puissent s’affranchir de manière plus douce qu’au sein de l’univers chargé d’électricité de sa troupe new-yorkaise. Issu du groupe probablement le plus sous-estimé des années 2000, l’Américain possède une voix d’une rare intensité capable de transformer la moindre mélodie en pic émotionnel. Vu son titre, « Black Hours » ne devrait pas se démarquer d’une ligne de conduite ténébreuse… Pourtant Leithauser a décidé de varier les plaisirs et, dès l’inaugural « 5 AM », on découvre une nouvelle facette de l’artiste, plus apaisée, quoique toujours aussi majestueuse. Le leader des Walkmen est ainsi capable de passer d’un format quasi pop, à l’instar d’« Alexandra », une compo coécrite par Rostam Batmanglij de Vampire Weekend (NDR : également responsable de la production), à des rythmes marimba (« The Silent Orchestra ») en passant par de la soul hymnique (« I Retired ») et une évocation de sa propre formation (« I Don’t Need Anyone »). « Black Hours » aurait pu constituer un recueil de flip sides (NDR : faces B) légèrement alternatives réservé par Leithauser à ses fans…
Agé de 40 balais, Manu Lanvin est auteur, compositeur, interprète et producteur. C’est le fils de l'acteur Gérard Lanvin. Les premiers artistes qu'il écoute dans sa jeunesse sont Téléphone, Paul Personne et Bernie Bonvoisin (Trust). Au début de ce nouveau siècle, il publie plusieurs albums : "Venir au monde" en 2000, "Tout ou presque" en 2004, "Les Temps mauvais" en 2005 et "Faible humain" en 2007. Année au cours de laquelle il rencontre le chanteur texan Calvin Russell. Il coécrit et coproduit son opus, "Dawg eat dawg". Et collabore encore sur ses deux derniers elpees, "Contrabando" et "The last call, in the heat of the night". En 2012, Manu grave son quatrième long playing, "Mauvais casting", flanqué de The Devil Blues. Il croise alors un autre bluesman américain, devenu populaire dans l'Hexagone, Neal Black, en compagnie duquel il accomplit le "Paris - Texas Tour", en 2013. En janvier 2014, Manu représente la France à l'International Blues Challenge de Memphis.
Pour concocter son nouvel essai, il a pu compter sur le concours de Jimmy Montout à la batterie et Gabriel Barry à la basse. Soit sa section rythmique. En route pour une nouvelle tranche de blues urbain et rageur…
Le titre maître ouvre la plaque, un blues solidement amplifié réminiscent du ZZ Top. La voix est puissante et passionnée. Manu a de l'expérience à revendre, mais il la met au service de sa musique. La guitare suit constamment le chant empreint d’une certaine agressivité. "All night long" emprunte un riff à "Green onions" voire à "Help me". La lame de fond filtre davantage le blues au profit du rock. L’attaque est permanente et cette rage devient contagieuse, provoquant un climat de transe. Brutal, le réveil s’opère dans la langue de Voltaire. Soutenue par la basse de Gabriel et face aux cuivres fiévreux, ce "Merci" est une plage sculptée dans des accords de gratte sereins, légèrement rockabilly. "Just wanna drown" est certainement le meilleur morceau de l’elpee. Un titre imprimé sur un mid tempo et inspiré par le Memphis blues d'Albert King. Le chant est particulièrement soigné et les cuivres sont omniprésents. Mais l’irruption d’une voix proche de l’envoûtement, s’exprimant en français, est plutôt surprenante. Toujours interprété dans sa langue maternelle, "Laisse couler" est un titre bien ficelé qui autorise encore de chouettes envolées de cordes. Les percussions de Jimmy nous convient à une nouvelle fête du rythme tout au long de "Luzern", une piste entretenue par les sonorités artificielles et les cuivres. "Ain't gonna be your dawg" nous entraîne dans le delta. L’harmo impose sa rythmique implacable sur cette compo au son plus métallique. Un violon gémissant introduit "Lorsqu'une femme pleure", une ballade douce-amère, trempée dans le folk roots, que chante nonchalamment Manu, face aux instruments acoustiques. "Back in Montreux" est un rockin' blues plein de vigueur. Lanvin s’est forgé quelques uns de ses meilleurs souvenirs sur cette scène helvète, spectacle que feu Claude Nobs présentait en personne. "Ain't got time for love" concède un court exercice de rockabilly. Caractérisé par une slide incisive et acérée, "Hey hey hey" est le Lanvin boogie attendu. "Goin' down" clôt le long playing, un long blues que Manu interprète d'une voix moins impatiente. Sous un arrangement personnel, ce titre reflète un périple entre le Mississippi, une slide dans le décor, et la Nouvelle Orléans, où il retrouve un des nombreux brass bands locaux.
La musique, Douglas Dare s’y est frotté dès son plus jeune âge. Son père était professeur de piano. Pas étonnant que l’artiste britannique se soir rapidement familiarisé aux ivoires. Très tôt, il commence à écrire ses propres chansons. Mais pour parfaire ses connaissances, il part étudier la musique à l’Université de Liverpool. Ce n’est qu’en 2013, alors établi à Londres, qu’il grave un premier Ep, un disque qui lui permet d’assurer la première partie européenne d’Olafur Arnalds. Il vient de publier son premier long playing sur le label anglais en vogue, Erased Tapes (Nils Frahm, Peter Broderick, …)
Tout au long de « Whelm », Douglas Dare nous entraîne à la découverte des paysages paisibles qui ont bercé son enfance (NDR : il est originaire de Bridport, au sud-ouest de l’Angleterre), des tableaux parfaitement illustrés sur la pochette de l’album. Sa musique est minimaliste et délicate. Le piano constitue le motif central autour duquel viennent se greffer des éléments électroniques et divers instruments. Le résultat est au final assez proche d’un James Blake. Cependant, la voix de l’Anglais n’est pas suffisamment identifiable. Elle est parfaite, mais il lui manque cette petite étincelle pour nous faire chavirer. Ce qui n’empêche pas les mélodies, à l’instar de l’excellent « Nile », de vous communiquer l’un ou l’autre frisson...
Afin de vous faire une idée du potentiel de Douglas Dare, n’hésitez pas à aller l’applaudir au Parc Royal de Bruxelles, le 27 août où, dans le cadre des Feeërieën, l’Anglais partagera l’affiche avec Perfume Genius.
Groupe jeune mais déjà presque vétéran de l’indie rock insulaire, The Crookes ne risque pas d’affoler les ‘charts’ de ce côté-ci de la Manche, malgré les évidentes qualités mélodiques de leur « Soapbox » (« Don’t Put Your Faith in Me »). Formé en 2008, dans la banlieue de la triste cité de Sheffield, The Crookes en est aujourd’hui déjà à son 3ème essai… L’influence de la pop et du rock des 60’s est flagrante. A l’instar de « Play Dumb », découpé dans des riffs kinksiens. Mais aussi celle de formations insulaires contemporaines. Titre puissant, « Echolalia » évoque Arctic Monkeys, qui vient d’ailleurs du même patelin. Plus accessible, « Holly Innocents » lorgne vers les Kooks, alors que « Marcy » épouse le lyrisme de Pete and The Pirates. On comprend ainsi mieux pourquoi Noel Gallagher est devenu fan des Crookes, d’autant que le combo affiche une morgue typiquement british, doublée d’un talent d’écriture imparable. Et comme la voix de George Waite rappelle celle de Jarvis Cocker (NDR : également issu de Sheffield), on peut affirmer que la musique des ‘Crookes’ est bien britannique. Et ce n’est pas une arnaque…
De son véritable nom Melissa Prewitt, Etta Britt est une chanteuse de R&B, soul et blues, établie à Nashville. Entre 1979 et 1985, elle a milité au sein du trio de country, Dave & Sugar. En 1989, elle s’est mariée à Bob Pritt, un guitariste de studio notoire. Il faut attendre 2011 pour qu'Etta publie son premier album personnel, "Out of the shadows", sous la houlette de son époux.
Texan, Delbert McClinton est auteur/compositeur/interprète. Agé de 73 ans, il est particulièrement populaire dans l’univers de l’americana, la musique des racines. Mais ce multi-instrumentiste (guitare, piano, harmonica) jouit également d’un excellent crédit dans les milieux du blues. De toute bonne facture, son dernier album, "Blind, crippled & crazy", remonte à 2013.
Bob Britt est le guitariste du Delbert McClinton touring band. On comprend ainsi mieux la corrélation entre le vétéran et Etta, qui a donc décidé de lui rendre hommage à travers cet elpee.
Pour former son backing group, Etta n'a pas du aller chercher bien loin. Si son cher Bob se charge des guitares et Steve MacKey (Pulp) de la basse, elle a entraîné dans l’aventure trois musicos de McClinton, dont le claviériste Kevin McKendree (NDR : auprès de son leader depuis 1997), le drummer Lynn Williams et la saxophoniste Miss Dana Robbins. L’opus réunit 12 plages, dont neuf sont issues de la plume de Delbert ; en outre, cinq sont extraites de "One of the fortunate few", paru en 1997.
Dès "Somebody to love you", on est plongé dans le bain. Un blues bien rythmé parcouru par la voix caractéristique, au timbre un peu cassé, d’Etta ; une voix idéalement forgée pour ce type de répertoire. Les musiciens sont parfaitement soudés et soutiennent parfaitement leur maîtresse d'un jour! Un riff cher au fidèle Bob colore l'atmosphère d’"Old weakness", une piste qui fleure bon le Sud. McKendree se déchaîne sur ses ivoires. La production met bien en exergue les chœurs masculins de Scat Springs et George Pendergrass, alors que la voix d'Etta mène bien son tout ce petit monde. Et si ce n’est pas une surprise, une pointe d’émotion nous envahit lorsque Delbert rejoint sa protégée pour chanter "Boy you better move on". Miss Britt aborde "Starting a rumor", sa première ballade, une chanson empreinte de délicatesse et de sensibilité, balisée par les cordes de son bien-aimé. Retour au rythme et notamment au funk pour "Lie no better", un morceau que Kevin fait macérer dans le Memphis R&B, à l’aide de son orgue. "Every time I roll the dice" constitue une parfaite illustration de la cohésion entre les musicos. Et on imagine, alors un Rod Stewart, qui viendrait poser sa voix, comme à la plus belle époque des Faces. Excellent ! Tendresse et émotion inondent "You were never mine", une compo caractérisée par des chœurs bouleversants. McKendree a très bien assimilé le style néo-orleanesque. Et il le démontre sur "Best of me", une plage aux rythmes syncopés. Etta interprète successivement le "I'm with you" de Mickey Jupp et une superbe cover de "New York City", un morceau que l’orgue et les cordes de Bob chargent de groove. "The jealous kind" est issu de la plume de Bobby Charles, un hit de ce chanteur/compositeur louisianais, considéré comme un spécialiste du swamp pop et du pur cajun. McClinton l'avait adapté, il y a bien longtemps. "When I was with you" achève ce long playing. Kevin et Etta signent cette chanson destinée à rendre un hommage personnel au maestro, un titre au cours duquel la complicité entre l'orgue et la guitare est à nouveau remarquable…
Agé de 43 ans, Jeremy Baum est né près de Woodstock. Très jeune, il apprend le piano. Il aime alors écouter les Beatles et Sly & The Family Stone. Il passe ensuite à l'orgue. Il apprécie ainsi plus particulièrement Jimmy Smith, Jimmy McGriff et Ray Charles. Il étudie le jazz à New York et milite au sein du band de Murali Coryell (le fils de Larry). Il monte ensuite son propre trio et publie son premier elpee en 2002, "Lost River jams", un œuvre dont le style oscille entre le blues et le funky soul jazz. Son talent lui permet de tourner et d’enregistrer au profit de multiples artistes prestigieux comme Shemekia Copeland, The Blues Brothers Revue, les North Mississippi All Stars, John Hammond, Melvin Sparks et bien d'autres. Mais il néglige alors sa propre carrière. Heureusement, en 2014, il s'enferme dans le studio Fat Rabbit du jeune guitariste Dave Gross. Il y invite une pléiade de musicos notoires. De ses sessions va naître, "The eel" (l'anguille). Ce 4 mai 2014, il a été intronisé ‘Master Blues Artist’ au ‘New York Blues Hall of Fame’. Jeremy est un instrumentiste. Peu de vocaux, donc sur ce long playing.
A première écoute, on imagine "The new pollution" s'ouvrir par des sonorités d’accordéon musette. Pas du tout, l’expression sonore est propulsée par des rythmes soul/jazz. Un exercice de style sur une composition de Beck. L'orgue Hammond libère énormément de groove. Eric Kalb (Jon Scofield Band) balise le tout derrière ses fûts, alors que Jay Collins (Kings County Band / Greg Allman Band) double au saxophone ténor et à la flûte. L’orgue Hammond arrose "Funky monkey", une jam funky qui permet à Myles Mancuso, un jeune guitariste âgé de 18 ans, d’étaler toute sa classe. "Three more bottles" nous entraîne dans l’univers de la New Orleans. Jeremy est passé au piano. Chris O'Leary, également hébergé chez Vizztone, chante et joue de l'harmonica ; il a aussi ramené son guitariste, Chris Vitarello, un autre jeune sixcordiste prometteur. Superbe exercice de style, "Charlie Baum" rappelle le proverbial Ramsey Lewis Trio. La plage macère dans le même climat piano jazz. Dansante, intimiste, elle est dynamisée par la basse acoustique particulièrement tonique de Matt Raymond, un membre du Chris O'Leary Band. "Dance with me" est un classique du combo Orleans. Généreuse, la mélodie est ici alimentée par l'orgue et piano et épicée par les cordes acoustiques et les interventions remarquable de Dennis Gruenling à l’harmo. Pur funk, "Borracho" est une compo issue de la plume d’un groupe obscur qui a sévi au cours des 70’s, Dyna-Might. Sur cette version, l’orgue de Jeremy est soutenu par les percussions d'Eddie Torres (The Mambo King) et une section de cuivres. Myles Mancuso étale une nouvelle fois son talent à la guitare, sur "Pacific Drive", un titre dont l’atmosphère évoque les Crusaders et, paradoxalement, Focus ! Jam funk, "Ain't it funky now" nous transporte dans une ambiance digne du grand James Brown. Vitarello et Scott Sharrard (Gregg Allman Band) sont préposés aux grattes. Et leur rivalité se mue en brillants exercices techniques. La cover du célébrissime hit de Prince, "Purple rain" est épatante. Les échanges opérés entre Vitarello et Baum qui double orgue Hammond et piano, atteignent même un niveau exceptionnel. Et c’est le titre maître qui referme le long playing. Une dernière jam funky passionnante. Les sonorités dispensées par les claviers me font manifestement penser à un autre génie anglais sur l’instrument, Keith Emerson. Mancuso les enrichit d’interventions très électriques, traduisant ainsi l’ambition de Baum de réaliser une synthèse entre Led Zeppelin, les Meters et Tower of Power.
La présence de Damon Albarn sur une galette est toujours signe de grande joie pour les mélomanes avertis.
Au sein de notre rédaction, Albarn revêt le surnom de Midas. Celui qui, à son contact, transforme tout en or.
Responsable de multiples projets aussi variés qu’excellents, l’Anglais est la voix, le compositeur, l’arrangeur de tellement d’excellents projets, qu’à l’annonce d’un album solo, l’excitation devient de plus en plus palpable.
Comment nier l’évidence d’une qualité incroyable dans le chef de l’artiste, quand on jette un œil sur son parcours.
Blur, Gorillaz, The Good, The Good, The Bad and The Queen, mais également des collaborations impressionnantes auprès de Dr Dree, Flea, Tony Allen, Bobby Womack, et j’en passe.
D’un naturel affable mais engagé dans les causes humanitaires, Damon Albarn se sert de tout ce qui l’entoure pour composer et introduire des messages aussi subtils que légers, en gardant ce cachet de ‘good boy’ qui renforce son aura ‘so british’ dans sa discographie.
Inutile dans cette chronique de continuer à vanter ses mérites, ses qualités, sa soif de partage et d’altruisme et revenons à ce moment festif provoqué par la sortie d’« Everyday Robots ».
Cependant, se contenter de critiquer l’album sans revenir un tant soit peu sur le parcours de l’auteur était impossible. Tant les influences qu’il trimballe de projet en projet sont simplement stupéfiantes.
La question se posait avant la parution de l’album. Comment Albarn allait-il se débrouiller pour mener seul son projet ? Se cacherait-il derrière des compositions complexes et travaillées afin de ne dévoiler qu’une partie de son univers personnel ?
Pas du tout !
A la première écoute, on se rend immédiatement compte qu’il n’y aura ni strass, ni beats à succès, éléments qu’on peut reconnaître dans le chef du Briton. En lieu et place, on distingue une profondeur et une volonté de creuser essentiellement dans l’émotion et la délicatesse.
Plutôt que d’être ébloui par des lumières aveuglantes, on s’enfonce dans un univers à peine éclairé. Quelques rythmes discrets, des notes de piano savamment posées et des textes tantôt surprenants, tantôt touchants, permettent à la relation qui s’opère tout le long de l’album, entre l’artiste et le mélomane, de se consolider.
Cette relation nous apparaît comme un privilège. Comme si nous nous retrouvions dans la chambre d’hôtel de l’Anglais ; et que tout naturellement nous devisions ensemble de sa vie, ses angoisses, ses démons, ses questions.
Albarn n’est pas un chanteur hors pair et n’a jamais prétendu l’être. Sa voix faible et son timbre somme toute banal, sont pourtant reconnaissables entre mille.
Sur « Everydy Robots », Albarn crée l’écrin parfait à son chant. Délicat, parfois désaxé, mais toujours excessivement juste et envoûtant.
Sans fioriture, sans excès, sans dérapage, on se sent comme absorbé par les 12 pistes de l’opus. Invité privilégié d’un moment intemporel, l’écoute s’opère de manière naturelle si l’on en prend la peine.
Car la qualité de l’album en fait son défaut. Il est pratiquement impossible de comprendre ou de l’apprécier à sa juste valeur si l’on ne fait pas le vide autour de soi.
Il faut s’asseoir, accepter de prendre cette pause et pénétrer entièrement l’œuvre pour se laisser toucher et sublimer.
Cet elpee n’est donc pas conseillé à tout public, en tout cas pas destiné à celui qui espère retrouver les lignes exubérantes des autres projets de l’auteur. On pourrait donc y reconnaître une certaine forme d’élitisme ou tout du moins une implication plus poussée dans le chef de l’auditeur lambda.
Mais dès que l’on pose son âme à côté de la sienne, Albarn, au lieu d’en profiter pour vous marteler et vous convaincre, devient seulement poète à la voix empreinte de sensibilité.
« Everyday Robots » est un album exceptionnel, complet, puissant ; et ce qui en fait son véritable charme, c’est l’humilité qui en émane.
« Everyday Robots » ne vous flanque pas la méchante claque à laquelle vous vous attendiez ; c’est la caresse enivrante d’une subtilité diaphane.
« Mélopée » commence tout en douceur, par des mixes que Marie a enregistrés sur cassette. « Trip Atlantique » est le single qui a précédé la sortie de l'album. Il invite à se rendre aux States. Faut dire que la musique de Marie adopte, sur cet elpee, un profil anglo-saxon. La musique, bien sûr, pas les lyrics. « N'oublie pas » que tu as des questions existentielles à te poser. C’est le moment de s’interroger sur la vie. « Exit » ou quand les bandes de Marie produisent tous leurs effets : la mer, les voyages, l'amour, ...
Mirko triture sa basse sur « Le souvenir des siens » et nous invite à partager ses nouvelles prospections musicales. « Sous l'épiderme » est une chanson d'amour totalement bouleversante. Marie est une grande romantique. « Make Love » : on aurait presque envie d’ajouter ‘Not War’. Comme à la fin des 60’s. Au milieu des hippies ? Pas nécessairement, car sa voix est tellement sensuelle… et vous plonge dans un univers voluptueux… « Points de sutures » soulève un tas d’interrogations réalistes. Irrésistible, « Danse » vous entraîne sur le dancefloor. « Les eaux de Mars » est une compo du Brésilien Jobim, que George Moustaki avait brillamment reprise. La nouvelle version rend un bel hommage à ce mythe de la chanson française, mais elle a été épurée de ses accents latino au profit d’explorations sonores. Empreinte de douceur et de mélancolie, « Foultitude » achève cet excellent opus plein de surprises.
Marie a de nouveaux projets en chantier. Elle bosse en compagnie de Karin Clercq sur une BD musicale pour enfants. Lors de sa participation aux sessions d’enregistrement du futur opus de l’ex-Starflam Akro, elle a interprété un hymne qui rend hommage aux femmes. Et puis, elle prépare activement un nouvel elpee pour 2015. Enfin, pour en savoir davantage sur l’artiste, je vous invite à (re)lire l’interview qu’elle nous a accordée récemment. Et c’est ici
Dans le cadre du festival ‘La Vie en Rock’, un événement destiné à financer la recherche contre le cancer, une vingtaine de groupes ou artistes avaient accepté de laisser tomber leurs émoluments pour la bonne cause. Dont Ozvald, une formation issue de la région du Centre. Giuseppe, le leader, et les musicos de son backing group, ont accepté de subir le feu de nos questions.
Outre Giuseppe Petolillo, le line up réunit le gratteur et doux rêveur Stéphane Panozzo (NDR : paradoxalement drummer de formation), le bassiste Fabrice Giacinto et le batteur Maxime Pasquini. Et une violoniste qui remplace intérimairement Laurence Leclercq. Une suppléante manifestement talentueuse, puisque après deux répétitions, elle s’était déjà complètement fondue dans l’ensemble. Faut dire qu’elle a suivi une formation classique. Le combo vient de graver un Ep 5 titres baptisé « United Opposites ». Et Giuseppe est évidemment le mieux placé pour nous présenter sa troupe.
Guiseppe : Ozvald est né il y a deux ans. J'ai tourné pendant une quinzaine d'années en compagnie de mon ex-groupe Al Dente ; et j’avais vraiment envie de vivre une nouvelle aventure. Ozvald est cependant né des cendres de mon ancien band. Je voulais tourner la page et notamment remplacer les cuivres par un violon. Il y a longtemps que je rêvais de ce changement. De m’investir dans quelque chose d'un peu différent. Les compos, je les avais déjà écrites et arrangées. Chez moi. J'ai rencontré Stéphane. Batteur, qui s’est reconverti à la guitare. Il m'a aidé pour réaliser les maquettes et surtout les parties de drums. Puis le bassiste, Fabrice Giacinto, et enfin le batteur Maxime Pasquini, via un intermédiaire. La violoniste attitrée, Laurence, je l’ai croisée par hasard. On a ensuite beaucoup bossé sur les maquettes ; et dès qu’elles étaient terminées, j'ai appelé les musiciens pour entamer les répétitions. On a accordé notre premier concert en septembre 2013. Il y a un peu moins d’un an qu’on se produit en ‘live’. Nous en sommes encore à nos balbutiements. L'Ep est paru en févier. C'est donc tout frais. Les musiciens sont issus de la région de Mons et La Louvière.
Une région en pleine ébullition ?
Guiseppe : Elle regorge d’excellents musiciens. C'est peut-être parce qu’on vit dans une zone sinistrée où la population trouve un exutoire dans ses passions, comme celle de la musique. Sincèrement, pour exercer ce boulot-là en Belgique, il faut être mordu. Heureusement, nous le sommes tous. Si certains membres du band ont un job alimentaire en parallèle, la musique demeure notre leitmotiv. Vivre de sa musique en Belgique est très difficile. Aussi, on cherche avant tout à se faire plaisir. Former une bonne équipe de copains qui partagent un même projet. Et comme il y a une belle entente dans le groupe, on prend plaisir à jouer ensemble.
Votre patronyme comporte un ‘z’ au lieu d’un ‘s’. Une raison ?
Guiseppe : Ce nom, je l’ai créé. Inventé, si tu préfères. Il reflète une autre face de ma personnalité. Il y a une planète au milieu de la pochette. De quoi imaginer un voyage intergalactique. En direction d’un astre quelconque qui gravite au sein de l'univers.
Es-tu un adepte de l’expérimentation ?
Guiseppe : J'adore mélanger les styles. Faire preuve d’audace. Et manifestement, dans le domaine de la recherche, il y a encore de la marge. A notre échelle, le violon apporte une touche mélancolique, classique et lyrique à nos compos. Et les guitares dissonantes s’intègrent parfaitement à l’ensemble. Mais on souhaite approfondir le concept. De plus en plus. Et j’espère que je pourrais encore me produire sur les planches, quand je serais vieux ou retraité. Pour partager ma passion. Je suis conscient que pour être bien dans ma tête et escompter décrocher un peu de bonheur, j'ai besoin de la musique. Elle m’apporte énormément. C'est ma thérapie, une addiction. Lorsque je prends une pause d’un mois, je suis à côté de mes pompes. Notre passion va nous conduire au cimetière…
Stéphane : Je partage le point de vue de Guiseppe, mais il est très difficile de survivre dans ce milieu…
Quand j’écoute vos compositions, je pense au Grand Nord, et en particulier à l'Islande ?
Guiseppe : On me l’a déjà signalé. Au sein des pays nordiques, les artistes osent davantage que chez nous. Mais leurs chansons ne sont pas diffusées à la radio. Donc des groupes novateurs, dont la musique est riche et qu’ils ne craignent pas de défendre, même s’ils ne bénéficient pas de distribution ou de support sur les ondes. Les Nordiques sont en avance sur nous dans pas mal de domaines. Leur culture est basée sur le respect. Nous avons beaucoup à apprendre d'eux. Dans ces pays, il y a moins de 'bordel' qu’ici. Tout est pensé dès le départ. L'éducation est une valeur fondamentale. Les programmes scolaires sont organisés en conséquence. Si l’enfant jouit d’une grande considération, il est également préparé au sens des valeurs humaines. Ce qui est totalement différent de notre système adopté dans notre vieille Europe.
Après avoir intégré du violon, dans votre musique, n’avez-vous pas l’intention de vous frotter aux instruments atypiques, comme la scie ou glockenspiel ?
Guiseppe : On y pense. Et peut-être aussi une harpe. Mais le violon est déjà trituré par des tas d’effets spéciaux ; ce qui plonge notre musique au sein d’un univers particulier.
Quel processus d’écriture respectez-vous chez Ozvald ?
Guiseppe : Je me réserve les textes, mais pour certains morceaux j’ai bénéficié du concours du chanteur d’un autre groupe, Frédéric Viseur. Je suis également responsable de la musique. Pour les arrangements j’ai reçu un fameux coup de main de Stéphane. Notamment ceux réservés aux maquettes. Et tout particulièrement pour les parties de batterie. On a aussi testé quelques guitaristes, et finalement j’ai demandé à Steph de s’y coller, car il s’y débrouille plutôt bien.
Question plus classique, puisqu’elle concerne vos influences…
Guiseppe : Elles sont multiples. J’ai écouté Jimmy Hendrix à l’âge de 5 ans. Il m'a marqué. Tout comme ces artistes majeurs issu des 70’s. Led Zeppelin, notamment, que mon frère aîné m’a permis de découvrir. Et puis toute cette vague progressive, dont le King Crimson de Robert Fripp. Que je considère comme un grand maître. Chaque fois qu’il s’est produit en Belgique, j’étais présent. C'est ma référence incontournable ! Malgré mes goûts éclectiques, je considère Hendrix, Fripp et Metheny comme des maîtres. Ce sont les trois références qui ont forgé mon style. Mais aujourd’hui je me suis ouvert à d’autres courants, dont l’opéra. Il y a toujours moyen de tirer parti d’autres genres.
Stéphane : Mes goûts sont assez variés, également. J’apprécie le rock, le funk, la prog et le jazz fusion. J'ai participé à l'ancien projet de Guiseppe.
Maxime : Je suis aussi très ouvert. Même au classique, au rap et au rock. Et puis comme batteur, j’ai un faible pour Muse et Red Hot Chili Peppers.
Hélène : À trois ans, j’écoutais Mozart. De la musique classique. A cause de la culture inculquée par mes parents. Et tout particulièrement ‘La Flûte Enchantée’. En double cassette. Mon violon est devenu, au fil du temps, le socle de mes influences. Puis j’ai écouté les Beatles, Michael Jackson et surtout Björk et Sting. Des artistes incontournables. Mais je ne considère pas ces artistes comme influences majeures. Simplement, ils m’ont apporté une ouverture d’esprit. Je signale quand même que je ne suis qu’une remplaçante…
La qualité du son, c’est une priorité pour vous ?
Stéphane : C’est le relais nécessaire entre notre musique et l’auditoire. Il est indispensable que l’ingé-son soit au diapason, sinon on est grillés.
Guiseppe : C'est également une marque de respect vis-à-vis du public. Il est important qu’on puisse reproduire en ‘live’, ce qu’on a démontré sur disque.
Quel est le dernier concert auquel vous avez assisté ?
Stéphane : Celui de Ben Harper au Cirque Royal, il y a un mois. Sans quoi, c’est la prestation de Fink qui m’a le plus fait flasher. La grande classe !
Guiseppe : Je dispose de moins de temps qu’auparavant, pour aller applaudir d’autres groupes ou artistes. Le peu qu’il me reste, je le consacre à mon projet. J’ai quand même eu l’occasion d’assister à un set de Balthazar. Il y a une certaine violence dans leur démarche. Elle est totalement différente de la nôtre. Je ne connaissais absolument pas ce band ; mais j’ai vraiment apprécié leur show.
Question bateau, quels ont les disques qui vous ont le plus marqués ?
Stéphane : Celui de Fink. Il existe un feeling authentique dans sa musique. Il est autodidacte et se sert d’une guitare dont les cordes sont en nylon. J'aime bien sa démarche. Il parvient à communiquer une grande profondeur à ses compos, alors que sa musique est rudimentaire. Mais d’une grande pureté…
Guiseppe : Perso, j’estime le que le meilleur album paru au cours de ces 20 dernières années, c’est le « Grace » de Jeff Buckley. Il n’est plus de ce monde, mais il a influencé un tas de monde…
C’est dans le cadre des Francoflies de Spa que Marie Warnant a eu la gentillesse de nous accorder cette interview. Soit ce 18 juillet 2014. Avant de se produire en concert. Notre entrevue se déroule à la cafétéria de l'Hôtel Radisson Blu Palace. L’artiste namuroise vient de publier son troisième opus, « Nyxtape » ; un disque dont elle partage l’écriture avec le bassiste d’Arsenal et d’Arno, Mirko Banovic. Mais pourquoi donc l’avoir intitulé « Nyxtape » ?
Marie : sur la pochette de l’album, on remarque la présence d’un chat qui a une drôle de tête : il a trois yeux et deux queues. 2 et 3, ce sont des chiffres importants pour moi. J'ai eu un frère jumeau. Parfois, je ne comprends pas comment on peut pleurer devant une émission de téléréalité et la détester en même temps. Il existe donc un côté doux et un autre très fort dans ma personnalité. Je peux tour à tour manifester ma joie ou ma mélancolie. Je peux me montrer audacieuse ou très réservée. Cette dualité, je l’assume et je l’aime bien aussi. J'ai besoin de travailler en duo. En compagnie de Mirko Banovic, par exemple ; même si j'écris des chansons toute seule. Ce sont les conséquences de mon passé, de mon histoire, et notamment parce que j’ai j'ai partagé le ventre de ma mère avec un frère jumeau. Je m’y retrouve, mais j'avais envie de dépasser cette dualité. De disposer d’un troisième oeil qui me conduit non pas de « Un à Dix » ou vers « Ritournelle », soit mes histoires de famille, mes joies et mes deuils, mais vers mon futur. Regarder droit devant moi et ouvrir une nouvelle page. C’est ce que symbolise le troisième œil de ce chat. Un chat un peu bizarre qui s'appelle Nyx. En réalité il s’agit de celui de mon graphiste, Sacha. Mais Nyx est également la déesse de la nuit dans la mythologie grecque. Quand j'ai vu ce chat et que j'ai entendu prononcer son nom, j’ai été interpellé. Il existe un aspect félin dans ma façon de vivre. J'aime beaucoup la nuit. Mes compos je les ai écrites en nocturne. Au calme, quand Bruxelles s'endort ou lorsque tout est paisible. ‘Tape’ se réfère aux K7 que j'utilise en live. Des K7 audio que je mixe pour créer un tapis sonore. 'Nyxtape' est un terme également très proche de 'Mix tape'. A l'époque, je réalisais beaucoup de 'mixtapes', soit des compiles de mes chansons préférées que je mettais sur une K7 audio. Je les j'écoutais en boucle et les rembobinais à l’aide un crayon. Bref, j’ai voulu adresser un petit clin d’œil, en même temps, à cette époque-là, à mon côté double, au chat et à la nuit.
Quand as-tu rencontré Mirko Banovic ?
Marie : Lors de la tournée destinée à promouvoir mon second album. Il m'avait accompagné. Nous nous étions produits aux Francos, sous le chapiteau. Mon batteur actuel participait déjà à l’aventure. On avait déjà partagé quelques dates dans le cadre de « Ritournelle ». On s'est ensuite revus lors d'un hommage à Gainsbourg d'abord, puis à Moustaki. Nous en avions déduit que nous partagions des sensibilités artistiques plutôt compatibles. Et on s’est promis de tenter une petite collaboration ensemble. D’abord pour un titre. Et au fil du temps, on a conclu qu’on pourrait aller au bout d’un album. De fil en aiguille, nous avons partagé la composition, l'arrangement et la réalisation. Ce disque on l’a réalisé à deux. Il m'a beaucoup aidé à progresser et a enrichi ma culture musicale. Il m’a fait écouter des tas de trucs qui ne collaient pas spécialement à ma musique. Il voyait des synergies où moi forcément je n'en voyais pas. C’est quelqu'un qui multiplie les projets aussi bien ambitieux que modestes. Un type passionné et généreux. Il ne se borne pas à ta notoriété pour entamer une collaboration. Que ce soit Arno, Arsenal, X, Y ou Z, son implication est identique…
D’une certaine manière, tu te lances dans l’expérimentation…
Marie : Est-ce vraiment de l'expérimentation ? Il est vrai que j’aime prendre des risques et aller vers l'inconnu. Mais tant que je peux me baser sur des acquis. J'ai réalisé mes deux premiers albums en compagnie de Vincent Liben, le guitariste de Mud Flow. Je pense que notre coopération commençait à s’essouffler et perdait de sa fraîcheur. J’ignore si c’est l’expérimentation que je recherche, mais plonger dans l'inconnu, c’est une volonté. Dans l'inconnu, je vais au-delà de mes limites et je prends de l’envergure. C'est un peu comme dans le monde du tennis, quand tu joues contre un adversaire plus fort que toi, tu deviens plus fort. C’est le fruit de ton expérimentation personnelle. Bien sûr, je déteste les productions lisses et passe-partout. Je privilégie l'originalité. Mais ce n’est pas toujours fructueux, car il faut que le public puisse accrocher. Cependant, être différente, me plaît…
Tu collabores encore avec Vincent Liben ?
Marie : Non, plus pour l’instant. Nous avons eu Vincent et moi une coopération aussi bien artistique qu’amicale. Il est resté un ami. Mais j'avais besoin de me renouveler. Quand j'ai rencontré Vincent pour enregistrer mon premier album, il militait chez Mud Flow. Sa musique baignait dans une ambiance très rock'n'roll. Progressivement, il s’est converti à la chanson française (NDLR : il a depuis remonté Mud Flow !). J’y étais déjà et je souhaitais explorer un créneau plus alternatif. Donc nous ne pouvions plus nous apporter grand-chose. Mais vu son talent, je pense que Vincent m'écrira encore des chansons.
Hormis Mirko, quels sont les musiciens qui t'ont suivi dans l'aventure ?
Marie : D’abord Laurens Smagghe. Il a pas mal bossé pour Sharko et Sioen. Il a rejoint Arno maintenant. Puis Tom Goethals, l’ex-guitariste du groupe gantois Barbie Bangkok, une formation très électrique. Pour le son, j’ai retrouvé mon vieil ami Erwin Autrique qui avait mis en forme mon second album. On s'est retrouvé pour deux titres avant de finaliser le disque. Et il était presque terminé, lorsque Mirko et moi avons adapté un titre de Tom Jobim que j’appréciais beaucoup. Un dernier petit cadeau avant de passer à la gravure. En tournée, gravite pas mal de monde, qui ne monte pas nécessairement sur les planches. Dont l’ingé-son. Son rôle est essentiel. Aussi bien pour les musiciens que lorsque je me produis seule en ‘live’. J’ai conservé une formule en solitaire ; mais j’ai quand même besoin de mon technicien. C'est une petite famille.
Une artiste francophone qui récolte du succès en Flandre, ce n’est pas fréquent ?
Marie : En fait, c’est parce qu’en Flandre, on ne m’a pas enfermé dans un tiroir. Je débarque en affichant une certaine fraîcheur. Je joue en compagnie de musiciens flamands. La sonorité de ma musique est plus proche de ce qu’on écoute dans le Nord du pays, que de la chanson française au sens le plus strict du terme. Certaines personnes cultivent des apriorismes. Surtout à partir du moment où tu sors un troisième album. Et vous snobent. D’autres sont plus ouvertes, et font l’effort de vous écouter. De vous diffuser. J’ai pris le risque de me renouveler. Et on ne prend même pas la peine de le vérifier. Ce n’est pas très juste. Pourquoi mes chansons passent-elle plus souvent sur les radios néerlandophones que francophones ? C’est parce qu’en Flandre, on évalue la Marie Warnant actuelle, pas celle vue et entendue il y a 10 ans, en formule acoustique. Il existe une véritable ouverture d'esprit dans le Nord du pays.
Compliqué la vie d'artiste, en Belgique…
Qu’as-tu privilégié sur ce troisième opus, la musique ou les textes
Marie : Plutôt la musique. J'ai terminé la tournée « Ritournelle » en acoustique. J'étais assise pour gratter ma sèche. Et je rêvais être debout armé d’une guitare électrique. J'ai pensé d'abord à la scène. Mais surtout Mirko. Il y privilégie d’ailleurs le groove. Mais ce n’était pas une mince affaire de coller des textes en français sur ce style musical. En anglais, on peut chanter, à peu de choses près, la même phrase pendant trois minutes et demie. Et le texte est cohérent. Si je dis : ‘It's Raining Again’. Ok, ça sonne bien. Mais répéter ‘Il pleut, il pleut, il pleut’ ne tient pas la route. En tous cas, j'avais toujours les mélodies en tête. Puis il y a fallu mettre les textes. Certains sont nés assez rapidement. Pour d’autres, l’inspiration s’est révélée plus laborieuse…
Finalement « Nyxtape », c’est une exploration de la mythologie grecque ou une projection dans le futur ?
Marie : Je dirais plutôt un voyage vers le futur. La mythologie grecque se limite au chat et à la déesse de la nuit... Mon tempérament est tourné vers l'avant et le troisième oeil de ce chat regarde bien devant lui. Ni à gauche, ni à droite, ni derrière. Et pour la suite, j’en ai déjà prévu un quatrième…
Donc, tu as d'autres projets en chantier.
Marie : Oui, effectivement. Un duo en compagnie d’Akro (NDR : un ex-Starflam) qui m'a invité lors des sessions de son nouvel album. Il paraîtra en mars 2015 et sera canon. Il m’a proposé d’interpréter un hymne qui rend hommage aux femmes ; et je suis très honorée d’avoir participé à une plage de son futur cd. C’est un fameux personnage ; et j’ai été ravie de le rencontrer…
As-tu encore le temps d’écouter les disques d’autres artistes ? Si oui, quels sont ceux qui t’ont le plus influencé ?
Marie : Avant de rentrer en studio, j’ai beaucoup écouté Arto Lindsay. Moins de chanson française, comme avant d’enregistrer « Ritournelle ». J’écoute de la musique un peu barrée. Pas toujours immédiate et rarement commerciale. Je suis fan de David Byrne. Quand on entre la première fois dans son univers, on ressent une impression un peu bizarre. Mais dès que tu y pénètres, tu y restes. Je pense que je me retrouve un peu dans sa philosophie. Lorsque tu plonges dans mon album, tant la première que la seconde fois, tu es un peu surpris. C’est un peu comme lors de ton premier baiser. Ce n'est pas toujours canon. Il faut prendre son temps… David Byrne a apporté sa collaboration à Anne Clark et Saint-Vincent, une guitariste exceptionnelle. Damon Albarn est aussi quelqu’un que je respecte. Outre Blur et son projet solo, il a apporté son concours à de multiples artistes, dont Bobby Womack. Je suis fasciné par ce type de personnage qui ne s’enferme pas dans un carcan, refuse qu’on l’y enferme, voyage et développe des projets en compagnie de blacks ou d'autres ethnies. Pour moi, c'est une véritable liberté artistique. Toucher le public et lui plaire par cette création authentique.
Quel est le dernier concert auquel tu as assisté qui t’as le plus marqué ?
Marie : Celui de David Byrne et Saint-Vincent. C’était au Bozar de Bruxelles. Un concert à la fois classe et très chic. Sinon, lorsque Timber Timbre s’est produit dans le cadre des Ardentes. Un spectacle énorme et sexy. C'est un crooner. J'ai beaucoup écouté son disque, mais j’ignorais à quoi il ressemblait. Je n’avais pas encore mis de visage sur son nom. Et j’ai été très étonné de le découvrir en chair et en os. J’imaginais Taylor Kirk, de couleur noire. J’adore leur musique. Mais de nouveau, elle n’est pas immédiate. Il faut un certain temps avant qu’elle vous ne vous apprivoise…
Pour terminer cette interview, on aimerait connaître les trois albums que tu considères comme essentiels ?
Marie : Tout d’abord « Everyday Robots » de Damon Albarn. Ensuite le « The Bravest Man In The Universe » de Bobby Womack. Il est fabuleux. Enfin, une œuvre de Frank Sinatra ou de Nate King Cole, parce qu’elles sont classiques et intemporelles. Et surtout empreintes de romantisme. Or, je suis très sensible au romantisme…
Depuis deux jours à présent, une étrange silhouette ressemblant vaguement à la mort, trône en soirée devant l’entrée du site.
En lieu et place d’une faucille, elle tient en équilibre précaire un amas de PMC composé principalement de bouteilles usagées.
Je n’arrive pas à décrypter son message barbouillé d’une écriture sale en néerlandais, mais j’y vois un appel désespéré à plus de bon sens.
Hélas, les photos immortalisées après le festival prouvent si besoin était, l’inconscience et la bêtise du plus grand nombre.
Heureusement que le site pouvait, lui, compter sur de courageux volontaires, qui tout au long de ces trois jours, ont arpenté le terrain, ramassant sans relâche les divers détritus abandonnés négligemment.
C’est donc sur une plaine encore clean que commence ce dernier jour de l’édition 2014 du Pukkelpop.
Quelques préparatifs liés aux contingences d’un départ agencé m’obligent à sillonner Kiewit de long en large avant de venir traîner mes guêtres du côté du Marquee.
Je suis bien inspiré, car j’assiste là à la très convaincante performance de Big Ups.
Boutant le feu à l’aide de ses brûlots hardcore aux résonances Punk, le groupe réveille mes sens engourdis.
Pas loin d’un Black Flag suintant d’huile et de sueur, d’un Fugazi sous tension ou plus près de nous, d’un Metz dévalant les escaliers qui conduisent à un tripot obscur où des Pavement nihilistes s’asticoteraient le manche en cachette, ces Américains proposent une musique ‘électrifiante’ et juste. Dans le ton et le propos.
Pour preuve, au sortir de scène, les musicos proposent d’acheter leurs T-shirts ici même sans passer par le stand officiel.
Attitude Punk avez vous dit ?
Il me faut d’ailleurs un peu de temps pour remettre mes neurones en place, et ce n’est sûrement pas l’insipidité de The Neighbourhood qui va m’y aider.
J’en profite donc pour recharger mon GSM auprès d’une borne prévue à cet effet, subissant au passage les échos venus de la Main Stage.
Le portable rechargé, je rejoins une nouvelle fois le Marquee, qui ce samedi, va devenir ma seconde résidence…
J’y découvre Sweethead groupe américain sonnant américain et très susceptible de ne plaire qu’aux Américains.
Très anecdotique, la musique du combo n’est pas spécialement mise en valeur par la préposée au micro. Cintrée dans une petite robe aux écailles argentées et aux allures de lampadaire, Serrina Sims aguiche le public (surtout les mâles) ; mais ni sa voix, ni son chant, ne se relèvent pertinents.
Par contre, du côté du Wablief ?, la découverte vaut le détour.
Emmené par le ‘pluriforme’ Tim Vanhamel (Millionnaire), Little Trouble Kids revisite la noirceur des bayous qui serpentent secrètement dans les entrailles de l’enfer.
Un trio complice où chaque membre est à sa place et connaît son rôle.
A commencer bien sûr par Tim, qui malmène sa gratte et joue du Substain avec tout le talent qu’on lui connaît, mais aussi de la chanteuse dont le timbre hanté fait cohabiter dans un même univers Anne Clark et Sonic Youth.
Ponctué par une reprise magistrale du « Mercy Seat » de Nick Cave, le set des Anversois tient en haleine d’un bout à l’autre et j’en ressors galvanisé.
Je pense à tort que la prestation de Bill Callahan va m’apaiser, mais celui qui jadis se produisait sous le patronyme de Smog, a décidé de brouiller délicieusement les pistes.
Transformant le Club en salon noyé de volutes grisantes, le songwriter étale son génie avec modestie et justesse.
Sa musique, interprétée par un band au grand complet, servant d’écrin à de belles histoires qu’il étend sur le fil du temps de sa voix de crooner.
Entre grâce et mystère, les quarante cinq minutes du show s’écoulent bien trop rapidement à mon goût, et le public réserve une belle ovation, amplement méritée à Bill et sa clique.
Tant qu’à côtoyer les moments de grâce, pourquoi donc se priver ?
Si Jake Bugg se produit sur la Main Stage, c’est tout naturellement vers le Marquee que je me dirige à nouveau.
Là, Fink déroule, en toute simplicité, comme d’accoutumée pour cet artiste exceptionnel.
Dans sa musique, jamais la technique ne vient damer le pion à l’émotion.
Il en est donc tout naturellement de même cet après-midi. Et le génial barbu de nous proposer un large éventail de son dernier elpee en date, « Hard Believer ».
Un autre moment de magie au sein d’une journée qui en est déjà émaillée, alors qu’on pressent que ce n’est pas fini.
Si Kellis attire ensuite la toute grande foule, c’est à un tout autre registre que je me réserve, puisqu’à quelques mètres de là, Red Fang s’apprête à en découdre avec une audience impatiente.
Une poignée de main générale entre les membres du groupe et le set peut commencer sur les chapeaux de roues.
Il ne faut pas longtemps pour que le public se mette à pogoter dans un esprit bon enfant (puisque même les filles sont invitées).
Le Stoner Rock impeccable des Yankees, loin de tout cliché, est riche, intelligent et sacrément bien exécuté ; et c’est donc à regret que je dois les quitter.
Mais déjà l’atmosphère est plus compacte à l’intérieur du Marquee et l’attente révérencieuse remplace ici la tension qui caractérise l’ambiance au sein du Shelter.
Concédant un peu de retard sur l’horaire, Darkside pénètre l’obscurité, mais très vite, illumine les ténèbres de ses sonorités plurielles.
L’Electro libre de Nicolas Jaar et les introspections guitaristiques de son comparse Dave Harrington se répondent parfaitement en échos hypnotiques et génèrent une ébullition au sein de la foule, partagée entre fans et curieux.
Un excellent show et sans doute la dernière occasion de les voir puisque le groupe annoncera dans la foulée, la fin prématurée de leur collaboration.
Il faut à présent patienter une heure, mais l’attente en valait la peine.
Quand Portishead monte sur l’estrade, introduit par « Silence », l’excitation est à son paroxysme pour certains dans le public.
Et on peut comprendre.
Ne comptant seulement que trois albums à son actif, le groupe de Bristol est du genre plutôt rare, et leurs concerts constituent dès lors des évènements.
Célébrant ainsi les vingt ans de « Dummy », premier elpee passé à la postérité en très peu de temps, Geof Barrow et Beth Gibbons proposent un Live en forme de Best Of.
Absorbée par son interprétation, possédée par ses paroles et préservée par un instinct timide, la chanteuse semble distante de son public, mais ce n’est là qu’une fausse impression, car dès la fin du concert, c’est en manifestant un enthousiasme enfantin et affichant un sourire béat qu’elle descend dans la foule pour communier auprès de ses fans.
Le retour au premier plan de Portishead attise déjà les plus grands espoirs d’un quatrième opus.
Enfin, Calvin Harris catapulte des milliers de fêtards dans les étoiles ; mais en ce qui me concerne, la tête bien pleine et des souvenirs plein ma besace, je prends le chemin du retour…
(Organisation : Pukkelpop)
Le marathon reprend de plus belle. Deuxième journée de festivités qui démarre de façon timide. Le public semble reprendre lentement son souffle, le site se remplit doucement de ses silhouettes caractéristiques.
Les premiers concerts de la journée se déroulent devant des parterres clairsemés.
Mais les bonnes surprises, elles, n’attendent pas.
A première vue, Lonely The Brave ne semble pas avoir une carrure suffisante pour revendiquer une programmation plus tardive sur un quelconque podium du festival.
Leur Rock conventionnel n’est, en outre, pas servi par l’attitude nonchalante du chanteur qui manifestement ne différencie pas le ‘live’ de son local de répète.
En fait, c’est sous le toit du Club que ça se passe.
Il est à peine onze heures vingt et quatre jeunes gens sont déjà occupés de foutre le feu à la baraque.
Exotique, leur patronyme ne définit pas vraiment leur style musical ; et pourtant, The Bohicas constituera la première sensation de la journée.
Hébergés sous le label Domino, le groupe originaire de l’Essex gagne facilement la sympathie d’un public d’abord amorphe, mais bientôt secoué de soubresauts précoces pour cette heure de la journée.
Des guitares bien saignantes et une basse bien ronde entretiennent un climat sonore au charme immédiat et hautement jouissif.
Des qualités dont ne peuvent se targuer les jeunes gens de Young Buffalo qui soulèvent à peine un sourcil ou deux devant une Main Stage ressemblant à ce moment du jour à une rizière dévastée.
Les New-yorkaises de Lucius (aperçues auprès de Nagui un soir de zapping) proposent une Electro Pop de facture on ne peut plus anodine.
Un face à face de blondes platinées au devant d’un band bien propre sur lui, pour un résultat certes pas désagréable, mais manquant néanmoins de piment.
Pendant ce temps, Nick Mulvey prend le soin de donner corps à ses chansons chaloupées (NDR : il a étudié la musique à Cuba) de manière un peu systématique mais du reste efficace ; commencées en mode mineur, sous les caresses de ses doigts parcourant les six cordes de sa guitare (et de fort habile manière), les chansons enflent à mesure d’une progression narrative assez captivante qui inévitablement, laisse en suspens quand le morceau se termine, amorçant l’attente du suivant.
Une recette qui a le don de plaire au public qui commence à enfler au sein du Marquee.
Après coup, la Pop plus évidente de My Little Cheap Dictaphone s’avère être encore plus rafraîchissante que d’accoutumée.
Un peu timoré au début, le groupe se lâche progressivement, gagnant l’attention d’un auditoire curieux de découvrir ces valeureux Liégeois.
Et s’il ne s’agit pas de leur meilleur set, il récolte néanmoins, sont lot de louanges.
Au sortit du Wablief ?, une Delorean m’attend et me conduit illico au Marquee où Fonzy et toute la bande de Happy Days font la bringue devant Nick Waterhouse.
C’est que notre homme, sorte de Buddy Holly ressuscité sait y faire dans un registre comme on ne fait plus que rarement et certainement pas comme lui le fait, c’est à dire de manière si authentique.
Erudit musical et grand consommateur culturel, il revisite la Soul, le Rock, le Jazz avec brio et talent.
Son show a tôt fait de conquérir une foule totalement absorbée par une magie rétro distillée par un band composé de musiciens hors pair.
Une violente averse disperse les festivaliers qui se réfugient partout où l’on peut s’abriter ; mais il devient difficile de se faufiler d’un côté ou d’un autre.
Hésitant entre Sharon Van Etten et Other Lives, c’est finalement auprès de ces derniers que j’échoue.
L’impact n’est pas immédiat mais les cascades d’harmonies qui émanent de la scène, là-bas, au loin, retentissent comme des sirènes ; et j’ignore par quelle sorcellerie, mais elles finissent par m’attirer.
La barbe hirsute qui mange le visage émacié du leader ne peut retenir le flot céleste qui s’écoule de sa bouche, et l’instrumentation élégante se charge d’amplifier l’aura d’une musique qui charme mes sens.
Si seulement il n’avait pas autant plu, alors, j’aurais pu m’approcher davantage de cet instant de grâce.
Un état dans lequel je resterais volontiers, mais qui n’est pas vraiment l’apanage de Cage The Elephant. Il mise plutôt sur l’énergie débridée de son charismatique chanteur. Celui-ci s’amuse fort bien, se jette régulièrement dans la foule et décroche l’effet fédérateur escompté. Personnellement, une certaine torpeur commence à m’envahir…
J’ai besoin d’une bonne dose de sauvagerie décousue.
Ça tombe plutôt bien, puisque en retournant dans le Castello, je suis accueilli par un uppercut crapuleux, salement assené par une bande de jeunes gens pas très fréquentables.
Bestial à souhait, The Amazing Snakeheads, le groupe glaswégien sait jouer des coudes et balancer son Rock cradingue comme une morve salvatrice dans un paysage gris et triste (l’Ecosse, les boulots de merde, la pluie, etc.)
C’est pervers comme du Cramps sous ‘amphètes’ (NDR : l’elpee est judicieusement intitulé « Amphetamine Ballads »), retors comme du James Chance, et hargneux comme du Birthday Party.
Le bassiste se voûte sur son instrument comme le diable sur une vierge, et le vocaliste impressionne par son physique patibulaire tout comme son regard habité.
Une sacrée trique parfaitement placée sur la grille horaire.
Une grille horaire où on se bouscule au portillon.
Tellement, qu’il en devient difficile de savoir où donner de la tête et où laisser traîner ses guiboles.
Balthazar étale sa classe au soleil, Kurt Vile sous le chapiteau du Club, Blaudzun au Marquee et Neneh Cherry rappelle quelle grande dame elle est dans le Castello.
Mais au demeurant, c’est Thurston Moore et son nouveau super band qui va ravir tous les suffrages du jour.
Doté d’une classe intrinsèque, l’ex-Sonic Youth possède toujours le culot de visiter le Rock sous ses coutures les moins apparentes et de restituer son âme par la magie de son jeu de guitare unique.
Aidé par le fidèle Steve Shelley, mais aussi Debbie Googe (My Bloody Valentine) et James Sedwards, Thurston n’a rien perdu de son talent, au point de ne pas nous faire regretter le moins du monde la fin de son groupe mythique qui impliquait Kim Gordon.
Le light show et la musique sont en parfaite harmonie avec le propos musical proposé, mais le set semble bien trop court et donne envie de plonger tête baissée dans ce nouvel album aux relents de souffre.
De quoi aussi donner le tournis à The National qui fort heureusement pour eux, n’a pu assister à ce concert.
Propulsé sur la grande scène, c’est sans conviction que le groupe se contente de dispenser un concert mou du genou.
Pour leur quatrième apparition sur le sol de Kiewit, la messe a des relents de déception pour beaucoup, à commencer par votre narrateur.
Si le succès sans cesse grandissant du band les emmène vers des sommets toujours plus hauts, il serait grand temps qu’ils songent à se reposer, tant Matt Berninger, cheveux gras et dos courbé, semble au bout du rouleau.
Pas étonnant, vu l’incroyable série de dates accumulées sur deux ans, outre l’enregistrement d’un opus qui n’avait aucune chance de rivaliser avec le précédent.
Une âme qui s’effiloche, mais aussi des conditions peu favorables, même si The National est appelé à jouer plus souvent dans des structures gigantesques qu’à l’arrière de sombres sales où leurs chansons trouveraient certainement mieux leur place.
Tentant de gommer cette vilaine impression, je rejoins le Club, où The War On Drugs déploie la majesté de son dernier opus, au nom évocateur de « Lost In The Dream ».
Classieux et sans esbroufe, le combo de Philadelphie retrace le lien intangible que lui seul peut tendre entre Fleetwood Mac et Springsteen.
Neuf titres et un rappel pour définitivement convaincre les sceptiques de leur fantastique potentiel.
La nuit étend ses ailes, et je m’évade dans mes rêves, quittant la plaine pour mieux y revenir demain.
(Organisation : Pukkelpop)
Pour la septième journée du Brussels Summer Festival, votre serviteur a décidé d’opter pour le Magic Mirrors. S’y produisent Leaf House, Cascadeur et Coffee Or Not. Tiens, je remarque la présence de Noa Moon dans le public. Elle est venue assister au set de ces derniers, alors qu’elle se produit dans la foulée, au Mont des Arts…
Pour le début du concert de Coffee Or Not, le public est assez clairsemé. Et l’enceinte va se remplir au fur et à mesure. La dernière fois que j’ai pu voir le combo en ‘live’, c’était au Salon de Silly, en première partie de Birdpen. Soho Grant se charge des vocaux et du synthé et véritable homme-orchestre, Renaud Versteegen de la guitare et des drums. Ils sont soutenus par Frédéric Renaud à la basse. Renaud a donc troqué sa sèche contre une gratte électrique. Aussi leur folk s’est mué en rock/pop à coloration électro. Et leur troisième opus, « SoRe », en est une belle illustration. Faut dire aussi que Soho était très favorable à cette conversion. Hormis « Jack », l’intégralité du dernier elpee figure dans la setlist. Pour un show qui se limitera à 45 minutes.
Et il s’ouvre « Part Of Us ». Les percussions sont bien mises en exergue. La voix de Soho est superbe. L’ajout de la basse apporte une autre dimension à leur musique. Le début d’« Ave Maria » est instrumental. Soho participe aux percus, dont les cymbales. Caractérisé par son refrain contagieux, « City Burning » constitue manifestement le sommet de leur set. Les harmonies vocales partagées par le couple sont magistrales. Place ensuite à « Lush », le titre le plus radiophonique de leur répertoire. Outre « Tragic Animal Story », Backpack », « Winter Day » et « If You Don't Understand », on aura droit à deux inédits. Tout d’abord « May I Lay Down », un morceau particulièrement incisif ; et en finale, « Ghost ». On n’a pas vu le temps passer. Signe que le spectacle était de qualité.
Le temps de changer de matos et de se farcir le soundcheck, et c’est Leaf House qui monte sur l’estrade. Lors de leur prestation accordée dans le cadre des Nuits Botanique, le band avait séduit l’auditoire. En conjuguant judicieusement nappes de claviers et sonorités de gratte bien balancées, pour créer une musique terriblement riche ; tout en tirant parti des interventions vocales si particulières, éthérées, de Romain Cupper. La setlist est identique. Elle épingle « Fighting », « Go Outside », « Four Walls », « Dancing Shades », « Cat Mum », « Spine Sippin », « Kind Of Flames » et s’achève par « Feel Safe ». Le meilleur moment du concert ? « Dancing Shades ». Digne de Grizzly Bear. Excellent, même si le set était un peu court.
Vers 21h15, le présentateur nous invite poliment à vider les lieux afin de permettre à Cascadeur de réaliser son soundcheck. Il ne tolère aucun spectateur dans ses parages, quand il règle ses balances. Le personnel nous glisse un autre bracelet de couleur bleue à la sortie, et nous invite à revenir vers 23 heures, pour assister au spectacle. Je file alors vers le Monts Aux Arts alors que Noa Moon achève sa prestation. Pas de souci, je la revois sur les planches, dans le cadre du festival de Scène sur Sambre. Je préfère m’abstenir pour Renan Luce. Sa voix est un peu trop soporifique à mon goût…
On en revient donc à ce fameux Cascadeur. Mais avant de pénétrer dans le Magic Circus, il s’est formé une file interminable. Bref, Alexandre Longo fait son apparition sur l’estrade, casqué et chaussé de lunettes fumées. Il est guidé par quatre faisceaux lumineux émis par les lampes de poche de ses musiciens. L’entrée en matière est intéressante. Mais dès qu’il s’est mis à chanter, j’ai immédiatement déchanté. Sa voix est totalement insipide. Un seul morceau m’a quand même plu dans cet ensemble consternant, « Walker ». Et pourtant, il y a autant de monde à l’extérieur qu’à l’intérieur du chapiteau. Et imaginez la foule dehors face à cet écran géant qui dispense un son complètement pourri. Bref, si les plus indulgents font mine d’apprécier, votre serviteur préfère s’éclipser, ne revenant que lors du morceau final, dont question ci-dessus. Heureusement que Coffe or Not et Leaf House ont sauvé ma soirée…
(Organisation : Brussels Summer Festival)
Coffee or Not + Leaf House + Cascadeur
(Voir aussi notre section photos ici)
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