Le quatrième album de Future Islands vient de paraître. Il s’agit du premier pour 4AD. Et paradoxalement, il s’intitule « Singles ». Pour la circonstance, le trio issu de Baltimore a reçu le concours de Chris Coady (Beach House, Yeah Yeah Yeahs, Grizzly Bear) à la production.
‘Singles est une merveille sans efforts’ - The Line of Best Fit (9/10)
‘Une merveilleuse balance entre pop et mélodrame’ - Pitchfork (8.0/10)
Pour découvrir la vidéo de « Seasons (Waiting On You) », c’est ici
Macy Gray est enfin de retour ! Sa nouvelle vidéo s’intitule « Stoned » et précède la sortie d’un album baptisé « The way », dont la publication est prévue pour cet été…
https://www.youtube.com/watch?v=maLYSsXemuY
Wild Beasts vient donc d’enregistrer son quatrième album. Intitulé « Present Tense », il est paru sur le label Domino. En se produisant au Botanique ce mardi 15 mai, on se demandait si la formation insulaire (NDR : elle nous vient de Leeds) allait confirmer en ‘live’, le léger virage pris en direction d’une électro-pop à tendance 80’s, sur disque. De quoi confirmer tout le bien que la critique pense d’eux depuis maintenant près de six ans. C’est, en outre, la cinquième fois que le groupe foule la scène de la salle bruxelloise.
Pour assurer leur première partie, Wild Beasts a invité des compatriotes : Money. Un combo mancunien qui marche sur les traces de leurs hôtes. Et pour cause, il est également réputé pour dispenser une pop classieuse et théâtrale. Je suis malheureusement arrivé en retard et je n’ai pas eu le loisir d’assister à leur set. Néanmoins, en recueillant quelques échos auprès de quelques spectateurs, il appert que leur prestation était de bonne facture. A ne plus manquer la prochaine fois, donc…
En pénétrant dans la salle, je jette un coup d’œil furtif vers le podium. On y remarque la présence de deux claviers installés au centre de la scène ; et ils se font face. Le virage synthétique semble donc se confirmer. Vers 21 heures, le quatuor monte sur l’estrade, sous les acclamations du public. Professionnels, ils ont prévu une introduction qui en jette. Malheureusement, la magie du direct les stoppe illico dans leur élan. Un des claviers ne fonctionne pas ! Faux départ ! Les musicos retournent derrière les rideaux pendant que plusieurs techniciens s’activent à réparer la panne. Après dix bonnes minutes et face à un public devenu sarcastique, ils reviennent sur les planches. Les choses sérieuses peuvent maintenant enfin commencer.
D’emblée, deux éléments impressionnent : la voix sensuelle et maîtrisée de Hayden Thorpe (également au clavier, à la basse et à la guitare) et l’éclairage. Sa voix constitue clairement la valeur ajoutée de Wild Beasts. C’est elle qui véhicule les émotions au sein des compositions du groupe. Tom Fleming (chanteur, clavier, guitare, basse) est également préposé au micro, mais s’il a également un bel organe, il fait un peu pâle figure par rapport à celui de son acolyte. Deuxième élément, scéniquement, malgré une intro ratée, les Anglais maîtrisent leur sujet. Chaque morceau, grâce surtout à la qualité du light show, baigne au sein d’une atmosphère spécifique. Les tons et les rythmes sont adaptés aux morceaux. Autrement dit, chaque titre interprété est une découverte ; et on n’a pas le temps de s’ennuyer.
Pendant un peu plus d’une heure, Wild Beasts va alterner anciennes et nouvelles compos. Mais votre serviteur a surtout apprécié les morceaux issus du grandiose deuxième elpee, « Two Dancers ». A mon humble avis, elle restent un ‘must’ tant au niveau des mélodies, des rythmes que des ambiances. Certaines évoluent malheureusement à la limite du mauvais goût. Et on même failli faire perdre à l’auditoire le fil conducteur du concert. Heureusement, à chaque fois, la bête s’est relevée.
Que ce soit à travers des moments solennels ou plus difficiles, la formation anglaise a démontré qu’elle était devenue pro jusqu’au bout des ongles. Et la mise en scène particulièrement efficace en est certainement une autre illustration…
(Organisation Botanique)
Entre pudeur et retenue gracile, le groupe gantois, récemment signé chez Crammed Disc, présentait ce soir son nouvel album, devant un parterre d’invités.
Sur la pointe des pieds, Inne Eseyrmans et ses deux comparses, levaient donc le voile sur “From Clay to Figures”, album sur lequel nous aurons bientôt l’occasion de revenir.
Contraste saisissant à premier abord, entre la lumière crue des éclairages projetée sur un mur de béton blafard et la musique feutrée d’Amatorski, qui tel un papillon venant à se poser sur un néon blanc, cherchait tout autour un peu de chaleur réconfortante.
Quelques échanges de politesse avec une poignée d’amis parsemés dans le public (tout juste une quarantaine de spectateurs attentifs), allaient permettre à la timide chanteuse de trouver ses marques.
Pour le reste, l’aperçu du nouvel album était présenté de manière juste, sans aucune fioriture, ni aucune surprise.
Si le visuel est appelé à magnifier les compositions du groupe sur scène dans un avenir proche (notamment le 21 mai prochain dans le cadre des nuits du Botanique), les chansons étaient ce soir présentées dans leur plus simple appareil.
Un dépouillement à fleur de peau qui mérite nettement mieux qu’un éclairage de cantine mais qui offre à entendre la face épurée de compositions savamment mises en avant sur disque de par une production léchée.
Ce soir le groupe déployait encore timidement ses ailes, mais gageons que très vite, ils seront hors de vue, planant loin au-dessus de nos têtes rêveuses.
(Organisation : PiaS)
A première écoute, la voix androgyne et nasillarde de Peter Piek est plutôt surprenante. Et pour cause, elle oscille quelque part entre celle de Sharko (« Girona ») et Brian Molko (« If This is the End »). Cet artiste issu d’Allemagne de l’Est (de Leipzig exactement) propose des compositions louvoyant gentiment entre pop, folk et rock de facture très classique, tout au long de « Cut Out the Dying Stuff », son 3ème album. Trop classique peut-être pour soulever un quelconque enthousiasme, car l’opus n’atteint jamais de véritable sommet. Pourtant, le cerveau de Peter Piechaczyk est censé être en constante ébullition. Le personnage s’est même autoproclamé peintre-compositeur (NDR: ‘Sometimes I think I’m a musician who fell in love with colour so much that he can’t help but paint all the time. Then I think maybe I’m just a painter who loves to play guitar and to write songs about himself being a painter.’) et estime que ses morceaux sont complémentaires à ses peintures. Le ton est malheureusement un peu trop guimauve pour accrocher malgré certaines mélodies intéressantes (« Painting a Line »). Sur la route depuis 2011, Peter compte déjà plus de 500 dates au compteur (dont certaines accordée en Chine pour laquelle il a composé un morceau en chinois : « Ti OO »). Il se produira à la Dame de Pique à Namur le 25 avril prochain dans le cadre d’un expo-concert…
Il est à peine âgé de 27 ans et a déjà acquis une belle notoriété dans l’univers de l’indie rock. Il s’est surtout illustré lors de ses collaborations avec M.Ward, Dolorean ou encore Loch Lomond, mais également comme membre –où il a milité pendant 6 ans– d’Efterklang. Par contre, on connaît moins les efforts solo du jeune Américain. Pourtant, le multi-instrumentiste n’en est pas à son coup d’essai. « Float 2013 » était paru en 2008, alors qu’il était à l’aube de sa carrière. Déçu par les réactions suscitées par cet elpee, il a décidé, récemment, de le retravailler en y ajoutant deux titres inédits. Et puis également en sollicitant le concours de la ‘star’ de la musique néo-classique, Nils Frahm. Quant au choix du label insulaire, il n’est pas très étonnant, puisque Erased Tapes héberge déjà des artistes comme Nils Frahm et Olafur Arnalds.
Tout au long de « Float 2013 », le piano et le violon demeurent des instruments incontournables pour l’Américain. Mais des éléments électroniques ont subtilement été introduits dans l’expression sonore, qui quoique dans l’ensemble paisible, ne manque pas de relief, à l’instar de l’excellent « Broken Patterns ». Une œuvre relaxante que Broderick construit dans l’esprit de Nils voire d’Olafur, dont question ci-dessus.
Manifestement, Peter a pris de la bouteille et son essai néo-classique a gagné en substance et en intensité. Moins ‘pop’ et ‘accessible’ que ses autres projets, « Float 2013 » devrait plaire aux aficionados du style, mais risque fort de plonger le mélomane lambda, au sein d’un ennui mortel.
Mary Ann Casale est originaire de Long Island. Au cours de sa jeunesse, elle a sillonné les routes des States de long en large, afin d’y accorder des récitals, en accompagnant sa voix d’une simple guitare acoustique. C'était dans 70’s. Puis elle a tout abandonné et s’est accordée un long break de trente bonnes années. Elle a donc décidé de revenir dans le parcours. Tout en travaillant sa voix intimiste, elle s’est remise à la sèche et puis surtout à écrire des chansons, des compos qui baignent dans une ambiance très folk, légèrement teintée de blues!
L’elpee s’ouvre par "Running out of time", une plage à fois belle et tendre, pour laquelle elle a reçu le concours de Beth Robinson au violoncelle. Caractérisée par ses subtiles effluves de blues et jazz, "Don't knock on that door" est une superbe piste magnifiée par les interventions de la six cordes de Tas Cru. Ce dernier se réserve également l’harmonica sur le blues "No place to hide". Il y tire même presque toutes les ficelles, puisqu’il produit le long playing. L'écriture de Mary Ann est simple et directe. Sa voix est bien timbrée, et si elle colle parfaitement à la douceur de sa musique folk, elle révèle également certaines affinités avec le blues, surtout quand elle monte en puissance. Les plages se succèdent dans un registre qui ne varie guère ; reconnaissons néanmoins que le sens mélodique de ses chansons est à la fois naturel et irréprochable. Plus nerveux, "All that is left behind" est dynamisé par un bohdran, instrument de percussion celtique. Cordes, basse et bongo balaient "Faces never seen" une autre jolie plage aux intonations gospel. Tas Cru revient souffler dans son harmonica sur le gospel blues "One of these days". "Running out of time" est une oeuvre qui baigne dans la sérénité…
Coffee or Not est un duo établi à Bruxelles. « SoRe » constitue son troisième opus, un disque sur lequel, il a abandonné les instruments acoustiques. « SoRe » (première syllabe des prénoms de protagonistes : Soho Grant et Renaud Versteegen) verse dans une électro-pop mélancolique et parfois même ténébreuse…
« Jack » ouvre la plaque et donne directement le ton. Une plage langoureuse au cours de laquelle la paire met immédiatement son atout majeur en exergue : les harmonies vocales. Combinées au clavier de Soho, à la guitare de Renaud et à la basse de l’invité Frédéric Renaux, les plages baignent dans un climat mélancolique. Pourtant, la formation belge est capable de faire monter la tension, à l’instar de « Winter Night », caractérisé par ses décharges électriques. « Lush » trempe dans la pop réminiscente de Death Cab Cutie. La voix de Renaud Versteegen rappelant même celle de Ben Gibbard. Et le reste de l’opus tient parfaitement la route. J’épinglerai cependant encore l’instrumental « Ave Maria » qui débouche sur le plus rythmé « City Burning », à nouveau illuminé par les superbes harmonies vocales.
Alors, si je souhaite en reprendre ? ‘Graag, met plezier !’
Elle nous vient d’Edmonton, au Canada et puise son inspiration quelque part entre les rives du Mississippi et la tradition festive et musicale de la Nouvelle Orléans. On la surnomme pourtant la ‘Reine du swamp blues’. Elle chante, joue de la guitare et compose, tout en teintant ses racines de blues et de gospel. Toujours étudiante à l'Université d'Alberta, faculté où elle y suit un cursus consacré à la musique populaire, elle prépare sa thèse de doctorat qu’elle consacre aux musiques populaires du siècle dernier. "Baptized by the mud" constitue déjà son quatrième album!
"Sun goes down" ouvre la plaque. On est immédiatement plongé dans la tradition du gospel. Les chœurs répondent au chant et au piano de Darryl Havers qui talonne le bottleneck de notre Kat. "Sweet baybay" est une chanson roots empreinte de charme. La guitare du producteur Steve Dawson et l'orgue de Havers tapissent impeccablement le décor sonore. Cet orgue est de nouveau mis en exergue sur "None of us are free", composition savoureuse au cours de laquelle la ligne de basse multiplie les échanges, et notamment avec la voix. Le titre maître nous entraîne au cœur des marais louisianais ; et nous y sommes ‘baptisés par la boue’ au son de l’accordéon, du banjo, de pedal steel sans oublier la basse acoustique de Jeremy Holmes. La musique des racines est très riche, un climat sonore qu’illustre parfaitement "Crazy for you", une piste balayée par les accords d’une grande pureté dispensés par la slide de Dawson. "O' Mary don't you weep" et "Hear me out, think it over" sont deux compos à la fois belles et mélodieuses. Kat se sert de sa voix comme un instrument sur "Winsome, lonesome", un blues acoustique qui swingue. Caractérisé par les interventions gémissantes de la slide, "Notes from the other side" exhale un parfum country. Balisé par les ivoires et dynamisé par les percussions de Geoffrey Hicks, "Prove it on me blues" vagabonde parmi les rues de la Nouvelle Orléans. Cette œuvre intimiste s’achève par très belle adaptation du "You gotta move" de Mississippi Fred McDowell, une plage au cours de laquelle la voix de Miss Kat se lâche...
Honnêtement, je dois avouer que The Dead C est une formation dont j’ignorais l’existence. Après avoir entrepris quelques recherches sur la toile, je me suis rapidement rendu compte que ce trio originaire de Nouvelle-Zélande jouissait déjà d’une petite notoriété. Et tout particulièrement au sein de certains cercles undergound. Il faut dire que le groupe existe depuis près de trente ans. Les Océaniens ont donc eu le temps de faire leurs marques. En approfondissant mes explorations, j’ai constaté que cet album était quasi-unanimement apprécié au sein des mêmes ‘cercles’ (NDR : ‘sectes’ ?) Je m’attendais donc à une excellente surprise en écoutant « Armed Courage », le quatrième LP publié en six ans, depuis que le band a signé chez Ba Da Bong Records.
L’écoute attentive de cet opus m’a rendu perplexe. Car finalement, le titre de l’elpee est particulièrement évocateur. En effet, du courage, il en faut pour parvenir au bout de ces 45 minutes de ‘musique’. J’avais certes lu qu’elle n’était pas facile d’accès ; mais à ce point là, j’étais loin de me l’imaginer ! Certains artistes auraient intérêt à revoir leur échelle d’accessibilité par rapport au commun des mortels, faute de quoi, toute comparaison perd son sens.
En bref, tout au long des deux morceaux qui dépassent les 20 minutes, The Dead C s’amuse à déconstruire le rock (NDR : a-t-il un jour construit quelque chose ?) en transgressant toutes les limites et les règles. En résumé, imprimée sur une rythmique épileptique, la musique de The Dead C se limite à une succession de larsens et de sonorités saturées. Parfois, une voix fait son apparition, puis disparaît au bout de 2 ou 3 minutes. Et si la deuxième plage est un peu plus abordable, il faut avouer que The Dead C se borne à faire du bruit.
Alors, déconstructivisme musical ou expérimentation sonore ? Qu’importe, puisque cet opus est totalement inaudible…
The New Mendicants est un nouveau super groupe formé par l’Américain Joe Pernice (NDR : fondateur des Pernice Brothers, of course) et l’Ecossais Norman Blake (NDR : chanteur/guitariste du mythique Teenage FanClub), devenus tous les deux canadiens suite à leur mariage. Un line up complété par Mike Belitsky, le drummer des Sadies. « Into the Line » constitue leur premier album. Un disque tout au long duquel le trio cherche à choyer la pop, tantôt dans l’esprit des Beatles (« If You Only Knew Her »), de Belle and Sebastian (« Cruel Annette »), mais aussi en sublimant ses propres atouts pour créer un mix entre l’énergie power-pop du Teenage FanClub (« Shouting Match », « Verry Sorry Christmas ») et le sens des harmonies chères à Joe Pernice (« High on the Skyline »). Et si on regrettera peut-être le manque de folie, il ne faut pas oublier que cette pop d’orfèvre (« Cruel Annette ») était censée, à l’origine, illustrer un film de Nick Hornby…
Patti Parks est une chanteuse tout à fait charmante dont le blues chaleureux est destiné à nous faire danser. Son backing group est établi à Buffalo, dans l'état de New York, pas bien loin des chutes du Niagara. Il est né en 2003 et implique une section de cuivres très efficace.
Dès l'ouverture, "Baby don't you know", la voix intrépide croise le fer avec le mur de cuivres, au sein duquel se dégage le saxophone ténor de Nick Salamone. Blues lent de type cabaret, "Happy you're mine" est une invitation à l'étreinte. Sensuelle, la voix de Patti se glisse entre le piano de Jimmy Eingher et l'orgue de Guy Nirelli (NDR : c’est également le principal compositeur et producteur). Charles Buffamenti assure à la gratte pour introduire "Back off". Et elle a de la voix notre ravissante blonde. Elle embraie aussitôt par un autre blues lent torride, type fin de soirée. Patti chante et répond aux interventions du piano de Carol Ann Swift, alors que Buffamenti est très heureux d’obtenir son billet de sortie sur ses cordes amplifiées. Ballade attachante, "Mama" baigne dans une douceur extrême. Miss Parks et Norelli ont co-écrit le titre maître, un blues imprimé sur un tempo lent, une piste propice à un exercice vocal de caractère. Patti vit son blues, elle opère en permanence des échanges avec ses musiciens, et tout particulièrement le sax baryton de Paul Vanacore et les cordes de Charles. Blues, swing, jazz et un zeste de funk entrent dans la texture d’"Every day", une piste balisée par le piano de Lady Swift. Les cuivres s'en donnent à cœur joie tout au long du R&B nerveux "What I had to be". C'est sous une formule big band que "Watcha gonna do" achève l’opus, un tire qui permet à Salamone de souffler vigoureusement dans son instrument…
Un peu de douceur dans ce monde de brutes ! En cette fin de semaine printanière, que demander de plus lorsqu’on est installé dans un siège confortable, au Cirque Royal, pour admirer la belle Géorgienne et écouter sa douce voix qui va nous bercer le temps d’une soirée.
Votre serviteur débarque à la fin de la première partie assurée par Joel Harries, qui a le courage d’affronter une salle bondée, seul à la gratte. Ses ballades intimistes, dont le style oscille quelque part entre Jeff Buckley (pour le meilleur) et James Blunt (pour le pire), reçoivent un accueil poli du public.
Peu avant 21 heures, Katie Melua monte tout simplement sur les planches, accompagnée de deux musiciens. Et le décor est tout aussi sobre : quatre paravents surplombés par trois imposants spots vintage poussent les artistes vers l’avant du podium. De manière à donner l’impression que les musicos se produisent dans votre salon. Cette tournée a été baptisée ‘Simplified – First Acoustic European Tour’, car les sets se déroulent sous une formule trio inédite : guitare, basse et piano.
Une robe assez ample et un visage quelque peu bouffi et fatigué alimentent les rumeurs selon lesquelles la chanteuse serait enceinte. A vous de juger, les photos sont ici. Mais qu’importe cette parenthèse people, car dès les premières notes, sa voix douce et envoûtante plantent directement le décor. Et les ondes transmises parviennent directement jusqu’aux spectateurs, confortablement assis, mais qui semblent déjà vibrer sous le charme de la belle brune. D’ailleurs les lumières ne se posent que sur elle. Ses musiciens, discrets mais plutôt expérimentés et efficaces, restent en arrière-plan, dans l’obscurité.
Dans la lignée de son cinquième album « Secret symphony », et du dernier « Ketevan » (NDR : son véritable prénom), le set lorgne donc plus vers le jazz, la country ou le blues. Il faut oublier l’instrumentation plus lourde et les notes électro qui grevaient l’opus « The House », sorti plus tôt, en 2010. Au sein de la setlist, certains titres sortent du lot, comme « Nine Million Bicycles », dont les chiffres dithyrambiques cités égalent presque le nombre de singles vendus. Katie nous réserve, pour certaines chansons, un long commentaire introductif. Elle nous explique ainsi que lors de la promotion de son album, les journalistes lui demandent régulièrement si les compositions sont personnelles. Et celle qui va suivre « Where does the ocean go? » l’est manifestement, puisqu’elle évoque la Mer Noire qui n’a pas changé selon elle, contrairement à son village d’enfance. La prestation bénéficie de quelques variations dans les ambiances, de manière à conserver l’attention de l’auditoire. Ainsi le ténébreux « The flood » est enchaîné au plus énergique « God on Drums, Devil on the Bass ». Et lorsque le band prend congé du public, la plupart des spectateurs décollent enfin de leur siège pour accorder une ‘standing ovation’. Qui se prolonge jusqu’au moment où le groupe décide enfin de revenir sur l’estrade. Un rappel consacré à « Call Off the Search » et surtout une reprise surprenante de « Diamonds are Forever ». Une version que Katie Melua exécute en solo, et joue sous un angle inédit (NDR : c’est ce qu’elle nous certifie). Histoire de manifester un max de délicatesse avant de quitter définitivement la scène et de laisser une délicieuse impression d’avoir passé un bon moment d’intimité auprès de son public…
(Organisation Live Nation)
Set list :
Chase Me
The Cry of the Lone Wolf
Spooky
Dedicated to the One I Love
I Never Fall
Bridge Over Troubled Water
In My Secret Life
Nine Million Bicycles
Where Does the Ocean Go?
Spider's Web
Love Is a Silent Thief
Red Balloons
No Fear Of Heights
Nothin' in the World Can Stop Me Worryin' 'Bout That Girl
The Flood
God on Drums, Devil on the Bass
Shiver and Shake
The Closest Thing to Crazy
Kozmic Blues
Rappel:
Call Off the Search
Diamonds Are Forever
‘∞ (Infinity)’, c’est le titre du le nouvel album de Yann Tiersen. Il sortira le 19 mai.
Il a été enregistré sur l’île d’Ushant et en Islande où le trailer, à découvrir sur Youtube, a été tourné et c’est ici
Tracklisting
∞
Slippery Stones
Midsummer Evening
Ar Maen Bihan
Lights
Grønjørð
Steinn
In Our Minds
The Crossing
Meteorite
www.facebook.com/yanntiersen.official
http://www.youtube.com/user/YannTiersenOfficial
Prince vient de publier un tout nouveau single, “FALLINLOVE2NITE”, un single qu’il a enregistré en compagnie de l’actrice et chanteuse Zooey Deschanel (She & Him).
Pour écouter ce titre sur Youtube, c’est ici
http://smarturl.it/fallinlove2nite
Poursuivant ses rêves et son parcours atypique, Benjamin Schoos s'offre une danse avec Laetitia Sadier (Stereolab).
Extrait de l’EP, le single « Une Dernière Danse » se voit illustré d'un clip riche en couleurs que vous trouverez ici
Alors, on danse ?
Producteur de renom, artiste génial, guitariste surdoué, véritable bête de scène, Jack White, icône incontestée de la scène rock alternative américaine, vient de confirmer sa présence à l’édition 2014 de l’Open´er festival. Premier festival européen choisi par le musicien de Détroit pour nous faire découvrir son premier album solo « Lazaretto » qui sortira le 9 juin prochain via Third Man (son propre label) et XL Recordings. Aucun single en vue pour l’instant, mais pour vous ouvrir l’appétit, White nous balance un premier extrait entièrement instrumental intitulé "High Ball Stepper"(http://youtu.be/sRbnAxrS3EM). Un son férocement ‘Stripes’ et une vidéo simplement magnifique. Un avant-goût prometteur qui ne devrait pas décevoir les festivaliers du bord de la Baltique.
Un nom de taille qui vient grossir une affiche XXL :
Pearl Jam, The Black Keys, Julio Bashmore, Bokka, Darkside, Daughter, Foals, Lykke Li, HAIM, Interpol, MGMT, Phoenix, Pusha T, Rudimental, Warpaint, Metronomy, Foster the People, Earl Sweatshirt, Afghan Whigs, Mela Koteluk, The Dumplings, Misia Ff et Król…
Outre la présence de Jack White, cinq nouveaux noms viendront également renforcer le line-up :
Kari et sa voix charismatique qui serpente entre une vaste gamme de sons : rythmes tribaux, électro et 80’s… Une artiste polonaise dont le dernier album "Wounds And Bruises" cartonne sur les ondes BBC Radio 1.
Rasmentalism & Marcinkowski Quartet with brass section, le groupe de rap polonais le plus célèbre de la planète, viendra également nous présenter son premier LP non-underground : " Za Młodzi na Heroda", un album paru sous l’influent label hip-hop Asfalt records qui a déjà largement traversé les frontières.
Souvent comparé aux White Stripes et aux Black keys, Royal Blood ne fera pas tache sur l’affiche 2014. Un duo rock/blues garage formé à Brighton en 2013 qui, avant même la sortie de son premier LP (‘‘Out Of The Black’’) prévue prochainement chez Universal, a déjà séduit la presse britannique. Un duo aux sections rythmiques (basse/batterie) costaudes qui a déjà fait ses preuves lors de sa tournée britannique et ses premières parties londoniennes des Artic Monkeys.
Mooryc a longtemps été l’un des meilleurs produits d’exportation made in Poland. Actuellement stationné à Berlin, le groupe livrera d’ailleurs une electronica qui a très vite été remarquée par le prestigieux label allemand Bpitch Control.
Les américains de Kuroma ne sont pas tombés de la dernière pluie. Intimement liés à MGMT, ils ont partagé plus de 60 dates (ensemble) à travers le monde. Outre le duo de Brooklyn, Kuroma a aussi partagé la scène avec des groupes comme primal Scream, Tame Impala… Cette fois, seuls sur scène le 3 juillet prochain, ils viendront jouer le meilleur de leur deuxième album, " Kuromarama", produit par Benjamin Goldwasser de MGMT.
Et l’affiche n’est pas terminée !
+ d’infos sur http://opener.pl/
Tickets en vente sur ALTERSHOP et Ticketpro
Le Best Kept Secret festival se déroulera les vendredi 20, samedi 21 et dimanche 22 du mois de juin, à Hilvarenbeek, aux Pays-Bas. En voici l’affiche pour l’instant
Line-up: Elbow, Franz Ferdinand, Interpol, Pixies, Angus & Julia Stone, Belle & Sebastian, Caribou, Chvrches, Slowdive, Babyshambles, James Blake, The War On Drugs, Lykke Li, Midlake, The Notwist, Daryll-Ann, Factory Floor, The 1975, George Ezra, Metronomy, Miles Kane, Mogwai, Moss, Nils Frahm, The Horrors, together PANGEA, Archie Bronson Outfit, Ballet School, Bombay Show Pig, Cheatahs, Childhood, Circa Waves, Larry Gus, Maydien, Night Beats, Oddisee, Pink Mountaintops, Pional (live), Radkey, Roosevelt, Ry X, School Is Cool, September Girls, The Bots, The Wytches, To Kill A King, TRAAMS, Young Fathers, Warm Soda, Wild Beasts, Breton, Broken Twin, Deap Vally, Eaux, Falco Benz, Heavy Times, Lyla Foy, MØ, Moddi, The Preatures, Thumpers, Truckfighters, Tijuana Panthers, Connan Mockasin, Forest Swords, Telegram, Catfish and the Bottlemen, PINS, Samaris et Star Slinger.
Pour plus d’infos : http://www.bestkeptsecret.nl
C'était un dimanche. J'allais vivre une expérience étrange et merveilleuse. En retard pour me rendre au concert, j’ai poussé ma vieille voiture, peut-être au-delà de ses limites. Je ne sais plus. Arrivé au Botanique, je ne me suis pas rendu compte tout de suite de ce qui s’est produit. Mais une fois pénétré dans la salle, alors que le concert avait déjà débuté, j’ai compris que j'avais traversé une faille spatio-temporelle. Ma vitesse excessive?
Je suis projeté en 1962 aux Etats-Unis, entouré de demoiselles aux robes colorées et aux coiffures choucroute explosives se dandinant gracieusement dans un même mouvement d'épaule sur un R&B classieux. Sur scène, on remarque la présence de 8 personnages tirés à quatre épingles, dont un sosie de Buddy Holly. Nick Waterhouse a commencé à égrener les pépites de ses deux albums. Comme le héro de ‘Minuit à Paris’, je peux savourer le bonheur de côtoyer l'époque à laquelle j'aurais voulu vivre. Comme Marty McFly, comme le savant d'HG Wells, je partage le privilège d'habiter une autre époque pendant quelques précieuses minutes. Une époque fabuleuse où sont nés tous les rudiments de la musique actuelle.
Cette introduction un peu délirante est destinée à vous faire comprendre le bonheur qui m'envahit durant ce concert. Nick Waterhouse, accompagné de son crew, a une nouvelle fois enthousiasmé son public par ses compositions rétro. Un public étonnamment de tous âges. On savait que les sixties étaient tendance chez les jeunes, mais quel plaisir de voir que certains poussent le vice jusqu'à se repaître de la musique de leurs grands-parents. Ce qui doit les changer de Guetta, toutes ces notes…
Mais évoquons un peu le spectacle. Le groupe (2 saxos, un Hammond, un batteur, un percussionniste, un bassiste et une choriste plus Nick à la guitare) va évidemment principalement proposer les titres de son formidable nouvel album "Holly" mais aussi puiser dans les morceaux de "The Time All Gone" (une bonne moitié de cet opus sera interprété dont "Some Place, "Is That Clear" ou "Don't You Forget it"). Nick n'oublie pas non plus de faire la promo de son grand pote Ty Segall avant d'entamer la reprise d'"It # 3", une vieille compo du nouveau génie du garage et une des grandes réussites de "Holly". Il est vrai que Nick a beaucoup côtoyé la nouvelle scène garage-psyché californienne et la reprise finale, poisseuse à souhait, du "Pushing Too Hard" des Seeds, est une parfaite démonstration que sa vénération pour les sixties ne se limite pas aux premières années.
Mais finalement, la cover la plus représentative des goûts viscéraux du Californien sera un vieux standard du Rhythm & Blues qui a bercé l'enfance de Nick : le "It's Your Voodoo Working" du méconnu Charles Sheffield.
Le concert a duré un rien trop peu à mon goût. Le groupe semblant accablé par la chaleur de la salle, notamment le bassiste, personnage tout droit sorti d'Austin Powers, ruisselant de sueur et s'essuyant le front avec application entre chaque morceau. Pour les rappels, Nick tombe même la veste, laissant découvrir le vrai pantalon d'époque remonté jusqu'au nombril et soutenu bien évidemment par des bretelles sixties. C'est beau le souci du détail.
On soulignera également les prestations des musiciens, car cette musique nécessite plus de virtuosité qu'on ne le croit ; et le Waterhouse Band n'en manque assurément pas. La section rythmique tout d’abord. Et particulièrement un excellent jeune batteur qui s’illustre dans un style très jazz secondé par les congas et les tambourins du percussionniste. Mais aussi le claviériste, lançant quasi toutes les mélodies à l’aide de son Hammond et conférant parfois un léger et délicieux psychédélisme à ces compositions fusionnant R&B, rock, soul et jazz. Difficile en tout cas de résister à l'appel de la dance, dans cette effervescence rythmique, où le groove règne en maître.
Timide, un peu mal à l'aise au cours de ses interactions avec le public (et même après son set lorsqu'il viendra papoter au stand de merchandising), Nick Waterhouse n'en reste pas moins un personnage sympathique. Et tant pis si sa chaleur humaine est bien plus palpable dans sa musique, c'est l'essentiel après tout. Les mines réjouies à la fin du set sont la preuve qu'il a atteint son but : nous replonger avec maestria dans l'insouciance d'une époque dorée où l'on pensait encore que tout était possible, où tout était encore à inventer. Fin du voyage. Une voiture tunée déglutit une atroce euro-dance devant le Botanique. Pas de doute, je suis bien revenu en 2014. Nostalgie.
(Organisation Botanique)
Dès les premières notes de « Sugarpie I’m not the Same », morceau qui ouvre l’opus, le mélomane est transporté au sein d’un troquet des années 30 : une contrebasse, un piano aux sonorités ‘cabaret’ et la voix vintage de Josephine Foster. De quoi être plongé dans le climat enfumé d’un club de Jazz d’avant-guerre (NDR : elle reprend d’ailleurs « Cabin in the Sky », un morceau issu d’une comédie musicale datant de 1940). Mais, bonne nouvelle, Josephine Foster, Américaine ultra-douée, est loin d’être une novice et ne se limite pas à un simple exercice de style : elle impulse à ses chansons un indéniable sens du swing et un véritable talent pour trousser des mélodies imparables (« No One is Calling Your Name »)… Le tout en y ajoutant une touche de country à laide d’une pedal-steel, d’un harmonica ou encore d’un violoncelle. L’album n’a pas été enregistré à Nashville pour rien…
« I’m a Dreamer » n’est pas le coup d’essai de Josephine Foster, mais il pourrait lui valoir la reconnaissance tant il semble dans l’air de ce temps… vintage. Un disque diablement plaisant en tout cas !
Il y a deux ans, ces Londoniens publiaient un premier album intitulé « Everything is Dancing », un disque surprenant, suggérant même une version punk de Vampire Weekend. Depuis, les Anglais se sont plutôt fait discrets. Avant de publier ce second opus, ma foi, fort sympathique.
Première constatation, tout au long de « Jungle Cats », Fair Ohs n’a rien perdu de sa vitalité et continue de dynamiser ses compos de percussions afro-caribéennes. Néanmoins, hormis le caoutchouteux « Ya Mustafa », les comparaisons entre le band new-yorkais et insulaire, s’arrêtent ici. Sur cet elpee, on ressent davantage les racines britanniques dans leur musique. Les chœurs sont ainsi beaucoup plus présents, rappelant les grandes heures de la britpop, à l’instar de « Panama Red Jets ». Et les quelques touches de punk-rock psychédélique injectées dans cette solution sonore particulièrement addictive, accentuent cette impression.
Si le deuxième essai de Fair Ohs est tout aussi nerveux que le précédent, il permet au groupe de s’ouvrir à d’autres influences, et surtout de proposer sa propre vision débridée du rock.
Cette réédition ne me rajeunit pas ; mais alors pas du tout ! Enregistré en décembre 1983, « Macadam massacre » souffle donc ses 20 bougies. Il a été remasterisé en janvier 2004. Soit l’année de leur reformation, le temps de quelques concerts. Comme celui du Dour festival (NDR : la chronique est toujours disponible ici)
Ce premier album, remis au goût du jour, est sans conteste le plus épuré du groupe phare de la scène punk/alternative française. Un morceau d’intro très brouillon mais aux riffs sans concession, et un deuxième au titre évocateur (« Baston ») plantent le décor. Une attitude rebelle bien sûr, mais ténébreuse. Les interventions de guitare ont le chic pour plomber l’ambiance et les couplets ne transpirent pas la joie (« La nuit noire », « J’ai peur »). Leurs compos naviguent alors à des années-lumière de leur période de gloire, soit fin des années 80, lorsque déguisements loufoques et clowneries en tout genre émailleront leurs prestations ‘live’. Après avoir atteint le sommet, Bérurier Noir finira par mourir de sa belle mort, lors d’un concert d’adieu accordé l’Olympia… Sur « Berurier Noir, macadam massacre », la guerre et la mort constituent les thèmes majeurs de leurs lyrics. Difficile de faire plus noir obscur. Les polars français et les films de guerre dramatique des années 80 sont en vogue. Le tempo nous le rappelle, un peu comme le bruit des bottes sur le macadam. Les interventions de sax un peu plus ‘festives’, si caractéristiques chez les Bérus, sont plutôt discrètes, et ne débarquent vraiment que sur le dernier titre, « Noir les horreurs ». Une piste qui laisse néanmoins entrevoir un peu de lumière au bout du tunnel. Car tout au long de l’œuvre, les lyrics dressent un tableau noir susceptible de conduire au suicide.
Le second cd retrace les prémices des Béru. Enregistré quelques mois plus tôt (en mars 1983), il reprend les 6 plages de leur 45tours initial « Nada », et recèle 4 inédits. Autant de morceaux qui ressemblent à des œuvres inachevées ou à des brouillons ou maquettes qui seront réutilisés plus tard, dans leur carrière. Ainsi « Nada 3 » et « Manifeste » incarnent différentes variantes du titre « Lobotomie ». Des inédits qui devraient donc ravir les fans soucieux de découvrir la parturition d’un groupe devenu culte malgré lui, mais qui lancera en France la vague de rock alternatif entre 1983 et le début des années 90.
Encore un Rice, mais sans lien de parenté ou de style avec le célèbre Damien ! L’univers sonore de Johnathan est plus proche de James Mercer (« Acapulco Gold ») voire de Josh Ritter (« Good Graces »), même si « Lou Rider » rend un bel hommage à Lou Reed. En moins de 30 minutes, ce jeune artiste trentenaire parvient à nous refourguer un condensé de folk-pop primesautier. « Good Grace » constitue le 3ème opus du chanceux boyfriend de Jenny Lewis. Non seulement, il a produit un de ses albums, mais les deux tourtereaux collaborent régulièrement ensemble, notamment au sein du duo Jenny and Johnny. Et sa dulcinée est encore de la partie sur cet opus, sur le fameux tribut rendu à feu l’ex-Velvet Underground.
Les harmonies vocales sont extrêmement soignées et évoquent celles des Beach Boys immortalisées au cours des 60’s. Subtilement laidback, les 9 plages de ce long playing baignent dans le soleil. Ouais, c’est peut-être parfois léger, mais on y détecte l’insouciance des beaux jours…
Songwriter talentueux, Rice mène également en parallèle, une carrière d’acteur. Il a en effet interprété Roy Orbison dans le biopic de Johnny Cash, « Walk the Line ».
En presque treize ans Owls n’a publié que 2 albums. Et inévitablement, « Two » constitue son second. Il fait donc suite à « Holy Fucking Ghost », un premier elpee, paru en 2001. A l’époque, la formation étasunienne avait reçu le concours de l’incontournable Steve Albini, pour le produire.
Ces doux zigotos pratiquent un rock émo estampillé indie, dans la lignée de Sunny Day Real Estate. La voix de leur chanteur, Tim Kinsella, rappelle en effet celle de Jeremy Enigck. Mais un Sunny Day dans une version plus expérimentale parfaitement résumée par l’étonnant « Ancient Stars See… »
Fondé à Chicago sur les cendres du groupe Cap’n Jazz –hormis Davey von Bohlen parti pour participer à l’aventure The Promise Ring– par les frères Kinsella (Tim et Mike à la batterie), le guitariste Victor Villareal et le bassiste Sam Zurick (NDR : pour rappel, Zurick et Tim Kinsella ont milité chez Joan of Arc et Make Believe), Owls pratique de l’émo biaisée par une approche quasi jazzy et très déstructurée ; notamment à travers le jeu sidérant de Villareal. Ne cherchez pas d’évidentes mélodies émanant de ces guitares math-rock ou de la voix souvent à contre tempo de Kinsella ! Un ton donc à la fois original (« Why Oh Why… ») et déjà entendu (« I’ll Never Be »). Owls reprend les choses où il les avait laissées, et ses fans (s’il en reste 12 ans plus tard) devraient être ravis de retrouver les mêmes ingrédients rencontrés sur le premier elpee…
Applause est né de la rencontre entre Nicolas Ly, chanteur et compositeur parisien et le quatuor bruxellois réunissant Manuel Roland (guitare), Jérémie Mosseray (batterie, programmation), Manu Loriaux (basse) et David Picard (claviers).
Après avoir publié un premier album, « Where it all Began », bien reçu par le public et les médias, le groupe invite à découvrir l'évolution de son univers musical sur « Acids », un album ‘in progress’ en 3 étapes qui s'inventera tout au long de l'année 2014.
Ces 3 cds découpés en 4 titres feront partie d'un même concept en 3 volets.
Rosemary Standley s'est évadée de Moriarty, le temps de feuilleter un songbook : de Claudio Monteverdi à Leonard Cohen en passant par Purcell, Fairouz, John Lennon et Tom Waits.
A l’aide de sa voix de velours, elle suit les chemins de traverse de sa mémoire en compagnie de Dom La Nena, violoncelliste et chanteuse.
Auprès de Jane Birkin ou avec Jeanne Moreau et Étienne Daho dans ‘Le Condamné à mort’ de Jean Genet, cette toute jeune musicienne a démontré toute l'ampleur de son jeu...
Deux femmes qui offrent un nouvel album intitulé « Birds on a Wire » sur le label Air Rythmo, sorti ce 31 mars.
http://madamelune.com/artistes-et-productions/rosemarys-song-book/
Le hit « Rather Be » de Clean Bandit est le titre le plus streamé en ce moment tant en Belgique qu’à travers le globe !
Il est numéro 1 sur Spotify et Deezer depuis la sortie et a atteint en un jour seulement 1 million de streams de façon mondiale.
Clean Bandit réunit les frères Luke (batterie) et Jack Patterson (basse, saxophone, clavier) ainsi que de Grace Chatto et Neil Amin-Smith, de formation classique.
Ensemble, ils pratiquent ce qu’ils appellent de la ‘fusion music’ : un mix de musique classique sur des beats dance.
Le quatuor électro est en réalité composé de 4 producteurs qui invitent des artistes à chanter leurs titres.
Les paroles de « Rather Be » ont été écrites par Jimmy Napes (Disclosure, Sam Smith, Nile Rodgers) et Nikki B.
En concert le 14 août au Pukkelpop.
Marie Davidson, artiste canadienne établie à Montréal, nous invite ici à découvrir une musique électronique très novatrice, cinématique et organique, basée exclusivement sur des instruments analogiques : boîtes à rythmes et vieux synthés vintage. Sur ce premier opus, publié le 4 avril par l'excellent label bruxellois Weyrd Son Records, on identifie ce qu'on pourrait décrire comme la bande-son électronique d'un film imaginaire des années '70. On pense surtout à John Carpenter ("Assault On Precinct 13"), mais aussi aux BO des films italiens du genre ‘Giallo’ comme ceux de Dario Argento ou encore le célèbre « Canibal Holocaust ».
Le titre « Prélude », qui ouvre l'elpee, constitue une mise en condition. Un peu comme dans le premier album d'Enigma, l'artiste installe une atmosphère propice à la méditation (voire à l'auto-hypnose eriksonienne). La voix de MD, sensuelle et un peu ingénue, parle doucement dans notre oreille et c'est un vrai plaisir. Ensuite, « Abduction » nous plonge dans l'ambiance oppressante d'un film de science-fiction. Les sons sont cinglants, comme des rayons lasers décochés en pleine « Guerre des Mondes ». On pense ici à Suicide pour le côté hypnotique et répétitif. « Shaky Leg » opère un détour via la minimal wave aux accents house façon Grace Jones ou Miss Kittin', une plage dominée par la voix de MD, qui se fait plus coquine ; et le 'spoken word', à la limite entre le chant et la déclamation, est ici interprété en anglais.
« Vie et Mort d'un Ego » est sans nul doute la plage la plus cinématographique. Elle est conçue comme une longue progression instrumentale, étrange et répétitive, d'abord pointilliste, comme des gouttelettes d'eau qui perlent contre la vitre et ensuite, majestueuse, au fil d'une valse lente de cordes synthétiques.
La face ‘B’ commence par le titre phare de l'opus : « Je ne t'aime pas ». Le tempo de la boîte à rythmes est lent mais il pulse comme un cœur qui bat. Les sons de synthés adoptent des couleurs ambient, kraut, psyché. La composition libère une atmosphère fiévreuse, dominée par la voix fragile et touchante de Marie, mais affiche aussi un côté 'nouvelle vague' très attachant. Un véritable hit qui devrait séduire les fans de minimal wave, bien sûr, mais aussi le public amateur de Charlotte Gainsbourg et de 'French Pop' en général.
« Perte d'Identité » est sans doute le titre le plus ambitieux. Par sa durée tout d'abord : 7 minutes 20 ! Mais on ne s'ennuie pas une seconde. On retrouve un rythme pulsé et des sonorités claustrophobes, un peu comme dans « Abduction ». Le poème que MD récite ici est troublant, puissant, existentiel. En fin de parcours, changement radical : sur des nappes synthétiques, MD nous souffle doucement : ‘Ouvre les yeux, ce n'était qu'un instant...’ Dommage, on aurait bien aimé que le rêve dure plus longtemps. En ‘bonus track’, MD nous livre un remix très house du « Shaky Leg » de Cristobal U & The Mole.
Notons la participation à la réalisation et au mixage du mari de MD, Pierre Guerineau (en compagnie duquel Marie forme le duo Essaie Pas), ainsi que de David Kristian et Cristobal Urbina. Le mastering est signé par l'Ostendais KGB (AtOMiC Studio), également impliqué chez Simi Nah. On épinglera également le superbe artwork réalisé par Weyrd Son, aka Michael Thiel, ainsi que la très belle photo de MD, réalisée par Alice Thiel.
En conclusion : pour une première production vinyle, Marie Davidson frappe très fort. Malgré le côté froid des synthétiseurs, on sent une pulsation organique, presque physique. D'emblée, MD crée un univers propre, foncièrement original, fascinant et tellement attachant. L'artiste finalise déjà son second album, qui paraîtra sur le label texan Holodeck Records : on en redemande !
Pour se procurer l’album c’est ici et pour lire notre interview de Marie Davidson et Pierre Guerineau, c’est là
Enfin, pour savourer le clip de "Je ne t'aime pas" c’est encore ici
En 2009, Timbre Timbre publiait son premier elpee. Un opus éponyme à l’atmosphère empreinte de sensualité. Dans la foulée, le Canadien (NDR : il est originaire de l’Ontario) opérait une tournée sur le Vieux Continent ; mais manquant encore d’expérience, il ne parvenait pas à communiquer le feeling de ses compos à son auditoire. Quelques mois plus tard, il se produisait en tout anonymat, au cœur du Parc Royal, dans le cadre d’un festival organisé par l’Ancienne Belgique. Lors de sa dernière visite au Botanique, le 19 mars 2012 très exactement, il remplissait la Rotonde et démontrait qu’il avait pris de l’assurance sur les planches. Ce jeudi 3 avril, il revenait au Bota, mais à l’Orangerie, le jour de la publication de son nouvel album, en Belgique. Et la salle est pleine à craquer pour accueillir Taylor Kirk.
La première partie est assurée par le groupe Only Child, une formation canadienne pratiquement inconnue. En outre, à l’extérieur le temps incite au farniente ; aussi les spectateurs profitent de la clémence de ce début de printemps pour prendre un verre en terrasse. Votre serviteur, le premier !
Il est 20h55 lorsque la sirène nous rappelle à l’ordre. Timber Timbre va bientôt monter sur l’estrade. La foule massée à l’extérieur (c’est-à-dire quasiment tout le monde) se presse vers l’Orangerie. Il ne faut pas attendre 10 minutes avant que la température ne monte de quelques degrés. Et que l’humidité ambiante n’envahisse les lieux. Accusant un léger retard, Taylor Kirk, cheveux longs et vêtu d’un costard, monte sur le podium. Il est accompagné d’un batteur et d’un bassiste. Hormis deux ampoules suspendues qui vacillent au-dessus de la tête du trio, l’éclairage est projeté dans leur dos. L’atmosphère est lugubre. Le set s’ouvre par des morceaux issus du dernier long playing, « Hot Dreams ». Des compos plus généralement blues/rock. Mais la setlist va puiser dans l’ensemble de sa discographie. Les notes guitare dispensées par le Canadien résonnent dans la salle. Sa voix est voluptueuse. Elle me fait penser tantôt à Léonard Cohen, tantôt à Nick Cave. Si sur disque, ses chansons empruntent un format folk, en ‘live’, elles privilégient la tension électrique. Une intensité qui va s’accentuer lorsque l’expression sonore va tout doucement glisser vers un rock progressif pas du tout palpable sur ses précédents opus.
Malheureusement, on a l’impression que Taylor Kirk a érigé une barrière entre lui et le public. Jamais, on ne verra son visage. Peu loquace, il n’adressera qu’un seul ‘merci’ à son auditoire, sans autre commentaire. Cette absence de communication va même finir par devenir dérangeante. Et au bout d’une bonne heure de prestation, on a eu l’impression que le set tournait en rond.
S’il faut reconnaître l’aspect strictement musical était irréprochable, en revanche, on a le droit de se demander pourquoi l’attitude de l’artiste vis-à-vis de l’auditoire, était si glaciale ? Pourquoi s’est-il enfermé dans sa coquille ? Un minimum de contact aurait peut-être permis à Timber Timbre de briser cette morosité ambiante qui s’est installée au fil du concert...
(Organisation Botanique)
Veronica Vasicka est une New-Yorkaise (très jolie, au demeurant) qui dirige le célèbre label 'Minimal Wave'. Sa passion, c'est d'effectuer un véritable travail d'archéologue pour déterrer des pépites oubliées de la vague 'new-wave électronique' de la fin des années '70 et des années '80. Certaines productions sont des ré-éditions de cassettes ou de vinyles en rupture de stock depuis des décennies, d'autres sont des projets qui n'ont jamais été édités. Les compilations « Minimal Wave Tapes » ont recueilli un succès immédiat et ont contribué au renouveau de la musique électronique 'minimale'.
En dehors de cela, Veronica a une émission de radio hebdomadaire sur East Village Radio à New-York, une radio qu'elle a co-fondée, et gère également Cititrax, un label qui édite des productions actuelles. Elle crée également sa propre musique sous un pseudonyme secret. Pour en savoir plus : http://minimalwave.com
Ce samedi, elle accordera un DJ set exclusif aux Ateliers Claus, à Bruxelles, dans le cadre d'une soirée qui verra également se produire Different Fountains (DFE), un duo créé à Bruxelles / Paris, qui produit une électronica expérimentale très intéressante. Site web: http://www.differentfountains.com/
Egalement à l'affiche, un 'live' de Balle Magique, un nouveau projet instrumental de deux membres de Carl et Les Hommes Boîtes: Carl Roosens et Pascal Matthey. Site web: http://carlroosens.tumblr.com/
Enfin, les autres DJ sets seront assurés par DJ soFa (LMALC) & Dimitri Runkkari (VLEK): http://sofaholic.tumblr.com/ & http://vlek.tumblr.com
Page de l'évènement sur Facebook : https://www.facebook.com/events/258457137650098/
Ateliers Claus : http://www.lesateliersclaus.com/
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