Non, non, nous ne sommes pas en présence d’un groupe américain spécialisé dans le rock FM… Ce sont des braves petits Flamands bien de chez nous ; et ils sont responsables de cette bonne vieille daube très susceptible de nourrir de bons gros Ricains avides de ce genre musical.

Vienna est une formation brugeoise drivée par le chanteur Gayle Van Hollebeke. Ses acolytes ont pour nom et rôle, Sven Herssens à la guitare et aux chœurs, Fre Gereels à la guitare, Bas Vermeulen à la basse ainsi que Miguel Ryde à la batterie.

Inconnu dans notre belle région wallonne, Vienna jouit déjà d’une bonne petite réputation au nord du pays grâce à ses prestations accordées en lever de rideau, lors des concerts (sans doute une de leurs idoles) d’Avril Lavigne, il y a un peu plus d’un an.

Pas de doute, à l’écoute des 11 morceaux proposés par Vienna, les cinq jeunes musicos sont fans d’Alanis Morissette, Sheryl Crow et autre ‘rockstarlette’ du même acabit. Le style est très vite reconnaissable, un ‘tchac-boum, tchac-boum’ dynamique et puissant mais quasi constant et répétitif. Bref un style à la fois simpliste et faussement musclé ! Ou si vous préférez, un pastiche de ce que proposent les trois gonzesses précitées. Pas mauvais en soi, mais vite lassant et encore plus vite oublié…

Ce bon ersatz pourrait, circonstanciellement, servir de belle petite affiche à moindre frais ; et déboucher sur un résultat très semblable à ce qui coûte, à n’en pas douter, une réelle fortune à l’organisateur…

On notera quand-même pour l’anecdote que c’est Universal qui les a signés, un signe ?

Les Bopcats sont issus de Richmond en Virginie. Il y a plus de trente années que ce groupe de rockabilly écume les bars de la côte Est des USA. Leurs premiers enregistrements datent de 1984. Il s’agit de vinyles. Mais également de ‘démo tapes’ et de cassettes. La formation est toujours active et continue de se produire en live. Sous la forme d’un trio. Réunissant le guitariste Linda Fralin, le drummer Paul Hammond et le contrebassiste Steve Hudging. Ils se partagent les vocaux. Leurs idoles ? Sans surprise, elles répondent au nom d’Elvis Presley, Eddie Cochran, de Chuck Berry, Jerry Lee Lewis et autres rockers de la grande époque!

Cette collection retrace 25 années de carrière, à travers onze compositions originales et six reprises. Les Bopcats nous replongent au cœur des 50’s, période qui a vu éclater ce style toujours au goût du jour, le rock'n'roll ! Au cours des premières années, Gary Fralin, le frère de Lindy était préposé au piano. Un instrument qui apportait une plus grande diversité aux morceaux, et surtout cette couleur ‘Jerry Lee Lewis’ à l'ensemble.

"Don't want to be alone" ouvre les hostilités. Le tempo est vif. Le son impeccable et en particulier les sonorités des guitares. Une ouverture souveraine. "Dark train" maintient le rythme, toujours soutenu par les interventions échevelées de Gary au piano. Le Néo-orléanais Dave Bartholomew signe "Who drank my beer", une plage au climat bien plus blues et R&B. Le quartet est ici rejoint par un autre frère Fralin, John. Il se débrouille également très bien aux ivoires et incite Lindy à prendre un envol sur les cordes, dans un style jump d’excellente facture. Blues enlevé, "Broke down" est contaminé par le country rock. A cause de la pedal steel de Lindy qui alimente la piste. Ce dernier est épaulé par John ‘Sparkly’ Otte qui double au chant et au sax ténor sur "All I need", tout en célébrant un retour au rock'n'roll. Brad Tucker est passé à la basse acoustique sur le rockabilly "Wheels of mine", un titre chanté par les frangins Fralin. Trois reprises sont absolument superbes. Tout d’abord le "Red Cadillac" de Robert Gordon. Ensuite le "Ventilator blues" des Rolling Stones, un cover qui adopte un tempo plus cool. L’intensité du blues dispensée par Fralin nous entraîne dans une atmosphère digne de Howlin' Wolf. Et enfin, sans surprise, le "Marie Marie" de Dave Alvin. A cet instant, on ne peut que penser aux Blasters, passés eux, à la postérité. Caractérisé par son riff très ‘stonien’, "Sweet thing" se distingue également par le piano barrelhouse de Gary, une compo renforcée pour la circonstance par les saxophones et les vocaux. "Life of crime" baigne également dans un même climat. Gary s’y réserve l'orgue. Manifestement, la musique des Bopcats était en pleine phase d’évolution. Remarquable titre aux accès de guitare réverbérés, "Jenny Jenny" lorgne vers les Paladins. Jusqu'au terme de l’opus, les Bopcats jurent fidélité au rock'n'roll. A l’instar de l’adaptation du "Get rhythm" de Johnny Cash et d’"On a roll". Parfois, cette formation me rappelle les Flamin' Groovies, un band que j'ai toujours adoré! Et ne vous trompez pas de Bopcats ! Pourquoi ? Dans l’univers du rockabilly, c’est un patronyme courant. Il en existe d’ailleurs un spécimen en Finlande, aux Pays-Bas, au Canada et même dans l’Oklahoma…

‘A travers la noirceur de l'ombre, qui cache la mer et les cieux,
Une clarté blafarde et sombre, fait voir l'une et l'autre à nos yeux’

Empruntée à Madame Madeleine de Scudéry, femme de lettres française du dix-septième siècle, cette oxymore illustre idéalement le propos musical de Cult Of Youth et de cet album en particulier, assurément un des meilleurs parus cette année.

Bien qu’ici ladite clarté apparaisse plutôt à nos oreilles enchantées.

Dans un registre Folk lumineux embrassant avec ardeur la gravité d’un Dark Wave glacial mais jamais caricatural, COY sème habillement les fantômes de ses majeures influences (Death In June, Coil, Blessure Grave) et embrasse l’auditeur d’une étreinte fiévreuse digne du baiser de Klimt.

Vous l’aurez compris, le groupe, emmené par Sean Ragon (ex-Laugh As Laughters) ne fait pas dans la broderie.

Certes, sur papier, on craint que ces allures Post Punk rehaussées de cordes et de cuivres ne virent à un culte passéiste plutôt qu’à une ode à une quelconque jeunesse.

Mais qu’on se rassure ; les dix titres présentés sur l’autel s’avèrent simplement magistraux et parviennent d’emblée à faire oublier les spectres de ces glorieux aïeuls.

Si le regard est sans doute passéiste, la vision est contemporaine. Ce qui explique, peut-être, pourquoi cet opus est un de mes favoris de cette dernière année, avant l’apocalypse annoncée.

Pour un groupe resté résolument dans l’ombre pendant toutes ces années, intituler son dernier né « The Road Gets Darker From here » pourrait sonner comme le glas d’une carrière entamée à l’aube des années 90.

Sauf qu’à l’écoute de ce brûlot, on se rend bien vite compte que si les ténèbres sont prêtes à nous envelopper, on s’en réjouit et on ne demande qu’à chavirer en compagnie de ces vieux briscards, sujets de sa gracieuse Majesté.

Si Gallon Drunk est une référence majeure pour beaucoup et si le CV de ses membres en dit long sur leur potentiel, c’est au cœur de sa musique que l’on comprend mieux l’essence même de ce Rock poisseux et classieux à la fois. 

Cet album pourrait être un classique, si…

Si Gallon Drunk n’était pas voué à l’éternel purgatoire du Rock.

Mais entre nous, c’est justement là qu’ils se sentent le mieux.

Loin des lumières éclatantes qu’ils laissent aux autres, dans cet underground qui sied si bien à leurs riffs graveleux.

Pertinente de vérité la définition qui suit traduit mieux que n’importe quel article dithyrambique, la valeur de ces Britons.

Le gallon (symbole : gal) : unité de volume anglo-saxonne, utilisée pour mesurer la qualité d’une musique ne faisant pas partie du système international d'unités.

Tout est dit…

En Irlande du Nord, Rory Gallagher et Gary Moore sont de véritables symboles du blues rock énergique. Agé de 33 balais, Simon McBride est originaire de Belfast. Producteur, compositeur, guitariste, il est également chanteur. Gallagher n'est pas vraiment sa référence. Rory était intrinsèquement bien plus blues. Par contre, McBride peut revendiquer la succession de Gary Moore. De toute évidence, il relève de la face la plus rock du blues. Ses débuts, il les a d’ailleurs accomplis au sein de Sweet Savage, un groupe de métal ! Son talent est enfin reconnu en 2008, lors de la sortie de sa première production personnelle, "Rich man falling", un elpee déjà publié chez Nugene. Il embraie par "Since then" en 2010 et "Nine lives" en 2011, deux opus qui allaient confirmer la naissance d'une nouvelle étoile.

Le disque s’ouvre par "Lead us away". On pense immédiatement à Free, un groupe que Simon apprécie beaucoup. Même sa voix évoque leur chanteur, Paul Rodgers. Tout comme sur la cover du "Go down gamblin'" de David Clayton-Thomas. Dynamique, cette compo ouvrait le 4^ème elpee de Blood Sweat & Tears, un long playing paru en 1971. "No room to breathe" est un premier sommet de l’opus. Cette compo baigne parfaitement dans le style de McBride. Le tempo est lent. Autoritaire et majestueuse, la voix est contrebalancée par la réplique féminine de Mia Simone. L’intro de "Don't be a fool" est imprimée sur un tempo saignant. Simon s’y multiplie. Tout d’abord à l'orgue Hammond. Enfin on suppose. Dans un registre réminiscent de Deep Purple voire de Whitesnake. Pensez à Jon Lord. Puis à la slide. A la manière de Mick Moody. Il est vraiment dans son trip, lorsqu’il attaque le blues lent aux accents dramatiques. A l’instar de "Starve this fever", une piste digne du jeune étasunien Joe Bonamassa ; cependant, il ne se contente pas de parodier le natif d’Utica. Il brille tant au chant qu’aux cordes. Elles vibrent. Leur intensité est maximale. McBride est agité par une passion trépidante. Pop/rock/blues, "Alcatraz" est soutenu par un riff solide. Les cuivres sont bien présents ; et on assiste, en même temps, au retour de Mia Simone aux chœurs. Le tout est raffiné par le travail de production. Jackie McAuley est un autre gratteur issu du Nord de l’Irlande que j’apprécie beaucoup. Il a milité auprès de Van Morrison, chez Them, et un peu plus tard, soit au milieu des sixties, au sein des Belfast Gypsies. Par la suite, il s’est converti au folk, avant de s’investir dans le rock celtique à travers Poormouth. Sixcordiste extraordinaire, il est injustement méconnu du grand public. McBride me fait furieusement penser à McAuley tout au long du superbe "One more try". Un nouveau point culminant de l’elpee. Simon chante passionnément "A rock and a storm", en s’accompagnant uniquement d’une gratte sèche. Il se réincarne en Jimmy Page lors de l'intro de "Heartbreaker" ; même si au chant il demeure le disciple de Paul Rodgers. Simon adapte "Home to me", une plage particulièrement mélodieuse signée par son jeune compatriote Gareth Dunlop. L’opus s’achève par une reprise puissante et magistrale de "Down the wire", une piste qui figurait sur "Since then", long playing gravé en 2010. Excellent!

En une cascade de sons et de voix samplées, l’Italien Johnny Mox (je soupçonne quand même un nom d’emprunt !) construit un univers certes un peu barré, mais au final assez jouissif.

Si l’intro laisse quelque peu dubitatif (surtout le côté cheap de cette human beat box), le second titre « Oh Reverend » tend vers une certaine instantanéité pour le moins salvatrice.

Jonglant des loops et de ses muqueuses avec une sacrée dose de malice (le roulement de tambour buccal sur « All We Ever Wanted Was Everything » est un manifeste à la décomplexion à lui seul), Johnny ne se prend pas au sérieux (en atteste une pochette en papier de verre qui symbolise à elle seule l’âpreté illusoire de toute chose).

Pour autant, sa musique ne se veut pas une farce.

Plutôt une ode à la liberté et à l’audace.

Celle-ci finit par payer, et si quelques écoutes seront peut-être nécessaires à dérider certains auditeurs, il est fort à parier que cet album séduira plus d’un mélomane.

Mention spéciale au dernier titre, « Benghazi ». Plus introspectif dans ses premières mesures, captivant, il laisse entrevoir un potentiel atmosphérique…