Le nouvel album de Lily Allen, « Sheezus », vient de paraître. Il s’agit de son premier elpee depuis la sortie, en 2009, « It’s Not Me, It’s You » qui s’était écoulé à 5 millions d’exemplaires dans le monde ! Après ce succès, la chanteuse s’était éloignée de l’industrie musicale pendant quelque temps pour fonder une famille.
Album CD Standard
1. Sheezus
2. l8 Cmmr
3. Air Balloon
4. Our Time
5. Insincerely Yours
6. Take My Place
7. As Long As I Got You
8. Close Your Eyes
9. Url Badman
10. Silver Spoon
11. Life For Me
12. Hard Out Here
Extra Deluxe Album Bonus Disc
01. Wind Your Neck In
02. Who Do You Love
03. Miserable Without Your Love
04. Holding On To Nothing
05. Somewhere Only We Know
http://www.lilyallenmusic.com/
Sorti il y a quelques jours, « ∞ (Infinity) », le nouvel album de Yann Tiersen s’offre un remix signé Mogwai, à travers le morceau « A Midsummer Evening ».
L’artiste français entamera une tournée européenne qui passera par l’AB à Bruxelles le 26 octobre.
‘Les musiciens d'Alaska Gold Rush sont des chercheurs d'or qui ont troqué pelle et pioche contre guitare et batterie. Des terres pauvres du Mississippi aux déserts arides du Nouveau-Mexique, ils créent leur musique comme des villes fantômes’. Belle intro qui figure sur la bio du Bandcamp de ce duo réunissant le chanteur/guitariste Renaud Ledru et le drummer Alexandre De Bueger. Le premier possède une voix totalement atypique qui vous prend aux tripes, une superbe voix à la Peter Doherty, puissance 10, qui a probablement baigné dans le bayou. Le second est également chargé des fûts chez Crazy Lady Madrid et Electric Château. Il a aussi bossé pour David Bartholomé. Là, on est en pays connu. Une belle découverte signée Sunny Weeks Production, un petit label dynamique issu de notre plat pays. A ce jour, le tandem a publié un Ep, « Pilote Village Midnight ». Il assurait l’ouverture des 'Nuits belges' à la Rotonde, devant un public curieux et attentif. A l’issue de leur concert, Alaska Gold Rush s’est volontiers soumis au feu de nos questions.
Pourquoi avoir choisi Alaska Gold Rush comme nom de votre projet ?
Renaud : En fait, notre musique évoque les grands espaces de l'Ouest Américain. Nous souhaitions que le nom y fasse référence. Alaska parce qu'on le sentait bien. Mais concrètement, il n'existe pas plus de lien avec l'Alaska que le Nouveau Mexique. C'est plutôt les immenses plaines du Far West que nous voulions parcourir, à travers l’esprit…
Renaud, d’où tiens-tu ta voix ?
Renaud : On ne peut pas dire que je l’ai vraiment travaillée. Elle est naturelle. Bien sûr, inconsciemment, elle a certainement été influencée par tout ce que j’écoute. Pas mal de blues et de la musique américaine traditionnelle. C’est inévitable…
Elle est pourtant différente en live et sur disque ?
Alexandre : En live, c’est plus rock. L'énergie est plus crue. Sur disque, on accentue l’aspect intimiste de nos compos.
Actuellement, vous formez un duo batterie/guitare, format que j’apprécie tout particulièrement. Mais afin d’étoffer quelque peu votre musique, ne comptez-vous pas vous servir d’autres instruments, comme par exemple la basse ou le synthétiseur ?
Renaud : au départ, on cherche à allier mes compositions au style de batterie d'Alex. De manière inédite. Qui sorte de l’ordinaire, si tu préfères. Le concept est assez roots. On débarque, on se branche et on joue. Ajouter un autre instrument, ce n'est pas prévu. C'est le concept du duo qui est original. Il ne nous viendrait pas à l'idée de changer cette formule. Sinon nous deviendrions un groupe de rock plus classique.
Question bateau : quelles sont vos influences majeures ?
Renaud : C'est dingue, il y a des trucs que j'adore et qu'Alex déteste et vice et versa. Nous ne partageons pas du tout les mêmes influences. Mais on se rejoint finalement à travers le résultat de notre collaboration, chacun y apportant sa propre vision. Ce que j'aime particulièrement ? La musique américaine : le blues des années 20 à 30, la country, l'americana, le rock'n'roll.
Alexandre : Je préfère la scène contemporaine. La musique instrumentale et plutôt radicale qui libère de l’énergie et une certaine puissance. Du rock assez dur, également. Nos influences sont différentes, mais au sein de notre projet, elles collent plutôt bien.
Entre la formation du groupe et la sortie de l’Ep, vous avez mis la gomme…
Renaud : Nous jouions ensemble depuis à peine un an. J’ai été très longtemps impliqué dans un projet solo. Au départ, nous adaptions les chansons que j’avais écrites à cette époque. Alex milite et a milité au sein d’une multitude de groupes. Ce qui lui a permis d’acquérir une belle expérience. Effectivement, dès le début, nous avons voulu concrétiser cette nouvelle collaboration. Le plus rapidement possible. Et puis choisir une image et en soigner l’esthétique. L’illustration de la pochette de l’Ep est une invitation au voyage…
Quel est le dernier concert auquel vous avez assisté ?
Renaud : Je reviens d'un voyage touristique aux Etats-Unis. Je me suis rendu au Juke Joint Festival de Clarksdale où j'ai assisté aux prestations de LC Ulmer et Robert Belfour, des octogénaires phénoménaux qui jouent tout simplement dans la rue. Une belle expérience personnelle
Alexandre : Il y a bien longtemps que je ne suis plus allé voir un concert. Le prochain ce sera Carl Et Les Hommes Boîtes, ce soir. Un excellent groupe, par ailleurs…
Quel est le dernier album que vous avez écouté ?
Renaud : Celui du Révérend John Wilkins. Nous sommes encore aux States ! Lors de mon trip à Clarksdale, j'ai pu rencontrer ce vieux prélat yankee et discuter avec lui. Je suis tombé par hasard sur son album, je l'ai écouté et c'est vraiment de la balle…
Alexandre : Le plus récent, c'est le dernier de Warpaint, quatre filles charmantes et douées, ce qui ne gâche rien.
Quand on écoute votre Ep, on est impressionné par la maturité qui en émane…
Renaud : On vieillit. Nous jouons depuis bien longtemps. Personnellement mon parcours a commencé très tôt. Dix ans déjà que nous nous produisons en concert ou enregistrons. Nous sommes déjà de vieux croulants.
Alexandre : Il y a effectivement pas mal de temps qu’on est impliqué dans la musique chacun de notre côté. Nous n’avons plus 25 ans. Même si nous avons encore du chemin à parcourir. Mais la maturité se forge au fil de l’expérience. Il est temps.
Le bayou vous inspire ?
Renaud : Pas tellement le bayou. Peut-être pour ses alligators. Mais plutôt le delta du Mississipi. Perso, j’estime que dans toute cette région la musique est complètement dingue, principalement dans la partie Nord et dans les collines, elle est un peu ‘trance’ et aux racines africaines…
Le statut d'artiste en Belgique, n'est-il pas devenu un chômage aménagé ?
Alexandre : C'est un peu compliqué. Renauld a un job. J’en suis encore au stade des démarches ; mais il est sûr que cette situation n’est pas évidente. Peu de budget est consacré à la musique. Et surtout, vu la crise, on s'en prend surtout au secteur qui ne ramène pas trop d'argent. J'avais pensé choisir ce statut, mais c'est très compliqué, pour le moment. Je vais donc devoir abandonner l’idée et essayer de trouver un vrai boulot.
Renaud : Ce qui est dommage, c'est qu’il est de plus en plus difficile de devenir pro quand on est artiste. On considère et tout particulièrement chez le musicien, qu’il exerce un passe-temps ou un hobby.
Alexandre : Si tu souhaites défendre un projet qui tienne la route, comme certains groupes qui se produisent ce soir, tu dois répéter quatre à cinq fois par semaine. Cela doit être un fool time job. Et du coup, il ne faut pas se leurrer, car pour atteindre un niveau optimal, une longue période de développement est nécessaire. Aussi, en général, seul le milieu aisé voire fortuné, en bref qui ne doit pas travailler pour se nourrir, bénéficie de toutes ces conditions pour atteindre cet objectif…
Renaud : Tu dois avoir plusieurs cordes à ton arc. Il faut bosser à côté. Tu dois un peu moins répéter et refuser des concerts, parce que tu n’es pas disponible. Ce qui complique un peu le bazar.
Renaud, tu es le seul à composer ?
Renaud : Oui, les paroles, la musique ainsi que les mélodies. En général, je débarque avec un morceau terminé. Puis nous le retravaillons ensemble. Et au final, il ne va plus du tout ressembler à la mouture originale. Alex y met vraiment sa touche personnelle. On construit le morceau, on le déconstruit, puis on le reconstruit. C'est ainsi que nous fonctionnons…
Dans l’univers du blues/roots, Roland Van Campenhout et Steven De Bruyn sont des artistes belges que Renaud apprécie ?
Renaud : Oui, Roland je connais. Je crois qu’ils ont enregistré un album ensemble (NDLR : « Fortune Cookie », auquel Tony Gyselinck a également participé). Roland, j'aime bien. Je l'ai vu plusieurs fois en concert. Il a une superbe voix. Ses albums acoustiques sont vraiment géniaux. Ils me parlent vraiment. Je l’apprécie un peu moins en live, il joue parfois en freestyle, des morceaux qui peuvent parfois durer 15 minutes. Je suis moins fan de ses solos de guitare.
Vous avez prévu une tournée des festivals à votre agenda ?
Renaud : Pour être très honnête, tout ce qui est booking est un peu bricolage maison. Donc c'est super ! Nous avons dégotté, ici en novembre, une première partie au Botanique. Nous avons été contactés pour participer aux Nuits Belges. C’est vraiment génial. On s’est produit lors de quelques chouettes concerts. Petit à petit, l’agenda prend forme. On joue au Verdur Rock fin juin et au Massif festival en septembre. Il n'y a pas une grosse tournée de prévue. On essaye, petit à petit, de grignoter des dates…
Ce n'est pas la première fois que vous jouez à la Rotonde ?
Renaud : Non, c'est la deuxième fois.
Alexandre : En tout cas au Botanique, c'est la salle qui nous convient le mieux. Et l’endroit que je préfère quand j’assiste à un concert. Il est à la fois intimiste et convivial. En outre, les artistes et le public sont très proches, tout au long du spectacle…
Semaine nostalgie à l'AB ! Après Steve Hackett, le guitariste de Genesis et avant The Sisters of Mercy, place à Yes, le dinosaure du rock progressif des années '70 qui invite ses fans à réécouter en ‘live’ trois albums légendaires de leur discographie : « Close To The Edge » ('72), « Going For The One » ('77) et « The Yes Album » ('71).
Le line up est quasi le même que celui qui avait déjà foulé les planche de l'AB en 2011 : Steve Howe à la guitare, Geoff Downes (ex-Buggles, ex-ASIA) aux claviers, Alan White à la batterie et Chris Squire à la basse. En 2011, un certain Benoît David avait joué le rôle de Jon Anderson, le chanteur malheureusement évincé. Cette année, c'est un nouveau sosie, l'Américain Jon Davison (Glass Hammer, Sky Cries Mary) qui s'y colle et la ressemblance est à nouveau étonnante.
La formation monte sur le podium sur la musique de « L'Oiseau de Feu » d'Igor Stravinsky, alors que sont projetées des photos d'époque et la pochette de « Close To The Edge ». Et c'est parti pour cet opus, qui ne compte en fait que trois longues pièces. Le contenu, on le connaît : il mêle prog, psychédélisme et jazz-rock, un cocktail transcendé par des harmonies vocales que n'auraient pas reniées Crosby, Stills and Nash.
Pour l'album « Going For The One », on passe à un format plus 'abordable' : les chansons sont moins longues et plus mélodiques. C'est sans nul doute mon LP préféré de Yes. La formation interprète à la perfection les petites merveilles que sont « Wonderous Stories », « Awaken » ou « Parallels ».
Après une pause de 20 minutes, Yes revient pour interpréter « The Yes Album ». Remontant à 1971, il recèle les classiques « Yours is no disgrace », « Starship Trooper » et « I've Seen All Good People ». Steve Howe nous gratifie aussi de son superbe solo de guitare acoustique, « Clap », dans lequel sa technique du finger-picking excelle au plus haut niveau. Après « A Venture », un titre qui n'avait encore jamais été joué en live avant cette tournée, le band finit en beauté par « Perpetual Change ». Et lors du rappel, nous avons encore droit à un dernier chef-d'oeuvre, « Roundabout », le single paru en 1972.
En conclusion, ce véritable marathon musical a duré 3 heures, un set peut-être trop long pour les mélomanes non avertis ; mais quel bonheur de voir que cette musique parvient encore à remplir les salles, en dehors de tout formatage commercial. Pour ma part, je ne peux m'empêcher d’avoir un petit pincement au coeur pour Jon Anderson, le grand absent de la soirée. Quant à ceux qui ne se contentent pas de ces concerts nostalgiques, je leur conseille de (re)découvrir l'excellent travail de Steven Wilson, en solo ou au sein de Porcupine Tree ; car cet artiste est parvenu à assimiler la musique des années '70 tout en créant un style nouveau, adapté au son d'aujourd'hui.
(Voir aussi notre section photos ici)
Setlist :
Intro : The Firebird Suite (Igor Stravinsky)
1. Close to the Edge
Close to the Edge
And You and I
Siberian Khatru
2. Going For The One
Going for the One
Turn of the Century
Parallels
Wonderous Stories
Awaken
3. The Yes Album
Yours Is No Disgrace
Clap
Starship Trooper
I've Seen All Good People
A Venture
Perpetual Change
Encore:
Roundabout
(Organisation : Ancienne Belgique)
Pas vraiment de tête d’affiche au Grand Salon du Botanique ce mardi soir. Deux configurations à l’identique, piano (jardin) et cordes (cour) plantés au centre d’un décor sobre illuminé de lumières blanches mettant en relief les deux colonnes de pierre du salon. Un écrin douillet en configuration assise confrontant toutefois deux univers différents. Tout d’abord, celui du duo danois rigoureux de Broken Twin, entre mélancolie et colère. Ensuite, celui du duo français emmené par le charme délicieusement moqueur d’Emily Loizeau.
La chaleur anormalement élevée s’est glissée subrepticement dans toutes les salles du Botanique. 26° C au thermomètre. Température idéale pour plonger dans l’océan polaire et hautement mélancolique des deux jeunes Scandinaves. Une transition thermique rondement menée par la talentueuse chanteuse/pianiste Majke Voss Romme accompagnée de son impassible Broken Twin au violon, Nils Gröndahl.
Inconnues du grand public, ces deux jeunes femmes d’à peine 25 ans ont déjà assuré les premières parties de l’excellent groupe britannique Daughter, en 2013, et font déjà partie des rares privilégiés (premiers artistes scandinaves) à rejoindre les rangs du prestigieux label ANTI- (Beth Orton, Tom Waits, Wilco).
Et, dès les premières notes de « Sun Has Gone », en ouverture, un microclimat s’installe : froideur et spleen profond. Les deux virtuoses nous confirment très vite qu’elles ne sont pas venues à Bruxelles pour plaisanter : une voix magnifique, des compositions habitées, un univers d’une mélancolie abyssale fidèle à la musique scandinave contemporaine. Une chanteuse du crépuscule dans la lignée danoise d’Agnes Obel et de Mi & L’Au qui vire au cauchemar et à l’angoisse sur « In Dreams ». Quelques pizzicati crispants en guise d’entrée, des murmures menaçants dans un parlophone évoquant des hurlements issus d’une forêt lointaine, ce sont les rêves crispants dont se berce Majke Voss Romme.
Ensuite, la tension redescend sur « River Raining », un morceau sur lequel les deux musiciennes s’échangent les instruments. Nils passe sagement au piano et Majke prend la guitare électrique pour nous offrir un nébuleux pop-folk venu du Nord.
Hormis quelques ‘shuuut’ épars, le public est cloué par cette poésie venue d’ailleurs. Une poésie mélancolique mettant en scène deux enfants saisis d’un désespoir tranquille, perdus dans l’immensité d’un monde anxiogène.
Une sublime collection de chansons minimalistes et intimistes sans âge à découvrir sur leur premier album « May ».
Extrait : http://youtu.be/cNemKX1jF88
Changement de décor et d’atmosphère pour la nouvelle création acoustique d’Emily Loizeau. Un concert intimiste composé de 24 plages issues de ses trois albums configuré autour de son piano, sa voix pétillante, sa poésie originale, son humour noir contagieux et du stupéfiant violoncelle d’Olivier Koundouno. Un répertoire réorchestré, présenté dans un contexte de musique de chambre lui conférant une toute autre dimension. Tout un programme !
Un show complet entre rires et larmes qui voyage dans le temps et dans l’espace.
Il a suffi de trois morceaux pour que le piano cède sur « London Town ». Pas besoin de backliner, l’artisan accordeur Loizeau le répare seule en toute décontraction. Déconcertant ! S’emparant naturellement de l’incident pour entrer dans un long dialogue avec son public et se lancer dans une savoureuse improvisation pleine d’humour. Un humour irrésistible et une autodérision qui chauffe rapidement la salle. Accords et désaccords aussitôt réparés, l’artiste française se lance et relance « London Town » et « Coconut Madam ». Deux morceaux jazz blues endiablés sur un piano désaccordé qui ne sont pas sans rappeler les cafés concerts de la belle époque ou encore les music-halls des années folles.
Un spectacle qui joue avec les sentiments des spectateurs et échoue sans alerte sur la profonde tristesse de « Cet Enfant » ou, assise sur l’avant-scène, sur le folk mélancolique de « In Our Dreams », proche de l’univers de Moriarty ou Herman Düne.
Trêve de mélancolie, la chanteuse française, constamment en interaction avec son public, change de costume et se lance dans un vrai jeu d’acteur et de conteur sur la surprenante reprise de « Gigi L’Amoroso » de Dalida. Une cover qu’elle vit intensément, face à un public qui ne reste pas de marbre.
Emily Loizeau possède un talent indéniable pour composer au piano de belles chansons françaises (ou anglaises) et écrire des textes bien troussés. Exercice qu’elle illustre à la perfection en affichant une douce excentricité sur « Boby Chéri » et « Je ne sais pas choisir ». Deux titres dignes d’un grand Thomas Fersen !
Une heure trente et trois rappels plus tard, l’artiste protéiforme rend un hommage musical (« Assum Blanco »), à l’actrice-chanteuse-poétesse brésilienne Renata Rosa avec laquelle elle prépare une tournée au Brésil et clôture son spectacle par ces simples mots : ‘Je pars à l’autre bout du monde…’
Bon voyage l’artiste !
Eric Ferrante
Extrait : http://youtu.be/vUUe788wnAo
(Organisation : Botanique)
Emily Loizeau + Broken Twin
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Triple affiche alléchante ce mardi soir sous le Chapiteau trônant fièrement dans les jardins du Bota… Une soirée placée sous un simple moto qui aurait pu faire un beau titre pour une production spaghetti de Sergio Leone : ‘La Découverte, La Confirmation et Le Retour…’
La Découverte : Moodoïd. Il revenait donc à cette jeune formation française, drivée par Pablo Padovani (guitariste de Melody’s Echo Chamber et fils du jazzman Jean-Paul Padovani), de fouler en premier lieu, les planches du chapiteau. Elle est venue défendre son premier Ep qui s’ouvre par l’élégant single psyché « Je Suis la Montagne ». Bien entendu, vu l’heure et la température estivale qui règne à l’extérieur, l’assistance est plus que clairsemée. Bref, il y a peu de monde pour découvrir les compositions alambiquées du quatuor parisien. Pour entretenir un certain mystère, Pablo s’est maquillé d’un masque étoilé. Mais il a surtout de la chance d’être soutenu par trois charmantes demoiselles. Clémence Lasme aux drums, et puis deux Lucie, Droga aux claviers et Antunes à la basse. Il éprouve parfois des difficultés à assurer sa voix sur les parties instrumentales, pourtant efficaces, rappelant l’univers vaporeux de Connan Mockasin, mais en plus rock et moins sensuel. Mais en y réfléchissant un peu, c’est plutôt du côté de Tame Impala qu’il faudrait aller chercher, les références. Une intéressante découverte qui me laisse toutefois un peu sur ma faim…
La Confirmation : François & The Atlas Mountains. Plus la peine de revenir sur le succès critique récolté par la bande hexagonale depuis la sortie de son second album, « Piano Ombre », il y a quelques semaines… Mais c’est un public, déjà plus conséquent, qui accueille la troupe, deux ans après leur passage, aux mêmes Nuits, dans la plus intimiste Rotonde. Dès les premières notes, le ton est donné : le set sera énergique, intense et dansant ! Le groupe puise parmi les plus belles pépites de son répertoire qu’il chante tantôt dans la langue de Shakespeare, tantôt dans celle de Molière. Outre la présence de singles en puissance (« La Vérité »), certaines compos bénéficient d’envolées ‘africanisantes’. François & The Atlas Mountains incarnerait une sorte de Vampire Weekend qui afficherait sans honte son faible pour la variété française tout en assouvissant son appétit à propager des salves indie-rock très susceptibles de virer au psychédélisme. Annoncé légèrement dépressif, François Marry semble avoir remonté la pente et manifeste beaucoup de dynamisme à côté de ses Atlas Mountains qui, eux, prouvent et confirment à nouveau leur réputation, leur talent et leur parfaite cohésion ! Une évidente confirmation qui me le laisse rêveur quant au potentiel futur du groupe…
Le Retour : Hercules & The Love Affair. Après avoir pondu un 1er elpee éponyme, en 2008, disque qui leur avait permis de percer sur la scène new-yorkaise, la bande emmenée par l’iconique Andy Butler a ensuite traversé un long passage à vide, défaillance ponctuée par la publication d’un deuxième long playing plutôt décevant. Toujours aussi fantasque, le combo yankee nous revient sous un nouveau line up resserré entre les bidouilleurs Andy Butler et Mark Pistel ainsi que les deux vocalistes Gustaph et Rouge Mary. Gustaph est néanmoins belge, et son registre est proche de celui de Jimmy Somerville. Quant à Rouge, c’est un Ch’ti (et oui…) D’origine algérienne, ce personnage charismatique possède une voix profonde. La house d’Hercules est destinée à chauffer l’ambiance. Et ses beats sont capables de remuer les spectateurs les plus stoïques. Les choristes ainsi que le très Cousteau Butler (coiffé d’un bonnet rouge) se décarcassent pour faire danser d’auditoire et se donnent les moyens pour y parvenir, malgré une certaine monotonie de ton ! Le public se trémousse et en redemande ! On se croirait transporté dans un Club berlinois plutôt qu’au beau milieu de l’austère capitale européenne. Franchement euphorisant, le set d’Hercules prône l’amour et l’ouverture à un auditoire qui n’attendait que ces messages… Il fallait bien que la foule se réchauffe avant d’affronter le déluge qui s’est abattu sur Bruxelles, dès la fin du concert ! Un retour pimpant et mouillé qui m’a littéralement lessivé, avant d’entamer la rédaction de mon article…
(Organisation Botanique)
Taï
Hercules & the Love Affair + François & The Atlas Mountains + Moodoïd
Votre serviteur est donc tombé amoureux de The ZZZ's, un trio féminin issu d'Osaka (Japon), lors de son passage remarqué dans le cadre du festival Sonic City, à Courtrai. Et apparemment, Paul-Henri Wauters, le programmateur du Botanique, qui était également sur place, a dû, lui aussi, succomber à leur charme ; car quelques mois plus tard, nous avons le bonheur de retrouver cette formation à l'affiche des Nuits.
Elles ont beau être de jolies et frêles demoiselles, elles n'en produisent pas moins une musique très puissante, violente même ; un postpunk/no wave sur le fil du rasoir, très 'noise' et expérimental, un peu comme si Einstürzende Neubauten avait reçu le renfort de Bauhaus et Thurston Moore, l’ex-leader de Sonic Youth. A propos de Thurston Moore, c'est d'ailleurs lui qui a remarqué les trois Nippones, lors d'un show à Miami et les a propulsées sur la scène alternative internationale.
Dans la magnifique salle de la Rotonde, The ZZZ's a littéralement ‘déchiré’. Au moment où elles montent sur le podium, habillées de noir, elles ressemblent à des geishas gothiques officiant dans une messe mystique intense et menaçante. A droite de la scène, arborant une longue chevelure noire, Youkary est très belle. Elle porte une basse qui a l'air plus grande qu'elle ! Mais quelle dextérité ! Dans « DNA », elle joue exclusivement des harmoniques et sa précision est redoutable. Le son est ronflant, métallique et hypnotique, surtout tout au long de « Cut It Out ». Par moments, elle pousse des cris orgasmiques dans le micro tout en ondulant très élégamment. Au centre, Lyn est une ‘batteuse’ puissante et expressive, à la technique irréprochable. Souvent, elle relève la tête pour se dégager les cheveux et élève son regard vers la haute voûte de la Rotonde.
Mais le point focal de la formation, c'est clairement Youkaku, à la guitare et aux vocaux principaux. Elle tire de sa gratte des sons vraiment hallucinants, tantôt batcave façon Daniel Ash (Bauhaus), tantôt shoegaze façon A Place To Bury Strangers, tantôt carrément 'indus', noise, façon scie sauteuse. Les voix sont principalement transformées en cris stridents ; mais parfois, la chanteuse nous réserve des moments plus calmes, où elle murmure doucement, comme dans « Suicide ».
The ZZZ's a interprété la majorité des morceaux de ses deux Ep's digitaux autoproduits : « Magnetica » et « Prescription », réunis une compile en 2013. Les deux titres phares sont incontestablement « Dystopia » et « Suicide ». Sur « Dystopia », on distingue une filiation étrange avec Savages, le groupe dirigé par Jehnny Beth. Les deux girls bands se sont d'ailleurs liés d'amitié. Une excellente prestation !
Avant The ZZZ's, nous avons pu découvrir deux formations liégeoises. D'abord, Frank Shinobi. Leur prog-noise-rock étonnant évoque Pixies, 31 Knots, The Redneck Manifesto et même Yes. Ensuite, IT IT Anita, dont le shoegaze post-nineties très puissant, à la limite du metal est également parvenu à faire revivre le fantôme de Sonic Youth. Lors de leur dernier morceau, un des guitaristes est descendu dans le public pour donner sa guitare à un fan qui a pu jouer lui même pendant quelques minutes l'accord unique (Sol majeur) de cette partie-là de la compo. Funny !
(Organisation Botanique)
Philippe Blackmarquis
The ZZZ's + IT IT Anita + Frank Shinobi
Voir aussi notre section photos :
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Nous en sommes au quatrième jour des Nuits Botanique, le soleil est bien présent pour réchauffer le coeur des mélomanes. Votre serviteur se dirige donc vers la Rotonde où se produit l'événement. Deux groupes bien de chez nous sont chargés d’électriser la salle : Frank Shinobi et It It Anita. ZZZ'S constitue la tête d'affiche. Une curiosité nippone qui vaut le détour !
Le premier groupe à fouler la scène de la Rotonde est liégeois. Il s’agit de Frank Shinobi. Quatre joyeux lurons qui ne se prennent guère au sérieux ; et on le ressent évidemment sur les planches. Un album à épingler au tableau de chasse leur actif : « A Little Less More ». Il est sorti en 2010 chez Honest House. Malheureusement, le son est médiocre et ne me permet pas d'apprécier leur musique. Je fais donc l'impasse. On se revoit dans de meilleures conditions.
Le second groupe à affronter le public est It It Anita. Ce n'est pas le nom de code d'une opération d'envergure organisée par les services secrets russes, mais une autre formation liégeoise. Bourrée de talent, elle est en contact permanent avec son public. Je la découvre pour la première fois.
Michael Goffard (guitare/chant), membre du défunt Malibu Stacy et Damien Aresta (chanteur et fondateur du label Jaune/Orange) décident de se réunir pour composer quelques morceaux ensemble. Ils sont rejoints par le batteur François Casteleyn et le bassiste Christophe Malpas (ex-Terrils). Au printemps 2013, quelques titres sont enregistrés et mixés par Jason Sébastien Russo (ancien bassiste de Mercurey Rave). Les influences sont nombreuses : Pavement, Thee Oh Sees, Band Of Horses, Mogwai en passant par Beastie Boys, Sonic Youth, Grandaddy et Sparklehorse. I.I.A. pratique un rock indé qui puise ses sources dans les années 90 et vient de sortir, en vinyle collector, un Ep cinq titres hautement recommandable. Et il est éponyme.
Barbu et chevelu, Damien, le chanteur, prend le temps de descendre dans la fosse et invite un spectateur à gratter sa guitare. Damien va le nourrir d'une banane. C'est assez rock'n'roll. Et tous les photographes présents dans la salle vont immortaliser l'événement. Ici, la bonne musique est au rendez-vous et le son digne de l'institution qu'est la Rotonde. Le set est court et intense, l'énergie est présente, les riffs de guitares efficaces. La setlist aligne « Intro », « Pile Of Gold », « Tacoma », « F# », « Mountaain », « NPR » et « G-round ». Rien à dire, c'est parfait, la place est chaude pour les vedettes de la soirée : les trois mignonnes jeunes femmes du groupe japonais ZZZ'S.
Didier Deroissart
Frank Shinobi + It It Anita
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Petite soirée francophone, ce lundi soir, dans le cadre des Nuits Botanique, puisque l’Orangerie accueille Blondie Brownie, un duo féminin flambant neuf mais qui réunit des talents confirmés, et dont la musique s’inscrit dans la lignée de Stereolab ; ainsi que le plus notoire Florent Marchet, un auteur-compositeur tellement prolifique qu’il réserve certaines de ses compos à des tas d’artistes qui militent dans l’univers de la chanson française ou à des projets conceptuels. Il est, en outre, responsable de 5 albums à ce jour, dont « Bambi Galaxy », paru en janvier dernier…
Malgré une température azuréenne, le public est plutôt clairsemé lorsque Blondie Brownie monte sur l’estrade. Faut aussi avouer que les mélomanes ont aussi parfois l’envie de récupérer de leur week-end… Pour la circonstance, Catherine ‘Blondie’ Biasio et Aurélie ‘Brownie’ Muller sont soutenues par un jeune drummer. Leurs vignettes pop sont sucrées et teintées de sonorité 80’s. Mais l’emballage est tellement chargé de fausse innocence qu’on ne peut que penser à La Femme. Ou à un pastiche de Cœur de Pirate. Et finalement, le trio s’en sort bien mieux lorsqu’il muscle le son ou booste le tempo. Alors le set gagne en intensité et parvient même à surprendre ; et en particulier lorsque ‘la Blonde’ dégaine son trombone et la brune son Steel Drum, se payant même une belle reprise de Georges Michael. Cerise sur le gâteau, Antoine Wielemans, un des chanteurs de Girls in Hawaï, vient rejoindre le combo sur l’estrade afin d’interpréter une chanson empreinte de mélancolie, dans la langue de Molière. Une découverte intéressante malgré une prestation encore inégale. Blondie Brownie devrait publier un premier Ep à la rentrée…
Etonnant, la salle ne se remplit pas davantage, lorsque Florent Marchet débarque sur le podium. Et pourtant, son dernier long playing, « Bambi Galaxy », a été unanimement encensé par la critique. Cohérent par rapport à son trip rétro-futuriste, notre ami déboule sur le podium affublé d’une bien seyante combinaison argentée, tandis que ses musiciens (un batteur et deux claviéristes) portent des masques à gaz et des combinaisons que ne renieraient pas Maître Yoda dans ‘Star Wars’. On peut alors affirmer que le délire cosmique est poussé à son comble. Les sonorités électro prennent le pas sur l’instrumentation plus classique de ses 3 brillants premiers albums (« Gargilesse », « Rio Baril » et « Courchevel »). Prolixe, l’ami Marchet affabule entre ses morceaux sur des expériences hallucinées qu’auraient vécu Plastic Bertrand ou Raël auprès d’étranges petits hommes verts… Le set est majoritairement composé des titres de son dernier elpee et le climax est d’ailleurs atteint sur le single « Space Opéra » et surtout le magnifique « Bambi Galaxy » qui réalise une rencontre (NDR : du troisième type ?) entre Polnareff et Souchon ! Même ses anciens standards tels que « Tous Pareil » ou « La Famille Kinder » sont gonflés et customisés aux beats saturés. Le groupe est bien en place et le son irréprochable. Bref, cette formule devrait faire des ravages lors des festivals, cet été. Que ce soit à la basse ou derrière son piano, Florent manifeste une énergie inépuisable. Il n’hésite pas rappeler qu’il adore les Nuits du Bota. Et le répète à l’envi. Après une petite heure de concert, l’alien français revient sur les planches et prend place aux ivoires pour nous accorder une version plus intimiste de son intemporel et bouleversant « Le Terrain de Sport », ponctuée d’une dernière salve musclée et euphorisante. Mes Nuits débutent on ne peut mieux…
Taï
(Organisation Botanique)
Florent Marchet + Blondie Brownie
Mad Soul tonight at the AB! Sharon Jones est de retour sur les planches de l’Ancienne Belgique! Tout naturellement sold-out, le show intervient deux ans après son précédent passage dans la salle bruxelloise, qui avait laissé l’auditoire sur les genoux. Et une fois n’étant pas tradition, Miss Jones, accompagnée de ses éternels et mythiques Dap-Kings, a rallumé le feu au cœur de la capitale lors d’un show retransmit en direct sur YouTube.
Précédé d’un DJ set dispensé en dents de scie par l’Ecossais Keb Darge, pourtant connu pour dénicher de jolies pépites rares, le concert démarre ponctuellement, comme il est de coutume à l’AB. Place à la reine de la Soul actuelle, Sharon Jones, une sacrée boule d’énergie positive. A 58 ans, la dame de fer de l’écurie Daptones Records, resplendit plus que jamais.
Les huit Dap-Kings prennent place dès 21h, suivis des deux choristes qui figurent dans la vidéo de « Stranger To My Happiness ». En guise de mise en bouche, ils vont ensemble interpréter deux sympathiques morceaux extraits du premier LP à venir de l’une des backup singers, dont je n’ai malheureusement pas saisi le nom. De quoi chauffer doucement le public avant l’arrivée de la reine de la soirée. Et quelle reine ! Vêtue d’une petite robe grise et noire à franges, elle met le public dans sa poche, à peine débarquée sur les planches. A cause de son charisme, son humour et son talent incroyables.
Chez Sharon Jones, rien n’est statique. Les franges s’envolent, la tête se secoue dans tous les sens, les jambes se démènent malgré de hauts talons… Et une humeur sans faille communiquée à toute l’assemblée, malgré la présence de touristes qui ne parviennent pas à retirer le bâton de leur derrière. Les premiers rangs, eux, sont bouillants. La chanteuse se prête même au jeu de la danse langoureuse tout au long d’un morceau, en compagnie d’un jeune homme qui se s’est habilement glissé sur scène sans qu’on ne le remballe immédiatement. Un moment qu’il ne risque pas d’oublier, le Fred.
Qu’à cela ne tienne ! Elle fait ensuite appel à quelques demoiselles du parterre qui l’accompagnent le temps d’une efficace démonstration de danse. Du côté de la set-list, le groupe se concentre essentiellement sur « Give The People What They Want », quatrième LP paru en janvier dernier. Les envolées de cuivres se suivent et font mouche à chaque note, rehaussant ces arrangements Funk et Soul vintage, que Sharon Jones sublime de sa voix gospel. Un sans-faute pour cette grande dame qui luttait encore contre un cancer des voies biliaires, moins d’un an auparavant. Ce soir, il fallait être mort ou apathique pour ne pas avoir la moindre gouttelette de sueur qui perlait au milieu du front.
Les prochains rendez-vous belges de Sharon Jones et ses Dap-Kings sont prévus pour le 31 octobre au Vooruit de Gand, et le 6 novembre au Het Depot de Leuven. Deux options, aucune excuse !
(Organisation : Live Nation)
Les Nuits Bota battent leur plein ! Il a fallu opérer des choix en cette troisième journée qui accueille George Ezra au Grand Salon, Cat Power au Cirque Royal, Arc Iris à la Rotonde et White Denim à l’Orangerie. Mais difficile de résister à l’appel des Australiens de Jagwar Ma qui venaient présenter leur irrésistible « Howlin’ », sous le Chapiteau du festival.
Pas d'urgence ce soir. C’est qu’il fait 21° dehors ! Complètement allergique à la pop insipide de Jamaica, je pénètre dans le chapiteau sur les coups de 22h30. Soit à l'instant même où la lumière s'éteint. Il reste pas mal de place, le concert n'est pas complet. La tente éphémère est tout de même bien remplie, et le parterre à l'air particulièrement motivé. Tant mieux, c'est exactement ce que Jagwar Ma est en droit d’attendre de son public. Parce que, Jagwar Ma, ce sont deux mecs australiens qui ont compris exactement comment faire bouger une foule.
Le duo (trio pour le ‘live’) est au rendez-vous pile à l’heure. Les gars avaient déjà fait leurs preuves sur une scène belge, en l’occurrence celle de l’AB, il y a un peu plus d’un an lorsqu’ils accompagnaient Foals pour leur tournée européenne. Une performance qui n’avait pas laissé indifférent les fans du quintet, puisque plutôt bien acclamée.
Sur l’estrade, pas de batterie. Jono Ma se charge de l'intro de « What Love », derrière son dispositif de DJ. Son binôme et interprète, Gabriel Winterfield, prend place derrière son micro, aux côtés de leur bassiste live, Jack Freeman. Une heure durant, les trois gaillards vont enchaîner les morceaux de l’excellent « Howlin’ ». Des versions revues et corrigées pour la scène, comme ce « Come Save Me », titre rock’n’roll aux accents psyché qui bifurque dans ses dernières minutes vers un véritable hymne dancefloor, rallié à un « Exercise », un peu plus faiblard. Les singles « Man I Need » et « The Throw » finissent par dégourdir les jambes d’un public chauffé à blanc. « Four », l’un des morceaux les plus electro de la bande, et le spasmodique « Let Her Go » achèvent le boulot.
Au bout de 45 minutes, Winterfield annonce la fin des festivités, clamant ‘We only have one album guys !’ devant la déception manifeste du parterre. C’est donc en omettant les deux ballades de leur premier LP que les trois musiciens effectuent un rappel sur un « That Loneliness » brillamment allongé de quelques beats bien placés. Une petite heure directe et efficace.
A revoir cet été au festival de Dour, le 19 juillet prochain !
(Organisation Botanique)
Jagwar Ma
Le 19 mai sortira enfin la collection des sessions Unplugged opérées par R.E.M. de 1991 à 2001. De quoi passer de bonnes vacances…
www.remhq.com
www.facebook.com/REMhq
Unplugged: The Complete 1991 And 2001 Sessions
Track Listing
1991 Unplugged
1. “Half A World Away”
2. “Disturbance at the Heron House”
3. “Radio Song”
4. “Low”
5. “Perfect Circle”
6. “Fall on Me”
7. “Belong”
8. “Love Is All Around”
9. “Its The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)”
10. “Losing My Religion”
11. “Pop Song 89”
12. “Endgame”
13. “Fretless”*
14. “Swan Swan H”*
15. “Rotary 11”*
16. “Get Up”*
17. “World Leader Pretend”*
2001 Unplugged
1. “All The Way To Reno (You’re Gonna Be a Star)”
2. “Electrolite”
3. “At My Most Beautiful”
4. “Daysleeper”
5. “So. Central Rain (I’m Sorry)”
6. “Losing My Religion”
7. “Country Feedback”
8. “Cuyahoga”
9. “Imitation of Life”
10. “Find the River”
11. “The One I Love”*
12. “Disappear”
13. “Beat a Drum”*
14. “I’ve Been High”*
15. “I’ll Take the Rain”*
16. “Sad Professor”*
Après avoir publié un premier album éponyme en 2009 qui faisait la synthèse de 25 ans de rock anglais (The Jesus And Mary Chain, Sarah Records, …), The Pains Of Being Pure At Heart a réussi à créer la sensation dans le monde de l'indie-pop.
Mais c'est « Belong », leur second LP, qui va permettre au band new-yorkais de s’installer définitivement sur le trône du revival 90’s.
Chœurs angéliques, mélodies douces amères, mur de guitares saturées, claviers planants et batterie frénétique au programme.
La formation a mis en ligne une vidéo au grain vintage qui se terminait par les mots ‘days of abandon’. Ce sera le titre d'un nouvel album qui sortira le 22 avril.
https://www.youtube.com/watch?v=Zc9A3R83A_0
Tracklisting
01 Art Smock
02 Simple and Sure
03 Kelly
04 Beautiful You
05 Coral and Gold
06 Eurydice
07 Masokissed
08 Until The Sun Explodes
09 Life After Life
10 The Asp at My Chest
Influencé par le son de la Motown et les Beatles, The Spectors a sorti son premier Ep, « Dig ». Après en avoir extrait un premier single intitulé « Nico », il nous en propose un second, soit le titre maître de l’Ep, « Dig », produit pour la circonstance par Chris Urbanowicz des Editors.
https://www.youtube.com/watch?v=qoyTGt37DfQ
21.05 – Kultuurkaffee @ VUB, Brussel
28.05 – Burn Out @ MOD, Hasselt
19.07 – Beau Soleil, Serskamp
21.07 – Kneistival, Knokke-Heist
25.07 – Rock Olmen, Olmen
14.08 – Brussels Summer Festival, Brussel
23.08 – Synergie Meeting 3, Zwevegem
www.facebook.com/spectorsmusic
Le 18 avril dernier, le chanteur Prince et Warner Bros Records ont annoncé qu’ils allaient entamer une nouvelle collaboration !
Ce partenariat n’englobe pas seulement la sortie d’un album truffé d’inédits mais aussi d’anciens morceaux de Prince réenregistrés par l’artiste lui-même.
Warner Bros Records était l’exclusif détenteur des droits de l’artiste et de ses créations de 1978 jusqu’aux années 90.
Pour les fans de Prince, ce nouveau partenariat qui verra prochainement le jour représente une véritable mine d’or.
Cet été, il y aura 30 ans que le légendaire album « Purple Rain » est sorti.
Le 26 mai prochain sortira « Love Without Fear », le nouvel album de l’Américain Dan Wilson, plus connu comme ex-leader de Semisonic (« Closing Time ») ou comme plume pour la diva soul Adèle.
www.twitter.com/danwilsonmusic
http://www.twitter.com/danwilsonmusic
George Ezra vient d’annoncer la sortie prochaine de son premier album studio. Prévu pour le 30 juin, cet elpee s’intitulera « Wanted On Voyage ».
Un premier single précède l’opus. Baptisé « Budapest », il fait également l’objet d’une vidéo, et c’est ici
« Wanted On Voyage » a été enregistré entre début novembre et mi-janvier à Clapham, au Sud de Londres, sous la houlette du producteur Cam Blackwood. Ezra y joue de la guitare, de la basse et du piano.
Et pour regarder « Recording Wanted On Voyage » c’est là
Son concert le 17 mai aux Nuits du Botanique est soldout mais vous pouvez vous rattraper à Werchter le 4 juillet prochain
https://www.facebook.com/georgeezramusic
Wanted On Voyage tracklisting
01. Blame It On Me
02. Budapest
03. Cassy O'
04. Barcelona
05. Listen To The Man
06. Leaving It Up To You
07. Did You Hear the Rain?
08. Drawing Board
09. Stand By Your Gun
10. Breakaway
11. Over The Creek
12. Spectacular Rival
A l’occasion de ses dix années de carrière, Kasabian publiera son cinquième album, ce 9 juin.
« 48:13 » réunit 13 titres, pour une durée totale de… 48 minutes et 13 secondes !
Un premier extrait intitulé « Eez-eh », sera disponible dès le 2 juin sur la toile
https://www.facebook.com/kasabian
https://twitter.com/KasabianHQ
Album Tracklisting:
1. (shiva)
2. bumblebeee
3. stevie
4. (mortis)
5. doomsday
6. treat
7. glass
8. explodes
9. (levitation)
10. clouds
11. eez-eh
12. bow
13. s.p.s.
Ce n'est probablement plus un secret pour personne, les Nuits Botanique sont des événements qui attirent la foule, une foule d’aficionados mais aussi de curieux en tout genres. Autant dire qu'en ce vendredi où le soleil avait décidé de remontrer le bout de son nez, un monde fou semblait s'être donné rendez-vous dans les différentes salles du Bota ainsi que sous le chapiteau.
En arrivant au jardin bruxellois, je suis surpris par la présence de 4 policiers postés à l’entrée, et dont le nombre va s’avérer bien plus important dans son enceinte... La manifestation aurait-elle un caractère si dangereux pour nécessiter un tel déploiement des forces de l'ordre? Ou bien n'est-ce là que l'habituel genre de parades dont nous sommes gratifiés en période de cirque pré-éléctoral? A moins qu'il ne s'agisse simplement du délire sécuritaire et répressif dont semble souffrir la capitale depuis déjà quelque temps...
Bref laissons ces considérations de côté pour nous concentrer sur le sujet de cette chronique, en l’occurrence, la prestation de James Holden à l'Orangerie. Vu le sold out affiché au moins une bonne semaine avant la date prévue, je ne suis pas surpris de rencontrer une foule déjà bien compacte seulement 5 minutes après le début du concert, et choisis de rester en bordure, là où on ne se marche pas trop sur les pieds et l'angle de vision est correct. Si je craignais d'être un peu loin pour réellement apprécier la performance, finalement mes appréhensions ont été rapidement balayées, grâce au son qui ne manque pas de présence mais aussi à la dynamique insufflée au set d'Holden par le batteur présent à ses côtés.
Ce dernier ne se contente pas de soutenir les ondes électroniques envoyées par le jeune producteur en vogue mais y insuffle un swing qui ajoute un supplément de groove à ses compositions. Des compos où l'électronica flirte avec la kosmische musik grâce à un synthé modulaire dont la pureté sonore ravit les oreilles les plus exigeantes et peu sensibles à celles de l'éternel laptop qui pourtant fait également partie du matériel présent ce soir sur les planches. C'est cette volonté de mêler les éléments qui enrichit la substance que produit le jeune talent anglais et lui offre sans doute un accès plus large que celui réservé habituellement aux musiciens de cette sphère. Qu'il s'agisse de matériel ou d'influences musicales d'ailleurs, celles-ci brassant aussi bien une électronique abstraite, parfois mélancolique et souvent soucieuse des détails que des mouvements plus rythmiques amenant à la transe. Une transe aux saveurs psychédéliques comme lors du final (avant rappel) qui s'apparente à une véritable gigue electro tribale venue couronner un concert très dansant où les morceaux plus ambient ont toutefois été écartés. En bonus on aura droit à un morceau electro/disco kraut du meilleur effet lui aussi, même si la vraie montée venait juste de se produire auparavant, clôturant une soirée très réussie et fort attendue.
(Organisation Botanique)
James Holden
Thorbjørn Risager est danois. Agé de 37 ans, ce chanteur est un fervent adepte de BB King et Ray Charles. Professeur de formation, il a opté pour la carrière musicale. Depuis 2003, il dirige un groupe de sept musiciens, baptisé désormais The Black Tornado. Ensemble, ils ne se limitent pas au blues pur et dur mais plutôt à une fusion entre le blues, le funk, le R&B, la soul, le gospel et le rock. "Too many roads" constitue leur 8ème opus, il fait suite à "Between rock and some hard blues", paru en 2013.
L'album démarre par "If you wanna leave". Une véritable claque ! Puissante, la voix domine son sujet y compris la section rythmique. Le son est sale, pourrave, avant que l’ensemble des musicos ne viennent le rejoindre. La voix de Thorbjørn est autoritaire. Idéale pour ce type de plage, elle force même le passage. Pourtant, c’est le saxophone de Kasper Wagner qui s’autorise le premier envol. Une ouverture assez extraordinaire. "Too many roads" nous entraîne dans le delta du Mississippi, berceau du blues originel. La production est soignée. Le son du dobro, clair. Les harmonies vocales et la section rythmique soutiennent parfaitement le leader. "China gate" est la B.O. de ce film, un long métrage sorti en 1957 qui mettait notamment en scène Nat King Cole, une compo signée Victor Young. Cette nouvelle version est traduite en ballade folk/blues émouvante et dépouillée. "Paradise" nous ramène dans le Delta, pour une fusion roots blues, impliquant la collaboration de la section de cuivres. Des cuivres toujours bien présents et même grisants tout au long de "Drowning", une plage syncopée, balisée par la lourde contrebasse de Soren Bojgaard et les percussions de Martin Seidelin, qui emprunte à la musique caribéenne. Retour au blues pour "Backseat driver", une piste au riff impérieux, imposé par le leader. Ballade soul, "Through the years" est illuminée par une belle sortie de Peter Skjerning sur ses cordes. Un épais riff blues/rock amorce "High rolling". Nous ne sommes pas loin des Stones, mais la voix de Risager est bien plus allumée et mâle que cette de Jagger. De toute bonne facture, "Long forgotten track" est une ballade roots aux accents laidback, nonchalants, digne de JJ Cale. Plus immédiat, "Reh hot & blue" trempe dans un R&B presque pop. Un morceau bien ficelé au cours duquel la guitare parvient à se détacher de la fusion entre les cuivres et l'orgue. Libérant un max de groove, "Rich man" nous plonge dans l’univers de la Nouvelle Orléans. Et plus exactement reflète la joie de se produire dans la rue. Trompette, clarinette et sousaphone : tous les cuivres sont à la fête. Ce superbe album s’achève par une dernière surprise. Un rockabilly ! Pur et dur ! "Play on" dont le piano boogie est attaqué furieusement, un peu à la manière de Jerry Lee Lewis…
Véritable globe-trotter, Mauro Remiddi est né à Rome, a grandi à Londres et s’est établi, depuis une douzaine d’années, à Brooklyn. Le choix d’entreprendre une carrière professionnelle, dans l’univers de la musique, s’est rapidement révélé à lui. C’est vers l’âge de 10 ans qu’il touche pour la première fois un instrument. Après avoir enregistré quelques Eps sous différents patronymes et écrit une B.O. pour un film italien, il décide de lancer un nouveau projet qu’il baptise Porcelain Raft. Et comme il est déjà connu dans la sphère musicale, il déniche rapidement un maison de disques, en l’occurrence le label indépendant américain, Secretly Canadian (War on Drugs, Damien Jurado, …) Il publie d’abord un Ep, et dans la foulée, un premier elpee intitulé « Strange Weekend ».
Après avoir passé plusieurs mois sur les routes et pris quelques jours de repos, l’Italo-britannique se remet au travail et couche sur papier ses expériences engrangées au cours de cette aventure enrichissante. Moins de deux ans après la sortie du précédent long playing, Porcelain Raft nous propose donc ce « Permanent Signal ». Pour enregistrer cet LP, le multi-instrumentiste a reçu le concours de quelques relations qui militent au sein de l’univers indie-rock américain ; et notamment Jonny Rogoff (Yuck) aux fûts, Darby Cicci (The Antlers) aux chœurs et à la trompette ainsi que Gaspar Claus (qui a notamment apporté sa collaboré à The National et Sufjan Stevens) au violon.
Tout au long de « Permanent Signal », Mauro puise un peu dans tous les styles. Si bien que le véritable fil conducteur des onze pistes de cet elpee est tramé par la voix. Une voix douce, nasillarde et chargée de feeling qui nous plonge dans une atmosphère mélancolique. L’album s’ouvre par deux plages magistrales, sculptées dans la dream-pop, évoquant Beach House. Soit le captivant « Think of The Ocean » et le vaporeux « Cluster ». Porcelain Raft commence très fort ! La suite manque malheureusement de constance et surtout d’intensité. Caractérisé para ses références 80’s, « Minor Pleasure » est même totalement dispensable. Il faut attendre « The Way Out » et « Five Minutes From Now » pour retrouver chez Remiddi l’inspiration du début. Deux morceaux de shoegaze digne de The Antlers. Quatre titres sur onze, c’est néanmoins un bilan insuffisant pour le talent de Mauro. Il nous doit une revanche !
Mount Carmel ne nous invite pas à grimper sur la montagne biblique située en Israël, Mais à savourer son troisième opus. Fondé en 2010 à Colombus, dans l'Ohio, ce power trio américain réunit les frères Reed. Matthew au chant et à la guitare, Patrick à la basse. Un line up complété par le drummer, James McCain qui a remplacé récemment Kevin Skubak. Leur patronyme serait inspiré du lieu de naissance de cette fratrie : l'hôpital Mount Carmel de Colombus! Les deux premiers elpees étaient parus chez Siltbreeze, "Mount Carmel" dès 2010 et "Real woman" en 2012.
Publié sur Alive Naturalsound, "Get pure" a été enregistré au Suma Recordings de Cleveland et mixé au Ghetto Recorders de Detroit par Jim Diamond (NDR : notamment responsable de la mise en forme d’un album des White Stripes). L’esprit blues/rock est intact. Ces jeunes musicos ont été plongés, dès leur naissance, dans ce style insulaire réminiscent de la fin des 60s et du début 70s. Notamment celui que pratiquaient The Cream, Free et Humble Pie. Vous devriez ainsi vous faire une petite idée de la musique concoctée par le trio.
La machine à remonter le temps nous replonge donc quatre décennies en arrière. "Gold" ouvre l’opus. Une compo qui baigne dans l’ambiance du Cream, même si McCain ne possède pas la puissance de feu d’un Ginger Baker. "Back on it" est imprimé sur un tempo rapide. La section rythmique, bien soudée. La voix de Matthew, légèrement écorchée. "Back on it" trahit l’influence majeure de Mount Carmel : le Free. A cause des riffs blues rock dramatiques et de la manière de chanter, proche de celle de Paul Rogers, malgré un peu moins de puissance naturelle. "Whisper" me rappelle un des tous premiers groupes de hard rock californien, Blue Cheer, un combo sont sa version enflammée de "Summertime blues" avait récolté un énorme succès. Les deux plages suivantes nous invitent à pénétrer dans l’univers d'Humble Pie lorsque le pouvoir était partagé entre Steve Marriott et Peter Frampton. Tout d'abord "No pot to piss". A cause de cette succession de rythmiques adoptée par la guitare et surtout la voix empruntée à Frampton. Puis "Swallow me up", plus hard dans le style. Instrumental "Bridge to nowhere" constitue un exercice de style. Il sert également d’interlude avant de passer à la suite des événements. "One more morning" opère un retour à la formule instituée par le Free. Caractérisée par une sortie de cordes bien sentie, cette piste recèle son lot de dérapages contrôlés. Dans un climat similaire, "Will I" libère des sonorités de guitare bourrées de feeling. En écoutant "Hanging on", j’ai dû quelque peu me creuser les méninges. Faut dire que des groupes anglais susceptibles de composer une telle compo, à l’époque, il y en avait des tonnes. Parfois de très bons, quoique obscurs, comme Leafhound. Et cette piste me rappelle finalement ce band britannique! "Fear me now" lorgne de nouveau vers The Cream. La tension dramatique y est entretenue par la lourdeur du riff. Tout comme le final, "Yeah you mama". Cependant, Matthew ne possède ni la force, ni l'élégance vocale de Jack Bruce. Un long playing à conseiller à celles et ceux qui n’ont ceux qui n'ont pas vécu cette grande époque! Même si Mount Carmel n’a pas encore acquis la notoriété des Black Crowes voire des Black Keys!
Cet arc-en-ciel lunaire est un combo de stoner rock originaire de Kentucky. Un super-groupe, puisqu'il réunit des musiciens de Hank3, Afghan Whigs, Hermano et Valley of the Sun. La formation a été fondée en 2010 par le chanteur Matt Bischoff. Et elle implique Ryan McAllister à la basse (NDR : qui se sert d’une Rickenbacker), David McElfresh à la guitare et Steve Earle à la batterie.
"End of time" ouvre le long playing. On pénètre d’abord dans un univers folk entretenu par un violon et des cordes acoustiques. Mais après trente secondes, une ligne de basse bien épaisse ébranle le décor. Et nous entraîne au cœur d’un rock bien dur mais parfaitement audible. Et Black Sabbath n’est pas loin lorsque la guitare se fond dans la section rythmique. La musique pratiquée par Moonbow est bien stoner, c’est-à-dire très influencée par les 70s. Pas de hurlement vocal. Lorsque la guitare se libère, elle est bien maîtrisée et cavale rarement comme un étalon incontrôlable. "Journey of the iron horse" embraie sans la moindre pause. Le rythme est nettement plus rapide. Le cheval d'acier est au galop. La conjugaison entre la ligne de basse et les interventions de la batterie est volontairement lourde, écrasante même ; et la guitare de McElfresh a bien du mérite à s'en extraire. Matt Bischoff a une voix bien timbrée. "Fire bath" est une compo accrocheuse, malgré son titre. Un bain de feu pour se purifier de la fumée sacrée dans la fontaine de Satan. Pas vraiment un thème réjouissant ! Remontons dans le temps, et plus précisément fin des sixties/début des seventies lorsque Black Sabbath, Budgie ou même Motörhead sévissaient sur la scène hard rock. "Take it for granted" nous y replonge. Les lyrics sont signés John Garcia (Vista Chino, Kyuss) ; et il chante d’une voix douce, avant que Matt en prenne le relais pour aussitôt nous invectiver ! De bonne facture, "Octavia" est une plage au refrain contagieux. Cette aventure stoner se poursuit par "Saved", une piste censée sauver le pécheur des ténèbres. Mais l’opus s’achève dans un climat chaotique, lorsque débarque "Black widow", une veuve noire dont l’apparition est saluée par une bonne sortie des cordes.
Mikey Jr poursuit sa route parfaitement tracée depuis qu’il a accompli ses débuts dans le New Jersey, il y a déjà 31 ans ! Et sa belle discographie est au diapason. "Traveling South" constitue son huitième opus. Pour la circonstance, il a de nouveau reçu le concours du jeune Dave Gross qui s’est chargé de la production, de conduire les séances de studio, tout en apportant sa participation à la guitare.
Le titre maître ouvre l’opus. Une compo signée Mike Vernon, l'ancien gourou du blues anglais. Il souffle dans son instrument chromatique. Deux grattes soutiennent les vocaux, mais c’est bien la musique à bouche de Mikey qui dirige la manœuvre. Et ses interventions sont superbes. Une excellente entrée en matière ! "Nobody does it like me" permet de savourer la qualité du chant. Une voix qu'il force quelque peu mais sans excès ; d’ailleurs on peut mesurer la réserve de puissance du souffle. Mikey en garde sous la pédale tout en variant aisément ses tonalités. Michael Bram excelle aux percus sur "Morning on my way". L'orgue Hammond de Jeremy Baum (un musicien de studio notoire) s'intègre parfaitement à cette compo qui rappelle quand même Billy Boy Arnold. Mikey peut y vider ses poumons sans ressentir la moindre entrave. L'artiste s'enfonce dans le Delta pour aborder "Mill Tavern". Michael ‘Leroy’ Bram maîtrise ce blues authentique imprimé sur un tempo à l’aide de ses fûts. Bram est également un bluesman talentueux. Leader des Alternators, il se réserve le chant et la guitare. "Katie Lynn" constitue un sommet de l’opus. Tout est parfaitement en place. Jeremy est passé au piano. Et bien soudés, les musicos édifient une rampe de lancement rêvée pour le chant et l'harmonica. Auteur, compositeur, chanteur et guitariste, Danny DeGennaro s’était forgé une solide réputation en militant chez Kingfish, groupe lié à Grateful Dead. Danny a été lâchement assassiné lors d'un cambriolage perpétré dans son domicile, fin 2011. Cinq personnes ont depuis été arrêtées, jugées et emprisonnées. Mikey Jr lui rend justice en lui dédiant cet album et en interprétant une de ses compositions, "Bad time blues". Dave Gross y opère une sortie brillante sur ses cordes. "The cheat" s’appuie sur un riff solide de guitare, un blues de bonne facture au cours duquel l'harmonica ne tient plus en place. "You" baigne au sein d’un climat hypnotique réminiscent de Howlin' Wolf. A cause du chant. Un climat de transe propice aux solistes. "She's good at being bad" est un autre summum de l’elpee, un blues très lent, dépouillé, aux intonations dramatiques. Très en verve, Dave Gross devient même carrément intenable sur "Please come back", une plage plus R&B. DeGennaro avait co-écrit "Wrong number", une ballade majestueuse très Memphis Stax, au cours duquel l'orgue de Baum ronfle comme celui de Booker T. "Trying to do the best I can" clôt le long playing. Une piste acoustique agréable et finalement très roots.
Originaire de Detroit, Marcus Malone est un chanteur/guitariste de couleur noire. Depuis plus de 10 ans, il pratique un blues rock très mélodique. Son premier album ? Il l’a mis en boîte à Los Angeles. Au cours des 90’s. Intitulé "Marcus", il avait bénéficié du concours de Tim Bogert (ex-Vanilla Fudge/Cactus/Jeff Beck) et Gene Black, un gratteur qui depuis s’est mis au service de Joe Cocker. Cet opus avait beaucoup plu en Europe ; ce qui avait permis à l’artiste d’y tourner inlassablement. Il s'est alors établi en Angleterre dès 1997 et a entamé la publication de toute une série d’elpees : "One more time" en 1999, "Walkin' shoes" en 2002, "Blue radio" en 2005, "Hurricane" en 2007, "Let the sunshine in" en 2011, et enfin ce "Stand or fall".
L'artiste jouissant aujourd’hui d’une belle notoriété, il a reçu le concours de toute une série de collaborateurs, lors des sessions d’enregistrement. Dont de nombreux amis guitaristes, parmi lesquels on épinglera John Nolan de Staylight Run, Stuart Nixon de Never the Bride, Billy Burke et Julian Burdock de 24 Pesos (ex-Waterzooi). Marcus signe la plus grande partie des plages.
Il démarre par "Leaving the blues", un rockin' blues bien nerveux, auquel participe un des meilleurs souffleurs anglais contemporains, Wil Wilde. Nous ne sommes pas loin de Whitesnake, mais en beaucoup moins hard. En outre, la slide de Burdock communique à la plage, une coloration particulière. Marcus revient au style qu'il affectionne sur "Stand or fall". Imprimé sur un tempo lent entretenu par des riffs dramatiques, la musique évoque le célèbre blues band insulaire de la fin des 60’s, Free. La voix est d’ailleurs aussi rauque et puissante que celle de Paul Rogers, alors que Billy Burke ressuscite les accords chers à Paul Kossoff, en moins écorché toutefois! Malone a également assuré la mise en forme ; et il en a profité pour injecter de nombreux chœurs dans ses arrangements. "Aint no tellin" élève quelque peu le tempo. La voix de Marcus colle parfaitement au genre. John Nolan s’autorise une envolée de classe sur ses cordes. "It's gonna take time" est une ballade indolente. Les cordes acoustiques, l'orgue de Moz Gamble et l'harmonica d'Alan Glen (ex Nine Below Zero/Yardbirds) y font bon ménage. "Detroit City Blues" est à nouveau hanté par le Free. Marcus se souvient de ses jeunes années vécues dans la Motor City. Dixon s'envole aux cordes dans un registre plus métal. "Slow down" est un blues rocker au tempo vivace. Will Wilde se réserve l’harmo, alors que la guitare de Dixon emprunte un profil bien plus rock'n'roll! Slow blues dramatique, "Jealous kind" nous entraîne dans l’univers de John Lee Hooker. Malone chante toujours comme Rogers sur "Under pressure", mais de l’époque Bad Company. Le long playing nous réserve deux bonus tracks. Et c’est le bonheur ! Tout d'abord "Living the blues", un excellent boogie blues caractérisé par le retour de Burdock à la six cordes. Puis, une version longue du lent "It's gonna take time"…
Quoique née dans le Wisconsin, Cathy Lemons a passé une bonne partie de sa jeunesse au Texas où elle s’est convertie au blues ; mais c'est bien en Californie, dans la baie de San Francisco, que cette jolie femme a accompli sa carrière, puisqu'elle y réside depuis plus de 25 ans. En 2010, elle avait publié "Lemonace", un excellent opus, enregistré en compagnie de son compagnon d'alors, Johnny Ace.
Les sessions de "Black Crow" se sont déroulées au sein du studio de Kid Andersen, qui co-produit l’elpee avec Miss Lemons et l’omniprésent Stevie Gurr. Cependant, Cathy ne se confine pas seulement à un seul style ; elle aime varier son répertoire.
Oscillant entre le style Memphis et de la Louisiane, "I'm a good woman" est une plage solide, écrite par le brillant Kim Wilson, une plage au cours de laquelle la guitare de Steve Gurr est à la fois élégante et sobre, alors que sémillant, le saxophone baryton de Doug James communique la coloration R&B. Les percus de Robbie Bean garantissent la légèreté du rythme tout au long d’"Ain't gonna do it", une délicate ballade roots que chante Cathy d’un timbre clair, pendant que Gurr souffle sans excès dans l'harmonica. Et sa voix prend tout son relief sur "Black crow", une autre ballade blues dont l’environnement est raffiné par les cordes acoustiques et les effets sonores d'Andersen. Introduit par l'harmonica, "Hip check man" est un boogie musclé, dynamisé de bout en bout par Gurr. Cathy manifeste beaucoup de conviction pour chanter "You're in my town now", un blues lent, dépouillé, au cours duquel Stevie joue parcimonieusement des cordes, pendant que Kevin Zuffi brille au piano. Kevin a régulièrement soutenu l'harmoniciste californien Mark Hummel. Autre ballade roots, "It all went down the drain" est issue de la plume de feu Earl King, musicien notoire issu de la Nouvelle Orléans. Invité, Volker Strifler injecte énormément de feeling dans cette plage, à l’aide de son dobro. Dans le passé, Volker a souvent apporté sa collaboration à Robben Ford. Cathy interprète "The big payback" de James Brown, un funk coloré par les saxophones de Doug James, le piano de Zuffi et les chœurs. "I'm going to try" est une ballade soul indolente, mais surtout bouleversante. Derrière son micro, Cathy y met tout son cœur. Kevin Zuffi siège derrière l'orgue Hammond. Et Stevie Gurr libère son plus bel envol, avant que James ne nous réserve son intervention divine au saxophone. Miss Lemons n’a pas oublié qu’elle a longtemps vécu au Texas. Et nous le rappelle à travers "Texas shuffle", une parfaite définition de son style. Elle y a même fréquenté de véritables maîtres du genre. Et Volker Strifler y semble totalement hanté par Stevie Ray Vaughan. Chargée d’émotion, "The devil has blues eyes" baigne dans le Delta blues original, une finale caractérisée par la voix offensive de Cathy et les cordes acoustiques de son partenaire…
Fruit de la réunion entre deux artistes radicaux, cet album ne pourra plaire qu'aux aficionados d'expérimentations sonores. D'un côté, KK Null alias Kazuyuki Kishino, légende de la noise japonaise, ancien collaborateur de Merzbow et leader de Zeni Geva, un projet mené jusqu'il y a peu en compagnie de Mitsuru Tabata (Acid Mother Temples). De l'autre, le Marseillais Julien Ottavi aka The Noiser, membre du collectif Apo33, en tant que vidéaste, poète, performeur, développeur de logiciels libres et grand amateur de sonorités insupportables pour le commun des mortels. The Noiser habille d'ailleurs d'images et de lumières les prestations live du duo.
Le premier morceau (NDR : aucune piste n’a de titre) cueille l'auditeur à froid. C'est le plus extrême. Des déflagrations harsh-noise répondent à un piano minimaliste, des beats micro-house apparaissent puis mutent vers un hardcore expérimental bombardé de drones stridents. Le ton est donné. Il ne reste plus qu'à se laisser porter et parfois malmener. L'album s'écoute en continu, comme une histoire improvisée par deux conteurs schizophrènes. On passe de la musique contemporaine au field recordings, de l'electro-acoustique à l'ethnique sans toujours saisir les associations d'idées. Les deux guides de ce voyage en sons inconnus se plaisent à louvoyer quitte à nous emmener, à certains moments, dans des coins peu hospitaliers. En ce sens, le dernier morceau, une improvisation de 25 minutes extraites d'un concert accordé à Vienne en 2011 est assez éprouvant. Se succèdent vrombissements, scratches étirés, chants d'oiseau, sonorités cristallines, bruits industriels, accords fous de piano qui seront étirés, concassés, répétés, ralentis jusqu'à la mort du dernier bleep, dans un ultime maelström sonore.
Pour public averti, selon la formule.
Etabli à Lincoln, dans le Nebraska, ce sextuor s’est spécialisé dans la musique soul, funk et R&B. Fondé en décembre 2012, il vient de publier son tout premier opus! Josh Hoyer en est le leader, mais surtout le chanteur et pianiste. Il est le responsable de la programmation du fameux blues bar, The Zoo à Lincoln ; c’est là où le regretté bluesman de Chicago, Magic Slim, a enregistré tout une série d'albums live.
L'introduction de "Shadowboxer" est adorable. Au grand complet, une section de cuivres fait front : Mike Dee au saxophone ténor, Russell Zimmer à la trompette, Tommy Van den Berg au trombone et le leader au sax baryton. Josh passe alors derrière son orgue et chante autoritairement, alors que les choristes Hanna, Kim et Megan lui donnent la réplique. Excellent ! "Close your eyes" est un excellent r&b. Très musicale, la voix se comporte comme un instrument. Elle balise le tempo de cette plage à la superbe mélodie, alors que les cuivres ne lâchent rien ! Le son est plutôt singulier. Les compos ne manquent pas de charme. Tout en intonations, la voix va bien au-delà de l’"Illusion". La conjugaison de la section rythmique, des claviers et des cuivres me rappelle parfois, en moins jazz et rock, le Chicago originel. "Everyday and every night" trempe dans la soul. La voix douce de Josh correspond parfaitement à ce style musical. Avant de céder le relais aux cuivres. Et lorsqu’ils dirigent la manœuvre, la musique devient très excitante. Tommy Van den Berg se lâche alors sur son trombone pendant que le leader propulse ses interventions d’orgue à l'avant-plan. Toujours contaminé par la soul, "Just call me" est davantage propice à la danse. Mr Hoyer siège derrière le piano tout au long de "Til she's lovin' someone else", une piste dont le funk nous conduit vers la Crescent City de New Orleans. Caractérisé par les interventions d’orgue et de guitare rythmique assurée par Benny Kushmer, "Make time for love" est un autre r&b à coloration Memphis. Et Benny en profite pour nous réserver une sortie classieuse sur ses cordes. De toute bonne facture, cet opus s’achève par "Dirty world", une plage qui baigne dans un climat funky. Justin G. Jones exploite tout son arsenal de percussions, alors que Kushmer signe un dernier envol aux cordes…
De toute évidence, Laurence Bell, célèbre patron du label Domino, a le nez creux pour dénicher des talents. Et lorsqu’il a signé, deux ans plus tôt, son premier groupe français, il a même pris un risque, qui se solde aujourd’hui par une réussite totale. A l’époque, François and The Atlas Mountains avait publié un premier opus, intitulé « E Volo Love ». « Piano ombre » constitue donc leur deuxième long playing.
François Marry y est toujours soutenu par ses fantasques Atlas Mountains, réunissant ses compatriotes multi-instrumentistes Amaury Ranger et Pierre Loustaunau (Petit Fantôme) ainsi que du drummer Jean Thevenin (Jaune), le line up impliquant également le claviériste écossais Gerard Black (Babe)…
Et cette équipe confirme tout le bien qu’on pensait d’elle sur ce nouvel elpee. Une œuvre dont la musique se révèle à la fois aventureuse, délicate et délicieuse. Produit par Ash Workman (Metronomy, NZCA Lines), il regorge de pépites pop contemporaines dont j’épinglerai l’immédiat « La Vérité » ou le plus complexe et mélancolique titre maître. A contrario du précédent opus, les morceaux sont plus souvent interprétés en français, communiquant ainsi une élégance étrange à l’ensemble. Elégance accentuée par cette poésie à la fois légère et romantique. Cependant, l’aspect plus sombre des lyrics, écrits lors d’une période plus difficile traversée par François, et plus exactement pendant les sessions d’enregistrement, est judicieusement contrebalancé par la luminosité des compositions, toujours aussi influencées par ce cocktail de rythmes africains et de variété française (NDR : les yéyé ?), qu’il dissimule sous une armure indie pop imparable. D’autant plus que ce « Piano Ombre » est chargé de mille nuances…
A ne surtout pas manquer le 20 mai, dans le cadre des Nuits Botanique de Bruxelles !
Le First Class Blues band est manifestement une des meilleures formations de blues allemande. A l’instar de son patronyme, c’est même un combo de première classe. Sa naissance remonte à 1991. A l’époque, il avait publié deux elpees chez Acoustic. Le line up implique trois musiciens teutons : Christian Rannenberg (Blues Company), un pianiste comme il en existe peu sur notre continent, Thomas Feldman, qui double au saxophone et à l'harmonica, et enfin, Jan Hirte, à la guitare. Le trio est soutenu par deux musicos noirs. Des Américains expatriés qui constituent la section rythmique : Kevin DuVernay à la basse, et Tommie Harris (ex-Luther Allison Band) à la batterie. Tous les cinq participent aux vocaux ! Jan Hirte est partagé entre différents projets. Il drive son Blue Ribbon et milite au sein du backing band de Guitar Crusher, les Mellowtones. Crusher est un bluesman noir âgé de 83 ans, vivant depuis très longtemps en Allemagne.
L'instrumental "Gasoline walk" pose immédiatement l’album sur rails, une compo qui permet à Feldman, Rannenberg et Hirte, de s’illustrer successivement. Tommie Harris chante "I kicked the habit", un superbe blues signé par le Texan Peppermint Harris. Il y livre toute son âme. Parfait aux cordes, Hirte adopte le style de BB King, mais gratte à la manière du regretté Mike Bloomfield, l'un des premiers sixcordistes blancs à émerger dès les sixties. Il emprunte ensuite celui de Jimmy Reed sur son "Help youself", une piste au cours de laquelle Feldman chante et souffle brillamment dans son harmonica, pendant que Rannenberg balise le tout de ses ivoires magiques. Direction La Nouvelle Orléans pour "Lady luck", une compo écrite par Lloyd Price. Un R&B classieux rehaussé par les interventions habiles de Christian au piano. Nous sommes toujours en Louisiane, mais du côté du pays cajun, pour profiter du "Zydeco boogaloo", un instrumental signé Clifton Chenier, au cours duquel guitare, piano et sax ténor prennent leur envol… "I need you" est un morceau attachant composé par Tommie Harris qui aurait pu alimenter les juke-boxes de la fin des fifties ! C'est au tour de Rannenberg de se distinguer, tout d’abord lors de l’instrumental intitulé "Slidin' boogie", une plage caractérisée par un échange entre le piano et la slide de Jan Hirte. Puis sur "Me and the blues", un blues de Chicago, qu’il chante tout en jouant à la manière de Sunnyland Slim voire d’Otis Spann, au cœur du Southside, alors que Feldman souffle comme Little Walter, à moins que ce ne soit James Cotton. Superbe ! Harris a empoigné le micro pour interpréter "You're gonna get the blues", dans une ambiance festive propre aux quartiers chauds de New Orleans. Hirte chante à son tour le "Breakin' up somebody's home" d'Al Jackson Jr. (NDR : c’est le batteur de Booker T & the MGs). Rannenberg est passé à l'orgue Hammond et invite une guitare bien sentie tout au long de ce Memphis blues. Christian se réserve les vocaux sur le "Lipstick traces" de Naomi Neville ou plus exactement Allen Toussaint, l'un des plus grands artistes de R&B issus de New Orléans! Cet album est une véritable propagande pour le blues pratiqué outre-Atlantique et il s'achève par "Tuff", un instrumental qui rend hommage à Ace Cannon, un brillant saxophoniste issu de Memphis, qui avait notamment participé aux célèbres sessions de Sun Records. Une dernière opportunité offerte à Feldman et Rannenberg de tirer leur épingle du jeu.
Stijn Cole a-t-il rêvé de réincarner un crooner américain, lorsqu’il a décidé de se rebaptiser classieusement, Stan Lee Cole ? En 2013, il était pourtant parvenu à séduire la Flandre, en publiant « Devil’s Ringtone », son premier album, mais surtout son single « Separated », une chanson qui lui avait permis de remporter le concours ISC (International Songwriting Competition), présidé par des pointures telles que Tom Waits, Nas, Suzanne Vega et Frank Black ! C’est dire la pression exercée sur l’artiste belge ; à l’heure de sa seconde escouade…
Le succès de « Separated » a également chatouillé les oreilles Jo Bogaert, qui avait décroché un hit en compagnie de Tectotronic, au cours des 90’s, « Pump Up the Jam », et est devenu aujourd’hui le producteur de Gabriel Rios ainsi que de Vive la Fête. Jo a donc demandé à Stijn/Stan d’écrire une vingtaine de ballades dont on retrouve aujourd’hui la crème sur « That’s Why We Weep »… Une voix de velours assez proche de celle de Daan soutenue par une instrumentation bien balancée mais souvent minimaliste : un piano, quelques légers effets électro, un trombone, de discrètes nappes de synthé… et le tour et joué ! Stan Lee Cole parvient à transcender ses compos, lorsqu’il adopte un profil proche de Daniël Stuyven. A l’instar de « All These Thing » ou encore « That’s Why We Weep » ; mais devient franchement aussi ennuyeux qu’un Ozark Henry contemporain, quand il aborde les mollassons et sirupeux « I Think It’s Gonna Rain » ou le très FM « Easy ». A défaut de découvrir un univers singulier, ce « That’s Why We Weep » m’a permis d’apprécier une voix…
Bad Brad, c'est le projet de Brad Stivers, un chanteur/guitariste originaire du Wisconsin. Agé de 23 ans seulement, il s’est établi du côté de Denver, dans le Colorado. Bad avait représenté la Société de blues du Colorado à l'International Blues Challenge de Memphis, en 2011.
Les Fat Cats se résument à un duo. Soit le frère de Brad, Alec, à la batterie et Nick ‘Cottonseed’ Clark, à l’harmonica. Le team avait publié "Eyes on the prize", l'année dernière ! Les Fat Cats, c'est avant tout un groupe de planches et ce n'est donc pas une surprise si cet elpee a été immortalisé ‘live’ au studio Colorado Sound.
L’intro est plutôt primaire. "Take a walk with me" manifeste une agressivité naturelle rappelant Hound Dog Taylor. Pas de fioritures, l’impact est direct. La voix brute, la guitare omniprésente. Nick Clark est venu souffler sur "Leghound". Cet harmoniciste talentueux rappelle Sonny Boy Williamson II. Brad ne desserre pas l'étreinte. Le kid de Denver met le feu à "Ego trip", un boogie endiablé. Le jeu des questions et réponses s'installe entre la guitare et l'harmonica. "Take it easy" est attaqué en formule trio. Pour la circonstance, c’est la six cordes qui tire son épingle du jeu. Sans grande subtilité mais avec fluidité et efficacité. "Going to the country" cavale au grand galop. La voix est bien maîtrisée. Une compo parfaitement équilibrée. La guitare concède des accents métalliques à "Headin' out". La voix est nasillarde. L'harmonica s’adapte parfaitement à l'ensemble. Une plage qui me fait penser aux punchers de Los Angeles, et tout particulièrement au regretté Lester Butler ainsi qu’aux Mama's Boys de Johnny Mastro. Le tempo ralentit enfin pour céder le relais au blues lent espéré. Brad vit ce blues. Il force son chant dans une atmosphère volontairement dépouillée. L'harmo de Clark est bien présent et en gémissant, la guitare concède des accents tragiques. "Lucky man" opère un changement de trajectoire et nous entraîne en Louisiane. Percussions syncopées et interventions de slide parcimonieuses caractérisent ce blues inspiré du gospel. Une rythmique dont le profil semble emprunté à Jimmy Reed canalise "Runnin' me down", une piste imprimée sur un tempo nonchalant, caractéristique du swamp blues, au cours de laquelle l'harmonica pousse des cris stridents. "See my way" s’attarde en Louisiane, mais plus près du pays cajun, une compo légèrement zydeco, propice à insérer tout naturellement dans le décor, un accordéon, en l’occurrence celui de l'invité Dwight Carrier. "Man on the move" opère un retour au blues rock, un shuffle à la texane, sans concession, hanté par le souvenir de Stevie Ray Vaughan. "Train down south" est bien implanté dans le Sud. La voix est aussi caverneuse que celle d'Omar Dykes, alors que la guitare devient incontrôlable. Le long playing s’achève par "UMA", un instrumental sculpté dans un surf bien métallique…
Issu de San Antonio, ce Texan est déjà considéré comme un vétéran, sur la scène blues et americana. En 1993 il s’établit cependant à New York. Il y fonde The Healers, et fait ses débuts en proposant un blues au son plutôt hard, publiant alors "Neal Black and the Healers" et "Black Power", deux albums parus en Europe sur le label français Dixiefrog. La voix de Neal est graveleuse, usée par les excès de la vie qu’il a menée à la manière d’un autre Texan, décédé en 2011, Calvin Russell. Au fil du temps, son répertoire est devenu plus roots. Avant de s’installer en France, en 2004, où il jouit d’une certaine popularité, il est retourné au Texas, pendant quelques années, et a même vécu au Mexique. Et belle preuve de confiance du label, Dixiefrog a toujours continué à distribuer ses albums !
Ses Healers sont yankees. En l’occurrence le claviériste Lattrell, le bassiste Kris Jefferson (NDR : des anciens membres de Popa Chubby) et le drummer Dave Bowler. Soit ses compagnons habituels pour la route. Il a également reçu le concours de quelques invités, dont Pascal ‘Bako’ Mikaelian, à l'harmonica, et Randy H, à la guitare acoustique rythmique. Enregistré dans son pays d’adoption, cet elpee a été mis en forme par Black en personne !
Dès "Jesus & Johnny Walker", il aborde un thème équivoque. Jesus et Johnny Walker ne feraient-ils pas bon ménage pour rendre l’homme meilleur ? Guidée par l'harmonica de Bako et une guitare largement amplifiée, cette compo se traîne au fil de la voix paresseuse, désabusée. "Hangman's tree" constitue certainement une des meilleurs plages de l’elpee. La slide et l’harmo se liguent pour marquer à la trace ce blues lancé au galop. Une compo qui relate la mésaventure d’un homme pendu sans avoir été jugé, accusé à tort par sa propre copine d'avoir tué son frère pour le voler. Lattrell se charge des cordes acoustiques, de la mandoline et de l’accordéon tout au long de "The peace of darkness", une ballade country roots traduisant un sentiment de paix que procurent les ténèbres nocturnes lorsqu’un amour vient de s’éteindre… Piano et cordes dynamisent "Mama's baby", un boogie au cours duquel la voix éprouve d’énormes difficultés à se libérer de sa paresse naturelle. Superbe blues lent, "The same colour" est empreint de tristesse désabusée, cette même couleur née dans la souffrance et le blues! Les interventions instrumentales de Mike Lattrell et Neal sont totalement bouleversantes. Sculptée dans le roots/rock, "The road back home" est une plage qui traite de la solitude de l'ancien combattant quand il continue à vivre désespérément seul. Et par esprit de contradiction, la partie de cordes semble allègre, lumineuse et dynamique.
"Before daylight" est une autre ballade roots. Harmonica et slide y brille de mille feux. Le désespoir hante la voix tout au long de "Goin' down the road" ; et dans le même esprit antagoniques, la mandoline et la guitare construisent de superbes lignes musicales. "American dream" confirme que le rêve américain n'est guère plus qu'un mirage. L’occasion rêvée pour Bako de se libérer à l’harmo. "Dead by now" achève cet opus au cours duquel la véritable joie n’a guère le loisir de se manifester…
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