Balmorhea, un post-rock du XIXème siècle…
Pendant deux jours, le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles (BOZAR) avait affiché la ferme intention de redorer ses murs et d’élever la musique électronique au rang d’art contemporain. Que le genre musical et son artwork investissent des lieux prestigieux sur la carte de l’élite culturelle, n’est pas un fait nouveau. Ces manifestations pointues, à la frontière du fashion, nous démontrent constamment que la croissance exponentielle du genre s’immisce dans toutes les sphères artistiques et déplace une foule chaque jour plus nombreuse. En effet, le BOZAR affichait complet pour cette première édition du Bozar Electronic Weekend. Un merveilleux espace pluridisciplinaire art déco ouvrant les portes de ses six salles pour accueillir plus de quinze groupes aux horizons expérimentaux divergents. Au programme : des concerts, des soundscapes, des spectacles audiovisuels… Les ‘électromaniaques’ dirigeront spontanément leurs viseurs vers les imposantes têtes d’affiche venues présenter leurs dernières productions : Modeselektor, Plaid et Rustie. Quant à nous, notre choix sera plus modeste et échappera au très électro Hall Horta pour se diriger vers le post-rock intimiste de Balmorhea qui avait pris soin de poser ses guitares dans la confortable salle M. Concert assis !
Balmorhea (prononcez bal-mour-ay), ensemble instrumental minimaliste d’Austin, se cache sous le pseudonyme d’une ville située au beau milieu du désert texan. Le désert comme horizon, son immensité silencieuse comme inspiration expriment parfaitement les intentions artistiques du combo. Une musique solennelle aux volontés de fuites et des airs graves et austères pour l’incarner.
Un sextet voyageant sur des sables mouvants agités de violon, de contrebasse, de violoncelle et dont deux des membres passent incessamment de la guitare électrique, à la basse, au banjo et aux claviers. Un groupe aux influences éclatées mêlant les sons d’une musique classique minimaliste à un post-rock dynamique et silencieux. Un atmosphérique grandiose qui donne l’impression, même pendant les séquences les plus calmes, de s’élancer vers l’avant. Un tout distillant une musique pleine de ferveur et de douce ivresse.
Balmorhea est tout en sobriété et érudition et laisse le soin aux instruments de charmer, d’assoupir avant d’emballer et de prendre au piège. Les voix sont secondaires, elles s’allument et s’éteignent à l’image d’un réverbère usé par le temps. Elles s’entendent en écho, de loin, comme un gémissement désespéré qui surgirait d’infinies étendues désertiques, celles de leur Texas natal. Quelques murmures fantomatiques, qui renforcent les airs énigmatiques et accentuent le vertige infligé par les compositions, suffisent. Un climax fort et dense magistralement emmené par le pianiste/guitariste Rob Lowe.
Une forme d’expression qui tire ses influences d’univers musicaux hétéroclites : Ludovico Einaudi, The Six Parts Seven, Rachel’s, Max Richter, Arvo Pärt ou encore Debussy voire Beethoven. Un agglomérat improbable qui tient un propos identique : faire d’une musique instrumentale des chansons éloquentes sans être trop bavardes, des pièces élaborées, complexes mais à la beauté immédiate. Des petits morceaux d’histoire, des constructions qui s’emportent, parfois denses et, par endroits, saccadées, qui rythment des explorations anciennes.
Certains titres de l’album « All Is Wild, All Is Silent » sont d’ailleurs évocateurs (“March 4, 1831″ et « November 1, 1832″), comme une volonté de sculpter un temps révolu, de le figer dans le quartz des sables acoustiques, le dix-neuvième siècle ! Une époque qui demeure décidément gravée dans l’œuvre de Balmorhea.
Soulignons, finalement, la synchronisation quasi-chirurgicale entre le drama sonore et visuel. Un fond visuel N/B sous forme de documentaire qui retracerait les conditions de vie des travailleurs texans vivant dans le grand désert. Une photographie austère qui fusionne ingénieusement avec le son et résonne comme un hommage esthétisé et fervent à tous ces hommes oubliés par le temps. Une délicieuse démonstration de l’aptitude potentielle du groupe à réaliser des musiques de film.
Balmorhea, une musique de pionniers, de visionnaires du passé ; un ensemble musical qui ‘se souvient du futur’ et qui sait, en concert, nous conter de belles histoires intemporelles.
Balmorhea
(Organisation Bozar)
Après avoir vécu l’édition de l’an dernier qui avait accueilli Midlake ou encore Anna Calvi, dans la cité bouillonnante, j’ai donc remis le couvert pour assister à ce festival parallèle aux Ardentes. Un événement qui jouait en 2011, la carte de l’éclectisme et de la découverte. Son appellation ne souffrant d’aucun malentendu, l’accent était, bien entendu, placé sur les artistes en marge du ‘mainstream’. Jeunes talents en devenir ou valeurs (r)assurées, cette nouvelle a permis au public considéré comme le plus ‘chaud boulette’ de s’éclater et de frémir aux sons les plus divers.
Day two.
C'est dans un silence religieux imposé par une assistance des plus clairsemées, que Leaf House, collectif local, dispense les premières mesures de cette deuxième journée, placée sous la bannière étoilée des cœurs plaintifs. Puisant son inspiration dans le souffle des vents d'une Americana en suspens dans le temps et métissant sa musique d'apports electro pertinemment agencés en séquences subliminales, le jeune combo dépose au pied de l'autel de cette plage désertée quelques pétales de fleurs arrachées au balcon de cités noyées dans les brumes de la nuit. Nuancées et délicates, les compositions trouvent un écho timide auprès d'une assistance néanmoins très concentrée sur le sujet, type de respect relativement rare à l'entame d'un festival.
BRNS quant à lui, se charge d'électriser quelque peu l'ambiance par le biais d'un set peut-être un peu inégal, mais bien maîtrisé. Laissant l'excellent "Mexico" terminer leur prestation de superbe manière.
La première gifle de la soirée est assenée par Imany, beauté comorienne montée sur des jambes qui ne finissent jamais et dont la voix est sans conteste à l'instar de son physique d'ex-mannequin. Décortiquant les plages de son premier album, "The Shape Of A Brocken Heart", dont le titre évoque le parallèle subtil entre la forme du continent africain et la moitié d'un cœur brisé, cette grande artiste (dans tous les sens du terme) nous dévoile sa forte personnalité et son talent énorme. Drôle dans ses interventions et touchante dans ses textes, Imany capte l'attention par la grâce d'une technique vocale sans faille mais surtout par une présence scénique remarquable si l'on considère sa frêle silhouette, accompagnée le plus simplement du monde par une guitare acoustique. Sorte de Grace Jones métissée de Tracy Chapman, elle a du bagout et son humour est bien balancé. Bref, cette ex-star des podiums réussit brillamment son virage. Nul doute qu'on en reparlera.
L'atmosphère se drape alors dans des apparats de soie noire, lors de l'apparition du trio Fink. Le protégé du label Ninja Tune n'a pas son pareil pour ensorceler son auditoire en dispensant un folk sombre et pourtant lumineux, parcouru par sa voix au timbre habité par mille démons du passé. Emotions portées à leur paroxysme (en témoigne cette jeune fille en larmes du début à la fin du concert) et efficacité d'un set mené de main de maître basé sur le nouvel opus de cet esthète hors normes. Un moment poignant et à la hauteur des espérances.
Le final de cette seconde édition est donc laissé à Jean-Louis Murat, dont le mot de la fin se déclame en une sombre poésie où la langue française se conjugue au passé Baudelairien, à cheval sur les grands horizons américains. Fidèle à lui même, l'Auvergnat, dans un très bon jour, captive l'assistance en nous racontant ses histoires d'amours déchus et d'espoirs sans lendemain. Présentant son nouvel album ("Grand Lièvre"), le plus Indé des Français recueille un succès mérité pour sa prestation énergique et savamment équilibrée entre hier et aujourd'hui. Au delà du cliché de poète maudit, il affiche la classe d'un artiste n'ayant plus rien à prouver mais toujours un incroyable talent et surtout manifeste une envie insatiable d'aller toujours plus en avant. Chapeau bas, monsieur Murat.
Enfin, l'after party peut commencer à avaler la nuit, et dans son sillage, les échos d'un festival encore mineur, mais plus pour très longtemps.
Après avoir vécu l’édition de l’an dernier qui avait accueilli Midlake ou encore Anna Calvi, dans la cité bouillonnante, j’ai donc remis le couvert pour assister à ce festival parallèle aux Ardentes. Un événement qui jouait en 2011, la carte de l’éclectisme et de la découverte. Son appellation ne souffrant d’aucun malentendu, l’accent était, bien entendu, placé sur les artistes en marge du ‘mainstream’. Jeunes talents en devenir ou valeurs (r)assurées, cette nouvelle a permis au public considéré comme le plus ‘chaud boulette’ de s’éclater et de frémir aux sons les plus divers.
Day one.
En débarquant après le boulot, j’ai manqué les prestations de Divine et Radio Radio.
Selon les échos glanés à chaud, la prestation de la jeune Liégeoise a récolté un franc succès ; elle a même emporté dans son flow les doutes éventuels quant à assumer seule l’ouverture du festival.
Sur la lancée de sa première Mixtape et déjà reconnue dans le milieu pour son talent de MC, Divine a assuré remarquablement un exercice toujours périlleux avec un certain aplomb.
Suivent donc les Canadiens de Radio Radio, dont le hip hop electro aux accents Chiac (un franglais parlé principalement par la jeune génération du Nouveau Brunswick au Canada) convainc une assistance qui allait gonfler au fil des minutes. Prozac dans la grisaille et les premiers froids de cette soirée d’octobre, leur enthousiasme et bonhommie a instauré un climat on ne peut plus favorable pour la suite des festivités.
Auxquelles je me suis enfin invité sur le coup de vingt heures. Juste à temps pour le début du set de 1995… Absolument réfractaire au Hip Hop hexagonal perclus de clichés en tous genres –depuis la grosse chaîne en or qui brille, aux gestuelles formatées (Yo !) jusqu’au phrasé inlassablement copié-collé de générations en générations– je ne peux qu’émettre deux constatations. La première : sur les six minutes vingt-six secondes de patience accordée au set, chaque fois que j’ai tourné la tête, un membre de plus est apparu sur scène. La seconde : après coup, j’ai réalisé que la moyenne d’âge des fans oscillait autour des treize ans. Conclusion : trop vieux et trop Rock & Roll pour vous donner mon avis sur un épisode que j’ai de toute façon snobé.
Les choses sérieuses peuvent donc commencer par la prestation des Lillois de Skip The Use. Quelle énergie ! Quelle pêche ! Mêlant ingrédients pop aux forts accents British (Bloc Party comme référence majeure), son vachement burné (Dog Eat Dog ?) et influences glissant du funk au reggae, ces cinq là ont un allant certain pour mettre la patate et mettre l’ambiance dans une salle. Si ce n’est pas tout à fait ma tasse de thé, j’en reprendrais volontiers une petite goutte en infusion veineuse. Un chanteur époustouflant, et un groupe qui dégomme derrière. Bref, cette révélation des Ardentes 2009 n’a rien perdu de sa superbe.
L’ambiance montée d’un cran, les Français de Caravan Palace n’avaient plus qu’à assener le coup de grâce. L’ennui, c’est que je déteste ce genre de jazz manouche teinté de disco house. J’admets un savoir-faire indéniable ; et au vu de la réponse du public et de son enthousiasme, le concert devait être particulièrement bon. Mais perso, ça m’horripile et je m’ennuie ferme face à telle prestation. Truc de jeunes ou de filles (ou les deux), le plan clarinette sur fond de boîte techno me laisse profondément de marbre. Au milieu de ces centaines de jambes qui s’agitent, de ces fessiers qui rebondissent, de ces poitrines qui se soulèvent, je ressemblais à une frêle embarcation prisonnière d’une tempête. Et je n’avais qu’une hâte, rejoindre le rivage.
Le premier soir s’achève donc par un salut théâtral dans une ambiance survoltée, pendant que je m’engouffre dans ma voiture, chauffage à fond.
A demain pour d’autres aventures…
Caravan Palace a donc effectué son grand retour sur les planches, ce mercredi 19 octobre. Pour célébrer les retrouvailles avec son public, le groupe a lancé la note au théâtre du Sébastopol de Lille. Une ambiance de folie au cours de laquelle l’electro et le swing ont fusionné pour un résultat détonnant mais surtout enchanteur…
La soirée a commencé en douceur par Felipecha, un duo venu caresser nos tympans de ses ballades fraîches et colorées. Responsable de deux albums à ce jour (« De fil en aiguille » en 2008 et « Les lignes de fuite » cette année), Philippe et Charlotte (NDR : ex-chanteuse de Wax Taylor) nous ont invités à les accompagner lors d’une promenade champêtre et parfumée, afin d’y cueillir des fruits sonore, nés d’un mélange de subtilité, de délicatesse et de maturité. Un supporting act très raffiné.
Place ensuite au groupe français Caravan Palace. Après s’être accordé une année sabbatique, la formation a donc décidé de reprendre du service. Un nouvel Ep est d’ailleurs paru début octobre. Teinté de jazz manouche (NDR : les musicos adorent Django Reinhardt), leur électro swing avait ainsi cartonné sur leur opus éponyme, publié en 2008, mais également leur avait permis d’accomplir une tournée à guichets fermés.
Le public est impatient. Il est convaincu qu’il va vivre une bonne soirée. Et pour cause, le tracklisting devrait inclure les nouvelles compos du band, qui figureront sur leur nouvel album (NDR : il s’intitulera « Clash » et sa sortie est prévue pour le premier trimestre 2012).
Sur scène, un grand rideau rouge est tiré. Un ancien micro est planté devant, au beau milieu du podium. Soudain, quelques notes jaillissent de nulle part, déclenchant un accès de frénésie général, au sein du public. Le Théâtre Sebastopol est une salle où les places sont assises. Aussi les mélomanes les moins avertis n’ont pas beaucoup le temps de se prélasser, car après quelques secondes, il est impératif de se lever pour voir le spectacle et puis évidemment ressentir les rythmes nous envahir.
Le rideau se lève et laisse apparaître six musiciens répartis sur le podium. L’excitation de la foule cède alors le relais à l’euphorie totale, lors de l’arrivée de la ravissante Colotis Zoé, vêtue d’une tenue, on ne peut plus ‘charleston’…
Le concert peut alors commencer. Le public se rapproche de l’estrade et laisse éclater toute sa fièvre contenue et manifeste un enthousiasme, que la chanteuse lui rend bien et chaleureusement.
Leur style est très personnel. Très différent des autres groupes électro. A cet égard, j’estime qu’il y gagnerait, notamment en ‘live’, en jouant davantage sur sa spécificité. Par exemple en tirant parti d’un décor mieux adapté à la musique. De quoi donner plus de consistance au set.
Mais finalement, il ne s’agit que d’un détail, tant les musiciens sont passionnés et libèrent de l’énergie sur les planches. A tel point qu’il est difficile de résister à l’envie de danser, de swinguer et de prendre du plaisir, autant que le groupe s’amuse lui-même.
Caravan Palace + Felipecha
Ce jeudi 8 septembre 2011, dans un studio 4 (l'une des salles de Flagey) bien rempli, le groupe anversois Dez Mona et quelques musiciens du collectif BOX (Baroque Orchestration X) donnaient la première représentation de leur opéra "Sága". Organisée par le Klara Festival 2011, dont le thème est "Imagine Paradise", la soirée s'inscrivait dans une programmation de musique classique.
Une jeune femme présente la soirée : Sága est le nom d'une déesse des pays nordiques, gardienne des contes et légendes. C'est un opéra, mais il n'y aura pas de personnages ou de fil conducteur, ni une histoire qui commence et finit. En réalité, on le découvrira, il s'agit d'un concert comportant une scénographie nécessitant des costumes, mais pas d'un opéra.
Le public s'installe dans la salle –un théâtre garni de sièges moelleux disposés en plusieurs étages de balcons– et les artistes ne se font pas plus attendre pour débuter le concert.
Six musiciens entrent en scène, pieds nus, vêtus de longues jupes grises et de chemises blanches, et entament une composition épique et mélancolique. Le contrebassiste Nicolas Rombouts et l'accordéoniste Roel Van Camp (de Dez Mona) sont accompagnés de quatre membres du projet BOX : Jutta Troch à la harpe, Pieter Theuns au théorbe (sorte de grand luth italien à double manche) et au carillon à tubes, Piete Vandeveire à la viole, Tijs Delbeke au clavecin, au violon, à la guitare ainsi qu’au trombone.
Une sobre installation lumineuse compose le décor. Un rond de lumière blanche tombe à la verticale sur la tête des musiciens, créant une atmosphère monacale, climat renforcé par la grande barbe noire du contrebassiste et par l'austérité qui règne dans la salle.
Après une délicate introduction, Grégory Frateur (le chanteur de Dez Mona) fait son apparition.
Sa voix perce le vide, d'une amplitude remarquable et d'une texture inimitable. Le chant, en anglais, est expressionniste, et les gestes l'accompagnent. Frateur ressemble à un crooner, tignasse bouclée qui retombe en banane décoiffée, le corps tout secoué à chaque inflexion.
Les ambiances rock et blues se mêlent au répertoire baroque, par le mariage audacieux des instruments issus d'univers éloignés. Le carillon à tubes (structure à laquelle sont suspendus des tubes, qui provoque une belle image lorsqu'il est frappé au marteau par la harpiste en dos nu) évoque le son des cloches, tandis qu'un tambour insuffle de la gravité aux morceaux.
Au beau milieu d'un titre, un silence est jeté, un silence très long qui suspend le public, incrédule.
La scénographie s'est métamorphosée, un champ de lumières s'est insensiblement allumé derrière les musiciens qui semblent alors flotter dans un cosmos végétal. Les loupiotes évoquent aussi des cierges disséminés dans l'espace, monastère d'un autre temps, d'une autre dimension.
En plein centre du mur frontal, une série de cercles concentriques et irréguliers se sont eux aussi allumés, tel un œil divin surveillant l'assistance ou un trou noir, c'est selon.
Pour qui connaît Dez Mona, et l'aime pour son côté sombre, le concert tourne un peu trop dans cette ambiance féérique et paradisiaque. Grégory Frateur ne se trahit pourtant pas, on retrouve ses cris profonds et ses vibratos aigus.
C'est finalement dans le dénuement que la musique est la plus intense, lorsque le duo accordéon voix se permet une incartade. Ou lorsque les cordes (viole, violon, contrebasse, théorbe) dialoguent entre elles. Quand tout le monde chante en chœur, c'est une scène pastorale aux notes trop attendues, déjà entendues. Ca sent la rédemption, ça goûte le nuage. De même, lorsque le violoniste se met à chanter, sa voix pop a du mal à faire écho à la voix de Grégory Frateur, si pleine d'émotions.
L'assistance y est peut-être pour quelque chose dans cette trop sage atmosphère.... Ou bien sont-ce les voix qui forment un chœur harmonique et harmonieux, alors que justement, ce sont justement les dissonances et la tension à la limite de la fausse note, que l'on aime chez Dez Mona.
Le public applaudit entre chaque morceau, mais pas une tête ne bouge, pas un corps n'essaie de se balancer sur les fauteuils molletonnés (certains même se sont assoupis). On n'est pas à un concert de rock, mais tout de même.... tout cela manque un peu de ‘lâcher prise’, de spontanéité. C'est beau, mais finalement au paradis, peut être s'ennuie-t-on un peu.
Dez Mona + BOX
Lana a affronté l’imprévisible
Lana Paret, 18 ans, devait assister à une fête. Elle a été finalement une des témoins d’une démonstration de la puissance de la nature.
‘Il y avait déjà des éclairs depuis un moment avant que la pluie ne commence à tomber. Puis les premières gouttes ont arrosé le festival, suivies par une pluie infernale’ Infernal… Il semble bien que ce soit le mot le plus adapté pour qualifier la suite des évènements. ‘Au début tout allait encore bien, il y avait un groupe de personnes qui vérifiait les installations et il n’y avait apparemment pas de problème. Mais quand la tempête s’est intensifiée, le chapiteau a commencé à tanguer d’avant en arrière. La boule disco suspendue au milieu de la tente a commencé à s’agiter en décrivant les mêmes mouvements’. Le chapiteau n’était plus qu’une vulgaire barque malmenée par une mer déchaînée. ‘Tout a été arrêté pour protéger le matériel. On pouvait sentir le stress du public. Quand une fille est venue dans notre direction, elle était trempée, elle nous a raconté que la tente de la Boiler Room était entièrement détruite’. Lana prend alors conscience de sa chance. Elle vient d’échapper de peu au pire. Après la tempête, il ne lui restait plus qu’à constater les dégâts. ‘Tout était sous eau’. Si certains ont succombé, que d’autres ont craint pour leur vie, la jeune Avelgemoise n’avait pas conscience de la gravité des événements. Mais par la suite, des rumeurs circulant sur le champ du festival avancent un bilan de six morts.
Un retour aussi difficile
Le premier réflexe est de partir à la recherche des amis sur place et de tenter de joindre les parents proches pour les rassurer, intention qui, pour Lana, ne pourra se concrétiser que près de trois heures après la catastrophe. Dans le domaine de la sécurité, il n’y a pas de réelle défaillance à pointer. ‘Personne ne pouvait prévoir ce qui s’est passé. Les deux ou trois jours qui ont suivi le drame ont été moralement difficiles.’
Pour rentrer dans sa Flandre Occidentale, Lana a dû faire face à un parcours du combattant. ‘Nous avions décidé de retourner chez nous, le soir même. Après avoir longtemps hésité ; mais quand la pluie a recommencé à tomber, nous avons tout replié et nous sommes partis’. Mais arrivée à la gare de Kiewit, la jeune Flamande a une nouvelle mauvaise surprise : les trains ne roulent plus et il faut rejoindre la station d’Hasselt ! Elle va malgré tout réussir, en compagnie d’autres festivaliers tout aussi désemparés, à prendre place dans une navette. Un train plus tard, elle est enfin chez elle et peut, petit à petit, reprendre ses esprits.
C’est déjà et malheureusement, le troisième et dernier jour que nous passons au Sziget. Tout nous semblait si paradisiaque : le lieu, l’affiche, la météo, la bonne ambiance ou encore les nuits interminables. Aussi une question nous vient à l’esprit. La Bible nous dit que nous devons accepter par la foi le fait que Dieu existe. Mais une théorie cosmologique nous précise que toute situation résulte d’un élément déclencheur. Ces moments paradisiaques vécus au Sziget démontreraient-ils l’existence de Dieu ?
Le soleil darde ses rayons sur l’arrière-scène de la Pop Rock Main Stage, lorsque Skunk Anansie monte sur les planches. Un show qui démarre en trombe. Crâne rasé, Deborah Dyer, alias Skin, est vêtue d’une combinaison moulante. Noire. Mouchetée. Garnie de plumes dans le dos, à hauteur des épaules. La frontwoman troque rapidement ses chaussures à hauts talons pour des bottines (Doc Martens) avec lesquelles elle pose les pieds sur le public en interprétant son tube « Weak ». C’est une véritable pile électrique en ‘live’. Le public est euphorique et l’accompagne au chant sur « Over the love », un extrait de son dernier album, « Wonderlustre ». « Charlie Big potato » et « Brazen » alimentent le début de set. « On my hotel TV » parvient à faire jumper la foule. Et en fin de parcours, Skunk Anansie nous réserve encore « Hedonism » ainsi que « Because of you », démontrant ainsi, s’il le fallait encore, que Skunk Anasie n’a rien perdu de sa verve.
Changement d’ambiance sous la Burn Party Arena. Il y fait torride pour accueillir Trentemøller. Dans le milieu des 90’s, Anders Trentemøller était parvenu à innover, dans l’univers électro, à l’aide de son projet, Trigbag. Une créativité que le Danois a bien pris soin de reconduire sous son patronyme. Faut dire que l’artiste n’hésite pas à puiser dans des tas de références, pour enrichir sa solution sonore ; aussi bien rock, krautrock que EBM. Auxquelles il n’hésite pas à ajouter des scratches. Et le show accordé ce soir s’inscrit parfaitement dans cet esprit. Embrumé, le début de spectacle est dominé par des projecteurs de couleur rouge (NDR : et tant pis pour les photographes !) Anders est soutenu par deux vocalistes plutôt sexys. Mais aussi par un guitariste et un drummer, à sa droite. Pourtant, c’est le natif de Copenhague qui est bien aux commandes. Il s’agite derrière ses consoles. Un show plutôt rare et certainement à revoir, au cours duquel on épinglera pour points d’orgue, « Moan » et « Take me into your skin »…
Rarissime également, la présence des Deftones, lors d’un festival. Un groupe de métal californien, fondé en 1988, à Sacramento. Devenu depuis culte, il est drivé par Chino Moreno. Du haut de son estrade, installé à l’avant de la scène, le leader ouvre la setlist par « Diamond Eyes » et « Rocket Skates », deux singles issus du dernier opus de la formation étasunienne, paru en 2010. Mais il ne tient pas très longtemps en place et saute d’un côté à l’autre du podium, devant ses fans surexcités! Et Sergio Vega, le nouveau bassiste du groupe, est aussi allumé. Il vient cependant soutenir Chino, aux vocaux, sur « Engine No. 9 » (NDR : Sergio a remplacé Chicheng, victime d’un grave accident de la circulation ; il est cependant sorti du coma et ses amis musiciens, parmi lesquels on épinglera les membres de Korn, Metallica et Disturbed, ont publié une chanson, dont les bénéfices, devraient lui permettre de supporter les frais médicaux). Chino est en forme. Et lorsque le band attaque « Be quiet and Drive » et « Elite », le spectacle est à son paroxysme. Le public pogote sec. Et il est insatiable. A peine le temps de sécher à l’écoute de « Sextape », et le combo nous balance « Birthmark », un véritable retour aux sources pour ceux qui, comme Ludovic, avaient flashé sur leur premier elpee. Que du bonheur ! On suivra aussi l’actualité de Chino qui a monté un nouveau projet baptisé Crosses †††, en compagnie de Shaun Lopez, le guitariste de Farn Concept qu’il compte mener en parallèle avec les Deftones…
Prodigy a déçu. Pourtant, fin 2009, il avait accordé une prestation époustouflante, à Forest National. La foule est cependant toujours aussi compacte en cette fin de soirée. Et la setlist épingle notamment « World's On Fire », « Breathe », « Omen » et « Poison ». Mais le son est loin d’être exceptionnel. En outre, la voix de Maxim semble lasse. Il ne chante pas, mais se contente de pousser des cris. Un ensemble de circonstances qui vont rendre le concert insipide…
On décide alors de se rendre devant le podium des musiques du monde, pour y applaudir Oi Va Voi. Ne pas confondre avec Oio Polloi. Oi Va Voi est une formation londonienne qui s’est déjà produite en Belgique, à plusieurs reprises. Notamment à l’AB, Dour et dans le cadre du festival Couleur Café. Leur troisième album, « Travelling the face of the globe », est paru en 2009 ; un disque dont les chroniques étaient plutôt partagées (http://www.musiczine.net/fr/chroniques/oi-va-voi/travelling-the-face-of-the-globe-ep/). Mais ce concert est surtout un bon prétexte pour goûter l’atmosphère au sein de laquelle baigne l’auditoire, face à cette Pesti Est stage. Un endroit que nous avons peu fréquenté. Il y avait bien eu Gotan Project, la veille, mais nous n’avions assisté qu’à une partie de leur show. La foule est bien moins nombreuse que près de la scène principale. Mais l’ambiance y est nettement plus conviviale. Des spectateurs affichent de grands sourires. D’autres s’égosillent, se mettent à siffler ou encore osent des pas de danse. Manifestement, le climat est propice à un bon concert de world. Et on a la chance de pouvoir le vivre. Maintenant, peut-on vraiment qualifier la musique d’Oi Va Voi de world ? Les puristes qualifient leur expression sonore de folk magyar teinté de rock britannique, d’afro-soul, d’électro, de musique traditionnelle indienne et hébraïque. Tour à tour, le chanteur/guitariste/mandoliniste/compositeur Nick Ammar, la vocaliste Bridgette Amofah, une véritable panthère noire dont la plastique est irréprochable et la longueur de la jupe, inversement proportionnelle à la dimension de sa voix (NDR : n’hésitez pas à jeter un coup d’œil à notre rubrique ‘photos’) ou la violoniste (NDR : d’origine indienne, elle remplace Anna Phoebe) se réservent le devant de l’estrade. Bref une manière idéale de clôturer, pour nous, ce festival, dans la joie et la bonne humeur.
Car l’heure est déjà au bilan.
Avec comme moins :
- on aurait aimé plus de World ou de Folk à l’affiche. A l’instar du Dranouter d’autrefois, qui a perdu sa spécificité folk. Faut dire que la tendance est de plus en plus au artistes pop-rock et aux têtes d’affiches hype qui drainent les foules.
- Les prix : par rapport à 2010, le montant du ticket d’entrée n’a pas augmenté. C’est un bel effort. Néanmoins, l’inflation fait également des ravages en Hongrie. Une situation qui pénalise les autochtones. Ils doivent casser leur tirelire afin de pouvoir participer à cet événement ; la plupart d’entre eux se contentant, le plus souvent, de s’y rendre, au mieux, un jour, lors du week-end.
Et comme plus :
- la météo ensoleillée, comparé au temps maussade vécu en Belgique, à la même période
- la diversité : des scènes, des bars, de la nourriture, entre autres…
- le public : encore plus international que chez nous, et moins focalisé sur la tranche 15-25 ans
- le cadre idyllique du site, et les charmes de la ville qui abrite ses thermes
Et si finalement, le Sziget était bel et bien la preuve que Dieu existe. Ce n’est pas pour rien que ce festival figure dans le top 10 de l’European Festival Awards. Et trône même en première place dans le top 5 du quotidien insulaire, The Independent.
‘Thermes, pubs and rock’n’roll’ au programme de ce jeudi. Spécificité bienvenue du festival : il s’ouvre, chaque jour, à 15 heures. Ce qui nous laisse le temps de visiter la magnifique ville de Budapest. De Széchenyi à l’île Margit en passant par les différents bars de Nagymező utca, les coins pittoresques ne manquent pas. Mais revenons à nos moutons. En l’occurrence, la musique !
Et l’affiche est solide, aujourd’hui sur la Pop-rock Main stage. La Roux ouvre les hostilités. Seb souhaitait absolument assister à leur set ; surtout depuis leur forfait aux Inrocks de Lille, en 2009. Quoique seulement âgée de 23 ans, Elly Jackson est très à l’aise sur les planches. Faut dire que depuis la sortie de son premier opus, elle a aligné plusieurs centaines de shows. Elle ne semble pas fatiguée. Et se lance même dans un petit pas de danse qui sème la contagion au sein de l’auditoire. Derrière ses claviers, Ben Langmaid, son comparse, teinte les morceaux de sonorités 80’s. Vintage. Revivalistes. Et disco. Le tout à la fois. En finale, la setlist propose le single « Bulletproof », un titre qui fait bondir une grosse moitié de l’assemblée. Il est 17 heures. On savoure l’ambiance. Le soleil aussi. Surtout quand on sait, qu’au même moment, en Belgique, la température ne dépasse pas 15 degrés. Et qu’il n’arrête pas de pleuvoir.
On ne quitte pas les lieux, puisque sur la même estrade se produit Good Charlotte. Le style est bien sûr très différent. Le public s’est métamorphosé. Le combo attire des festivaliers beaucoup plus jeunes. Dont une majorité d’ados pré-pubères. Féminines surtout. Pourtant ce band compte quand même quelques années d’existence. Il est d’ailleurs né en 1995. Lors de l’explosion du néo punk US. Les frères jumeaux Madden sont toujours aux commandes. Leur peau est recouverte d’impressionnants tatouages. Certainement pas un indice pour les différencier, lorsqu’ils montent sur scène. Et pour être sûrs que la foule ne déserte pas les lieux, ils nous balancent, d’entrée, leurs tubes. Dont « The anthem », que les aficionados reprennent en chœur. Mais rapidement, le set s’essouffle et commence tout doucement à nous pomper l’air. Par rapport à Green Day, manifestement, Good Charlotte a pris un sérieux coup de vieux. Aussi, on jette l’éponge après 5 ou 6 titres.
On transite par le bar pour prendre un rafraîchissement, après avoir rechargé son porte-monnaie électronique. Le festival Sziget est à la pointe de la technologie. Pour payer ses boissons, on se sert d’un badge magnétique (contactless) qui fait l’objet d’une lecture électronique. Idéal pour éviter les arnaques fréquentes dont sont victimes les touristes, auxquels on ne rend pas la monnaie exacte lorsqu’ils règlent leurs consommations. Autre excellente initiative : la grande diversité de nourriture proposée. Puissent nos organisateurs occidentaux s’inspirer de ce modèle.
Une pause de courte durée, car la mainstage va accueillir une des têtes d’affiche de la journée : Kasabian. Une des meilleures formations insulaires contemporaines. Un combo bien dans la lignée des Oasis, Blur et Kaiser Chiefs. Le leader, Tom Meighan, monte sur l’estrade. Il est vêtu d’une veste plutôt kitsch. Rouge à lignes noires. Sa voix est puissante et transperce toute la plaine. Notamment sur des compos comme "Shoot the runner", "Thick as Thieves" ou encore "Empire". Il est bien soutenu par Sergio Pizzorno, le guitariste. Un musicien talentueux ; mais aussi le préposé à l’écriture de la plupart des tubes. Il est la clef de voûte du combo. Sergio chante également. Souvent en backing vocals. Parfois en lead. Et son timbre se conjugue parfaitement à celui de Tom. Il le rend même plus onctueux. Lors du final, la setlist épingle "LSF" ou "Fire". L’ambiance monte alors d’un cran. Les jolies filles se dandinent (NDR : franchement, on en a plein les yeux lors de cette manifestation). La foule balance les bras de gauche à droite. Un spectacle de méga-festival que Kasabian maîtrise à la perfection. Un peu comme si les Red Devils de Liverpool jouaient à domicile.
La température va encore monter de quelques degrés, lors du concert des Chemical Brothers. La foule est encore plus dense. Nous sommes carrément repoussés à 100 mètres du podium. Le lightshow est gigantesque. Il y a des lasers qui balaient l’espace dans tous les sens. On imagine Tom Rowlands et Ed Simons derrière leurs machines. Les titres du dernier album (« Escape Velocity », « Swoon ») passent bien la rampe. L’atmosphère est planante ; et certaines plages incitent à danser. Mais difficile d’apprécier ce show à une telle distance, derrière une foule aussi compacte. Au sein de laquelle de nombreux festivaliers tentent d’immortaliser l’événement, en prenant des photos, à l’aide de leurs GSM. Mais on se demande quand même quel est l’intérêt de ces clichés. Puisqu’il n’y a rien à voir. Les mouvements de foule sont incessants et deviennent même fatigants. Si bien qu’au bout de quelques titres, nous suivons le mouvement et rejoignons la sortie…
Et on décide même de rentrer à l’auberge. La journée a été particulièrement éprouvante. Surtout pour Seb, préposé aux photos. Pour certains headliners, il faut s’inscrire deux jours à l’avance. Et se présenter une heure avant le concert au stand presse. Enervant dès lors d’apprendre que le management de l’artiste a sélectionné dix médias. Et pas sympa vis-à-vis d’un partenaire du festival. Pour d’autres spectacles, il faut attendre un hypothétique e-mail (à consulter sur place), transmis quelques heures avant le concert, invitant à effectuer des démarches pour bénéficier du frontstage. Alors ce soir nous replions bagage. D’autant plus que la journée du vendredi sera encore bien chargée. Suite des aventures dans notre prochaine review…
Rejoindre Budapest constitue déjà toute une aventure. Le vol direct ‘Wizzair’ débarque assez tard en soirée ; aussi on opte pour celui qui relie Charleroi à Bratislava. Puis, on emprunte le train pour arriver à Budapest.
Petit rappel, il est indispensable de bien respecter les consignes de sécurité imposées au sein de la plupart des pays de l'Est. Et tout particulièrement, ne pas accepter les propositions des taxis ni acheter de tickets clandestins. Ainsi, l’an dernier, un groupe de Tournaisiens avait été arrêté à l’entrée du festival, pour s’être procuré des tickets dès leur arrivée, à la gare. Et ils n’ont été relâchés que le lendemain, après interrogatoire et enquête… Pourtant, aujourd’hui encore, quels que soient les transports en commun hongrois, ces revendeurs y sévissent.
Après ce long périple et un rapide crochet par notre auberge, nous arrivons aux portes du paradis : l’île Óbudai. C’est que Sziget se traduit par île, en magyar. Il faut emprunter un long pont métallique qui relie Buda (trad. : colline) au site du festival, un pont qui enjambe le Danube. C’est donc au beau milieu du fleuve bleu qu’une bonne centaine de milliers de festivaliers vont faire la fête durant six jours.
Passé les contrôles toujours un peu stricts dans ces ex-pays du bloc de l’Est, un grand espace vert s’ouvre à nous. Et le plan est bien nécessaire pour s’orienter. L’étendue du site est le double, si pas le triple, de nos grands festivals belges.
Nous nous hâtons pour ne pas manquer le set d’Interpol, programmé à 20 heures sur la Main Stage, réservée au pop/rock. On a quand même quelques craintes avant le début de leur prestation. Et pour cause, le bassiste originel, Carlos Dengler (également responsable de l’écriture des compos) a quitté le groupe, en mai dernier, pour embrasser d’autres projets. D’après une interview accordée dans le NME, la séparation se serait effectuée à l’amiable. Mais depuis le départ de ce membre fondateur, l’ambiance est loin d’être au beau fixe. Elle est même assez tendue. Notamment en tournée. Pourtant, ce soir, suivant leur bonne habitude, le show d’Interpol ne souffre d’aucun temps mort. La musique est impeccable. Le light show est impressionnant, même s’il tire un peu trop sur le rouge. La communication entre Paul Banks et le public n’a jamais été exceptionnelle. Il est plutôt introverti. Et c’est encore le cas, lors de ce set. A contrario, Daniel Kessler se montre plus ouvert. Et le band va nous réserver quelques temps forts, comme "Take on your cruise" ou encore "Barricade"…
Changement de décor sur la scène ‘Rock et Metal’ qui accueille l’un de ses meilleurs ambassadeurs : Motörhead. Petit rappel, si vous n’avez jamais entendu parler de cette formation notoire. Fondée en 1975 par son bassiste et chanteur Lemmy Kilmister, seul membre originel encore présent au sein du groupe, elle est Britannique. Les combos de métal de la vieille génération, sont toujours très populaires à l’Est (NDR : qui est, avouons-le, parfois un peu en retard sur son temps). La foule est déchaînée et franchement ça vaut le coup d’œil. Entouré d’arbres, l’espace réservé à l’auditoire est vite saturé. Vu l’affluence, ce concert aurait dû se dérouler sur la grande scène. Même si le son n’est pas très brillant. Déjà que d’ordinaire, chez Motörhead, il n’est pas extraordinaire, mais aujourd’hui il est à la limite audible.
Direction A38-WAN2 Stage pour aller applaudir Suicidal Tendencies, groupe précurseur du skate punk. Si son style est fondamentalement hardcore, dans l’esprit du heavy metal, on y recèle également des traces de funk et le disco, empreintes que le combo prend plaisir à dispenser, en milieu de set, ce soir. Publié en 2010, leur dernier opus, "No Mercy fools!/the Suicidal Family", compile des anciennes et nouvelles compos. C’est l'infatigable Mike Muir, la tête enserrée dans son rituel bandana (NDR : signe distinctif d'un des gangs de Los Angeles), qui dirige la manœuvre. Les deux guitaristes et son bassiste ont beau avoir la quarantaine bien sonnée, ils ont aussi de l'énergie à revendre. Les musicos bondissent d’un côté à l’autre de l’estrade. Et le public ‘jumpe’ également. Le batteur ? Il a du poids. Une estimation ? Approximativement 150kg tout mouillé. Ce qui ne l’empêche pas de nous gratifier d’un bon petit solo, de plusieurs minutes. Et le band de nous réserver un final explosif, « Pledge your Allegiance », un morceau au cours duquel, il va inviter le public à monter sur les planches. Un beau petit bordel ! On se demande d’ailleurs comment elles ont tenu le coup…
On zappe Pulp, déjà vu à Dour, il y a un mois (NDR : vous pouvez toujours lire, si vous ne l’avez pas encore fait, le compte-rendu qui lui a été consacré pour la circonstance) et on décide de vivre le spectacle de Hurts. Et puis, pas trop de footing à se taper, puisque le band insulaire se produit sur la même scène. Leur style est différent de celui proposé par Suicidal Tendencies. Le public est également différent. Cette nouvelle sensation pop britannique s’était également produite à Wercher. Issus de Manchester, ces beaux gosses avaient décroché le prix du ‘Best New Band’ aux NME Awards, l’an dernier. La voix de Theo Hutchcraft est grave et bouleversante. C’est Adam Anderson qui se charge des claviers. A contrario du titre de leur album ("Happiness") et de leur single ("Wonderful Life"), leur musique trempe dans la mélancolie. Elle est revivaliste, en lorgnant vers des groupes issus des 80’s comme Ultravox ou Spandau Ballet. Mais plus éclectique. Bien que large, leur public est plutôt ado et féminin. Lorsque le combo monte sur l’estrade, les cris des aficionados déchirent l’atmosphère, un peu comme lors des concerts de Patrick Bruel ou Tokyo Hotel. Un auditoire qui semble ravi. Theo ne cesse de prendre des poses. Ce qui permet à Seb d’immortaliser enfin de bons clichés (voyez notre section photo).
Après avoir assisté à ces quelques spectacles, nous décidons de savourer quelques bières locales. Et de faire un petit tour du site. En évitant de marcher sur les corps allongés ou de buter sur un tendeur de tente ; des toiles déployées un peu partout entre les podiums. Ce qui nous change de nos campings hyper structurés. Au fil de notre promenade, on recense une piste de danse tous les 30 mètres, différents bars, des stands de bouffe et d’ambiance. Des lieux de rencontre où toutes nationalités confondues se côtoient et se mélangent.
Mais il est déjà 2 heures du mat'. Après un dernier crochet par une soirée rock-metal, peuplée d’allumés qui reprennent en chœur les grands classiques de SOAD, Metallica, Iron Maiden et autres, il est temps de rentrer, car un long périple folklorique nous attend. C'est sûr, se rendre au Sziget est une histoire en événements. Nous ne manquerons pas de vous raconter les épisodes suivants, au cours des jours prochains.
Vous êtes un nada mort marchant autour du visible
Revenu d’une hallucinante nuit psychotique où l’alcool se diluait encore dans leurs veines molles à l’heure de pénétrer le site de l’Espace Nord, les corps tremblants de vos deux serviteurs se sont échoués lamentablement sur un coin improbable de table suintant déjà la bière frelatée du terroir, alors que les premiers émois de la journée s’articulaient déjà en une constellation poudreuse de souvenirs alanguis. Ecume aux lèvres et psalmodiant le chant du déclin, nous avons bravé toutes les lois physiques pour tenir debout jusqu’à ce que nos esprits étiolés ne rendent les armes dans un écrin satiné. Observation derrière quatre yeux vitreux d’une journée syncopée…
Le marchand du temps nous allouant un laissez-passer tardif, les échos compulsifs des Kerbcrawlers se sont malheureusement déjà immiscés dans une faille spatio-temporelle à l’heure où nous avons pénétré les lieux emplis d’une douce légèreté bucolique.
Réduites à un minuscule point se perdant dans l’horizon céleste, leurs envolées bruitistes ont explosé dans le firmament des constellations burnées où les relents décadents d’un Rock poisseux et pisseux se mêlent aux effluves d’un cuir moulant les entre-jambes les plus sexys. Tentant vaguement de nous maintenir dans une position à peu près verticale, nos pauvres jambes nous ont lâchés au moment où le chanteur (ou celui qui se définissait comme tel) a entrepris de reprendre « Radio Gaga ». C’en était trop pour un premier concert. Nous avons donc opté pour la dissolution éthylique au son d’un DJ set en plein air, tout en tentant vaillamment de retrouver nos esprits hagards et ensevelis sous une montagne d’hébétude. La bouche pâteuse et l’estomac s’étalant en une coulée de lave acide à contre-courant.
Une poignée de minutes errantes plus tard, Marble Sounds embrassait l’air d’un bouquet de mélodies fraîches et désinvoltes, empreintes d’un subtil parfum de nostalgie que mon cortex en décomposition avait repeint de vives couleurs infantiles. Les douces mélodies, accompagnées tantôt au banjo tantôt à la guitare folk, nous ont même offert une courte évasion lunatique, allant même jusqu’à panser nos plaies béantes de la veille. C’était malheureusement sans compter sur la dernière ballade, interprétée par une invitée du groupe. La voix, mal posée, trop discrète et assommante à souhait nous a permis de repartir dans nos vieux travers de dipsomane en vadrouille. Dommage, la montée était belle, mais la chute d’autant plus cruelle.
M’encourageant à m’accrocher au bastingage, le fantôme de Mark Linkous m’indiquait le chemin, tandis que « Time to sleep » m’a invité à m’éclipser pour me fondre dans les draps soyeux d’un de ses enfants du sommeil.
Quelques apartés couverts de mousse blanche plus tard, I Love Sarah se découvre en première réelle bonne surprise du jour. L’équation est simple. Prenez un batteur complètement barge et passablement éméché. Additionnez lui un guitariste naviguant aux frontières de l’autisme et multipliez le tout par une boîte à rythmes. La seule inconnue ? Le résultat improbable de cette scabreuse équation. La surprise était bonne voire même très bonne, des rythmiques fracassantes aux influences diverses, une alchimie prenante vous bousillant sans relâche votre système nerveux déjà éreinté et un humour à la limite du mauvais goût entre les morceaux. Bref, un pur moment de jouissance primaire.
Alors que j’entretenais la conversation avec le singe vert squattant l’arrière de mon cerveau depuis la veille et que je lui demandais gentiment de cesser de fracasser ses cymbales à intervalles répétés, ma progéniture spirituelle s’égarait un peu plus dans les travers du droit chemin et s’en revenait en emportant le flacon et l’ivresse, le tout joyeusement brassé en n’oubliant pas le savoir-faire avant d’être dégusté avec modération
Mais déjà, la frêle coupe de la barque supposée nous mener vers Antilles se profilait à l’horizon. Dans un hypothétique état de latence frénétique se joue alors devant mes oreilles ‘endorphinées’, le ballet d’une ode aux syncopes sismiques en mode répétitives. Complètement éclaboussé par l’écume de drones bruitistes savamment orchestrés par des boucles d’or intelligemment rebondies, mon radeau d’infortune se perdait en d’amères contrées ‘circonvolutiennes’. Rejetés sur le rivage, mes sens s’abimaient dans un rictus malin.
Left Lane Cruiser décide alors de massacrer ce bel équilibre et de le noyer dans les bayous retors de son Blues Country Punk vénéneux. Mes viscères se sont cabrées, tel un pur sang pris de panique et mon corps a oscillé maladroitement vers l’extrémité de la tente, où une pluie salvatrice m’a accueilli. Inondé de béatitude léthargique et l’œil frétillant, j’observais le va-et-vient continu de mes frères et sœurs autochtones arpentant la peine.
Empli de nourriture céleste et rempli de bile terrestre, mais encore trop attaché à la dépendance narcotique des plaisirs sulfureux, ma mémoire est entrée dans un état second, alors que les Hollandais d’Alamo Race Track s’articulaient autour d’un nuage poussiéreux grésillant d’émotions contenues dans un écrin de platitude nacré. Sympathiques comme un testicule échappé d’un slip trop serré, leurs chansons étiraient longuement leur monotone spleen sur la corde sensible de mon ennui latent.
Le moment paraissait donc bien choisi pour amorcer une résurrection optimiste et sous le couvert d’une bâche gorgée d’eau de pluie, vos deux compagnons immolèrent cigarettes sur cigarettes en attendant que le temps soit tué. La bête morte, fallait-il encore s’occuper de sa carcasse.
The Thermals s’en sont chargé. Commémorant l’art de la vie en brûlant la chandelle par tous les bouts, le trio américain aux résonances faussement Punk et vraiment débonnaires est parvenu à atomiser gaiement les humeurs réfractaires et soulevé la pilosité sourcilière des plus sceptiques, dans une ode aux plaisirs directs et résolument érectiles.
Supputant une anachronique connivence fallacieuse avec feu Superchunk, mon esprit schizophrène a pris le parti de rester sur le qui vive, mais au final, l’absolue évidence de ses refrains décérébrés a fini par convaincre le dernier de mes neurones encore actif.
Dans les méandres apocalyptiques d’une échappée de ma mémoire, j’ai saisi au vol, un couple de bourbons et laisser l’élasticité tentaculaire de Civil Civic m’égratigner un peu plus dans le sens du poil, par la force d’un set sans faille ni temps mort.
Le duo Austral assénant une dernière salve d’adrénaline à mon organisme prêt à s’écrouler. Pixelisant l’espace sonore d’algébriques montées en puissance, le combo a fini de mettre tout le monde d’accord lors d’un rappel moite.
La nuit ne devait finir en si bon chemin. Car The Publicist devait assurer la reproduction des équidés échaudés par la beauté irradiante de ces heures teintées d’un crépuscule naissant. Mais déjà le singe vert me promettait son retour, fort d’une armée de congénères plus hargneux les uns que les autres, et votre paire bien balancée s’est fondue dans l’oubli.
Organisation : JauneOrange.
In Goth we trust
Difficile de ne pas appréhender ce type d’événement sans craindre d’être confronté à moult clichés du genre. Grand messe pour Geeks et vielles carcasses décharnées, tout festival gothique rallie immanquablement son lot d’étranges créatures qui y voient l’aubaine d’une exposition sous la lumière des projecteurs de leurs plus beaux ( ?) atours. Courtrai n’a, bien sûr, pas failli à la règle. Mais au final, de cette affiche étalée sur trois jours, peu de groupes portaient réellement l’étiquette de croque-la-mort. Oui, noir était la couleur prédominante, et oui, l’ambiance était crépusculaire. Mais au final, l’éclectisme était bel et bien de rigueur en ce week-end de fin juillet.
Alors que le temps oscillait tangiblement vers des températures plus automnales (et donc ‘halloweenesques’) qu’estivales, le public encore épars déambule sur les aires de l’immense bâtiment qui longe l’autoroute locale. Premier constat, l’endroit semble disproportionné au vu des spectateurs présents. Partagé entre deux entrepôts, ce vendredi soir, le lever de rideau n’a pas rameuté une armée entière de sombres silhouettes.
Prêtant une oreille plus que distraite aux Diary Of Dreams, dont l’artificielle parure cache mal un goût prononcé pour la tendance ‘Eurovision’ de type kitsch, mon regard balaie l’obscurité et s’attarde sur quelques créatures rescapées des rayons du soleil.
Derrière moi, dans les larges allées séparant les deux sites, flânent les esprits chagrins, au milieu d’échoppes diverses. Marchands de fringues et de disques, chapeaux hauts de forme et corsets sexy, t-shirts de groupes tailles bébé et autres accessoires sado-maso se mélangent dans un joyeux capharnaüm.
L’ambiance va s’électriser, quand monte sur les planches l’improbable Johan Van Roy, l’homme derrière Suicide Commando, groupe qui se revendique fièrement d’une Electro-Indus nationale dont les racines tortueuses étranglent sans concession les mœurs écœurantes d’un conformisme engoncé. Agitateur trublion, doublé d’un bouffon malin, le leader charismatique ne ménage pas ses peines et exalte le public au travers d’un set énergique et sans temps mort.
Imparables brûlots incendiaires, « Bend, Torture, Kill », « See you in hell » ou encore « We are the sinners” s’enchaînent avec en toile de fond les images crues et étrangement attirantes qui défilent à l’arrière du podium.
Foncièrement provocatrice et délibérément malsaine, l’imagerie SC qui entoure l’univers mutilateur de ce projet lie véritablement la musique à son propos. Et renforce sensiblement l’effet attraction-répulsion qui caractérise le tout.
L’un des moments forts de cette édition, qui pour le reste s’étendait paresseusement jusqu’à son apothéose de dimanche soir.
Ni les sets en demi-teinte (paradoxe gothique ?) de Fields of Nephilim, de Fixmer / Mc Carthy (Nitzer Ebb) ou encore la prestation tristement mollassonne des Cranes, dont l’aura se dilue comme la mémoire dans le temps, ne sont venus bouleverser mes états d’âme (maudite).
La surprise de ces trois jours a incontestablement été Clan Of Xymox, que le concert a largement sorti de l’oubli au sein duquel il était tombé depuis quelques années. On peut même affirmer que la musique du groupe n’a pas pris une ride. ‘We could be heroes, just for one day’, susurre gravement la voix de Ronny Moorings, sur le “Heroes” de Bowie. Paroles d’absolue vérité qui sied donc au combo batave.
Si auparavant, Vive La Fête avait imparablement mis le feu aux poudres, en dispensant comme d’habitude, un set puissant, énergique et bon-enfant, il semblait évident que l’événement attendu par tous était le retour de Peter Hook et ses musiciens pour cet hommage ultime (NDR : et qui d’autre de mieux que lui était le mieux placé pour le rendre ?) à Joy Division.
C’est que le retour du citoyen de Lancastre, au sein d’une formule ressassant un passé hanté par le spectre de Ian Curtis, amène fort logiquement à se poser des questions quant au bien fondé de l’entreprise.
Projet vénal ou réel désir de se faire plaisir tout en contentant deux générations orphelines d’un des plus grands groupes de l’histoire ?
Il allait nous en donner la réponse ce soir.
Peter Hook n’a rien perdu de sa hargne, de sa verve, ni de son envie d’en découdre. Lui qui assenait des coups de basses sur les coins de gueule dans l’ambiance surchauffée des salles acquises à sa cause, lui qui n’hésite pas à dégommer quelques bonnes vannes à l’encontre de ses anciens camarades de jeu, assure toujours avec autant de brio, du haut de ses cinquante-cinq ans.
Pourquoi bouder son plaisir ?
Une bonne reprise de Joy Division reste et restera toujours une reprise de Joy Division. Mais quand Hooky est derrière la basse, c’est quand même une part de l’âme de Joy Division que l’on peut tâter.
C’est vrai, New Order n’était pas avare sur ce plan. Mais ici, s’affiche la volonté de ressusciter l’espace d’un moment, l’esprit de cette époque, en piochant dans le répertoire du groupe de Manchester.
On ne reviendra jamais en arrière, et personne n’est là pour refaire l’histoire. Ce qui nous est offert ici est un instantané, dont le seul but est de rendre justice à une musique qui ne méritait pas de mourir si jeune.
En toute honnêteté, et sans artifice, Peter Hook and The Lights rejouent ce qui à nos oreilles, sonne comme un catalogue de classiques indémodables.
A l’heure ou la énième compilation des morceaux de JD (combinée à ceux de New Order) est tombée dans les bacs des disquaires, le Mancunien redonne l’illusion que l’histoire ne s’est pas arrêtée un dix-huit mai mille neuf cent quatre-vingt. Ou plutôt elle nous permet d’imaginer qu’il est possible de se replonger plus de vingt et un an en arrière.
C’est vrai que ce n’est pas Joy Division, quand Peter Hook chante, bien sûr, on ne peut s’empêcher de faire la comparaison, mais quand la basse résonne aux premières mesures de « Transmission », nul ne pourra jamais empêcher des centaines de poils de se hérisser sur la peau.
C’était écrit dans les paroles de Ian Curtis. La suite n’est qu’un vol suspendu dans l’air du temps. ‘A legacy so far removed, one day will be improved’ (extrait de “A means to an end”)
Au final, cette édition n’était peut-être pas la meilleure et le cadre peut-être pas le plus approprié, mais pour ces coups d’éclats, elle valait assurément le (large) détour.
(Organisation : Shadowplay coproduction Peek-A-Boo)
Les Francos, c’est une énorme machine, un programme d’une richesse inouïe, une foule très nombreuse (deuxième meilleure affluence en 18 ans malgré le mauvais temps) et un public qui s’étale sur plusieurs générations : trois, voire quatre...
Le souci, c’est de faire son choix parmi la pléiade de concerts simultanés qui sont proposés. Suite des festivités ce vendredi, puisque votre serviteur et Barbara, préposée aux photos, avons couvert le festival pendant deux jours, soit les 21 et 22 juillet.
Francos – le 22 juillet
La pluie commence à tomber lorsque Moriarty monte sur la scène où s’amoncelle une pile de valises anciennes, comme une invitation au voyage. Mais après les premières mesures, l’averse va cesser et même laisser poindre un rayon de soleil. Ce dont Thomas Puéchavy, l’harmoniciste à l’attitude très inspirée, ne pourra s’empêcher, avec une pointe d’humour, de s’attribuer. Ce qui incitera aussi Rosemary Standley, la chanteuse à la voix si particulière, aigüe et légèrement nasillarde, de troquer sa tenue des trois premiers morceaux pour une robe fourreau rouge très décolletée et très sexy !
Mais j’ai du mal à me plonger dans l’atmosphère. Est-ce parce que nous sommes dans la lumière d’une après-midi et que la performance trouve plus son univers si particulier dans une salle ? La musique folk-country épicée de guitare Dobro, de contrebasse, d’harmonica et même d’une assiette en étain dont se sert Vincent Talpaert, le percussionniste, a du mal à fédérer le public.
Nous sommes aux Francos. Tout le public apprécie-t-il les paroles des chansons qui racontent chaque fois une petite histoire… en anglais ? Ecouter « Private Lily », superbe chanson, sans en saisir le sens fait perdre une part essentielle de sa séduction. Rosemary introduit chaque titre en français, mais c’est souvent inaudible. C’est un peu le paradoxe de la direction que prennent les Francos. Accueillir des groupes francophones qui s’expriment en anglais, est-ce faire preuve d’ouverture ou perdre un peu de son âme ?
Passage devant la salle du Dôme où Jacques Duvall, coiffé de son chapeau de cow-boy comme ses six acolytes, déprime une assemblée assise et qui semble résignée. J’adore le parolier et je préfère ne pas l’entendre chanter pour rejoindre la scène où se préparent les Brabançons de Lucy Lucy !. Formation à quatre guitares et batterie, le style folk-rock fait inévitablement penser à ce qui se fait beaucoup en ce moment en Belgique : Sharko, The Tellers ou encore Girls in Hawaï. Rien de vraiment neuf donc. A noter l’excellente qualité des harmonies vocales qui fait référence aux Seachers (dont ils reprennent avec talent Love Potion N°9) ou même aux Beatles. Une pêche d’enfer sur les planches qui emmène un public d’ados ravis de faire la fête en leur compagnie.
Mais LE rendez-vous du jour pour les amateurs de rock, c’est bien le concert de Louis Bertignac. La foule est plus dense que jamais pour accueillir comme il se doit celui à qui les fées ont offert une guitare le jour où elles se sont penchées sur son berceau. Son concert sera à l’image de son dernier album : énergique et électrique. Du rock 100% pur jus ! Il en interprète « 22M² » pour commencer. On voit qu’il est heureux d’être là, Bertignac, et qu’il compte bien partager cette jubilation. Accompagné d’une formation minimaliste, une basse lourde (Marco Bravin) et une batterie agressive (Julien Orscheck), il nous fait décoller et planer au fil des envolées de sa légendaire Gibson SG 1959! Authentique guitar-hero, il a hérité de Jimmy Page, à qui il rend hommage en reprenant « Whole Lotta Love », des Who, dont il nous fait cadeau du « Won’t get fooled again » et d’Hendrix, à qui il envoie un clin d’œil en jouant de la guitare avec la langue. Il ne manque pas d’humour, Louis B. Au cri ‘A poil !’ que lance un(e ?) fan quand il ôte sa veste noire, il répond qu’il veut bien à condition que cinq filles, jolies, en fassent de même ! On aura droit à quelques coups de Téléphone, bien sûr. Il donne de la voix pour Cendrillon, laisse son bassiste interpréter « Ça c’est vraiment toi » (qui deviendra « Ça c’est vraiment Spa ») et laisse le public chanter seul presque toute la chanson « Un autre monde ». Il est vrai qu’au niveau de la voix, si elle est chaude au début, elle devient vite rocailleuse puis a tendance à s’éteindre... Il le sait et s’en moque lui-même. Bertignac finit le concert à genoux, devant son public, comme pour le remercier. Mais c’est lui qui nous a envoûtés, le diable !
Sur la scène Pierre Rapsat, c’est l’heure de Hooverphonic. Un groupe flamand qui chante en anglais aux Francos. Si ça, ce n’est pas un signe d’ouverture… Mais le groupe est avant tout ‘belge’ et Alex Callier, le bassiste fondateur du groupe ne cessera de le répéter, en français, tout au long du concert. Il précise aussi que l’ingénieur du son est wallon ! Il propose même que l’on re-célèbre en leur compagnie la Fête nationale ce 22 juillet, le groupe se produisant en Italie, la veille. C’est surtout Alex qui nous réserve des commentaires humoristiques. Apparemment très préoccupé par la situation politique actuelle, il va ainsi dédier « The last think I need is you » et « How can you sleep? » à un Flamand devenu célèbre qu’il ne nommera pas tout de suite mais que tout le monde aura reconnu. Autre note d’humour : une version plus ‘Clo-clo tu meurs’ de « Comme d’habitude » par le claviériste.
Mais l’essentiel n’est pas là. Le groupe, classieux, propose une performance tirée à quatre épingles dans des couleurs noires et blanches. Les tubes défilent, tous interprétés avec brio par leur nouvelle chanteuse Noémie Wolfs. Une voix juste, sensuelle, gracieuse, parfaitement posée. Mais un charisme encore faible. Elle semble aussi trop préoccupée par la justesse de sa performance vocale. Les interprétations ne diffèrent pas beaucoup de la version album, excepté pour « Mad about you ». Un concert calme, comme leur musique jusqu’au final. Alors, Alex Callier et Raymond Geerts se déchaînent tout à coup. Ils s’agitent dans tous les sens, lancent des riffs de guitare détonants. Et on se met presque à regretter qu’ils ne s’y soient pas mis plus tôt…
Se mettent en place les Français d’AaRON. Absent pour les 15 ans des Francos, la formation occupe pour la première fois la scène spadoise. Un album de plus sorti entretemps enrichit donc leur répertoire initial. Loin, très loin du style éthéré et mélancolique de « Lilli », le groupe de Simon Buret et Olivier Coursier a proposé un concert énergique très rock. Je ne m’attendais pas à cette performance du chanteur ni à sa maitrise de la scène où il s’éclate visiblement. AaRON arrive à faire danser et même hurler la place en alignant des titres qui ne sont pourtant pas familiers et auxquels j’ai du mal à accrocher. Mais l’ambiance club créée par le fantastique jeu de lumière a pour effet de faire se lâcher le public ! Et il y a pris bien du plaisir.
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