Les Lokerse Feesten fêtent donc leurs 40 années d'existence en 2014. Et chaque édition consacre une journée au métal. Un ‘Metal’s day’ qui s’est donc déroulé ce dimanche 3 août. Au programme Channel Zero, Devin Townsend Project, Dimmu Borgir, Down, Motörhead et Within Temptation.

La formation belge Channel Zero ouvre les hostilités. Très tôt, puisqu’il est 16h30. Dans l’univers du métal noir, jaune, rouge, il s’agit certainement de la formation la plus ancienne. Fondée en 1990, elle s’est inspirée de « She Watched Channel Zero », une compo du groupe de rap américain Public Enemy, pour choisir son patronyme. Le combo s’était séparé en 1997, avant de se reformer en 2010. A 7 reprises elle parvient alors à remplir, une institution comme l'Ancienne Belgique. Malheureusement, le 10 août 2013, Phil Baheux, le drummer, décède inopinément. Juste avant un concert que le band devait accorder dans le cadre du Brussels Summer Festival. Il s’y produira, mais pour y dispenser un bref mais émouvant set acoustique en hommage à leur batteur. C.Z. décide néanmoins de poursuivre l’aventure, et recrute Seven Antonopoulos, un musicien grec, pour participer aux prestations ‘live’, comme préposé aux fûts. « Kill All Kings », leur nouvel elpee, paraît début 2014, un disque qu'il vient défendre au sein d’une AB sold out le 11/04/2014.

Franky De Smet Van Damme (NDR : fier de son nouveau micro), le toujours aussi fringant bassiste Tino Di Martino et le gratteur Mikey Doling, sont bien accompagnés par le nouveau drummer hellène, Seven Antonopoulos. Le set ne va cependant pas dépasser les trois-quarts d’heure. Une petite déception quand on est apprécie tout particulièrement le meilleur groupe belge de métal.

Suivant un certain rituel, Franky s’asperge la tête d’eau, et en réserve également à la foule. Toni partage également ces ablutions, puisqu’il en reçoit dans la nuque. Le vocaliste est en forme. Véritable boute-en-train, il s’autorise même, en fin de parcours, un petit périple au-delà des barrières afin de rejoindre son auditoire. Et le drummer a également la pêche, puisqu’il parvient à briser la pédale de la grosse caisse. Un incident rapidement réparé par les roadies. Entre le quatuor et les spectateurs, l’interactivité est parfaite. Lorsque Mikey a soif, il affone une bière. Moment choisi par Franky pour lui placer le micro sous le menton, afin de bien répercuter le rot salvateur de Mikey. Bourrés d’énergie, les compos défilent : « Feed'Em Witch A Brick », « Hot Sumer », « Suck My Energy », « Dark Passanger », « Electric Cocaine » et en finale, l’incontournable « Black Fuel ». Le quatuor rend également un hommage à Phil, leur ami disparu, lors d’un « Angels » particulièrement électrique. Un set court, puissant, mais bigrement excitant…

Agé de 42 ans, Devin Townsend drive donc son propre band. Talentueux sixcordiste, il a été découvert par un des maîtres sur l’instrument, Steve Vai. A l’époque, le Canadien vient à peine de fêter ses 19 printemps. Et le New-yorkais lui propose d'enregistrer sous sa houlette, « Sex And Religion ». Suite au départ de Robert Halford, Judas Priest propose également à Devin, la place vacante de chanteur. Devin décline l'offre et préfère se concentrer sur sa carrière en solo. Qu’il entame d'abord sous son propre nom ; avant de lui coller, dès 2009, le qualificatif Project. Devin est également venu défendre son nouvel album, « Casualties Of Cool », paru en avril. La plaine est déjà bien garnie. Le leader est soutenu par un second gratteur, un bassiste dont la barbe est aussi fournie que celle de Léopold II et drummer, qui malgré ses frappes frénétiques, se révèle avant tout efficace. Voire même exceptionnel…

Le show s’ouvre par un « Seventh Wave » plutôt pompeux. Les interventions de Devin sur son manche sont magistrales. Mais le son manque de netteté, fait tellement rare à Lokeren, qu’il faut le souligner. Faut dire que les accès de basse sont trop envahissants. Pour préserver mes fragiles tympans, les boules-Quiès sont de rigueur. « War » baigne dans une même emphase. Heureusement, Devin maîtrise bien sa voix. Tout comme sa guitare. Il arpente constamment l’estrade. La musique de Devin Townsend Project est le fruit d’un mélange bien équilibré entre death, thrash, black et indus. Une fusion de formes métalliques extrêmes. Pourtant, quoique puissante, l’expression sonore peut se révéler mélodique. Du tracklisting, limité à 40 bonnes minutes, j’épinglerai « By Your Command », « Dead Head » et « Planet Of The Apes ». Je découvre pour la première fois ce Devin Townsend Project. Et difficile de se faire une opinion valable, après un set aussi court. A revoir dans d’autres conditions. Et surtout en salle…

Le changement de matériel est assez rapide. Trente bonnes minutes. Place dès lors à Dimmu Borgir, une formation norvégienne qui compte déjà deux décennies de carrière. Et dans le domaine du black metal mélodique, c’est une référence. J’avais eu l’occasion d’assister à leur set, en première partie de Korn, il y a un peu plus de deux ans, à l'Ancienne Belgique. Le concert des Vikings s’était déroulé au cœur d’un décor dépouillé. A Lokeren, les fumigènes, braseros et autres artifices pyrotechniques vont nous en mettre plein la vue. Un peu comme Sabaton, l’an dernier. Et finalement, heureusement que cet environnement est resté sobre lors du show accordé dans la salle bruxelloise, sans quoi il aurait fallu appeler les pompiers à la rescousse. C'est également la première fois que j’assiste à un concert de ce groupe, dans le cadre d’un festival. Leur grimage est de couleur blanche, afin d’accentuer l’aspect sombre de leur black metal. Malgré deux opus gravés par la suite, soit « In Sorte Diaboli » en 2007 et « Abrahadabra » en 2010, le band puise essentiellement sa setlist dans l’elpee « Death Cult Armageddon », qui remonte à 2003. Pas moins de six plages de cet album lui sont réservées : « Allegiance », « Progenies Of The Gredt Apocalypse », « Lepers Among Us », « Vredesbyrd », « Cataclysm Children » et « Eradication Instincts Defined ». Une œuvre qui présage la fin du monde. Et elle commence peut-être sur la plaine de Lokeren. La carrure du vocaliste, Stian Thoresen aka Shagrath est impressionnante. On dirait que sa voix émane d'outre-tombe. Alias Galder, Thomas Rune Andersen (NDR : le guitariste !) a le regard qui tue (NDR : je parie que dans la vie de tous les jours, ce gars est sympathique). Le claviériste a également de la taille. Son physique me fait penser à celui de Rammstein. Le combo a des planches et son show va vraiment impressionner l’auditoire. Il concède un morceau d’« Abrahadabra » (NDR : le long playing que votre serviteur apprécie le plus !), « Dimmu Borgir ». Le concert s’achève par « Mourning Palace », un extrait de leur troisième LP, « Enthrone Darkness Triumphant », sorti en 1997. Mon premier coup de cœur pour la journée !

Fondé en 1991, Down a décroché un album de platine, aux States, en 1995. Puis le combo s’est montré plus que discret, s’autorisant même deux longues pauses. Ce qui explique pourquoi, à ce jour, le band ne compte que trois elpees à son actif. Une formation yankee formée par l’ex-Pantera Philip Anselmo. Préposé à la six cordes, il est toujours soutenu par Pepper Keenan, à la seconde gratte et Jimmy Bower aux drums. La musique de Down est puissante. Les riffs de guitare sont accablants, gras et huileux. Les drums sont incisifs et plutôt rock’n’roll. La voix est gutturale. Elle est cependant imbibée de bourbon. Philip harangue la foule en arpentant l’estrade de gauche à droite ou de droite à gauche. Un set idéal pour chauffer la tête d’affiche.

Motörhead a multiplié les annulations au cours des derniers mois. A tel point qu’on se demandait si finalement, il allait bien se produire, aux Lokerse Feesten. Leur dernier opus, « Aftershock » est paru l’an dernier. Et la bande à Lemmy est quand même venue plaider sa cause.

Nouveau changement de matos et la formation insulaire peut monter sur les planches. Elle débarque même quelques minutes avant l’horaire officiel. ‘Hello, We Are Motörhead!’ lance Lemmy à la foule. Agé de 69 balais, le vieux rocker a rencontré quelques sérieux problèmes de santé, au cours des derniers mois. Faut dire que son addiction au sexe, aux drogues et à l’alcool devait inévitablement déboucher sur une impasse. Il s’agit de la seule date accordée par Motörhead sur le sol belge.

Drivé par le chanteur/bassiste Lemmy Kilmister, Motörhead maintient le cap depuis le début des 70’s. Au sein du trio, Phil Campbell se consacre à la guitare et Mikke Dee, aux drums. Trempée dans le whiskey, la voix de Lemmy constitue toujours une référence pour quatre générations de métalleux. Et un concert du trio est totalement dévastateur. Perso, à moins d’être totalement sourd, impossible de l’encaisser sans boules-Quiès. A l’avant-scène, la muraille d’amplis ‘Marshall’ crache le feu. Ou les décibels, si vous préférez. Motörhead ne fait pas dans la dentelle. J’imagine alors une danseuse gambader sans tutu ni ballerines…

Le set s’ouvre par trois pistes, issue d’« Overkill », un long playing paru en 1979 : « Damage Case », « Stay Clean » et « Metropolis ». La puissance est déjà au rendez-vous. La setlist embraie par « Over The Top », un extrait de « Bomber ». Puis par « The Chase Is Better Than The Catch », une piste qui figure sur « Ace Of Spades ». « Rock It » rocke sec. Pourtant, les solos épiques concédés par Lemmy ne sont pas vraiment convaincants. Ils sont même, à la limite, faiblards. Heureusement Phil et Mikkey compensent ce coup de mou. Et parviennent même à dynamiter l’ensemble. Un seul extrait du nouvel album « Aftershock » est interprété. En l’occurrence, le très blues « Lost Woman Blues ». Dommage que la setlist fasse abstraction des autres compos du nouvel LP. Le papy semble fatigué et s’être endormi sur ses lauriers, en ne proposant que d'anciens standards qui ont fait sa gloire. « Doctor Rock » nous réserve un solo de guitare, qu’assure de main de maître Mikkey, en forme olympique. Du tracklisting j’épinglerai encore « Just 'Cos You Got The Power », « Going To Brazil » et Killed By Dead », mais surtout la fin de parcours « Aces Of Spades » et « Overkill », au cours duquel Motörhead, termine sa prestation en force.

Ce n'est pas le meilleur concert de Lemmy auquel j’ai pu assister, à ce jour. Manifestement, il a pris un coup de vieux. Tout comme son rock'n'roll. Malgré tout le respect que je lui accorde, il serait peut-être temps qu’il prenne sa retraite. Il a quand même presque 70 balais ! Sincèrement, sa santé m’inquiète. Et vu le caractère du personnage, je le vois mal boire de l’eau. Satisfait de l’avoir revu, mais à moins d’un changement radical de comportement, il est ‘mal barre’…

Within Temptation clôt la soirée. Je fais l’impasse sur ce set qui s’adresse surtout aux adolescentes boutonneuses qui ont eu la permission de minuit... Il est temps de rentrer au bercail. Après une telle soirée, on pourrait croiser une louve garou…

(Organisation : Lokerse Feesten)

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Le Micro Festival, c’est un îlot atypique perdu quelque part dans un océan où tout se ressemble.
Un point minuscule qui grandit chaque année et brille d’une lumière différente au milieu d’une nuit surchargée de néons criards.
Le Micro Festival, c’est le chemin boisé où il fait bon respirer quand la plupart du temps on cherche son souffle au milieu de ces grandes autoroutes musicales, immenses artères tentaculaires qu’on emprunte, quoiqu’il arrive, toute l’année.

Quelques heures de sommeil éparpillées sous les étoiles et me revoici, toujours affligé de mes deux entités céphaliques à l’entrée de la cour abritant le Micro Festival.

Quelques minutes passées à saluer ceux que l’on connaît et c’est déjà l’heure des Portugais de Paus.

Entre vraies bonnes excuses et fausses joies anticipées nous n'avons, mes deux têtes et moi, hélas, pas eu l'occasion d'assister au set de Fùgù Mango qu'on nous décrit pour l’heure comme sympathique, estival, teinté de funk et d’afrobeat (ou d’affreux beats, je ne sais ce que je devais comprendre ?)

A vrai dire, je passe aussi à côté du set des Gantois d’Alpha Whale.

Ce qui dans un premier temps me chagrine (car je les ai vus il y a peu de temps à l’Escalier et ils m’ont vraiment bien plu) et ensuite me console (puisque je les ai vus il y a peu de temps et qu’ils m’ont vraiment bien plu).

Vu que ces surfers de la vague Psyché devraient faire encore parler d’eux, dans un futur proche, je me promets d’être présent à notre prochain rendez-vous.

Et donc, c’est l'heure des Portugais de Paus.

Forts d'un excellent deuxième album sorti tout récemment ("Clarão") qui sera d'ailleurs parcouru quasiment en intégralité, le quatuor emmené par ses deux batteurs va nous offrir un set assez ébouriffant.

L'africanité presque permanente des compositions, plus évidente encore que sur l’elpee, évoque les Foals de la première heure mais aussi la transe de Konono n°1 (la guitare sonnant parfois comme un likembé).

Mais on peut aussi songer à Battles pour les rythmiques et les sons stridents du clavier. Les noms de Caribou et Raptures seront aussi quelques fois évoqués dans les conversations d'après concert. C'est en tout cas une petite gifle que nous assène les Lusitaniens.

Entêtants, obsédants, hautement psychédéliques, les morceaux s'enchaînent avec une efficacité remarquable. "Bandeira Branca" confirme par exemple son statut de tube en puissance et "Corta Vazas" nous transporte en Afrique pendant quelques minutes. On regrettera toutefois que ce concert n'ait pas été programmé plus tard. Face à un public plus échauffé, la fête n'en aurait été que plus belle.

Le temps pour la foule d'apprivoiser cette musique aux informations multiples et le concert s'achève déjà dans une sorte de samba-rock déjantée, laissant pêle-mêle des corps parcourus de spasmes orgasmiques et d’autres complètement révulsés.

Suite au retard des UV Race coincés dans un embouteillage (et plus dans une bouteille à mon avis), ce sont les Night Beats qui vont prendre le relais.

Après un début un peu timide où il enchaîne de courts morceaux garage assez classiques, le groupe prend ses marques et se lâche un peu. La prestation manque tout de même un rien de folie que tente pourtant d'apporter le chanteur/guitariste Danny Lee Blackwell, à travers quelques effets de pédales.

Ses soli sont sympa mais peut-être un peu redondants.

Moment amusant et un peu pathétique lorsque le bassiste (qui arbore à l’occasion une très jolie chemise admirablement assortie à la laideur de sa tignasse) se lance dans la foule pour s'écraser quelques mètres plus loin comme un bouse, les quatre fers en l'air.

Le festivalier liégeois manquerait apparemment de force dans les bras.

Je reste un peu mitigé sur la prestation des trois Texans mais mon avis semble être une exception. La plupart des personnes friandes (c'est très laid ce mot au féminin) de ce style musical semblent, elles, satisfaites.

Le concert est monté en puissance et au final leur a apporté ce qu'ils cherchaient.

Un taulier du garage liégeois me confie qu'il a adoré le chanteur et que la fin du concert lui a fait penser aux Black Lips et même aux Posies. Il ne partage manifestement pas mon impression générale. Car le son n’est pas assez ‘sale’. Il serait même plutôt tendre. Je lui concède que j'attendais peut-être de l'originalité là où il n’y en avait pas ; et que "Real Change" est quand même un putain de bon morceau.

Tout le monde ayant trouvé son bonheur, place aux suivants.

Des suivants qui vont quant à eux réellement diviser les opinions, à commencer par le mien.

Meilleur concert du festival pour certains. Immonde et grotesque pour d'autres, les commentaires abondent dans un sens comme dans l’autre, sans nuance dans les propos.

En toute objectivité et en prenant le recul nécessaire (minimum six mètres), on assiste en effet à une blague potache qui peut irriter ou amuser selon l’humeur du moment.

UV Race, puisque c’est d’eux dont il s’agit, ne réinventent rien en substance ; et c’est un euphémisme.

On assiste dès lors à une parodie de l’école des fans où Mark E Smith (The Fall) serait le parrain médusé par la prestation pour le moins saugrenue d’un gamin obèse, atteint d’une forte propension à l’exhibitionnisme.

S’il n’est pas question de finesse, il faut reconnaître que ces Australiens affichent un sacré capital sympathie, qui au-delà du premier degré, génère un plaisir communicatif.

Bref j’ai adoré (cerveau gauche) et détesté (cerveau droit).

La polémique lancée devait rebondir et rebondir encore et encore.

N’épargnant pas au passage les BRNS qui suivaient dans la foulée.

Le groupe suscitant lui, un conflit intergénérationnel.

La plupart des gens de moins de 30 ans à qui je posais la question par la suite (je n’en connaissais que deux) vantaient ces sonorités super cool et ce chanteur/batteur formidable, alors que les plus vieux (j’en connaissais deux cents) squattaient le bar, dégoisant cette musique hype formatée et donc sans originalité, petit condensé de tout ce qui marche depuis cinq ans en indie-pop.

L’effet de surprise ne joue plus. Je dois les avoir vus au moins à 77 reprises (c’était en deux mille douze) ; aussi, il m’est impossible de trancher dans ce dilemme épineux qui au final n’intéresse pas grand monde.

On soulignera néanmoins l’enthousiasme inébranlable d’un public de moins en moins exigeant au fil des heures.

Quelques bières ingurgitées sur fond de DJ Black Slip (Hé ! On est là pour se marrer, non ?) et place aux tauliers du beach goth, j’ai nommé The Growlers.

Ici encore, pas d'unanimité.

Trop mous, insupportables voir prétentieux pour certains, délicieusement cool pour d'autres. On concédera en effet que le concert a dû laisser les amateurs de violence et de danse débridée sur leur faim.

On a en effet eu droit à une succession de ballades psyché/surf au tempo assez lent, exécutées nonchalamment par un groupe qui compte avant tout sur le charisme de son chanteur Brooks Nielsen.

Vu son look (il semble tout droit sorti d'un feuilleton américain issu des seventies), il focalise en effet toute l'attention, multipliant les poses et les pas de danse. On en oublierait presque qu'il est accompagné. Et pourtant la formation a un don pour nous transporter au cœur des sixties, en Californie, afin de vivre un bal psychédélique (auquel participera également cette petite fille de dix ans qui finira juchée sur son dos).

Les amateurs (souvent aMATEUSES) ondulent langoureusement et se laissent emporter par la voix nasillarde de Brooks. Sans doute aurait-il été plus pertinent de programmer ce set un peu plus tôt dans la soirée. Beaucoup de festivaliers auraient sans doute aimé un concert plus bondissant à cette heure mais pour les amateurs de pop, la sucrerie était idéale.

Et puis, après tout, pour remuer, il restait quand même la prestation de The Belgians à se mettre sous la dent dure.

Poussant la ‘potacherie’ dans ses derniers retranchements, The Experimental Tropic Blues Band présente son show (chaud ?) loufoque et gras à souhait (autant au niveau de l’humour que du son).

Bénéficiant d’un montage vidéo caricatural dépeignant notre mère patrie sous ses aspects les plus grotesques, glorieux ou tragiques, le tout mixé sans ménagement, le trio local assène le coup de grâce pour certains et électrifie les derniers soubresauts des autres.

Et quand la machine vidéo vient à s’enrayer, le groupe démontre sa dextérité à éviter l’enlisement.

Une prestation à prendre bien sûr au cinquième, sixième voire dernier degré.

Enfin, il est temps pour tous de se débarrasser des quelques jetons de couleurs qui servent de tickets boissons (à cette heure avancée, plus de bouffe) dans un laps de temps court (fermeture du bar dans une heure et demie).
Et de tirer les conclusions qui s’imposent sur cette cinquième mouture du Micro Festival.
Soit une réussite totale pour un public toujours plus nombreux (deux mille têtes de pipes réunies dans un cadre agréablement décoré et prévu pour un confort optimal), où la musique n’est pas nécessairement la motivation de tous.
Justement, artistiquement parlant, il manquait peut-être un concert vraiment marquant.
Mais les programmateurs n'ont à rougir d'aucun choix.
L’affiche était une nouvelle fois variée et aventureuse.
On aimerait d’ailleurs que ce succès puisse attirer un peu plus de curieux dans les concerts JauneOrange en dehors de cette délicieuse ambiance de pains/saucisses.

Une réflexion qu’on se fait chaque année...

(Organisation : JauneOrange)

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Le Micro Festival, c’est un îlot atypique perdu quelque part dans un océan où tout se ressemble.
Un point minuscule qui grandit chaque année et brille d’une lumière différente au milieu d’une nuit surchargée de néons criards.
Le Micro Festival, c’est le chemin boisé où il fait bon respirer quand la plupart du temps on cherche son souffle au milieu de ces grandes autoroutes musicales, immenses artères tentaculaires qu’on emprunte, quoiqu’il arrive, toute l’année.
Inscrit dans un contre-courant et fier de sa singularité, le festival imaginé par le label JauneOrange ouvrait ses portes pour la cinquième année consécutive à un public décidément de plus en plus nombreux.

L’Espace Nord 251 (il s’agit du nom du domaine sur lequel le site est implanté depuis 2010 et non des coordonnées géographiques pour votre GPS) a été réaménagé et un nouveau chapiteau y est dressé (on y gagne, puisque les pilonnes disgracieux, plantés au milieu du public, on disparu). Tout est en place sur le coup de dix-huit heures trente, ce premier vendredi aoûtien, pour accueillir votre serviteur bicéphale et les quelques 1 999 autres amis, potes et connaissances Facebook que comptera cette année la cinquième édition de ces noces ardentes.
Une foule qui serpente la rue Vivegnis, ici, à flanc de coteaux, par une belle fin d’après-midi ensoleillée.
Doublement représenté, Musiczine couvre l’intégralité des festivités, allant jusqu’à fusionner ces deux chroniqueurs en un seul être hybride mais néanmoins investi de toutes ses facultés de réflexion.
Ainsi, pas de point de vue double (si ce n’est à une heure avancée où l’alcool impose son diktat sur nos organismes émoussés qui ne nous permet plus de retranscrire nos ressentis), mais un compte-rendu conjugué à la première personne, au travers d’une identité duale.
Mon cortex droit fourmille déjà, alors que le gauche salive à l’idée d’une première rasade de nectar du Dieu Bacchus.

La programmation musicale assurée par Jarby McCoy indique déjà la couleur tandis que le tableau familier s’esquisse sous mes quatre yeux.

Manet et Ionesco, tous deux, main dans la main, redessinant le ‘déjeuner sur l’herbe’ à l’ombre d’un ‘théâtre de l’absurde’. Le décor est planté.

Délicieusement différent.

Les premiers soubresauts sonores résonnent bientôt.

Les trois coups sont frappés.

It It Anita donne la mesure.

Brisées comme un mille feuilles, les structures du quatuor liégeois volent en éclat (un bien bel éclat) et cimentent autour d’elles un mur sonore érigé comme un monument célébrant les glorieuses heures des nineties.

De Nirvana à Sonic Youth comme apostolat, It It Anita nous ferait prendre ces messies pour des lanternes.

C’est une excellente entrée en matière, pleine de fougue, incendiaire, tachée de foutre, et menée de main de maître, dans l’esprit des seigneurs de la Noise.

Mais le danger guette au détour d’une programmation forcément diversifiée ou le bon goût de certains se heurte inévitablement à la moue sceptique des autres.

Ainsi en va-t-il de même pour votre serviteur affligé d’un double pédoncule cérébral.

Suite à l’intermède musical concédé par Barako Bahamas (dont le seul patronyme est tout un programme), Quintron and Miss Pussycat invente en direct l'Euro-Country Lo-Fi.

Fatalement alourdie d’une intro longue et indigeste, proposée sous forme de cours de cuisine psychotropique et animée par d’amusantes marionnettes, la prestation du duo scinde déjà les avis des convives présents sur place.

Pour ma part, mes deux têtes décident de concert que la blague n’est pas à la hauteur de mes attentes, et si les sons multi-affectés des orgues barbares (NDR : de Barbarie ?) dispensés par Robert Rolston et les maracas de sa chère et tendre moitié à la caboche passablement fêlée m’amusent le temps de l’un ou l’autre morceau, il ne me faut pas longtemps pour sortir au grand air humer les parfums estivaux d’une soirée chaude et seulement en devenir.

Quelques temps plus tard, Cosme prend la directive du DJ floor, amenant subtilement l’introduction d’un trublion haut en couleur.

Derrière le pseudonyme Larry Gus, se cache Panagiotis Melidis, responsable d’un délicieux album, publié chez DFA, l'année passée.

Sur le podium, on comprend pourquoi le label de James Murphy a craqué pour le psychédélisme polyrythmique du Grec.

Le garçon sait mouiller le maillot pour attirer la foule dans son monde protéiforme.

Sautant de sa batterie rudimentaire à son rac d'effets, quand il n'improvise pas une danse digne des meilleurs chamans, Panagiotis semble possédé par sa musique ; et sa folie conquiert progressivement une foule au départ un peu interloquée par ses gesticulations épileptiques.

Certes, la posture tient plus du MC que de la rock star. Mais le flow est remplacé par des cris samplés et mis en boucle, sur lesquels il pose des beats lourds, tour à tour hip hop, techno, breakbeat ou ethniques.

Le début est un peu chaotique et fait craindre le pire. Les effets sur la voix ne sont pas toujours harmonieux et on comprend que certains soient rebutés par ses cris stridents. Mais petit à petit, Larry Gus nous emmène sur son tapis volant.

Un groove disco emporte la foule qui commence à se déhancher suivi d'un morceau à la rythmique breakbeat infernale. Mais l'attention du public est détournée par le premier passage d’un drôle de crocodile gonflable surmonté d’une demoiselle tout aussi gonflée.

Larry se lance alors dans deux morceaux plus complexes presque free-jazz, un style qui le passionne. C'est pourtant le moment le plus intéressant du concert. Celui qui est le plus proche des productions de son opus, en tout cas.

Les incursions jazzy sont d'ailleurs nombreuses durant tout le concert, sorte d'intermèdes cérébraux inoculés au milieu du déluge rythmique. Ce qui nuit sans doute à la dynamique ; mais c’est ce qui fait sans doute la véritable originalité de cet artiste.

Le final donne à la foule l'occasion de sautiller.

Un dernier morceau (de l'electro salsa?) conclut dans la joie le set le plus varié de cette première soirée.

Ceux qui sont restés attentifs ne le regrettent pas mais on peut comprendre les autres qui ont fui, rebutés par les incantations étranges du sorcier grec.

Ainsi, sollicités par la prestation dudit Gus, les séances de bisous bisous et les tentatives délicates de transport de pyramides de gobelets réutilisables pleins, mes sens se trouvent quelque peu distraits alors que Nissenenmondai entame son set et divise mon esprit.

Les avis d’autrui seront tout autant partagés après leur show.

Certaines personnes ont vraiment apprécié la transe technoïde de ce trio à la mouture pourtant rock (basse/batterie/guitare) ; mais beaucoup ont rapidement décroché.

Il est vrai que les compositions répétitives des Nippones exigent une attention soutenue, ce qui n'est pas toujours facile quand on connaît la moitié des festivaliers présents.

On retiendra la frénésie de l'incroyable drummeuse, repliée sur ses fûts, comme montée sur ressorts et les adorables chaussures vernies de la guitariste.

Pour le reste, évitant de justesse la lobotomie du cervelet gauche, je regagne mes pénates afin d’être frais et dispos dès le lendemain.

(Organisation : JauneOrange)

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Bonfire Lakes est un sextuor limbourgeois qui ne devrait pas longtemps végéter dans l’anonymat. Et pour cause, lors de mes dernières vacances, mes amis m’avaient chargé de la sélection musicale. Et j’avais emmené le premier Ep de ce groupe dans mes bagages. Dès la première écoute, les vacanciers pourtant dissipés se renseignaient afin de connaître l’identité de ce band responsable, à leurs oreilles, d’aussi douces mélopées…

Partagé en 5 plages, l’Ep a été mis en boîte à Malines, sous la houlette de Pieter Van Dessel (Marble Sounds) et Gianni Maarzo (Isbells & Marble Sounds). A première écoute, leur musique évoque l’univers folk boisé et classieux de Damian Rice (« Ghosts »). Le sens mélodique des chansons est tout aussi aiguisé. Et la  jolie alternance entre voix masculine et féminine parvient à achever les dernières et éventuelles réticences… A suivre de très près donc !

Trois ans déjà que la bande à Parker Griggs n’avait plus enregistré d’album studio. Il avait bien publié « 3 & 3 Quarters », en 2012, mais il s’agissait d’une sélection de démos concoctées par le leader, avant que la véritable aventure du groupe ne débute. Encore que depuis 2013, le line up implique une nouvelle section rythmique. Soit Anthony Meier à la basse et Paul Marrone aux drums.

Ce qui n’empêche pas Radio Moscow de continuer à puiser ses sources au sein du psychédélisme des 60’s et des 70’s. Parker voue un véritable culte à Jimi Hendrix et son jeu de guitare en est la plus belle illustration.

Après avoir gravé un opus éponyme en 2007, « Brain Cycles », en 2009 et le brillant « The Great Escape of Leslie Magnafuzz », en 2011, le combo nous propose donc ce « Magical dirt ».  

Prodige de la six cordes, Parker est un fervent adepte de la pédale wah wah. Il est hanté par le Jimi Hendrix Experience, mais pas seulement. Au rayon des spectres, on pourrait ajouter The Cream, Blue Cheer et Humble Pie.

« So Alone » nous plonge instantanément dans le bain. Les compos sont émaillées de breaks et de changements de rythme. Puissant, « Rancho Tehama Airport » rappelle le hard rock de la fin des 60’s voire du début des 70’s. Caractérisé par ses excellentes sorties de guitare, ce titre me fait penser à Ritchie Blackmore (Deep Purple) au sommet de son art. Prélude à l’album, « Death Of a Queen » est paru en single. Et finalement, cette compo n’aurait pas fait tâche d’huile, 40 ans plus tôt, dans le répertoire d’un dinosaure de l’époque. Groovy, « These Days » est également sorti en single. La voix s’y révèle autoritaire. 

« Bridges » et « Got The Time » trempent au sein d’un hard/blues/psyché que le trio dispense généralement en live. Une seule cover : le « Gypsy Fast Woman » de Rick Handle (Brain Police). Un morceau qui remonte à 1968 ! Le band parvient à préserver sa spécificité, tout en lui insufflant une touche de modernisme. La pédale de distorsion lamine brillamment et judicieusement « Before It Burns ». « Seet Lil Thing » et « Stinging » macère dans un blues, réminiscent du Delta. « Stinging » adopte un profil plus acoustique. Bref, dans le style, c’est un excellent album…

Stephen McBean, c’est le leader de Black Mountain. Leur véritable dernier opus, « Wilderness Heart », remonte à 2010. En 2012, la formation avait bien gravé « Year Zero : The Original Soundtrack », mais il s’agissait d’une B.O. pour le film du même nom. Stephen développe cependant également d’autres projets en parallèle. Dont Pink Mountaintops. Soit ses expérimentations en solitaire. Et « Outside Love », son dernier essai, date quand même de 2009. Originaire de Vancouver, l’artiste canadien s’est depuis établi un peu plus au sud. A Los Angeles, très exactement. Et manifestement ce déménagement a eu une influence sur sa musique. En fait, lors de ses escapades en solitaire, McBean en profitait pour s’abandonner dans le minimalisme, le plus souvent acoustique. Sur ce nouvel elpee, il a décidé de délaisser le folk rock pour embrasser du psyché/rock, un style qu’il affectionne tout particulièrement.

Pour y parvenir, il a invité quelques amis, dont quelques grosses pointures. Et notamment Steve Kille (Dead Meadow), Rob Barbato (The Fall) ainsi que J. Mascis (Dinosaure Jr.). Quant à la production, il l’a confiée au leader de The Icarus Line, Joe Cardamone. Un casting idéal pour charger d’électricité une expression sonore…

Dès « Ambulance City », le morceau qui ouvre l’elpee, le ton est donné. La ligne de basse semble tourner en boucle. Les grattes sont chargées de distorsion. Un canevas hypnotique sur lequel McBean vient poser sa voix et n’hésite pas à la forcer ; ce qui n’est pourtant pas dans ses habitudes. Caractérisé par ses accords de guitare spasmodiques, « The Second Summer of Love » adopte un format rock plus direct. Plus paisible, « Through All the Worry » évoque plutôt les long playings précédents de Pink Mountaintops.

Pourtant, tout au long de cette œuvre, la patte de McBean est parfaitement identifiable. Surtout quand les compos trempent au sein d’un climat plus ténébreux.

« Get Back » est un album de bonne facture, mais qui s’adresse surtout aux aficionados de Black Mountain. Dans ces conditions, on ne comprend pas trop, pourquoi il l’a réservé à Pink Mountaintops…

Lehmann est une formation italienne. Issue de Bologne, très exactement. Matteo Lehmann en est le leader. Le chanteur aussi. Le line up implique également Ivan Demichev et Neil Grotti aux guitares, Andy Bigi à la basse et Rick Perigini aux drums. Le quintet pratique un heavy metal particulièrement mélodique teinté de prog et d’émo.

A l’âge de 11 ans, Mat suivait encore une formation classique. Il se consacrait alors à la contrebasse. Il participe ensuite à de multiples aventures, au sein de combos de métal transalpins, pour y jouer de la basse et/ou de la guitare.

En 1996, il monte son premier groupe, Animalator. Après quelques années de galère, le band splitte, sans jamais avoir enregistré de disque. Mais en 2004, Neil Grotti (chant, guitare) et Mat Lehmann (basse) décident de remonter le combo, sous le patronyme de Neurasthenia. L'année suivante, le line up accueille un nouveau batteur, Rudy, et un lead guitariste, Phil. Neurasthenia grave son premier LP, « Possessed » en 2006 et un deuxième, « Your Omen », en 2009. La formation commence à tourner dans la botte, en première partie d’Anthrax, d’Amon Amarth et de Behemoth. Puis au sein du Vieux Continent, comme supporting act pour Exciter, Flotsam & Jetsam et Hatesphere.

Grâce à ses prestations brillantes à la basse, Mat Lehmann se forge une fameuse réputation sur la scène métallique. Et il est de plus en plus courtisé comme musicien de studio. D’ailleurs, l’ex-Iron Maiden Blaze Bayley l’engage pour participer aux sessions d’enregistrement de l’album "The King Of Metal", disque qui paraît en 2012. Il va même y assurer le rôle d’ingénieur de studio.

Fort de cette expérience, Mat décide de fonder son propre band, qu’il baptise tout simplement Lehmann. Et "Lehmanized" constitue leur premier long playing. Un projet au sein duquel l’artiste veut concentrer sa passion dans un projet sans limite, où la technique, la mélodie et l'expérimentation se conjuguent pour atteindre un seul objectif : la musique.

« Equilibrium » ouvre la plaque. On reste dans l'expectative. A cause de ces sonorités électro en intro. La voix émane du fin fond de l’enfer, avant de se métamorphoser en victime du vocodeur. Pourtant Matteo a une voix bien racée. Amorcé par des accords de piano, « The Secret » est une piste aux riffs de grattes bien accrocheurs. Ils montent en puissance tout au long de « Like A Rock », un superbe morceau de heavy métal mélodique. Et le titre constitue certainement le sommet de l’opus.

« Let Me Pray » s’étale sur 6 minutes. Un peu tiré en longueur. Mais « Gemini » et « Sunday I'll Be Dead » rectifient immédiatement le tir. Enfin, Blaze Bayley (NDR : il avait remplacé Bruce Dickinson, quand ce dernier avait négligé Iron Maiden, pour réaliser son projet solo) apporte son concours aux vocaux sur la reprise du « Laid So Low » de Tears For Fears. Une version qui navigue à des années-lumière du hit décroché, en son temps, par le duo Roland Orzabal/Curt Smith…

Attachez vos ceintures, vous allez décoller pour une destination inconnue ; mais c'est loin, c'est sûr ! Le ciel est mauve, zébré de noir avec des taches malsaines qui volent entre deux satellites en caoutchouc pilotés par des escargots. Vous entrez dans la sphère psychédélique d'Holy Mountain. Le trio écossais s'est inspiré du film éponyme d'Alejandro Jodorowski sorti en 1973. Le screenplay ? Alors, un type qui ressemble à Jésus. Il lutte contre les péchés de ce monde représentés par des puissants symbolisant chacun un astre planétaire, tous visant à travers cette quête initiatique à l'obtention de l'immortalité. Oui, je sais, la description sent un peu le champignon... Revenons les pieds sur terre, quoique... Ancient Astronauts constitue le second elpee du groupe. C'est un délire expérimental old-school de guitares vintage fouettées à tour de bras, de basses et de batteries lourdes désynchronisées au fur et à mesure que l'on progresse dans les morceaux. Mais c'est une très bonne expérience, comme si Hendrix, Waters et Morrison avaient décidé de faire la tournée des distilleries ensemble au pays des Highlands en prenant Manson (Charles, pas l'autre...) comme guide. Ils planent bien haut mais laissent leur colère prendre le dessus pour nous emmener dans des rythmes effrénés entourés de voix geignardes hantées par le vaudou. Les compos virent souvent au stoner, surtout quand elles abandonnent les moments planants pour de grands riffs diaboliques.

Holy Mountain nous offre un bon moment de son massif. Ancien Astronauts pourrait être une véritable rampe de lancement pour ce groupe qui revient au néolithique de la guitare, co-piloté par Paul Savage qui a déjà produit certaines œuvres de Franz Ferdinand et Mogwai.

A souligner le graphisme de la pochette qui vous laisse méditer entre géoglyphes de Nazca, troisième dimension et Lovecraft.

Errorhead, c'est le projet du guitariste allemand, Marcus Nepomuc Deml. Il est cependant né à Prague, en 1967. En 1986, il part en Californie pour y suivre les cours du ‘Guitar Institute of Technology’ de Los Angeles. Son diplôme en poche, il y devient professeur agréé. Il revient néanmoins, en Allemagne, dès 1993.

Au cours de sa carrière, il a participé à de multiples sessions d’enregistrement pour d'autres artistes. Son aventure Errorhead, il l’a entamée en 1998. Depuis, il a publié quelques cd et dvd, tant en ‘live’ qu’en studio. En 2005, ce virtuose de la six cordes, a reçu le ‘Guitar Hero Award’ du magazine Guitar Player, un trophée qui lui a été remis par Steve Lukhater et Joe Satriani.

Pour concocter cet « Evolution », il a reçu le concours de son ami Frank Itt, à la basse. Les deux artistes se partagent la production. Le drummer Zacky Tsoukas et le chanteur Karsten Stiers complètement le line up.

Dès "Scream people like us", on est plongé dans une musique particulièrement technique. Pourtant, sur ce rock/blues, Stiers chante à la manière d’un hard rocker. Plus pop que rock, "Hideaway" est une plage plutôt bien ficelée. Empreinte de douceur et convaincante, la voix s’appuie sur une jolie ligne mélodique. Les sonorités de cordes sont majestueuses, de toute grande classe. Karsten est capable de moduler sa voix, en fonction des compos. Et elle s’adapte parfaitement à "One good reason", une piste sculptée dans un excellent funk, au cours de laquelle Marcus se réserve un envol vaporeux. Indolent, tendre, "Tell me" intègre parfaitement un solo qui explore différents axes, afin de monter en puissance. A l’instar de Satriani et Vai, Marcus Deml mérite amplement son statut de virtuose. Remarquables instrumentaux, "Resurrection" et "Purple Lord" en sont certainement les plus beaux témoignages. Pétillant, "Thieves & Poets" est morceau de pop hard rock qui accroche instantanément l’oreille. Tout aussi agréable à écouter, "Where did our love go?" est légèrement teinté de blues. Un climat qu’on retrouve sur "Someone", une composition complexe, mais qui ne maque pas de charme. Et finalement, elle aurait pu figurer sur un long playing du Led Zep –mais dans son second cycle– si l’attaque avait été plus saignante et agressive. "Get off my back" synthétise la diversité de styles sondés par Errorhead. Un hard rock dont les accents pop sont singulièrement raffinés. Cet elpee s’achève par "The mighty tube", un instrumental paisible…

Dirty Deep, c’est le projet de Victor Sbrovazzo, un Alsacien qui avait déjà gravé un Ep en 2010, et un album intitulé "Back to the Roots", en 2012. Et il vient de publier son second opus, baptisé « Shotgun Wedding ».

En fait de projet, il s’agit plutôt d’un homme-orchestre, puisqu’il cumule le chant, la guitare, l’harmonica et le stompbox. Ce bluesman reconnaît pour influences majeures, des légendes comme John Lee Hooker, Sonny Boy Williamson et Son House. Bien que solitaire, l’artiste est régulièrement épaulé par le drummer, Geoffroy Sourp. Alors, serions nous en présence de nouveaux Left Lane Cruiser ou Black Keys ? Ben le duo Dan Auerbach/Patrick Carney semble avoir gommé la plupart des ses références blues, sur disque. La comparaison me semble dès lors, plus que légère. A contrario, la piste Left Lane Cruiser me semble plus adéquate.

C’est d’ailleurs cet aspect immédiat, primaire et nerveux qu’on retrouve sur l'ouverture, "Bottleneck". Et tout au long de son ‘one man show’, on peut dire que l’artiste se débrouille plutôt bien. Sa voix est authentique, brute, mais généreuse. Gouailleur, son bottleneck glisse sur de frêles percussions. Sa voix gémissante hante le Delta blues traditionnel, "Low down". Bien tranchées, les interventions à l’harmo s'évadent face au bottleneck qui s’affirme. Malgré le chant plus paisible, "Junky green truck" est imprimé sur un tempo boogie primaire. Et cette plage déménage littéralement. "Middle of nowhere" est un excellent blues lent. Face à une instrumentation dépouillée, réduite à quelques éclats d’harmo et de sobres interventions à la slide, la voix se dégage naturellement. Mais au bout de 3 minutes, Geoffroy débarque et vient siéger derrières les fûts. A partir de cet instant, la compo monte en puissance. La rage au cœur, Victor dévoile toutes les privations endurées. Sa voix et son harmonica se libèrent. Il émane de ce titre un sentiment de douleur bouleversante. Un morceau vraiment convaincant. "Midnight bus" adopte un tout autre profil. Si l’inspiration de base reste le blues originel, le rôle plus conséquent des percussions et le chant rap volontairement nerveux de Mr E, communiquent une dimension hip hop à cette plage. On retrouve le riff caractéristique à la slide d'Elmore James voire de J.B Hutto sur "Let it ride", une piste très amplifiée, imprimée sur un tempo nerveux. L’attaque est franche. Et telle une houle, l’harmo accomplit un mouvement de va-et-vient, dans un style urbain et électrique, proche de celui du Chicago d'après guerre. A contrario, "Til the day I die" est plus rural, classique. La voix de Victor est tourmentée et son accompagnement très respectueux du prewar blues. "John the Revelator" est un titre traditionnel. De nombreux bluesmen l’ont adapté, et tout particulièrement Son House. Et Dirty Deep a eu l’excellente initiative de transformer cette authentique work song, stimulée de percussions primaires et enrobée de chœurs, en boogie étourdissant. Dépouillée, "Release me" est une folk song empreinte de sérénité. "What the hell" embraie dans cette atmosphère paisible, jusqu’au retour de la slide bien amplifiée. "She's the devil inside" opère un retour aux racines du blues. Les percus alimentent ce rythme échevelé, alors que la slide n’hésite pas à déborder du cadre qui lui a été tracé. Et l’elpee de s’achever comme il avait commencé, par une plage aux sonorités primaires, intitulée "When the sun copes deep". Surprenant autant qu’impressionnant ! A suivre de très près…