Le nouvel Ep du groupe Parlez-Vous Anglais ? est disponible.
En guise de présentation, 10 choses à savoir sur ce trio électro-pop franco-berlinois :
1- Coïncidence ou alignement des planètes, PVA est un trio réunissant trois ‘Franz’ : Franz Matthews (chant, claviers), Franz Jules (batterie) et Franz Hamz (guitare).
2- Leur dernier clip, "Last Paradise On Earth", a été tourné dans 5 zones désaffectées autour de Berlin. Les musiciens s’en sont faits virer. À chaque fois.
http://t.ymlp330.net/eyuwaraumusbataesyazauhq/click.php
3- Leur troisième Ep, « Dancing On The Other Side » sortira le 19 mars. Il a failli s’appeler « Dancing In The Other Side », ce qui est une faute de langue. Les gars de Parlez-Vous Anglais ? ne sont pas vraiment bilingues...
4- « Dancing On The Other Side » a été produit aux Studios de la Seine à Paris, réalisé avec de vrais instruments sur un vrai magnéto à bandes à l’instar de groupes des années 70 comme par exemple Daft Punk.
5- Sur le spectre de leurs influences, on peut entendre aussi bien WhoMadeWho, LCD Soundsystem, Radio 4 que Chic.
6- On ne sait pas vraiment si Parlez-Vous Anglais est un groupe de disco blanche, de glam groove rétro cosmique ou de french touch. Toujours est-il que leur formule ‘un groupe de rock qui joue de la musique électronique’ sonne assez juste.
7- Le clip de « Last Paradise On Earth » a été réalisé par Damien Stein, clippeur pour Lilly Wood and The Prick, Micronologie ou DJ Netik.
8- Chaque pochette de PVA représente un logo-visage très proche de l’imagerie Lego© ou de l'imagerie poupée gonflable. Depuis sa création en 2010, 2526 WC de bars du monde entier ont été recouverts de stickers PVA. Banksy les admire.
9- PVA tourne depuis 3 ans en France, en UK (93 Feet East, The Lexington) et en Allemagne (://about blank).
10- Après une date à l’International, PVA accordera sa release party de « Dancing On The Other Side », à Paris, au Badaboum, le 21 mars.
Parmi les albums les plus attendus de ce début d’année 2014, "Robots Everyday" de « Damon Albarn » tient certainement le haut du pavé. Un Pavé lancé dans la marre médiatique lorsqu’il avait annoncé la sortie de son premier long playing solo en lieu et place d’un nouvel album de Blur. Nouveau rebondissement, à mettre entre guillemets, l’hyperactif londonien annonce d’ores et déjà un nouveau Blur qui devrait voir le jour après la sortie de "Robots Everyday" et une tournée solo. Aucune date n’est encore précisée.
Quant à son robotique projet ‘folk soul’, il revêtira plusieurs armures. Une première sous la forme classique d’un CD 12 titres dont la sortie est prévue pour le 28 avril 2014. Une deuxième, présentée comme un non-album en édition limitée, taillée dans le vinyle et composée de faces B qui portera le nom de "Fences" et sortira le 3 mars prochain. Et, enfin, une édition de luxe accompagnée d’un DVD sur lequel Albarn nous offre 5 titres live enregistrés lors d’un concert donné aux Fox Studios de Los Angeles.
En attendant, le charismatique leader de Blur continue de nous lancer des miettes de pain et nourrit la patience de ses fans de teasers en série : http://www.youtube.com/watch?v=jfVAhIKImtw, http://youtu.be/tDX5UP463YQ . Et, finalement, d’un premier fragment de "Robots Everyday" : http://youtu.be/rjbiUj-FD-o .
Une stratégie marketing parfaitement contrôlée !
Tracklisting :
01 Everyday Robots
02 Hostiles
03 Lonely Press Play
04 Mr. Tembo
05 Parakeet
06 The Selfish Giant
07 You and Me
08 Hollow Ponds
09 Seven High
10 Photographs (You Are Taking Now)
11 The History of a Cheating Heart
12 Heavy Seas of Love
Everyday Robots DVD
01 Track x Track Video (Bundle Only)
02 Everyday Robots (Live From Fox Studios Los Angeles)
03 Hostiles (Live From Fox Studios Los Angeles)
04 Lonely Press Play (Live From Fox Studios Los Angeles)
05 Hollow Ponds (Live From Fox Studios Los Angeles)
Toujours fidèle à sa maison de disque Island Records, Bombay Bicycle Club avait décidé de présenter son cinquième et dernier opus, entre les murs de l’Orangerie du Botanique, ce dimanche. Intitulé « So Long, See You Tomorrow », il est sorti le 3 février dernier. C’est après avoir remporté le prix de la révélation britannique lors des NME Awards 2010 face à une concurrence féroce (The XX, The Big Pink, La Roux, The Olivers et Mumford and Sons), que les quatre (six sur scène) musiciens du Nord de Londres sont rapidement devenus les petits protégés de la presse britannique, succédant à des noms prestigieux (MGMT, Arctic Monkeys, Kings of Leon, The Libertines et The Strokes). Fort de son soudain succès, B.B.C. va aligner pas moins de cinq albums en un temps record (inférieur à quatre ans) et se produire en concert aux côtés de groupes tels que les Pixies.
Si « Flaws » –deuxième elpee sorti en 2010– avait plutôt plongé gentiment dans l’acoustique, son successeur, « A Different Kind Of Fix » (2011), a rebranché ses câbles sur 220 volts, inscrivant le groupe dans la lignée de formations comme les Arctic Monkeys. Maintenant, il ne restait plus au public de l’Orangerie qu’à attendre 21h pour découvrir les nouvelles modulations scéniques de ce band sans cesse à la recherche de nouvelles sonorités.
Brillamment emmenés par la voix tremblotante d’un Jack Steadman au charisme de moins en moins larvé, « Overdone » surprend d’emblée d’une intro percutante et d’une orientation electro-catchy qui ne manquent pas de remuer les foules. Et dès « It’s Alright Now », la tendance se confirme. Deux nouveaux morceaux qui donnent, à bride abattue, le ton du quatrième opus face à un public totalement réceptif. La salle se réchauffe rapidement et le sourire qui s’esquisse sur le visage des spectateurs, tout droit sortis d’un terne dimanche froid et pluvieux, en dit long.
Un fond de scène décoré par la pochette de « So Long, See You Tomorrow » sur lequel les lumières bicolores alternent. Des saccades d’orange ou de bleu selon les mélodies et les albums. C’est ainsi qu’un orange éclatant vivifie l’espace lorsque résonnent les morceaux les plus dynamiques et vire au bleu glacial et abyssal, imprimant profondeur aux plus introvertis. Un orange absolu et sans nuances s’allie avec bonheur aux sons nerveux de « Your Eyes », plage phare de l’excité troisième album « A Different Kind Of Fix ». Les guitares grondent, la batterie secoue ferme et les lights aveuglent. Excellent ! Profitons-en pour saluer l’omniprésence et la performance sans faille aux drums de Suren de Saram qui, tout au long du set, va lui donner du corps. Ils nous ont régalés de leur exquise précision. Et de l’impact de leur puissance. Chapeau l’artiste !
Périodes bleues. Steadman échange quelques mots avec l’audience avant que la tension ne retombe et qu’il ne prenne place derrière le piano. Le calme se love au fond des yeux et les lumières bleues viennent éclairer les mélodies plus sereines de « Eyes Off You » et de « Lamplight », toutes deux issues du flegmatique « Flaws » (2010). Ou encore « Whenever, Wherever » sur lequel le frontman joue décidemment la carte de la modestie en nous rappelant que le titre est actuellement numéro 1 des charts UK. Sans doute pour son joli format radio car il a été certainement le morceau le moins inspiré de la soirée.
Il faut cependant avouer que Bombay Bicycle Club ose l’originalité, la mixité des textures. Le groupe fusionne les instruments, les voix et les genres qu’il harmonise avec beaucoup de talent. Tout s’entremêle mais rien n’est laissé au hasard. Un rock british qui se laisse aussi vêtir de fragments exotiques sur quelques morceaux. Ainsi, alors que « Fell » se teinte de musique orientale, « Always Like This » se colore d’une bossa nova qui prendrait les chemins ensablés des plages de Copacabana. Culotté mais réussi.
Une fin de concert explosive qui ne laisse pas le spectateur insensible face au brillant et jouissif single « Carry Me » aux guitares nerveuses et aux synthés abrasifs. Et un seul rappel va suffire pour nous achever : « So Long, See You Tomorrow ».
Un concert intelligemment orchestré dont la variation continue des mélodies et des couleurs ne laisse guère le temps de respirer. 18 titres qui défilent à une vitesse surprenante et donnent envie d’explorer plus avant l’univers musical complexe de ce jeune groupe anglais.
(Organisation Botanique)
Nouvel Ep chargé de 4 cartouches rock’n’roll pour le cartel franco-suisse The Rebels of Tijuana. Un an après avoir publié son second album, « La Bourgeoise », le groupe nous réserve à nouveau des morceaux old-school naviguant entre un Patrick Capdevielle soul (« Qu’est-ce Que Va Dire Ma Mère ? »), un Téléphone première époque (« Mambo ») et du blues rock typiquement 60’s, lors de la reprise du « Are you Ready for the Country » de Neil Young. La formation ose également une version en français de Syd Barett sur le plus psyché « Lady Acide » (NDR : vu le titre, c’était inévitable). Un Ep parfaitement produit, classique, mais bigrement efficace. De bon augure avant la sortie de leur prochain elpee…
Le très prolifique Spencer Krug est de retour, mais à travers son dernier projet en date, Moonface. Contrairement à son opus précédent, davantage porté sur l’électro-rock (concocté en compagnie du groupe finlandais Sinaï), sur « Julia with Blue Jeans on », le Canadien se livre sous son profil le plus simple. Il est seul au chant et au piano à queue. Que se soit chez Wolf Parade, Sunset Rubdown ou encore Frog Eyes, jamais on ne l’a entendu dans un registre aussi épuré. Il y a longtemps qu’on attendait un album de Krug profilé exclusivement sur sa voix. Faut dire que c’est sans doute l’une des plus belles pour communiquer des émotions. Et la palette est particulièrement large. Comme on pouvait s’y attendre, elle parvient plus d’une fois à nous flanquer des frissons partout. Malgré l’instrumentation minimaliste, jamais l’ennui ne guette tout au long des 10 morceaux de ce « Julia with Blue Jeans on ». D’un bout à l’autre de l’elpee on est même tenu en haleine. Des titres-phare ? Les bouleversants « Everyone is Noah, Everyone is the Ark » et la plage titre éponyme ; mais également « November 2011 », qui laisse transparaître un fifrelin de lumière…
Spencer Krug prouve une fois de plus qu’il est un songwriter hors pair. Peu importe le registre musical au sein duquel il s’exprime, jamais il ne déçoit. Une polyvalence qui est la marque des plus grands.
Après un avoir gravé un premier Ep intitulé "The Light Is Ours", diffusé en 2013 en cassette et sur Internet, Luminance, le one-man band du musicien bruxellois David-Alexandre Parquier (également impliqué dans le groupe français Soror Dolorosa), publie aujourd'hui "Icons & Dead Fears", un nouvel Ep uniquement disponible sur Soundcloud et Bandcamp. Enfin, ce serait provisoire…
Ce nouvel opus s'inscrit parfaitement dans la lignée synth-pop/minimal wave de "The Light Is Ours", mais marque également une évolution intéressante. Ainsi, la plage initiale, "Drown", installe une atmosphère très ambient, voire krautrock, articulée autour de sons de synthétiseurs modulaires et de séquences qui font immanquablement penser à Tangerine Dream.
"Walk", par contre, est une plage archétype de la synth-pop : une superbe rythmique électronique sert d'écrin à la voix de David-Alexandre, très travaillée par de multiples effets, qui alterne avec des nappes de synthés analogiques que ne renieraient ni OMD, ni Howard Jones. "R/W/M" adopte un beat plus syncopé ; le côté dépouillé et répétitif évoque Agent Side Grinder, une impression confirmée par la voix grave, rehaussée par une reverb très claustrophobe. Dommage que la partie 'refrain' ne contienne pas de vocaux : la composition aurait gagné en puissance.
On ne peut pas en dire autant de "Statics", qui apparaît comme parfaitement parachevé. Le beat est rapide et on se retrouve dans un rêve synthétique réminiscent de Led Er Est : un hit! Mais "Obsession", constitue, à mon humble avis, la plage la plus séduisante. La raison, je dois l’avouer, est due à la présence d'une de mes chanteuses/songwriters préférées du moment, Nathalia Bruno (ex-Phosphor). David-Alexandre a créé pour elle une très belle musique, aux accents très Depeche Mode, sur laquelle Nathalia vient placer sa voix ensorcelante... On nage dans le bonheur du début à la fin... Une fin où le musicien vient accompagner Nathalia pour une partie 'dream-pop' très planante, aux accents de Clan of Xymox. Un magnifique morceau, qui fait d'ores et déjà partie de mes playlists de DJ, en attendant un remix? Enfin, la dernière plage, « Siharh », est un instrumental très dark ambient, même witch, construit autour de voix qui semblent tirées d'un film américain.
En conclusion, on ne peut que féliciter Luminance pour ce nouveau petit bijou ! David-Alexandre cherche d'ailleurs un label pour le sortir en vinyle : à bon entendeur... Seul petit bémol : l'absence de guitares. Elles ajoutaient une couleur légèrement Cure sur le premier Ep, surtout dans "Facts And Emotions". Quoi qu'il en soit, la musique est élégante, subtile, aérienne et surtout très riche! Le Bruxellois affine son art au fil de ses productions et s'affranchit petit à petit de ses influences, se révélant être un des talents les plus en vue de la 'scène dark' belge. Merveilleux de voir qu'une nouvelle génération de musiciens redécouvre la synth-pop et lui insuffle un sang nouveau...
Rares sont les artistes qui se bonifient au fil de l’âge. Damien Jurado s’était sublimé pour écrire le magnifique « Saint Barlett », en 2010 et s’était montré plus qu’inspiré sur « Maraqopa » deux ans plus tard… Non pas que le reste d’une carrière débutée en 1997 soit couverte de honte, mais l’homme de Seattle s’était tellement transcendé à cette époque en troquant son folk lo-fi classique pour des arrangements somptueux, qu’on se demandait s’il allait encore être capable de progresser. Et pourtant !
D’abord, son nouvel essai, « Brothers and Sisters of the Eternal Son », confirme l’ancrage définitif dans la cour des grands songwriters étasuniens de cet artiste découvert à l’époque par Jeremy Enigk, le leader de Sunny Day Real Estate ! La rencontre de Richard Swift semble avoir été déterminante lors de cette mue vers plus d’ambiance et de reverb’… La production est impeccable. Les voix doublées de falsetto atmosphériques illuminent cette nouvelle collection de 10 titres conceptuels qui donnent suite à l’univers de « Maraqopa » (« Return to Maraqopa »). Les sommets sont légion entre les différents frères et sœurs de cet énigmatique fils éternel. Depuis le délicatement acoustique « Silver Joy » aux cordes ambitieuses de « Jericho Road », en passant par le plus up-tempo « Silver Timothy », Damien Jurado focalise notre attention tout le long de l’œuvre. Et pas seulement pour son timbre vocal angélique. Le duo a encore frappé en parvenant à créer une sorte de minimalisme maximaliste, si cette expression est susceptible d’avoir la moindre signification…
Le rétroviseur balayant le spectre des années 60/70 dans son oeil inamovible, ce quatuor londonien aux relents Psych Rock ne tient pas à se démarquer de ses glorieux aïeuls mais plutôt à leur rendre un hommage appuyé.
Si le premier titre laisse craindre le pire (“Man From The CIA” au pitch vocal inutilement accéléré), la suite du long playing rattrape fort habilement le coup.
Certes, l’ensemble est imbibé jusqu’à la mœlle de références datées et certains gimmicks semblent outrageusement pompés à gauche et à droite, mais il faut reconnaître que l’ensemble tient pas mal le cap.
Certaines sorties de route étant même fichtrement emballantes (le duo sur “Readin’ Your Will” ou l’impeccable “San Antone”, entre autres).
Remarqué pour quelques reprises en face B de leurs singles (“I Want Candy” des Strangelove principalement), The Hypnotic Eye sait y faire en matière de revival, ne craignant pas l’excès de mascara pour surligner cet unique globe oculaire.
Ainsi en va-t-il de leur patronyme, emprunté à un film fantastique datant de 1960.
Jusqu’aux moindres détails qui composent cet objet dans ses moindres recoins (typographie, imagerie, sonorités et titres empruntés à d’autres répertoires).
Bref, un disque moderne reflétant une époque loin d’être révolue et qui sans faire d’ombre aux originaux, perpétue le culte d’un certain Rock acide, mais couvert de fleurs…
Un opus assuré de s’attirer la sympathie du diable…
Pourtant originaire de Brighton, Fighting Fiction pratique une musique qui puise ses influences aux States. C’est en effet du côté des Menzingers, de Jimmy Eat World et de Lagwagon que cette jeune formation emmenée par Jake Glew et Andrew Cooke lorgne. ‘Back to the 90’s’ sur « The Long and Short of It », donc ! Punk, pop et surtout hyper mélodiques, leurs compos sont particulièrement énergiques, sans pour autant se révéler agressives. Une frénésie douce, si vous préférez. Faut dire que l’opus a été mis en forme par Mark Williams, l’homme derrière Biffy Clyro ou des horribles Enter Shikari. Les guitares sont puissantes et les vocaux sont scandés en harmonie lors des refrains. Enfin, on pense inévitablement à leur compagnon de label (Xtra Mile) Frank Turner, lorsque les compos prennent une forme plus acoustique (« Rebel Without a Cause »). Bref, un album de punk-pop classique qui devrait ravir les amateurs du genre mais pas réellement convaincre les autres.
Ásgeir, de son véritable nom Ásgeir Trausti Einarsson, n’est connu chez nous que depuis quelques mois. Pourtant au sein de son pays, c’est déjà une star ; et ce, depuis un bon moment. Et plus exactement 2012, année de la parution de son premier album (imprononçable et impossible à écrire), pour être exact. En Belgique, il faut tout de même admettre qu’il s’est constitué une belle brochette de fans, vu l’affluence constatée lors de son concert, accordé au Botanique. Néanmoins, en Islande, il jouit d’une notoriété bien plus conséquente. Il faut dire que son premier album y a rencontré un énorme succès. Et puis plusieurs de ses singles sont entrés dans les charts. Plus de 30 000 personnes (ce qui représente plus ou moins 10% de la population, rien que ça !) ont acheté son disque. Enfin, et pour couronner le tout, il a décroché plusieurs ‘Awards’ sur son île. N’importe quel songwriter signerait des deux mains pour vivre une telle reconnaissance, au moins une fois, durant sa carrière. Ásgeir y est parvenu, alors qu’il n’avait que 21 ans !
Afin de conquérir le marché international et de vérifier si ce succès pouvait dépasser les frontières islandaises, un grand monsieur du folk est venu lui prêter main forte pour traduire les lyrics : John Grant. En fait, les textes de ses compos ne sont pas de sa plume, mais de son père. Des poèmes. Ainsi, après plusieurs mois d’attente, le premier album d’Ásgeir est enfin prêt à conquérir de nouveaux disciples. Il sort sous le titre prononçable d’« In the Silence ».
La voix du Viking islandais évoque tour à tour James Blake, lorsque l’électro s’invite dans sa musique (« Going Home », « Head in the Snow ») ou Justin Vernon, quand la guitare manifeste davantage de présence (« Summer Guest », « Higher »). La musique d’Ásgeir est paisible et cristalline. Mais pas seulement. A l’instar du morceau éponyme, une plage davantage énergique construite sur sublime crescendo. Elle peut prendre une forme plus enjouée. Comme sur « Torrent ». Pourtant, malgré cet éventail de styles, Ásgeir affiche une constance dans la perfection.
A découvrir, si ce n’est déjà fait !
Le rappeur, DJ et producteur Joseph Anthony Hernandez, aka Tony Touch, nous présente le 3ème volet, débuté en 2000, de ses mixtapes dédiées au Rocksteady Crew qui dans les années 90 réunissait 50 freestylers new-yorkais sur les mythiques séries ‘Power Cypha’. Le casting est donc plus qu’impressionnant sur les 25 (!!!) morceaux… jugez-en vous-même : Busta Rhymes, XZibit, Kurupt, B-Real (Cypress Hill), Raekwon, Ghosface Killah, RZA, Eminem, KRSOne, Method Man, Redman et une ribambelle d’autres MCs aux freestyles inégalement affûtés, mis au service des beats de Tony Touch, souvent old school et qui rappellent à maintes reprises le Wu-Tang. D’une coolitude absolue (“It’s A Queen’s Thing”) à défaut d’être indispensable!
Quelle mouche a-t-elle donc piquée les 3 membres de Sten lorsqu’ils ont décidé d’utiliser cette image affectée pour illustrer leur nouvel Ep ? Un égo surdimensionné ou une fascination pour les années 80 ? A l’écoute de leur ‘5 titres’, on découvre la raison : l’ambition des Auvelaisiens de faire carrière et –peut-être– truster les charts ! Pas que les compositions de Joffrey Ferrera-Lopez soient médiocres, mais comme il cite Bon Jovi (pour le lyrisme ?), Indochine (pour les paroles ?) et Nickelback (pour les guitares légèrement métal FM ?) comme influences majeures, j’ai du mal a avaler la pilule… Tout est dit et le mix est d’ailleurs très bien réussi sur le 1er morceau « Je Me Sens ». L’univers de Sten devrait donc plaire aux fans des groupes précités. Mais impossible pour votre serviteur de trouver un quelconque intérêt à leur musique…
Pour une première, le festival a répondu aux attentes.
Celles de son organisateur pour commencer. Car la soirée a tenu toutes ses promesses recueillant de très bons échos de la part d’un public venu, si pas nombreux, du moins enthousiaste.
Pour les spectateurs ensuite, qui pour un prix dérisoire ont profité d’une excellente soirée, dans un cadre prestigieux à l’acoustique exceptionnelle.
Enfin pour les groupes qui ont rarement l’occasion de se produire dans un tel espace où toutes les conditions sont réunies pour optimiser une performance.
En résumé, cette première édition en appelle donc forcément une seconde ; et on l’espère, un succès croissant.
Obligations du week-end obligent, j’arrive un chouia trop tard et manque la performance des Anglais de The Physic House Band, que certains qualifieront par la suite d’‘honnête’.
Grand bruit ne sera donc pas fait de leur passage.
A contrario, Scarlett O’Hanna marque de son empreinte le début de soirée par une prestation enlevée et nerveuse qui contraste avec certains de ses shows plus intimistes.
En formule trio, les compositions prennent corps et résonnent différemment, s’accaparant l’espace ; ce qui n’est pas une mince affaire dans ces lieux à la voûte céleste haut perchée.
Une maîtrise parfaite de son sujet et une attitude authentique soulignant un répertoire finement ciselé. Pas à dire, cette jeune fille à la silhouette découpée dans la pellicule du film « I’m not there » a la carrure d’une belle promesse.
Les Billions Of Comrades n’ont pas eu le même impact, même si leur concert plein d’énergie a suscité l’intérêt d’un public attentif.
Contrairement à ce qu’ils m’avaient laissé entrevoir au PacRock en septembre dernier, leur set de ce soir semblait convenu et formaté.
Un Electro Rock enlevé mais peu convaincant au final.
Les Japonais de Lite, quant à eux, vont ravir les amateurs de Math Rock, grâce à leurs prouesses techniques moulinées à coups de bravoure.
Autrement dit, tout ce qui m’exaspère et surtout m’éreinte rapidement.
Ok, c’est super bien foutu, balancé avec un savoir faire épatant, et dans le registre, ils se démarquent certainement, là où bon nombre se contentent de singer les maîtres du genre.
Mais comme vous vous en doutez, ce n’est pas ma tasse de thé.
Je laisse donc refroidir mon effusion et m’en vais tranquillement siroter quelques bières dans le hall dont la décoration élégante est dédiée aux artistes de passage en ces murs (et ils sont légion, notamment par le biais de l’émission D6bels).
Pendant ce temps, les Français de Quadrupède préparent leur set face à votre serviteur.
Assurant l’interlude avant la tête d’affiche de ce soir, le duo de bipèdes va s’exécuter dans un périmètre circonscrit à quelques centimètres carrés.
Ce qui n’enlève rien à la qualité de leurs titres mélancoliques lovés dans une fourrure hirsute tachée de rythmiques imparables.
Un très bon moment malheureusement noyé dans une lumière un peu crue.
Enfin, lors de la clôture, les très attendus Irlandais de Girls Names vont nous offrir le set que la plupart d’entre nous attendaient impatiemment depuis des mois.
Pour rappel, un passeport égaré en dernière minute à la frontière, avait forcé le band à faire l’impasse sur leur dernière mini tournée, et en particulier leur participation au Pacrock festival de Pont-à-Celles.
Fiers détenteurs d’un des meilleurs albums de l’an passé (« The New Life ») aux résonances divinement New Wave sans jamais être éculées, les quatre jeunes gens ont certainement apprécié l’accueil réservé par une frange de fans réunis devant de la scène et marquant, avec entrain, leur joie de les entendre ici même.
Une joie néanmoins atténuée par l’absence totale de titres antérieurs à leur dernier opus.
Exit donc les morceaux pourtant irrésistibles de « Dead To Me », album de deux mille onze qui regorgeait d’hymnes nihilistes absolument incontournables.
‘Bury Me In A Wall Of Sound’ clamaient-ils à l'époque, sur un air détaché. Mais plus aujourd'hui manifestement, alors que nous, nous attendions fébrilement de les porter aux nues.
Ce soir, malgré l’efficacité de titres plus matures, le set semble un rien trop linéaire, là où justement des plages comme « I Lose » auraient assurément fini de mettre à terre un public largement acquis à leur cause.
Une attitude sans doute honnête mais qui laisse planer le doute sur les raisons d’un tel renom d’un passé encore si présent.
Et les explications de la bassiste après coup n’ont certainement pas convaincu les quelques fans venus l’interroger (‘nous ne savons plus les jouer’ semblant une bien mince excuse).
Mais ne boudons pas notre plaisir.
Le quartet a au final délivré un excellent concert, de loin le meilleur d’une soirée résolument ouverte aux découvertes.
Alors que les fûts de bière se vident dans un dernier râle (émis principalement par des gosiers encore secs), le rideau se referme sur la naissance d’un festival, encore petit, mais qui pourrait bien, à l’instar d’un certain micro festival liégeois, grandir et faire parler de lui.
(Organisation : Ferme du Biéreau / Centre Culturel Du Brabant Wallon)
Réalisé lors de la même session d’enregistrement que le très moyen « 4 :14 Dream » sorti en 2008, « 4 :14 Scream », dernier album studio de The Cure, sortira dans le courant de 2014 (source : The Gardian). Aucune date n’est actuellement définie.
Une prise de risque pour Robert Smith qui avait dû essuyer les râles de ses fans lors de la sortie de sa dernière réalisation, fort insipide, il faut bien l’avouer. Une des raisons, peut-être, qui justifierait le délai considérable –6 ans d’attente !– pour produire 2 albums enregistrés lors d’une même session d’enregistrement.
Geffen Records (Universal Music Group) ne laisse encore transpirer que très peu d’informations. Seules certitudes, le 14ème album du groupe britannique sera accompagné d’un DVD live et surtout d’une tournée mondiale. Une tournée prolongeant le concept de Trilogy Tour qui consiste à jouer trois disques tirés de son impressionnante discographie en intégralité. En 2002, The Cure avait écumé les scènes européennes en jouant les albums « Pornography », « Disintegration » et « Bloodflowers » avant de reproduire l’idée en 2011 avec « Seventeen Seconds », « Faith » et le capital « Three Imaginary Boys ». Retour vers les eighties pour cette tournée prévue fin 2014, puisque le groupe a annoncé que les albums concernés seront « The Top », « The Head On The Door » et « Kiss Me Kiss Me Kiss Me ». Une nouvelle qui ravira certainement tout corbeau nostalgique du légendaire gothique hirsute.
Une sombre affaire à suivre de près dans les prochains mois.
Après le succès rencontré par l’album « Surfing The Void », il aura fallu attendre quatre ans pour que Klaxons sorte de sa clandestinité. Et à l’écoute du très dansant « Surfing The Void », morceau digne des pires boys bands, les quatre Londoniens auraient pu prolonger leur longue session d’enregistrement au sein des grottes de Zhawar Kili dans la province de Paktiyâ en Afghanistan pour une période indéterminée.
Un new rave pathétique dont le ‘visionnaire’ single « There Is No Other Time » (http://youtu.be/kzvipIMj9NM) censé appâter le faisan sortira le 23 mars prochain. Quant à la sortie de l’album, aucune date n’a encore été communiquée par le label Polydor. Et c’est pas plus mal ! Pas de précipitation les enfants.
Bonne chance !
« Zita Swoon », l’un des groupes les plus créatifs de la scène belge, sortira un nouvel album instrumental au mois de mars prochain. Une réalisation originale tirée de sa tournée New Old WORLD et produite par Starman Records sur support CD et vinyle.
Stef Kamil Carlens, tête pensante du groupe, nous décrit ce dernier essai comme la narration d’un voyage instrumental fascinant et émouvant. Une errance entre nostalgie et avenir, entre Vieux Monde et Nouveau Monde. Un monde aimé et détesté, parfois lumineux et joyeux, parfois triste et sombre. Une musique qui vous saisit à la gorge et qui voyage dans le temps et dans l’espace.
Un spectacle total au croisement du jazz-swing, d’idiomes pop et d’un brin de musique classique. Un tout sonore soutenu de danse contemporaine, de poésie abstraite et du pouvoir de suggestion de films DIY.
La mini tournée New Old WORLD, qui avait furtivement vu le jour en 2012, reprendra les chemins de la scène et du théâtre dès le mois de mars de cette année pour une durée de 3 ans (2014-2016). Une création en constante évolution, inscrite dans la durée, qui se verra sans cesse revisitée. Aux commandes de ce beau navire on retrouvera les 2 protagonistes principaux à l’origine du projet : Stef Kamil Carlens (guitare) et Aarich Jespers (batterie). Un duo qui sera accompagné d’un piano à queue, d’une contrebasse, d’un trio de cordes et pourvu d’un visuel exceptionnel.
Plus qu’un simple concert, New Old WORLD est un spectacle total qui allie musique, imagerie et danse. Une expérience unique sublimée par la présence de Dancing With the Sound Hobbyist et la collaboration de la compagnie de danse Rosas.
« Zita Swoon », un groupe qui explore toujours de nouvelles voies originales… mais ne déçoit que très rarement.
Dates des premières représentations :
01/03/2014 – Dendermonde – CC Belgica
13/03/2014 – Roeselaere – De Spil
14/03/2014 – Bruxelles – Flagey
21/03/2014 – Anvers – Toneelhuis
25/03/2014 – Hasselt – Cultuurcentrum
Trois ans après avoir publié « Diaper Island » (2011), « Shrink Dust », dernier album de « Chad VanGaalen », fait incontestablement partie des albums attendus pour cette année 2014. Une galette qui devrait voir le jour le 29 avril prochain chez Sub Pop.
D’ailleurs, le solide rock/folk electronica de ‘‘Where are You’’ (https://soundcloud.com/subpop/chad-vangaalen-where-are-you ), premier extrait tiré du cinquième LP du talentueux artiste et musicien canadien, nous laisse, d’ores et déjà, une première forte impression. Un goût de trop peu suscitant l’irrépressible envie, quitte à mordre la poussière, de dévorer les 12 pistes de l’album.
Tracklist :
Cut Off My Hands
Where Are You
Frozen Paradise
Lila
Weighted Sin
Monster
Evil
Leaning on Bells
All Will Combine
Weird Love
Hangman’s Son
Cosmic Destroyer
À peine un an après « New Moon » (2013), « The Men » nous régale d’un cinquième LP dont la sortie est prévue le 3 mars prochain chez l’excellent label Sacred Bones. Un album qui avait été introduit par « Pearly Gates »’ (https://soundcloud.com/sacredbones/the-men-pearly-gates/s-GdSKI ) le 9 janvier dernier via SoundCloud. C’est toujours à travers cette même plateforme de distribution que le quintet punk rock de Brooklyn nous offre un deuxième extrait de son dernier album « Tomorrow’s Hits ». Cette fois, avec "Another Night" (https://soundcloud.com/sacredbones/the-men-another-night ), distribué le 3 février dernier, The Men nous propose un titre sur lequel le ton varie, le son diminue, les guitares se font plus discrètes et laissent davantage d’espace aux cuivres. Surprenant !
Une cinquième réalisation qui semblerait globalement plus soignée et plus variée que les précédentes.
Tracklist :
01 Dark Waltz
02 Get What You Give
03 Another Night
04 Different Days
05 Sleepless
06 Pearly Gates
07 Settle Me Down
08 Going Down
Le premier album de One Horse Land s’intitule « Bored with the Music ». Il sortira le 11 février. Il a été produit à Paris, sous la houlette de Jean-Charles Versari (Brisa Roché, Thos Henley, Josh T. Pearson) et sa publication a été réalisée grâce à un large soutien de leur projet de crowdfunding sur la plateforme KissKissBankBank.
Ce quintet bruxellois est responsable d’une pop déguisée en folk, une musique acoustique inspirée de groupes comme Megafaun, Ewert and The Two dragons ou encore Murder.
« Traffic Jam », c’est le premier single issu de cet album. Le vidéoclip a été réalisé par Alexandra Laffin.
L’album sera présenté pour la première fois le 20 février à la Rotonde du Botanique.
www.youtube.com/watch?v=_06muJn2ytA
Ce jeudi, l’Ancienne Belgique nous invitait à partager un moment intimiste en compagnie du très prolifique Spencer Krug, alias Moonface. Le Canadien venait défendre son dernier opus en date, « Julia with blue Jeans on », un album unanimement encensé par la critique. Pour l’occasion, l’AB avait opté pour une configuration spécifique, en disposant des sièges au sein du Club, afin qu’un maximum d’une centaine de personnes puisse assister à la performance, en toute décontraction.
C’est sous un silence monacal que Spencer Krug monte sur les planches. D’entrée de jeu, le Montréalais détend l’atmosphère en soulignant l’aspect formel de la disposition des lieux. Sur l’estrade, seul trône un piano à queue. Rappelons que pour son dernier album, Moonface ne se sert que des ivoires. L’artiste s’installe derrière cet instrument, et commence à en jouer. En solitaire, impossible de tricher... Cependant, il n’en n’a pas besoin. Sa voix si particulière, chargée d’émotion, résonne comme sur ses enregistrements. Spencer démontre que s’il est un excellent chanteur, il est également fort adroit de ses doigts. Ceux-ci parcourent les touches avec une grande agilité. Il n’hésite pas à s’arrêter quelques instants (toujours en battant la mesure) avant de reprendre de plus belle pour mettre davantage de relief à l’ensemble. Un frisson vous parcourt l’échine... Difficile de rester de marbre face à son récital. Il vit ce qu’il chante, et cela se ressent. La quasi-totalité des morceaux de son dernier album figure dans la setlist. Comme temps forts, on épinglera le plus enjoué « November 2011 », et les deux plages les plus intenses du dernier elpee, « Everyone is Noah, everyone is the Ark » et « Julia with Blue Jeans on ». Il nous réserve également une nouvelle compo, qui traite des conséquences de son déménagement depuis Montréal à Helsinki. Entre les titres, il discute avec le public. On a l’impression d’assister à un concert privé tant il existe une réelle promiscuité entre lui et nous.
Une petite heure de concert plus tard, Spencer quitte l’estrade, en s’excusant de ne pas disposer de davantage de chansons. On ne lui en voudra pas, le set solo qu’il a livré était tout simplement parfait.
(Organisation Botanique)
Le Stuk est né en 2002, un espace culturel sis à Louvain. Pourtant, je viens de le découvrir. Et je dois avouer que ce centre artistique, partagé entre une salle de concert, une autre dédiée à la projection, des ateliers, un studio d'enregistrement, etc. est absolument superbe. Bref le genre de salle polyvalente qui laisserait rêveur plus d'un Wallon...
Et si je m’y suis rendu, c’est parce que s’y déroulait une double affiche ‘made in Belgium’ des plus alléchantes. Tout d'abord Rape Blossoms, dont les morceaux entendus sur le web m'avaient vite séduit. Sur disque, leur post-punk rageur et bien noisy a suffisamment d'intérêt et de fougue pour retenir l'attention dans un genre où les prétendants sont fort nombreux. Lorsque résonnent les premières notes, le club n'est pas encore très rempli, mais il y règne une chaleur assez intenable contrastant avec le vent froid qui souffle dehors. Le groupe semble avoir ramené ‘son’ petit public d'amis ou de fans ; et bien que ce ne soit pas la grande foule, on est loin d'un bide.
Dès le début du set, on remarque que le son est très bon, excepté cette voix un peu trop systématiquement noyée dans la reverb et assez lointaine. C'est sans doute à mettre sur le compte d'une certaine timidité du chanteur qui tout comme le reste de la bande semble très jeune (début de vingtaine). Plus à l'aise, le guitariste lâche et relâche quelques accords acérés mais souples tandis que le bassiste est partagé entre ses 4 cordes et un clavier duquel il tire des nappes mélodiques façon cold wave ou des sonorités plus cra-cra. Mais c'est surtout le batteur qui, à l’aide de ses rythmes tribaux, semble canaliser l’ensemble par sa justesse quasi métronomique de ses interventions, rappelant même, lors du dernier morceau, le mythique Wire. Le chanteur descend alors de l’estrade, pour occuper l'espace vide et amorce quelques pas de danse timides, mais sympathiques.
Des débuts prometteurs en tout cas pour ce quatuor à l'énergie juvénile qui, lorsqu'il aura pris davantage d'assurance, devrait refaire parler de lui.
Le temps d'une pause afin d'installer le matos pour la tête d'affiche et la salle s'est considérablement remplie. Madensuyu n’est pas encore la nouvelle hype underground belge, mais il commence tout de même à faire l'objet d'une certaine attention médiatique méritée, grâce à sa discographie. Un Ep et trois albums, dont l'excellent "D is done" et le dernier "Stabat Mater". Venus défendre celui-ci, le duo se partage le chant. L'un se réserve les drums alors que l'autre se charge de la guitare et se sert d'un clavier qu'il joue aux pieds à l'aide d'un pédalier midi. Et bien qu'ils restent assis tout au long du concert, on sent qu'ils dégagent une certaine présence. En intro du concert, des chœurs d'enfants installent une ambiance de recueillement avant de nous laisser rentrer dans le vif du sujet. Leur musique est à la fois nerveuse et tendue mais possède également un côté dramatique presque douloureux comme le suggère le titre de leur dernier opus, référence à un poème du XIIIe siècle évoquant la souffrance de Marie lors de la crucifixion de Jésus (poème qui servira plus tard d'inspiration à de nombreux compositeurs classiques comme Vivaldi, Schubert ou Verdi... mais aussi au duo electro-punk Sexy Sushi !) Mais rassurez-vous, il ne s'agit pas d'une célébration religieuse, même si l'écoute attentive du public pourrait le laisser penser ; ce dont s'amusera d'ailleurs le batteur dans un petit commentaire adressé en forme de clin d'œil. Heureusement, il y a aussi de la légèreté voire même un certain côté pop chez eux pour éviter de tomber dans le pathos et transmettre un côté accessible à l'ensemble. Et bien évidemment de l'électricité et une énergie presque chamanique dans ces rythmes et ces vocaux qui s'étendent d'une plainte rauque à une sorte de scansion indienne, les plumes et les peintures de guerre en moins. Une forte personnalité en tout cas se dégage de leurs compos et de la façon dont ils les interprètent, totalement pénétrés par leur art.
Ils interpréteront une bonne partie de "Stabat Mater", mais reviendront aussi sur l'elpee précédent pour le plus grand plaisir de ceux et celles qui les avaient découverts lors de la sortie de celui-ci (dont votre serviteur). Et après avoir quitté la scène une première fois, ils reviendront nous gratifier de plusieurs morceaux bien sentis et loin d'une quelconque obligation contractuelle... Un bon moment de partage et de sincérité que je vous invite à vivre tant que le groupe ne squatte pas encore les gros podiums.
(Organisation : Stuk)
Le Stuk est né en 2002, un espace culturel sis à Louvain. Pourtant, je viens de le découvrir. Et je dois avouer que ce centre artistique, partagé entre une salle de concert, une autre dédiée à la projection, des ateliers, un studio d'enregistrement, etc. est absolument superbe. Bref le genre de salle polyvalente qui laisserait rêveur plus d'un Wallon...
Et si je m’y suis rendu, c’est parce que s’y déroulait une double affiche ‘made in Belgium’ des plus alléchantes. Tout d'abord Rape Blossoms, dont les morceaux entendus sur le web m'avaient vite séduit. Sur disque, leur post-punk rageur et bien noisy a suffisamment d'intérêt et de fougue pour retenir l'attention dans un genre où les prétendants sont fort nombreux. Lorsque résonnent les premières notes, le club n'est pas encore très rempli, mais il y règne une chaleur assez intenable contrastant avec le vent froid qui souffle dehors. Le groupe semble avoir ramené ‘son’ petit public d'amis ou de fans ; et bien que ce ne soit pas la grande foule, on est loin d'un bide.
Dès le début du set, on remarque que le son est très bon, excepté cette voix un peu trop systématiquement noyée dans la reverb et assez lointaine. C'est sans doute à mettre sur le compte d'une certaine timidité du chanteur qui tout comme le reste de la bande semble très jeune (début de vingtaine). Plus à l'aise, le guitariste lâche et relâche quelques accords acérés mais souples tandis que le bassiste est partagé entre ses 4 cordes et un clavier duquel il tire des nappes mélodiques façon cold wave ou des sonorités plus cra-cra. Mais c'est surtout le batteur qui, à l’aide de ses rythmes tribaux, semble canaliser l’ensemble par sa justesse quasi métronomique de ses interventions, rappelant même, lors du dernier morceau, le mythique Wire. Le chanteur descend alors de l’estrade, pour occuper l'espace vide et amorce quelques pas de danse timides, mais sympathiques.
Des débuts prometteurs en tout cas pour ce quatuor à l'énergie juvénile qui, lorsqu'il aura pris davantage d'assurance, devrait refaire parler de lui.
Le temps d'une pause afin d'installer le matos pour la tête d'affiche et la salle s'est considérablement remplie. Madensuyu n’est pas encore la nouvelle hype underground belge, mais il commence tout de même à faire l'objet d'une certaine attention médiatique méritée, grâce à sa discographie. Un Ep et trois albums, dont l'excellent "D is done" et le dernier "Stabat Mater". Venus défendre celui-ci, le duo se partage le chant. L'un se réserve les drums alors que l'autre se charge de la guitare et se sert d'un clavier qu'il joue aux pieds à l'aide d'un pédalier midi. Et bien qu'ils restent assis tout au long du concert, on sent qu'ils dégagent une certaine présence. En intro du concert, des chœurs d'enfants installent une ambiance de recueillement avant de nous laisser rentrer dans le vif du sujet. Leur musique est à la fois nerveuse et tendue mais possède également un côté dramatique presque douloureux comme le suggère le titre de leur dernier opus, référence à un poème du XIIIe siècle évoquant la souffrance de Marie lors de la crucifixion de Jésus (poème qui servira plus tard d'inspiration à de nombreux compositeurs classiques comme Vivaldi, Schubert ou Verdi... mais aussi au duo electro-punk Sexy Sushi !) Mais rassurez-vous, il ne s'agit pas d'une célébration religieuse, même si l'écoute attentive du public pourrait le laisser penser ; ce dont s'amusera d'ailleurs le batteur dans un petit commentaire adressé en forme de clin d'œil. Heureusement, il y a aussi de la légèreté voire même un certain côté pop chez eux pour éviter de tomber dans le pathos et transmettre un côté accessible à l'ensemble. Et bien évidemment de l'électricité et une énergie presque chamanique dans ces rythmes et ces vocaux qui s'étendent d'une plainte rauque à une sorte de scansion indienne, les plumes et les peintures de guerre en moins. Une forte personnalité en tout cas se dégage de leurs compos et de la façon dont ils les interprètent, totalement pénétrés par leur art.
Ils interpréteront une bonne partie de "Stabat Mater", mais reviendront aussi sur l'elpee précédent pour le plus grand plaisir de ceux et celles qui les avaient découverts lors de la sortie de celui-ci (dont votre serviteur). Et après avoir quitté la scène une première fois, ils reviendront nous gratifier de plusieurs morceaux bien sentis et loin d'une quelconque obligation contractuelle... Un bon moment de partage et de sincérité que je vous invite à vivre tant que le groupe ne squatte pas encore les gros podiums.
(Organisation : Stuk)
Metronomy a enregistré son nouvel album au Toe Rag de Londres, un studio analogique réputé pour accueillir des groupes de rock tels que les White Stripes. « Love Letters » a bénéficié de méthodes éprouvées et a bénéficié du meilleur en matière d’électronique et d’expérimentation sonore !
La vidéo du single « I’m Aquarius » est à visionner sur le lien suivant : http://www.youtube.com/watch?v=iQS4oa-dgLY
Tracklisting
“The Upsetter”
“I’m Aquarius”
“Monstrous”
“Love Letters”
“Month Of Sundays”
“Boy Racers”
“Call Me”
“The Most Immaculate Haircut”
“The Reservoir”
“Never Wanted”
Concerts
02.04.14 : AB (COMPLET!)
06.07.14 : Rock Werchter
Damon Albarn se produira ce jeudi 3 juillet dans le cadre du festival Rock Werchter.
Pour plus d’infos : http://www.rockwerchter.be
En exclusivité sur le site de Happy Horrors, "Last Paradise On Earth" constitue le premier clip du prochain Ep de Parlez-Vous Anglais ?
La vidéo a été réalisée à Berlin dans des lieux laissés à l'abandon par Damien Stein, clippeur pour divers artistes tels Lilly Wood and The Prick, Micronologie ou DJ Netik.
Le 3ème EP du trio franco-berlinois sortira en mars et s’intitule « Dancing on the Other Side ». Quatre titres à danser dans la veine disco-pop (Anoraak, Juveniles).
http://happy-horrors.org/parlez-vous-anglais-last-paradise-on-earth
Future Islands est un trio de post-wave issu de Baltimore. La vidéo du titre « Seasons (Waiting on you) » a été réalisée par Jay Buim. A voir ici
Le groupe se produira le 14 février prochain au Beursschouwburg à Bruxelles.
Le leader de Luke se lance dans une carrière solo. Il vient de publier « Shoot », un premier essai chargé de promesses…
https://pec.smcdp-de.net/welcome?key=9C85420F-96DE-4D84-E46F-E785DA00C54B
L’artiste français sera produira le 4 avril à l'Entrepôt d'Arlon.
Après la séparation de Pavement en 1999, Stephen Malkmus n’est pas resté longtemps les bras croisés. Quelques mois plus tard, il publie son premier album solo. Depuis lors, malgré une reformation éphémère de son groupe, le Californien enchaîne les LP. « Wig out at Jagbags », le dernier en date, constitue déjà son sixième. Toujours flanqué de ses Jicks, Malkmus poursuit en solo ce qu’il était parvenu à mettre en place chez Pavement, c’est-à-dire un rock lo-fi nonchalant et déstructuré. L’Orangerie, ce soir, n’est pas pleine. Le public est en majorité peuplé de spectateurs affichant la trentaine. Beaucoup sont certainement des fans inconditionnels qui ont passé des heures à écouter les albums de Pavement ou de Silver Jews (groupe au sein duquel il a milité de 89 à 99).
La première partie est assurée par The Megaphonic Thrift. Le groupe norvégien est responsable d’un rock qu’on pourrait situer à la croisée des chemins de Sonic Youth et Built To Spill.
Vers 21h, les lumières s’éteignent. Les Jicks montent sur les planches. Mark Clark, le guitariste/pianiste, prend place à gauche du podium. Le batteur, Jake Morris, siège derrière ses fûts, en retrait, sur une petite estrade. Enfin, la bassiste, Joanna Bolme, se plante au centre de la scène. Les trois musiciens entament alors une intro afin d’accueillir la star de la soirée. Après quelques roulements de tambour que le drummer accompagne de quelques cris, Stephen Malkmus débarque au pas de course. De manière à chauffer le public qui le reçoit par ses applaudissements. L’ambiance sera bon enfant, c’est désormais une certitude. Physiquement, malgré ses 48 ans, il affiche toujours la dégaine d’un adolescent rachitique de 18 ans. Après les présentations d’usage, Malkmus entame les choses sérieuses. Son jeu de guitare est directement reconnaissable : complètement déstructuré, imprévisible, toujours à la limite de sonner faux. Sa voix également n’a pas bougé d’un pouce. Ce qui ne doit pas être de tout repos pour les musiciens de suivre le gratteur. Visiblement, il s’amuse et leur fait confiance. Il enchaîne les morceaux et nous démontre qu’il n’a rien perdu de son talent. Malkmus nous gratifie de plusieurs solos issus de son imagination fertile. Rien que cela ! Sa musique est toujours aussi proche de celle de Pavement. Une différence quand même : l’absence de ‘tubes’. Normal, puisqu’il n’y en a pas dans sa discographie solo. Il faut cependant avouer qu’on a l’impression d’écouter une suite de morceaux qui se suivent et se ressemblent ; ce qui ne semble pas gêner l’assistance. Il doit être un peu plus de 22heures, quand Malkmus et ses acolytes quittent le podium pour y revenir quelques minutes plus tard, afin d’interpréter trois derniers titres.
Ce concert a été une belle occasion de découvrir ou de redécouvrir une grosse pointure des 90’s. Musicalement et physiquement, Stephen Malkmus a de l’énergie à revendre. Et c’est le sourire aux lèvres que les spectateurs sont rentrés chez eux. Une bonne humeur clairement communiquée par l’Américain durant toute la soirée.
(Organisation Botanique)
On les attendait au tournant. Trente-trois années de carrière, treize albums, dont le petit dernier, "Delta Machine", une œuvre qui a enchanté les uns et déçu les autres. En outre, quatre ans plus tôt, la dernière tournée de ces pionniers de la synth-pop avait été bien en deçà des espérances, surtout à cause des prestations en demi-teinte de Dave Gahan, qui se battait à l'époque contre un cancer.
En ce soir du mois de janvier, le Sportpaleis est archi-comble. Comme de nombreux amis, nous avons été bloqués pendant deux heures sur l'autoroute Bruxelles-Anvers à cause de travaux (inutiles?). Heureusement, nous débarquons juste au moment où retentit "Welcome To My World", la chanson d'introduction du concert. Sur la scène, derrière les musiciens, on découvre un énorme écran vidéo, composé de plusieurs triangles, qui évoquent le logo de Delta Machine. Les musiciens sont disposés suivant un même rituel : Martin Gore est à gauche et Dave Gahan, au centre ; derrière eux Christian Eigner siège derrière la batterie, et sur deux petits podiums placés en retrait sont installés Peter Gordeno à gauche et 'Fletch', aka Andrew Fletcher, le troisième membre original de la formation, à droite, tous deux aux claviers.
Ce n'est pas un hasard si les deux premiers morceaux du set, "Welcome…" et "Angel", sont issus de "Delta Machine" : les Anglais sont très fiers de leur dernière production et il faut reconnaître que leur mélange de blues, de rock et d'électro fonctionne parfaitement en ‘live’ également. Plus tard, "You Should Be Higher", un des titres de "Delta Machine" composés par Dave Gahan, recueillera aussi un joli succès. Mais, sans surprise, ce sont les classiques qui emportent le plus l'adhésion du public. D'abord "Walking In My Shoes", caractérisé par le final très puissant de Christian Eigner, "Precious", agrémenté de jolis chiots en vidéo ou encore "Black Celebration", très dark et hypnotique, surtout quand le public reprend en choeur le refrain.
Les deux leaders principaux, Martin Gore et Dave Gahan ont l'air très en forme et heureux d'être là. Gore est, comme toujours, habillé très 'glam', ne négligeant pas la touche androgyne, tandis que Gahan a revêtu sa traditionnelle veste sans manches. Ce dernier déborde d'énergie et démontre clairement qu'il est à nouveau au top de sa forme. C'est qu'il a abandonné depuis longtemps les substances illicites au profit d'activités plus saines comme le jogging ou le fitness! Le résultat est beau à voir : il virevolte comme une ballerine de gauche à droite de la scène, engageant le public à chanter sur les refrains. Un des meilleurs showmen de histoire du rock, ce cher Dave!
Après le très efficace "Policy of Truth", on a déjà droit à la première pause du concert. Gore et Gordeno restent seuls sur l’estrade pour interpréter des versions acoustiques de "Slow", un blues pur et dur, très chaud, qui révèle à ceux qui ne le savaient pas encore que Martin Gore possède une voix exceptionnelle, et "But Not Tonight", un nouvel extrait de l'album "Black Celebration". Bien qu’en général très discret, voire timide, Martin Gore s'avance sur la rampe de la scène au milieu du public et incite ce dernier à reprendre les ‘ouh ouh’ qui clôturent la compo. La foule ne se fait pas prier et continue même à chanter quand la musique s'arrête, pendant plusieurs minutes, jusqu'à ce que Dave Gahan revienne pour la suite du set et constate, émerveillé, ce qui est en train de se passer : un moment magique.
En guise de transition, le combo, revenu au complet, nous offre un autre blues figurant sur "Delta Machine", le très beau "Heaven", rehaussé par une vidéo hallucinante d'Anton Corbijn. La 'machine DM' se met alors en marche. Tout d'abord au travers de "Behind The Wheel", suivi de la version Jacques Lu Cont remix du très Reznorien "The Pain I Used To Know", sur laquelle Gordeno quitte ses claviers pour venir taquiner la basse au devant du podium. On continue plein pot par "A Question of Time", au cours duquel Gahan est carrément déchaîné, et on atteint enfin le paroxysme tant attendu: les première notes de guitare de "Enjoy The Silence" retentissent déclenchant un vacarme assourdissant. Plus de 20 000 fans chantent à tue-tête le refrain à la place de Gahan. Le final est assuré par un "Personal Jesus" d'anthologie. Un début très lent, en 'teaser' parfait, puis c'est la déferlante. Un moment de pur orgasme sonore.
La formation se retire pour quelques minutes et ce sont à nouveau Gore et Gordeno qui reviennent pour attaquer une version acoustique de "Shake The Disease". Sublime ! La mélodie est ensorcelante et pendant le passage "Understand Me...", Gore clape dans les mains, un geste repris comme un seul homme par un public subjugué. Le rappel se poursuit ensuite par la version Goldfrapp remix de "Halo", qui bénéficie miraculeusement d'un son très clair, suivi par "I Just Can't Get Enough", le titre que Depeche Mode a joué le plus sur scène en 32 ans, et toujours un des favoris des fans. "I Feel You" est assez décevant, noyé dans une bouillie sonore mais le moment le plus fort sera, sans surprise, le final : "Never Let Me Down Again". C'est une tradition devenue célèbre des concerts de Depeche Mode : à un moment précis de la chanson, Gahan vient au devant de la scène et lève les bras en l'air. 20 000 fans tendent également les leurs, et lorsque le riff final démarre toute la salle se met à les balancer de gauche à droite. La foule ressemble alors à un champ de blé qui ondule par la force des vents. Un événement qui, chaque fois, vous communique la chair de poule...
En conclusion, un excellent concert. Depeche Mode est de retour et dégage à nouveau autant sur scène. C'est en grande partie grâce à Dave Gahan, qui est de la race des grands showmen à la Mick Jagger, Bono, etc. Il possède un charisme étonnant et cette faculté unique de s'adresser à tout le monde, du premier rang aux gradins les plus éloignés. La setlist était parfaite même si l'on regrettera l'absence de bijoux tels que "Strangelove", "People Are People" ou "Everything Counts". Seuls bémols, la 'salle' et le son, très confus, comme d'habitude au Sportpaleis. Il serait grand temps qu’il soit rénové et adapté à la technologie moderne! Mais l'approche du son de Depeche Mode est aussi critiquable : en ‘live’, il est trop brut et le choix de Christian Eigner aux drums est contestable. Son jeu est trop lourd et l'ensemble manque cruellement de finesse, de clarté et de variation dans les dynamiques. Enfin, ne boudons pas notre plaisir: les concerts de Depeche Mode sont des moments uniques, de véritables 'célébrations' de la musique et de la vie... Gahan est passé très près de la mort ; aujourd'hui, lui et son groupe sont plus vivants que jamais!
Setlist
Intro (Excerpt from 'Welcome to My World')
Welcome to My World
Angel
Walking in My Shoes
Precious
Black Celebration
Should Be Higher
Policy of Truth
Slow (Acoustic; Sung by Martin)
But Not Tonight (Acoustic; Sung by Martin)
Heaven
Behind the Wheel
A Pain That I'm Used To ('Jacques Lu Cont's Remix' version)
A Question of Time
Enjoy the Silence
Personal Jesus
Encore:
Shake the Disease (Acoustic; Sung by Martin)
Halo ('Goldfrapp Remix' version)
Just Can't Get Enough
I Feel You
Never Let Me Down Again
(Organisation : Live Nation)
Le public était particulièrement impatient d’assister à cette double affiche prometteuse ; au point que la Zone affichait sold-out, ce soir, au grand dam des distraits et des retardataires qui s'en mordent encore les doigts. Excepté ces derniers et les gens souffrant d'agoraphobie, on ne s'en plaindra pas vu le manque certain d'affluence en ces lieux, au cours de ces derniers mois. Une défection peut-être justifiée par une programmation assez inégale pour cette salle, considérée jadis comme un rendez-vous incontournable pour les aficionados de la scène alternative...
Mais bref, la foule des grands soirs était bien réunie pour assister tout d'abord au concert de Komplikations. Formation en rangs serrés, elle implique Ben (Cheap Killers, Pirato Ketchup, Two Star Hotel, Hiatus, ...) à la batterie, Lio (Le Prince Harry, Luik, Tache) au synthé et Allen au chant (dont le CV m'est inconnu). Issue le la scène germanopho-liégeoise, cette mini ‘dream team’ consomme un minimum de moyens mais atteint un impact maximal dans un genre baptisé synth-punk. Plus agressif et décharné que l'habituel et parfois convenu electro-punk, on rencontre un exemple typique du style chez Screamers, un groupe dont le morceau culte (?), "122 hours of fears", est d'ailleurs repris en concert par Komplikations. Sur les planches ces derniers sont parfaitement soudés et on imagine d'ailleurs mal le contraire vu le minimalisme de l'instrumentation. En effet, sous cette configuration, il vaut mieux jouer carré et en symbiose sinon on peut vite passer du minimaliste au minable... Une barrière qu'ils ne franchissent pas et on les en remercie! Que du bon au contraire dans leur set. Des décharges d'énergie en flux continu comme autant d'électrochocs qui agitent les corps frénétiques venus chercher leur dose d'adrénaline délivrée par un groupe pas avare en la matière. C'est le moins qu'on puisse dire puisqu'on a eu droit a +/- 1h de prestation de leur part, peut-être un peu longuet pour une première partie, même si elle a été excellente. Il faut dire qu'ils s’étaient aussi déplacés pour fêter la release party du nouveau mini-lp "Poverty' qui justifie bien un tel enthousiasme.
Longue pause ensuite avant de passer à Frustration, quintet parisien fort attendu et qui promet de faire monter davantage la pression. A leur entrée sur l’estrade, des voix scandent ‘Allez y, foutez le feu!’, alors que certains réclament déjà des morceaux comme s’ils sollicitaient un putain de juke-box... Impassibles, les musicos laissent encore la tension monter d'un cran jusqu'à ce qu'elle devienne palpable dans les premiers rangs avant de démarrer pied au plancher. Et en route pour une belle salve de brûlots post punk comme ils savent les délivrer et comme on en trouve 13 à la douzaine sur leur déjà culte "Relax", sorti en 2006. Mais seront-ils à la hauteur de cet incontournable? Pour ce qui est du début de concert on répondra oui sans hésiter. Ils enchaînent les titres sans temps mort et sans faiblesse, déclenchant des pogos effrénés qui démarrent à proximité du podium mais s'étendent rapidement au delà et finissent au bout d'un moment par avoir raison de mon goût assez limité pour la foule et ses mouvements (...), me poussant à battre en retraite vers la moitié de la salle. A partir de cet instant, mes impressions seront très différentes notamment à cause d'un manque de présence sonore à cet endroit, le groupe jouant bizarrement très bas sur scène. Mais il semble aussi qu'ils commencent à se planter par ci par là quand ils ne foirent pas carrément un break sur un morceau qui du coup tombe totalement à plat.
La fatigue peut-être? Toujours est-il qu'après seulement +/- 45 min et un rappel, ils tirent leur révérence. Ce qui me semble, ma foi, un peu court ; surtout que le support act a finalement joué plus longtemps.
Un set en demi-teinte donc malgré un démarrage en force ainsi qu'une première partie des plus convaincantes et à l'énergie communicative suivie par davantage de tâtonnements et autres problèmes techniques qui me laissent dubitatif. Bravo par contre à Komplikations qui ne cesse de s'améliorer tout en gagnant en efficacité et en impact.
(Organisation Plastic Team Liège/PGL Aachen)
Formation bavaroise (NDR : issue plus précisément d’Ingolstadt), Slut a publié huit albums depuis 1996. Outre-Rhin, il jouit d’une certaine notoriété sur la scène alternative. Pourtant, les lyrics sont chantés dans la langue de Shakespeare. Chez nous, il faut bien avouer que la bande à Christian Neuburger (voix, guitare) émarge à la zone crépusculaire de l’underground. « Alienation » devrait peut-être permettre au groupe, de sortir de cet anonymat.
À première écoute, le pop/rock de Slut est plutôt classique et agréable, sans plus. Mais au fil de l’écoute, on se rend compte que sa musique est bien plus subtile qu’on ne l’imaginait. En fait, malgré sa longue carrière, le band a décidé d’embrasser des perspectives contemporaines. A l’instar du titre d’ouverture, « Anybody have a roadmap », un morceau caractérisé par des percussions exotiques rencontrées régulièrement sur les compos de Vampire Weekend. Ou de « Sick Road Blues », une piste savoureusement orientale. Les Teutons n’ont également pas hésité à incorporer des éléments électroniques dans leur expression sonore. Et « Broke my Backbone » en est certainement la plus belle illustration. Evidemment l’opus recèle encore des plages plus classiques ; mais il y a toujours ce petit truc en plus, cette audace instrumentale, qui permet de faire la différence. Et comme la voix de Neuburger colle parfaitement à l’ensemble, le résultat est tout bonnement remarquable.
En parvenant à évoluer, Slut vient de frapper un grand coup.
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