Idiograme est une formation française qui nous vient de Poitiers, ville surtout connue pour son parc à thèmes dont les attractions puisent leur inspiration dans le multimédia ainsi que les  techniques cinématographiques, audiovisuelles et robotiques innovantes.

C’est de ce coin de la Vienne que sont issus Antoine (laptop) Aline (claviers) Damien (basse) et Julien (drums). Seul ce dernier ne participe pas aux vocaux.

Leur musique est composite. Les ingrédients qui entrent dans sa confection sont puisées dans les influences de chaque musicien. Nerveuse, hyper-présente, la basse s’appuie sur des drums particulièrement jazzyfiants. Il n’y a pas de guitare. Et pourtant, on pourrait l’imaginer, tant les sonorités dispensées y ressemblent. En fait, tout comme les envolées planantes, elles émanent d’un clavier. Enfin, la voix, celle d’Aline surtout, allie mélodie et énergie. Un mélange de genres à la croisée du rock, du jazz, de la musique électro et de la chanson française. ‘On a envie de sortir des styles pour essayer de faire autre chose’.

Idiograme se démarque manifestement des autres productions actuelles. Evoluant dans la sphère du rock/trip hop, son expression sonore est hypnotique, entêtante et bruitiste. Elle permet aux mots, aux textes, de jaillir au cœur d’une confrontation entre influences anglo-saxonnes et rythmique française. De cette alchimie naissent des morceaux qui tournent presque toujours en boucle avant d’atteindre la transe. L’émotion est alors très palpable. Et cette structure en crescendo finit par exploser… 

Bref, vu l’agressivité tant musicale que textuelle des compos, ce disque n’est pas facile à digérer. Idiograme ne plaira sans doute pas au mélomane lambda ; mais ce n’est visiblement pas l’objectif premier du groupe. Il cherche un mode d’expression bien personnel et a le mérite de ne pas avoir choisi la voie de la facilité. Un choix qui lui fermera sans aucun doute beaucoup de portes. Néanmoins, on peut déduire que cet opus s’avère à la fois curieux et intéressant, malgré tout…

Quelques mois après avoir publié un split album en compagnie de Bee and Flower, les deux démons de Keiki sont de retour. Et tout au long de son troisième elpee, le duo bruxellois a décidé de garder un même cap : du ‘pop-satanic’ !

Conceptuellement, le groupe, toujours hébergé au sein de l’actif label bruxellois Cheap Satanism, nous gratifie une nouvelle fois de références macabres. On saluera donc le titre de l’album  « Popcorn from the Grave ». Musicalement, on retrouve un post-punk dépouillé dans la juste lignée de « Waltham Holy Cross ». Le chant de Dominique Van Cappelen-Waldock évoque toujours autant celui de Kim Gordon (Sonic Youth). Le jeu de guitare est toujours aussi distordu et saccadé. Les boîtes à rythmes sont elles aussi bien présentes. Mais contrairement à l’opus précédent, les bidouillages électroniques sont davantage en retrait ; ce qui n’est pas forcément pour déplaire. Si musicalement Keiki reproduit donc la même formule, le ton, quant à lui, s’assombrit. Une tension palpable tout au long des douze morceaux de ce disque. Une sensation qui s’accentue lorsque les deux invités de marque viennent poser leur voix. Tout d’abord Eugène Robinson (Oxbow) sur « Killing Cure ». Puis Pete Simonelli, qui vient placer son phrasé inimitable sur « Full Body Wolf ».

En concoctant « Popcorn from the grave », Keiki vient de franchir un palier supplémentaire. Sans changer de style, le duo parvient à y affiner sa ‘pop-satanic’ et nous rapproche encore un peu plus des ténèbres…

Après quasiment 30 ans de carrière, Fat Mike et sa bande ne se sont toujours pas résolus à déposer les armes. Et pas davantage à édulcorer la formule de leur punk facilement identifiable… « Self Entitled » constitue déjà le 12^ème elpee de la formation californienne. Et sous le soleil de la côte du Pacifique, rien n’a changé, même si NOFX a rarement paru si énervé et engagé ! Toujours aussi mélodiques et quasiment pop, les compos du groupe sont bien attachées à leurs racines et ne concèdent aucune miette au ‘mainstream’ : le rythme est implacablement soutenu et les chansons dépassent difficilement les 2 minutes. La production de Bill Stevenson (Black Flag, The Descendents) est parfaite. Le cd recèle l’un ou l’autre tube en puissance, dont un « 72 Hookers », dont le thème abordé est quand même audacieux, puisqu’il traite de la récompense (NDR : des femmes vierges !) promise aux candidats djihadistes qui acceptent de commettre un attentat suicide, ou encore « She Didn’t Lose Her Baby ». Les Etasuniens démontrent qu’il est possible de passer au stade de vétérans avec classe en proposant un punk rock qui n’est pas aussi stupide qu’il n’y paraît…

The Ex est un groupe hollandais fondé en 1979. C’est-à-dire en pleine apogée du mouvement punk. Plus de trente ans plus tard, The Ex a toujours bon pied bon œil. Néanmoins, le line up a connu de nombreux changements. Y ont ainsi milité Han Buhrs et Luc Ex. Et ce sont ces deux musicos qu’on retrouve chez Rubatong. Han chante, suivant l'humeur du moment, tantôt en anglais, néerlandais, français voire en patois allemand. Luc se charge de la basse acoustique. René Van Barneveld (Urban Dance Squad) est préposé à la guitare. Un gratteur qui aime mêler funk, rock et rap. Enfin, Miss Tatiana Koleva, issue du monde de la musique contemporaine, se réserve le vibraphone et les percussions. Toute l’équipe est responsable de l’écriture des dix chansons de cet opus. La musique est totalement expérimentale, étrange, parfois proche du free jazz, même si on y décèle des traces de blues contemporaines.

Dès "In a haze" on est frappé par la voix peu conventionnelle, possédée, mais très claire de Han. Minimaliste, la section rythmique imprime un tempo hypnotique. Bien intégrée, la slide colle parfaitement aux basques de Mr Buhrs. Soudain, c’est le calme. Puis une impro. Une exploration sonore dirigée par la basse et le vibraphone de Tatiana. Un vibraphone qui balise "Future hung around". La ‘quatre cordes’ y rejoint la percussion lugubre. La voix de Han hante ce climat inquiétant, chargé de torpeur. Elle se mue en instrument pour dialoguer avec ses partenaires. Ces échanges étranges me rappellent ceux qu’entretenaient Damo Suzuki et les membres de Can, groupe phare du krautrock. C’était il y a bien longtemps… La folie instrumentale déborde sur "G-Spot democracy". Les cordes de Van Barneveld décapent et délirent, tel un Zappa se tortillant au cœur de ses ‘mères des inventions’. Débridé, décoiffant, "Protilanenmensch" est un blues de l'impossible. Telle une âme damnée, Buhrs évacue de son corps tous les maléfices qui l'avaient envahi, face aux cordes à l'agonie. Enfin, la douceur contenue de "Finger prints" apporte un peu de réconfort. La guitare de René découpe "Dirty lil' kiss". Les interventions de la slide sont lacérées au rasoir, comme un blues chirurgical qui aurait échappé aux canons du style! "F voor af" adopte un profil blues plus traditionnel. On imagine un John Lee Hooker désorienté revenu sur notre planète pour exprimer tous les mots débutant par la lettre F! Deux plages sont chantées en français. Tout arrive. D’abord, "Il-y-a des choses", un exercice de style ludique et rythmique, ciselé soigneusement par les percussions de Tatiana. Ensuite, "A ce moment", une autre piste empreinte de douceur et d’intimisme. Très particulière, cette œuvre est indéniablement originale. Elle se referme par "Riga", un bref accès de colère slave…

Deux années, c’est le temps qu’il a fallu aux Vaccines pour passer du statut de parfaits inconnus à celui de superstars du rock. Bref, retour sur cette folle ascension. En janvier 2011, le quatuor britannique se révèle au grand public par l’intermédiaire de « Post Break Up Sex », ovni musical survitaminé qui a vite fait de conquérir la planète rock. S’ensuit un premier album en mars de la même année et une tournée mondiale. Les critiques sont dithyrambiques, la machine de guerre est lancée. Le second opus sort en septembre 2012 et suit le même chemin que son petit frère, la gloire et la postérité leur tend les bras.

C’est à l’Ancienne Belgique que le groupe a décidé de poser ses valises le temps d’une soirée. La salle est surpeuplée, moite et hume bon les relents de transpiration et de houblon allègrement consommé ; une odeur à vous faire (presque) regretter le temps où la cigarette vous tapissait les narines de ses douces émanations.

21h00 : Entrée sur scène sobre et somme tout classique d’un band sûr de lui, convaincu que plus rien n’est à prouver, du moins pas devant une assistance de moins de deux mille personnes. Les débuts sont tonitruants et agréablement nerveux. La fougue et l’énergie nullement calculées. Ici tout est naturel et parfaitement spontané, allant jusqu’à rappeler les jeunes années des Clash. Une petite demi-heure grisante à souhait, accueillie à bras ouvert par un public réceptif comme jamais et puis un mini drame survient.

21h28 : Les premières notes du morceau qui a popularisé le groupe retentissent. L’audience exulte… un court instant. « Post Break Up Sex » est méconnaissable, joué bien trop rapidement. Les paroles sont bafouillées dans un micro trop éloigné. La cassure entre le public et l’auditoire est effective (à l’exception de quelques irréductibles aficionados). Il faudra trois titres au groupe pour relever la tête et récupérer l’engouement manifesté précédemment par le public de la capitale. Fort heureusement, « If You Wanna », autre référence des Vaccines, s’avère dantesque dans son format ‘live’. Une claque qui va durer près de cinq minutes (soit près du double de la version studio). Fiers d’être parvenus à reconquérir une assemblée, les Anglais quittent la scène caressant le doux espoir d’être rappelés sur leur terrain de jeu par une foule en liesse.

21h45 : Ils reviennent, le regard victorieux et, comme pour se faire pardonner d’une prestation inégale, offrent à Bruxelles une exclusivité mondiale : « Aftershave Ocean », jusqu’ici jamais décliné sur les planches. S’ensuivent « Bad Mood » et « Norgaard », interprétés de la plus belle des manières pour conclure.

21h55 : Ils quittent définitivement l’estrade après 55 minutes de concert, rappel compris, laissant un goût amer de trop peu dans la bouche des spectateurs. Consolons-nous malgré tout, ce set était bref, certes, mais ô combien intense ! Et puis, c’était peut être la dernière date belge à dimension humaine de ce groupe qui n’en finit plus de grimper les marches du succès.

Setlist

1. No Hope
2. Wreckin’ Bar (Ra Ra Ra)
3. I Always Knew
4. Tiger Blood
5. A Lack of Understanding
6. Wetsuit
7. Teenage Icon
8. Under Your Thumb
9. Ghost Town
10. Post Brek-Up Sex
11. All in White
12. Change of Heart, Pt. 2
13. Blow It Up
14. If You Wanna

Encore:

1. Aftershave Ocean
2. Bad Mood
3. Norgaard

(Voir aussi notre section photos ici )

C'est une salle comble qui attend le groupe Birdy NamNam, vendredi soir au Théâtre National de Bruxelles, dans le cadre de l’édition 2012 du Festival des Libertés. Mêlant hip-hop et musiques électroniques, ce groupe français réunit quatre DJ. Ses prestations scéniques sont devenues une marque de fabrique. Ils scratchent simultanément sur quatre platines, se répartissant et s'échangeant la ligne de basse, le solo, les rythmes et le thème principal. Acclamé tant par le public que par la presse, Birdy NamNam a reçu de nombreux prix, et se produit depuis 2005 un peu partout dans le monde.

Ce concert, très attendu par un public bruxellois venu en masse, débute en apothéose. Le décor majestueux reçoit les quatre musiciens. Ils semblent minuscules, devant un public exalté avant-même le début du set. Le concert commence dans une bouffée d'applaudissements et de sifflements flatteurs. Immédiatement, les corps gigotent, déchaînés. Les protagonistes lancent leur show, dansant au rythme des vinyles qu'ils scratchent avec délice, et des boutons qu'ils chipotent avec une précision de métronome. Les curseurs sont poussés à fond, le volume fait vibrer le sol, les cages thoraciques et les neurones. Les rythmes s'accélèrent et les yeux ne sont pas en reste, éblouis par le jeu de lumières alternant flashes multicolores, rayons tourbillonnaires et autres effets stroboscopiques.

Tapissant l'arrière-scène, un dessin d'aigle gigantesque mêle iconographie antique, religieuse et industrielle.

L'ambiance est bien présente ; les morceaux se succèdent naturellement ; et pourtant, petit à petit, l'énergie s'essouffle et la salle se désemplit insensiblement. Les titres se suivent et se ressemblent, similaires dans leur intensité, leur construction rythmique, leur tempo.

Faut dire que la position surélevée des DJs nous empêche de voir ce qu'ils bidouillent, nous interdisant ainsi le plaisir d'observer les correspondances entre gestes et sonorités, de démêler ce qui relève du scratch ou du jeu de machines.

La musique est urbaine et sauvage. Certes, la mécanique est bien huilée, mais elle semble avoir perdu l’audace des premières années.

Si on se réfère aux musiques expérimentales dispensées dans de petites salles underground de la capitale, il est indéniable que les artistes exploitent bien mieux leur potentiel. Qu’ils nous offrent une plus grande diversité de création et un pouvoir de fascination, liés, sans doute, à leur prise de risque et à leur singularité.

Le concert de Birdy Nam Nam, ce soir, ressemblait à une prise de drogue en accéléré : exaltation, effets hypnotiques, et dégringolade pénible, presque agressive pour les sens.

Birdy Nam Nam