C’est stipulé dans la bio : « Our Nature » est une collection de chansons Pop Catchy sur fond de textes empreints d’une certaine dramaturgie.

En résumé, les textes veulent se démarquer et la musique entend accrocher directement l’oreille du mélomane.

Et si Savoir Adore ne manque pas de savoir-faire dans ce registre, cet ensemble de charmantes vignettes très travaillées manque cruellement de relief.

En effet, au final, aucun titre ne tire réellement son épingle du jeu.

Un brin intellectuellement factice, la musique de Savoir Adore reste agréable mais sans plus.

Le duo de voix est sympathique (on pense parfois à Echobelly) et les compositions sont assez efficaces pour toute radio formatée.

Pour le reste, « Our Nature » reste un album dispensable.

Au rayon frais de votre étalage de Pop bien achalandée, vous avez sûrement dû remarquer une belle pièce appétissante au détour d’un festival, cet été.

Une belle présence, un charisme naturellement aguicheur, des chansons mûres et dont le bagout assurait l’enthousiasme tout autour de vous.

Mais si, souvenez vous !

Vous avez d’abord pensé assister au set d’un de ces groupes anglo-saxons injustement snobés par leur mère patrie.

Puis, saisissant quelques mots de français au passage, vous avez réalisé qu’il s’agissait d’une énième pépite de notre Royaume.

Avant de succomber totalement à l’évidente maîtrise de ces jeunes gens sans plus vous soucier de leurs origines.

Et bien Montevideo, qui n’en est pas à ses débuts, est à présent doté d’une très réussie carte de visite, façonnée sous la forme d’un album dix titres de classe folle.

Entre sonorités de claviers et séquenceurs eighties (OMD, Eurythmics), clin d’œil appuyé à la vague Madchester (le très Happy Mondays et simplement intitulé « Madchester »), Dancefloor (« Horses ») et élégance Brit Pop (partout), « Personal Space » s’approprie les genres et les restitue dans une dimension qui lui est propre et surtout particulièrement convaincante.

Si je devais paraphraser Magritte, à qui l’illustration de la pochette emprunte son esthétique, j’ajouterais : ‘Ceci n’est pas de la Pop’.

Quatre titres, c’est un peu maigre pour se forger une idée ; mais qui suffisent parfois à plomber définitivement tout jugement.

Ici, l’impression générale reste positive après ces quatorze minutes de plongée en apnée dans les années 90.

Croisement malicieux entre Cure, Slowdive, et Swervedriver, la photo des Pale Saints accroché en bandoulière, « Dunes » ravive son quota de bons souvenirs aux mélancoliques…

Pas encore assez personnel mais néanmoins prometteur.

A noter qu’un second Ep quatre titres (« Don’t Worry Baby ») est aussi disponible.

C’est un long hiver qui s’éternise, s’étend paresseusement.

A bien y regarder, il s’agit peut-être d’un doux été qui perdure.

Blotti au creux de cette indécision, la musique de ce trio caresse les nœuds logés aux creux des bois, là, dans cette forêt qui se dessine sous un ciel ouvert et dégagé.

Comme dans un rêve, toute sensation de froid ou de chaud semble superflue.

Enveloppés dans un voile cotonneux, les invités sont priés de laisser leurs chaussures couvertes de boue sur le pas d’une porte.

A l’intérieur d’un cabanon, au milieu d’une lumineuse clairière, les trois hôtes nous débarrassent de nos états mentaux (manteaux ?), ces gabardines doublées de doutes et de questionnements.

Pensent nos petits chagrins et réfléchissent à deux fois avant de nous renvoyer notre image, fatalement floue, diffuse dans un halo bienveillant.

Collection de chansons composées en solitaire pendant quatre années sabbatiques et recousues ensemble, ce premier essai est joliment troussé.

On s’y prélasse agréablement, on y traîne avec plaisir, sans songer au réveil.

Car sans doute, dès que celui-ci surgira, il nous privera de tout souvenir.

Alors, tant qu’on est sur place, on profite du moment, en regardant les vignettes oniriques qui courent sur les murs, les plafonds, et réverbèrent la lumière d’une journée sans fin.

Étonnant et déconcertant sont les deux termes qui traversent d’abord l’esprit, à l’écoute de cet album.

L’ambivalence de cultures musicales aussi éloignées que le Folk Americana et la musique traditionnelle arabe laisserait craindre le pire quand il s’agit de marier les deux sous un même dénominateur commun ; mais force est de constater que Jawhar tire admirablement bien son épingle du jeu.

La majeure partie de l’elpee est chantée en arabe, et loin d’être un obstacle, cette option ouvre de nouveaux horizons à ce qu’on a trop souvent tendance à cloisonner.

L’opus démarre comme du Sparklehorse à l’orée d’un désert, caracole au travers de dunes ensablées, de décors insolites où la langue maternelle de Jawhar Basti enveloppe de miel et de tendresse, enrobe les souvenirs d’enfance échappés et dessine les arabesques des jours à venir.

Une mosaïque chatoyante où Rock, Blues, Pop et Soufi ont appris à parler le même langage : celui de la musique universelle et intemporelle.

Quand les mots anglais s’invitent, ils sont accueillis avec chaleur et ferveur, et lorsque c’est au tour de la langue de Voltaire, (« Le Reste Est Ennui »), le ciel des mille et une nuits s’éclaire d’une poésie rédigée en lettre dorées.

Un fameux coup de pied aux conventions.

Human Song nous vient de Strasbourg. Un trio drivé par la chanteuse Jane Lake. Elle constitue même la pièce maîtresse du projet. Une chanson lui est même consacrée !

Lorsqu’un édifice repose sur une pièce bancale, il y a un gros risque : c’est que le tout s’effondre. Et comme de juste, dès les premières notes de l’elpee, la structure commence à vaciller…

En fait, la formation alsacienne tente de couvrir son expression sonore d’accents ‘dark’ voire ‘gothique’. Mais il y manque les décibels. Et puis l’ensemble paraît complètement daté. Pire encore, sur « A », un solo de gratte dégoulinant finit par nous communiquer la nausée. Heureusement, les plages balisées par le piano sont bien plus digestes. Quant au chant de la demoiselle, que l’on aime ou pas, il faut avouer qu’elle possède un bel organe. Ses envolées lyriques montent, descendent et sont très susceptibles d’impressionner. En outre, elle maîtrise parfaitement son sujet. Néanmoins, on est rapidement gavé de ses vocalises. Qui finissent même par nous taper sur les nerfs. La seule bonne nouvelle ? C’est lorsque s’achève la dernière piste du long playing… 

Céline Dion est devenue, au fil du temps, un grand nom de la chanson. Sur son nouvel album, c'est peut-être même plus ce nom que ses véritables talents qu'elle fait valoir. Afin de toucher un public le plus large possible, la chanteuse canadienne alterne titres en anglais et en français. Elle a, cette fois, choisi de s'exprimer dans la langue de Shakespeare ; et il faut avouer que « Loved Me Back To Life » concède lui aussi des airs, par moment, dramatiques. Dramatique d'ennui, de non renouveau et de musique commerciale à souhait... Pourtant, les ventes se portent plutôt bien, surtout en France. Mais où sont les surprises, les prises de risque ? Vous me rétorquerez, sans doute, pourquoi changer son fusil d'épaule quand tout roule pour le mieux ? La question est posée et selon la réponse que vous y apporterez, votre avis sur le dernier Céline Dion ne sera pas le même.

Aucune chance d’y couper, donc autant l’annoncer tout de go : Oui Birdpen, c’est Bird pour Mike Bird et Pen pour Dave Pen.

Donc, dans ce projet à deux têtes, nous avons bel et bien une partie d’Archive.

Et puisque la voix nous ramène immanquablement à la formation britannique susmentionnée, les évidents rapprochements ne manquent pas de pleuvoir tout au long de cet LP.

Le climat emprunté est d’ailleurs tout aussi menaçant mais les similitudes ont tôt fait de s’éclipser à la lumière spectrale de compositions pleines de bravoure et il faut le dire, parfois un peu boursouflées.

Le ciel est plombé et les atmosphères sont oppressantes. « Global Lows » revendique une noirceur, parfois aussi surfaite.

Le spectre d’Archive n’est pas le seul à planer.

On pourrait citer celui du Radiohead de Tom York (« Nature Regulate »), de Bono ou encore plus évanescente, celle de The Cult (« Save Destroyer ») et donc par jeu de miroir, le reflet de Jim Morrison quand s’entrouvrent certaines portes.

Et puis on pourrait ajouter Editors pour le côté lissé d’une complainte inutilement ornée de fleurs savamment fanées.

La production de Jim Spencer (Oasis, New Order, …) assure une homogénéité digne d’un bloc de l’Est, version guerre froide, voire très froide, avec une précision chirurgicale qui fatalement nuit à la véracité du propos.

Certes, on peut concevoir des albums à la fois tourmentés et propres sur eux.

Mais on ne m’enlèvera pas de l’idée que plus la couche de vernis est épaisse, plus elle dissimule les craquelures de compositions malingres.

La nature humaine analysée sous ses coutures suintantes constitue le thème de prédilection de cet opus qui, vous l’avez deviné, ne se distingue pas par son optimisme.

Mais le groupe à l’intelligence de ne pas noyer l’ensemble sous une pathos exacerbée et si les pans de lumière se font rares, on évite quand même le piège de l’enlisement.

Compromis entre une production Pop léchée et une volonté farouche d’explorer des terrains de jeux plutôt minés, Birdpen conçoit de la noirceur propre, de la tristesse sans vague, du chagrin sans crasse.

Le résultat devrait donc séduire les moins exigeants, ceux pour qui une oreille suffit à aimer ou non un album.

Pour les plus tatillons, « Global Lows » constitue un produit bien ficelé mais dont l’emballage, aussi sombre et opaque puisse-t-il être, laisse transparaître quelques faiblesses dues sans doute à un manque d’authenticité.

Poussières cosmiques et effondrements massifs d’étoiles mortes au programme de ce voyage intersidéral et super sidérant, proposé par Aun.

A contrario du film ‘Gravity’ qui joue sur les effets spéciaux, « Alpha Heaven » propose un séjour en apesanteur minimaliste.

Suite du très recommandable « Phantom Ghost » et lui emboîtant le pas, les onze titres ici présents placent d’office l’auditeur en orbite.

Un périple captivant dont l’épicentre se trouverait happé dans l’espace temps, quelque part du côté d’une certaine scène allemande des années 70 et qui se répercuterait alors en ondes toutes en circonvolutions révolutionnaires au travers de dimensions, connues ou inconnues.

Les instruments et les processeurs se font écho, s’entrelacent et serpentent dans la nébuleuse d’un album ouvert sur la beauté spectrale de l’infini, invitation à la navigation transcendantale.

Un album incontournable pour tout rêveur qui se respecte.

Une nouvelle formation liégeoise vient donc de rejoindre la scène pop/rock locale, alors que la cité ardente concentre déjà l’essentiel de la wallonne. Pour tenter de se démarquer, YEW a décidé de frapper un grand coup en invitant Arno, monument national, à participer aux sessions d’enregistrement de leur second opus. Résultat ? Le septuor (?!) y propose un rock assez classique qui lorgne tour à tour vers les Arctic Monkeys (« Steam and Soul »), Syd Matters (« Fall Asleep ») ou The Decemberists (« Between Up and Down »). Signe caractéristique ? La voix plutôt singulière du nouveau chanteur, Jérôme Magnée. L’elpee accuse quelques petites faiblesses, à l’instar du pompier « 15/16 » pourtant boosté au violon et de l’énervant « Across ». A contrario, empreint de délicatesse, le titre maître passe parfaitement la rampe. Tout comme le plus enlevé « M-Loud ». On attribuera même une mention ‘Très Bien’ aux orchestrations impliquant mandoline, bouzouki et autres trompettes ! Les parties instrumentales de « Down By You » et « Morning Days » s’avèrent d’ailleurs particulièrement réussies. Moins world et surtout moins celtique qu’auparavant, le rock de Yew devrait ravir les fans des références susvisées… Pas facile de trouver une chute pour ‘The Fall’ mais on peut compter sur Yew pour la dénicher !

Le 29 mars prochain au Bel’Zik Festival à Herve.