A l’instar des années précédentes, le Festival de Dour vous propose de proposer des noms de groupes ou d’artistes que vous souhaiteriez voir entendre les 18, 19, 20 et 21 juillet prochains sur la Plaine de la Machine à Feu.
Fin du référendum : mardi 4 décembre 2012 à minuit.
http://www.dourfestival.be/fr/referendumdour25
Tom Tom Club publiera bientôt un nouvel Ep. Intitulé « Downtown Rockers », il s’agit de la première sortie des ex-Talking Heads, Chris Frantz et Tina Weymouth, depuis plus de 12 ans.
Tracklist
1. Downtown Rockers
2. Won’t Give You Up
3. You Make Me Rock and Roll
4. Kissin’ Antonio
5. Sweets to the Sweet
6. Downtown Rockers (Ed Stasium E-Dub Mix)
7. Downtown Rockers (Arthur Baker Superstar DJ Mix)
8. Kissin' Antonio (Entro & Ginseng Short Mix)
9. Kissin' Antonio (DJ Latin Bitman Mix)
Quel bonheur d’être de retour au Grand Mix pour un des concerts les plus attendus de cette fin d’année. Effectivement, le groupe originaire de Leeds, déjà pressenti comme LE groupe rock de l’année, a raflé le prestigieux ‘Mercury Music Prize’ dans la catégorie ‘meilleur album de l’année. Ce sera l’occasion de voir si le live vient confirmer le talent du quartet anglais.
En première partie, nous découvrons un groupe local proposant une chouette énergie sur les planches, un show original, bien calé et qui n’a pas peur d’explorer de nouvelles hybridations musicales. Ce groupe s’appelle Delbi et j’ai l’intime conviction que nos amis français risquent d’encore en entendre parler.
Dans un timing toujours irréprochable propre à la salle, la sensation britannique entre sur scène avec comme seul décor un grand néon représentant le signe Delta (un triangle ou ‘Tessellate’ en anglais) tiré directement du raccourci clavier Alt-J. Vous aurez compris que la boucle est bouclée et le style geek-moderne avant-gardiste est posé. Laissons donc place aux artistes...
Pour débuter cette intime représentation musicale, la formation prend la carte de la cohérence vis-à-vis de l’album. On est directement bercé par l’intro au piano suivie de l’interlude « Ripe & Ruin » durant laquelle nous pouvons apprécier les capacités vocales des musiciens. En enchainant par leur excellent morceau « Tessellate », le combo a déjà conquis le public du Grand Mix. Nous sommes ensuite emportés dans leur univers aux influences prog-rock/indie illustré par « Something good » ou encore « Dissolve me ». Les protagonistes s’exprimant dans un français très correct dévoilent leur touche électronique lors du succulent « Fitzpleasure » et l’assemblée est ravie... Une belle démonstration de maîtrise musicale pour les Anglais. Un set bien calé, très sensible et original. C’est le mashup « Slow dre » (« So slow » de Minogue mixé avec « Still dre » de Dr. Dre) qui atteste de cette originalité. Bien trouvé !
Nous sommes à un peu plus de la moitié et une galère technique leur tombe dessus. Mea culpa, les zicos prennent très bien ce contretemps. Ils en informent leur public et embraient par le suave « Matilda »... Dommage que le rendu sonore ne soit pas optimal à ce moment là. Mais qu’importe puisqu’on est rapidement rattrapé par « Breezeblocks ». Quelques secondes après le morceau, le batteur est invité à prendre place au glockenspiel pour l’intro de « MS », interprété tout en douceur. « Bloodflood » vient sonner l’heure de la fin, mais heureusement pour l’auditoire qui en réclamait encore, les quatre mousquetaires reprennent le plateau d’assaut pour accorder deux morceaux époustouflants en rappel, à savoir « Hand-made » et « Taro ».
Quelle soirée, quelle prestation, quelle maîtrise de leur art ! Quel régal de profiter de la présence du groupe de l’année venu nous présenter son album de l’année pour un des meilleurs ‘live’ de l’année ! OK, c’est confirmé, Alt-J jouera bien dans la cour des grands d’ici quelque temps.
Vision pantagruélique d’un Adam Ant sous acide ayant régurgité des influences ‘Cold Wave’ réchauffées, The Saint Cyr est tout sauf digeste.
Le Rock cabaret n’appartient certes pas qu’à Voltaire, mais n’est pas Gavin Friday qui veut.
Souvent à la limite du grotesque, le groupe s’enlise dans des compositions maladroites et la voix principale s’étrangle dans un ‘franglais’ qui prête à sourire.
Quelques moments épiques viennent relever le propos de temps à autre, mais ces fulgurantes intrusions sont bien vite happées par les défauts apparents de compositions bancales et mal torchées.
Et quand le chanteur s’époumone sur la cinquième plage intitulée « I’m Lost », on le croit sur parole…
Versus est le projet hip-hop du bassiste, contrebassiste et producteur français Seb Lawkyz. Un projet ancré dans la tradition du hip-hop jazzy cher à The Roots (« How to Play the Game ») et surtout Automato (« Museum of Life »). Ici, pas question pour le hip-hop de se limiter à des samples martiaux ou à une production survitaminée… Les instruments sont organiques et le son est cool comme aux plus belles heures d’A Tribe Called Quest.
L’album commence fort par « Mr. Blue », une plage portée par le flow imparable de Bruce Sherfield qui a collaboré à l’enregistrement de l’elpee, tout comme Lalo Schifrin, Juan Rozoff et Beat Assaillant. Il raconte –à la manière d’un film noir des années 70– l’histoire d’un obscur ‘Monsieur Bleu’, un patron de bar peu recommandable, sévissant dans un quartier mal famé… La flûte de Yann Cléry, les scratches de Mr. Tos, les percussions de Gérald Bonnegrace et les claviers vintage de Charles Françoise permettent à cette originale aventure de remuer les sillons soul que la Stax a creusée il y a bien longtemps (« Marauders »)…
Originaire de Nîmes dans le Gard, département le plus chaud de France, Waterllillies est un excellent quintet, responsable d’un rock indé à la sauce… Dandy Warhols, la touche humoristique en sus.
Autour de leur leader Baptiste au chant et à la guitare rythmique, gravitent Loïc à la guitare solo, son frère Gaël aux drums, Théo aux keyboards et Jack à la basse ; des musicos qui font preuve d’une grande maturité et d’originalité. Suffit de lire le titre de leur Ep pour s’en convaincre. Mais aussi de leur premier ouvrage, baptisé « Smoke On The Waterllillies » !
Ce n’est pas pour rien que Julien Doré les a emmenés dans ses bagages lors de sa tournée franco-belge de 2011. C’est sans doute également pour donner un coup de pouce à Baptiste qui était son premier drummer.
Pour les avoir vus personnellement, je peux vous assurer qu’ils ont du talent et une bonne dose d’humour.
Cinq titres seulement peuplent cet Ep ; ce qui est étrange d’autant plus que leur premier long playing en comptait quinze. Quelle raison a donc poussé Waterllillies à ne sortir qu’un mini elpee ? Pour être clair et concis, Waterllillies a tout simplement repris cinq compos existantes et les a retravaillées pour les rendre plus accessibles et tenter de convaincre un public plus large. Il est vrai que sur leur album, les morceaux sonnent résolument plus rock, ont plus de pêche, de rythme. Pour leur nouvelle réalisation, les angles ont été arrondis, les refrains et couplets ont gagné en souplesse et en douceur. De quoi attirer les plus réticents ? Why not !
Perso, je préfère leurs premières versions. Elles déménagent davantage et sont un peu ‘rentre dedans’ tout en demeurant chaudes et, mélodiquement parlant, d’excellente facture.
Visitez leur site et tendez l’oreille aux 15 plages de leur premier opus, en écoute libre, vous en aurez la parfaite démonstration.
Rien de nouveau, une qualité toujours bien présente qui, sous cette forme, plaira peut-être davantage aux médias…
Après avoir publié cinq albums studio, un premier ‘live’ en 2004 et un ‘best of’ en 2007, Bénabar nous propose un second album enregistré en public, un disque enrichi d’un Dvd. Ah ! Les affaires sont les affaires ! Commerce, quand tu nous tiens… Y’a pas à dire, ils sont vraiment quasi tous les mêmes. On fait du fric avec tout et n’importe quoi !
Bénabar, comme pas mal d’autres chanteurs de son acabit, ‘c’est un mec de disque’, point barre. En concert, il est bien gentil, bien propre sur lui et il chante très bien, ok. Mais quel intérêt y a-t-il à acheter la copie conforme de ce qu’on possède déjà chez soi ? A la limite, on peut (veut) bien aller l’applaudir et passer une bonne petite soirée en sa compagnie, tranquillos à taper dans les mains et reprendre les trois ou quatre refrains super connus de tous. Mais acheter son concert à la fois en Cd et en Dvd, c’est plus que de l’amour, c’est du don de soi, et c’est participer volontairement à l’enrichissement personnel du mec.
Alors, si vous estimez qu’il manque de thunes, le pauvre, allez-y, jetez-vous rapidos sur sa dernière publication, ça lui mettra un peu plus de beurre dans les épinards et un peu moins dans les vôtres !
Mais non, je ne suis pas aigri. J’aime même beaucoup ce qu’il fait, je possède toute sa discographie et l’ai vu à l’œuvre en chair et en os. C’est bon, très bon même… mais il y a quelque chose qui me dérange un peu dans la démarche, c’est tout. J’estime que ces deux disques n’apportent rien de neuf, point à la ligne.
Pour inconditionnels uniquement…
Les autres, un bon conseil, économisez votre blé !
En 2007, cette formation rémoise naissait sous le patronyme de The Bewitched Hands on The Top of our Head. Un peu long quand même. Depuis, elle a décidé de raccourcir son nom. Faut dire que vu le succès rencontré par leur premier album, « Birds & Drums », les Champenois avaient tout intérêt à opter pour une dénomination plus facile à mémoriser. En outre, depuis 2010, le groupe est devenu un des poulains des Inrockuptibles. Non seulement il a décroché le prix du CQFD (‘Ce Qu’il Fallait Découvrir’), mais il a également eu la chance de participer au festival des Inrocks. Une belle carte de visite, il faut le reconnaître. Mais ce coup de pouce, la band le mérite amplement, car il est devenu un des groupes-phare de l’indie-pop hexagonal.
Leur second long playing s’intitule « Vampiric Way ». Tout comme sur leur premier essai, le combo français continue de puiser ses influences dans la quintessence de la scène américaine, au sens le plus large du terme (NDR : aussi étasunienne que canadienne).
« Westminster » ouvre l’elpee. Un tube en puissance. Une compo lyrique, introduite par des accès d’orgue et enrichie de chœurs mixtes, rappelant manifestement Arcade Fire. Progressivement, les plages sont davantage contaminées par les synthés. A l’instar de « Word Can Let You Down » qui lorgne manifestement vers MGMT. Et si Tilly and the Wall hante « Let Me », à cause de ses harmonies vocales féminines, « Ah ! Ah ! Ah ! Ah ! » affiche un côté disco-kitsch qui ne dépareillerait pas chez Yeasayer. Toute une liste de références, ma foi, fort intéressantes, qui démontrent que nous sommes en présence d’un groupe doté d’un énorme potentiel…
The Bewitched Hands se produira au Botanique le 13 décembre.
Dark Dark Dark. La même syllabe, répétée à trois reprises, telle une oraison funèbre, comme une mise en abîme. Mais plutôt que de s’enterrer dans le sol meuble du misérabilisme, la musique de ce groupe tend de plus en plus au fil de ses albums vers une certaine lumière.
Oh ! Bien sûr, le propos n’est pas léger et n’incite pas vraiment à l’allégresse.
Mais « Who Needs Who » est le genre d’album qui révèle l’espoir et les beautés tapies dans l’obscurité.
Alors, si chagrin, nostalgie et rédemption s’accouplent ici même dans une danse au tempo lent et suspendu dans l’air du temps, jamais l’abattement ne vient ternir la douce aura de cette bande son que l’on caresse comme une cicatrice palpable à fleur de peau.
Le piano ouvre immanquablement chaque pièce de cet elpee, invite l’auditeur à s’imprégner de l’atmosphère singulière de l’endroit. La voix de Nina Marie Invie ? On jurerait l’avoir déjà entendue dans un rêve ou peut être dans la réalité se chargeant de bercer l’âme et de l’apaiser. Par touches subtiles (un accordéon, quelques instruments à vent entre Nouvelle Orléans et Balkans, entre Paris vielle époque et aujourd’hui, là, ici, et maintenant), les rayons de lumière se posent sur le mobilier, figé dans le temps, celui du souvenir. Déplaçant la poussière dans chaque pan de clarté.
Et « The Great Mistake » clôture ce très bel opus dans une envolée légère alors que le propos était si grave.
En concert ce samedi 1er décembre au Botanique (en compagnie de Shearwater et Father John Misty) dans le cadre de l’Autumn Falls Festival.
L’an dernier Eleanor Friedberger publiait « Last summer », son premier opus solo, un disque trempé dans une pop particulièrement élégante. Après la sœur, place aujourd’hui au frère, Matthew qui nous propose son onzième opus en solitaire, même si on sait que ses neuf derniers, gravés entre janvier 2011 et juillet 2012, étaient consacrés à des démonstrations instrumentales conceptuelles (le neuvième compile d’ailleurs les huit autres). Pour rappel, Matthew et Eleanor militent également au sein du duo Fiery Furnaces.
« Matricidal sons of bitches » est à nouveau expérimental. Un opéra instrumental découpé en quatre actes et 45 morceaux.
L’Américain présente d’abord les personnages (Peter, Charlie, Perry, Marco, Julian et Michael) avant d’entrer dans le vif du sujet… et là, c’est avec effroi qu’on assiste à l’autosacrifice d’un talent unique. Tout simplement parce que les compos auraient mérité plus de temps et d’espace. Les bonnes idées foisonnent, les mélodies ont une accroche, mais l’écoute de ce disque est absolument insupportable, car au bout de quelques secondes, le processus avorte.
Les puristes apprécieront sans doute la démarche de l’artiste. Les mauvaises langues le taxeront de vain poseur. Perso, je suis convaincu du génie de Matthew Friedberger ; mais il serait quand même temps qu’il nous ponde un disque qui tienne la route…
Petite échappée en solitaire pour Glen Hansard, conteur en chef de the Frames et The Swell Season. Le chanteur oscarisé propose un premier disque qui ne risque certainement pas de prendre ses fans au dépourvu. « Rhythm and Repose » sonne exactement comme du Glen Hansard, sans surprise mais sans déconvenue non plus. L’Irlandais a torché dix nouvelles compositions Folk à la hauteur de ce qu’il peut proposer au sein de ses deux formations. D’aucuns les décriront comme peut-être un peu trop proches. Comme sur ce « High Hopes » qui aurait pu être signé par The Frames. Ou « Talking With The Wolves », un duo en compagnie de la prometteuse Hannah Cohen, qui semble avoir été écrit, à l’origine, pour The Swell Season. Sa comparse Markéta Irglová apparaît d’ailleurs à deux reprises sur le disque.
Hansard s’est donc offert un petit cadeau, dont la force réside en la simplicité des mélodies et la puissance d’une voix qui vous file la chair de poule à la moindre occasion (ce « Bird Of Sorrow » !) Ce qui ne l’empêche pas d’être un peu chiant, à quelques moments (les trop standardisés « Races » et « Love Don’t Leave Me Waiting »), rares heureusement. « Rhythm and Repose » n’étonnera personne mais servira d’outil infaillible pour emballer la fille ou le fils de la voisine cet hiver.
A l’origine, Incubus pratiquait un funk/métal singulier, unique en son genre. Pensez aux excellents albums « S.C.I.E.N.C.E. » et « Morning View ». Peu à peu, la formation californienne a édulcoré sa production, lui imposant un virage carrément pop, lors de la sortie de « Make Yourself », avant de sombrer dans une expression sonore sirupeuse et lénifiante, à l’instar de « If Not Now, When ? » Une évolution qui ne m’a guère enthousiasmée, je dois le reconnaître, et que confirme d’ailleurs ce « HQ Live », une sorte de ‘best-of’ qui synthétise plusieurs shows accordés au West Hollywood de Los Angeles. Brandon Boyd, Mike Einziger et ses acolytes y fêtaient leurs 20 années de carrière. Sans grande passion, il faut le reconnaître. D’ailleurs, les morceaux proposés sont tellement lisses, qu’ils semblent destinés exclusivement aux stations de radio FM américaines…
Avant de se lancer dans une carrière en solitaire, Stevie Jackson officiait au sein de Belle & Sebastian et de The Vaselines. Fort de ces expériences passés, l’Ecossais nous largue « (I Can’t Get No) Stevie Jackson », un premier opus solo quelque peu désarticulé. Hésitant entre folk, pop et americana sans jamais trouver le juste milieu, Jackson galère un peu en matière de consistance.
Meilleur compositeur qu’interprète, le chanteur propose douze titres mollassons qui traînent la patte comme un chien qui chercherait son maître. Jackson tente de nous faire croire à un Belle and Sebastian nouveau, notamment en engageant une bonne moitié de la bande. Mais l’illusion n’est que de très faible durée. Un disque tout à fait dispensable.
Après un petit coup de promo télévisuel du côté de la RTBF, Greg Avau et Senso retrouvent leur camarade de jeu Steph Debruyne, histoire de reconstituer Joshua le temps d’un troisième album. « The Outsiders » s’ouvre par « Crush », un morceau plutôt engageant, flirtant judicieusement avec le Hip Hop. Mais l’intérêt de la plaque s’arrête là. S’ensuit une série de compos pop trop sages, trop lisses. De « No Turning Back » à « Midnight Movie », la montée d’adrénaline se fait attendre sans jamais pointer le bout de son pif. Un coup de stéroïdes planté en pleine couilles de « Lived And Died By the Chrome » ou du pseudo rock’n’roll « Who’s The Rocker » aurait été salutaire. « The Outsiders » manque cruellement d’ambition, et surtout de détermination. Sur scène, le trio belge ferait bien de booster ses compos s’il n’a pas envie de se faire buzzer à son tour.
En 2004, un p’tit gars de 23 piges débarque de sa Suède natale des idées plein la tête. Des idées qu’il matérialise sous forme de ritournelles pop ultra-efficaces. Dispatchées dans une série d’EPs, ces pépites trouvent leur place en 2005 au sein de « Oh You’re So Silent Jens », une compile qui attire toutes les oreilles vers lui. Jens Lekman pouvait alors dire adieu à cet anonymat qui avait desservi la sortie de son premier LP, « When i Said I Wanted To be Your Dog ».
En 2007, la même attention est portée à son deuxième opus, « Night Falls Over Kortedala », porté par les traits disco du single « The Opposite Of Hallelujah ». Cinq ans après, le Suédois est de retour. Et après avoir écouté cet « I Know What Love Isn’t », on se demande bien ce qui est passé par la tête du gaillard. Une bonne moitié du disque s’avère relativement mollassonne, un peu à l’image de sa prestation au Pitchfork Festival de Paris l’an dernier.
Lekman est certes un habitué des ballades ; mais à force de répétition, le chanteur perd ici un peu de sa superbe. Toujours capable d’écrire de jolies litanies, ce dernier semble pourtant se reposer sur ses lauriers en ne proposant qu’une série de chansons aussi passionnantes qu’un épisode de « Joséphine ange gardien ». Pourtant, lorsqu’on entend les seuls morceaux relativement ‘upbeat’ de la plaque, « The World Moves On », « I Know What Love Is » et « The End Of The World Is Bigger Than Love », relégués en fin de parcours, on se dit que le bonhomme est capable de créer des petites capsules sacrément enivrantes quand il y met du cœur. Une touche d’audace, comme sur « Night Falls Over Kortedala », aurait été plus que profitable à ce troisième LP.
Récemment, le site Spotify proposait le hit parade des albums les plus écoutés pendant l’acte sexuel.
Etrangement, les Mediaeval Baebes ne figuraient pas au palmarès.
Pourtant, pour celles et ceux d’entre vous qui aiment s’ébattre sur une peau d’Ours devant un âtre brûlant de mille feux follets, cette musique pourrait fort bien contribuer à accentuer l’extase d’un moment, hors du temps.
Trêve de plaisanterie, il s’agit bien d’une escapade temporelle que nous propose ce quintet issu du nord de Londres.
Du line-up original né en 1996, il ne reste plus qu’Emily Ovenden et Catharine Blake (la voix de Miranda Sex Garden, souvenez-vous). Et malgré la vingtaine de vocalistes qui ont transité par le groupe, au fil de huit albums studio, l’esprit est toujours resté fidèle à un revival médiéval, dont les beaux jours sont perpétuellement assurés par la littérature, le cinéma ou la télévision.
Pas étonnant dès lors de voir nos prêtresses auréolées en 2007 d’un Award pour leur contribution au soundtrack de la série de la BBC, « The Virgin Queen ».
« The Huntress » se décline en deux volets.
Le premier aborde le côté éthéré d’un univers magique au travers de comptines issues du folklore moyenâgeux, comme du reste les titres ne font guère mystère (« She Moved Through The Fayre », « Under The Willow Tree », …)
Le second est axé sur un aspect plus folk, du moins dans l’instrumentation (et l’utilisation de la technique a cappella).
Bref, c’est une plongée très réussie dans un autre monde, entre cantiques et rites païens, rappelant ces temps immémoriaux où l’homme se parait de peaux de cerfs lors de célébrations ancestrales. Mais également lorsque les gentes demoiselles se languissaient dans le froid de hautes tours en attendant le retour improbable de leurs preux époux partis en guerre, espérant fiévreusement être délivrées de leurs ceintures de chasteté.
Chasseuses en terres connues, les MB appâtent le gibier avec moult talents, telles des sirènes d’un autre temps.
On savait ou en tout cas on avait deviné que les BB Brunes étaient devenus en quelques années seulement une grosse cylindrée. Ce que l’on ignorait par contre, c’est que ces bambins étaient eux-mêmes déjà parents ; un bébé, ils en avaient un eux aussi. Et ce poupon, baptisé Nyxtone (quel drôle de prénom), contrairement à ses ‘parents’ n’est pas né dans la capitale. Non, c’est à Alençon qu’il a braillé pour la première fois. D’ailleurs, c’est toujours ce qu’il est train de faire, brailler. Là où ses ‘parents’ font preuve de dynamisme, d’une bonne dose de musicalité, voire d’un certain talent (?), Nyxtone n’est qu’une pâle copie, une photocopie de mauvaise qualité. Les couleurs ont perdu de leur éclat, les traits sont mal dégrossis, les paroles se veulent ‘recherchées’ alors qu’elles ne signifient pas grand chose (écoutez « Silence », tout est dit !)
Bref, lorsqu’on s’engage dans un style variété/pop susceptible de plaire aux plus jeunes, il y a deux solutions… Soit on compose de jolies chansonnettes facilement mémorisables et entraînantes telles que « Coups et blessures » sur le bien réussi second Cd des BB, soit, on prend une orientation radicalement différente ; car on risque très vite de se voir catalogué comme sous-produit de mauvaise qualité.
Nyxtone est une jeune formation qui a tout intérêt à changer de direction ; ce choix ne pourra que lui être bénéfique.
Un disque beaucoup trop prévisible et sans aucune saveur.
Fondé au milieu des nineties, The Sea and Cake est une formation qui ne s’est jamais soucié du temps ou de la mode pour composer sa musique. Après dix-huit années de carrière, on peut affirmer qu’elle figure parmi les rares, capables de jongler avec tous les genres, tout en conservant une identité personnelle. Dixième album du band, « Runner », fait donc suite à « The Moonlight Butterfly », publié l’an dernier.
Précurseur du post-rock, le combo ne pouvait éluder sa marque de fabrique. Et il le rappelle sur l’instrumental « The Invitation ». Parmi la multitude de genres que TS&C aborde, on épinglera la synth pop, le rock, l’americana et le jazz. Mais The Sea and Cake a le don de fondre toutes ces références pour restituer un tout homogène. Une symbiose due au talent des musicos. Les dix titres de cet opus sont délicats mais anachroniques. Les guitares sont légères. La rythmique change de tempo sans que le mélomane ne s’en rende compte. Un ensemble de subtilités que Sam Prekop vient souligner de sa voix tout en retenue. Caressante, fragile, elle propulse les compos en apesanteur et les transforme en saveur sonore…
Second Floor Orchestra est un patronyme idéal pour un groupe de prog. Cette formation n’y émarge pas vraiment, mais s’inspire manifestement du rock insulaire. Mod en particulier. Pensez au Who, à The Jam et même à Blur. Mais pour bien noyer le poisson, le band n’hésite pas à injecter un zeste de psychédélisme et de beats électro (Franz Ferdinand ?) dans son expression sonore. Enfin, le groupe ne nous vient cependant pas de l’Albion, mais de Rouen.
« Lullabies » constitue leur premier opus. Et manifestement, les influences sont très présentes. L’orgue vintage et les guitares bavardes nous le rappellent constamment. Des clichés qui atteignent même le chant dont l’accent franchouillard n’est cependant pas dénué de charme. Les mélodies sont soignées et certains titres accrocheurs (« I Need to Believe »). Entre sérieux (« Révolution ») et franche rigolade (« Holy Whisky »), Second Floor Orchestra aurait tout intérêt à s’émanciper de ses références, s’il souhaite passer en division supérieure
Deux années après la sortie de « The Wild Hunt », Kristian Matsson, alias The Tallest Man on Earth, est de retour. Superbe, son premier elpee, lui avait permis de se forger une place aux côtés de la crème des compositeurs folk contemporains. Sa voix nasillarde et son style minimaliste lui ont même valu d’être comparé à Bob Dylan.
Pour enregistrer « There’s no leaving now », Mattson a utilisé la même formule. Il y joue de la guitare sèche en fingerpicking. Sa dextérité y est impressionnante. Son efficacité imparable. Et même si certains morceaux sont enrichis par la lapsteel (« 1904 ») ou le piano (« There’s No Leaving Now »), cet elpee creuse un peu plus en profondeur pour atteindre les racines du folk. Ce qui explique sans doute pourquoi, l’opus nécessite plusieurs écoutes avant d’être apprécié à sa juste valeur. Alors, et alors seulement, des titres comme « Criminals » ou encore « Wind and Walls » prennent toute leur dimension et se révèlent même totalement bouleversants.
The Tallest Man on Earth s’impose de plus en plus comme une référence en matière de néo folk. Son aura grandit encore, sans qu’on s’en aperçoive. Il n’a peut-être pas envie de rejoindre le sommet de la notoriété trop rapidement. Il prend son temps. Et qu’importe si son parcours vous semble long, le plus important c’est qu’il continue à être touché par la grâce…
Derrière Teen, dont le patronyme équivoque pourrait aiguiller le mélomane, à tort, vers les préoccupations senti-menthe à l’eau de jeunes filles en fleurs, on retrouve Kristina Lieberson, claviériste des Here We Go Magic et trois autres charmantes demoiselles (dont deux de ses sœurs, pour l’anecdote) dont les voix se succèdent en cascade tout au long de ce premier essai, ma foi, fort réussi.
Musicalement, cet opus baigne clairement dans les mêmes eaux que Warpaint, tout en privilégiant les vocalises éthérées, les nappes de synthé diluées et les guitares délayées.
Mixé partiellement par Sonic Boom (Spaceman 3), « In Limbo » se découvre lentement, émoustillant nos sens par touches subtiles et mérite qu’on porte attention à ces différentes textures sonores, savamment orchestrées, au-delà d’une apparence fragile.
L’excellent « Better » en ouverture, l’imparable « Electric » un peu plus loin, attirent déjà l’oreille à la première écoute.
Quelques tours de galette plus loin, on est définitivement sous le charme de ce disque qui tel un chat, rôde autour de nous en ronronnant, se laissant apprivoiser petit à petit, jusqu’à s’installer confortablement sur nos genoux et refuser de les quitter.
Et on reste là encore un moment, à prolonger le plaisir, voyageant mentalement entre ciel et terre.
Pour accueillir la formation Django Django, l’AB était presque sold out. Rappelons quand même que cette salle est susceptible d’accueillir 1800 personnes debout et 730 assises au balcon. Pas de doute, le quatuor écossais fait le buzz. Pas étonnant, quand on sait que pour l’exercice 2012, la formation a presque atteint la barre de 150 concerts. Dont un passage à la Rotonde, dans le cadre des Nuits Botanique et un autre au festival Pukkelpop.
Le combo accuse quelques minutes de retard sur le timing prévu, lorsqu’il monte sur les planches. Et vu le décor, on a vite compris qu’on n’est plus en présence d’un groupe qui débute. En effet, trois écrans géants surplombent le podium. De toute évidence, on va en avoir plein les yeux et les oreilles…
Les lampes s’éteignent, les écrans s’allument, le show peut commencer. Le set s’ouvre par l’intro de l’album. Une ampoule s’allume sur la scène. Elle est également reproduite sur les écrans. Elle se balance progressivement et en cadence, avant que le band n’enchaîne par « Hail Bop ». Explosion des couleurs et paroxysme rythmique. Nous sommes conquis. Le public aussi.
‘C’est notre plus grand concert’ déclare Jimmy Dixon. Manifestement, le quatuor a mis la gomme. Et puis, c’est mignon, trognon. Pourtant, on se rend compte que les musicos ne sont pas encore rompus aux grands spectacles. Ils manquent encore d’assurance, affichent une retenue certaine. Un « default » qu’ils devront apprendre à corriger. Dommage car, s’ils avaient eu davantage de confiance en eux et osé prendre plus de risques, ce spectacle aurait pu être épique.
Ce qui n’a pas empêché le public d’y trouver son compte. Chauffés à blanc, excités, les spectateurs commencent à réagir. Les morceaux s’enchaînent naturellement. Les transitions sont impeccables. La foule danse et entre presque en transe, baignant au sein d’un light show original et se gavant d’images hypnotiques. Bref que du bonheur !
Leur musique est un véritable cocktail de styles et d’influences qui se marie à la perfection : blues, afro beat, house, et la liste est loin d’être exhaustive. Malheureusement, le son n’est pas exceptionnel, et les voix trop peu mises en exergue.
Quant au rappel, il nous a laissé mi-figue, mi-raisin. Une compo trop peu connue de leur répertoire. Et non seulement la mise à feu était plutôt brouillonne, mais le titre n’était pas assez dansant.
Néanmoins, on doit reconnaître avoir passé une excellente soirée lors de ce concert accordé par Django Django, un groupe qui possède un énorme potentiel, mais qui manque encore de charisme et d’aplomb, pour faire vraiment la différence. Ce sera, sans doute, pour plus tard. C’est tout le mal qu’on leur souhaite…
(Organisation Ancienne Belgique)
Marillion est un cas particulier dans l’univers du rock. Fondé il y a 30 ans, en Angleterre, ce groupe associé au revival du rock progressif continue à remplir les salles sans aucun support de l'industrie du disque ou des médias. Comment ? Tout simplement en entretenant une relation privilégiée, très émotionnelle avec ses fans. Et dans ce domaine, ils sont des précurseurs. Avant tout le monde, ils ont exploité le potentiel de l'Internet et lancé des appels de fonds pour permettre la production de leurs œuvres (ce que l'on appelle aujourd'hui le crowd-funding). Aujourd'hui, Marillion a enregistré 17 albums, qui se sont vendus dans leur ensemble, à plus de 15 millions d'exemplaires et s’est produit devant plus de 3 millions de spectateurs. Leur style musical a évolué au fil du temps, particulièrement quand le premier chanteur, Fish, a été remplacé par Steve Hogarth (ex-Europeans). Aujourd'hui, Marillion évoque tout autant Radiohead, Talk Talk, Simple Minds, Razorlight, Waterboys, Split Enz ou Coldplay que Genesis et Yes.
Une preuve de l'engouement suscité, le concert prévu au Splendid à Lille est très rapidement décrété sold-out. Ce qui a décidé les organisateurs à prévoir une seconde date au même endroit, le lendemain. En tournée pour promotionner "Sounds That Can't Be Made", Marillion va nous réserver au total 5 titres de cet excellent album. C'est d'ailleurs par "Gaza" que débute les hostilités. Un choix osé, car il s'agit là d'un monstre de 17 minutes. Un tour de force caractérisé par moult changements de rythmes et d'ambiances. Mais les musiciens s'exécutent en affichant une déconcertante facilité. Steve Hogarth, porte un large t-shirt sur lequel est imprimé le symbole de la paix, une allusion claire au conflit actuel dans la bande de Gaza. Parmi les autres extraits de "Sounds" figurent le magnifique "Power", sur lequel Pete Trewavas révèle d'étonnantes aptitudes aux backing vocals, les très paisibles "Pour My Love" et "The Sky Above The Rain", sans oublier la plage éponyme.
"Beautiful" démontre que Steve Hogarth est capable de composer de très belles ballades romantiques. On est étonné par son incroyable maitrise vocale. Il parvient à atteindre les notes les plus hautes, alternant passages doux et intimes et incantations déchirantes. Son contact avec le public est aisé et empreint d'une totale authenticité. Après "You're Gone" et le très beau "Cover My Eyes", Marillion opère une incursion dans le répertoire de la période ‘Fish’ et attaque "Slàinte Mhath", issu de "Clutching At Straws". Dans la dernière partie du morceau, Steve peine quelque peu à reproduire les vocaux plein de puissance et de fureur de Fish. Aux réactions du public, on constate l'attachement, toujours vivace, des aficionados pour le géant écossais.
"Neverland" est un autre point culminant du set. Un véritable chef-d'œuvre, extrait du long playing "Marbles", considéré par certains comme le meilleur du groupe version ‘H’. Ce sont 10 minutes de pur bonheur, surtout lors des solos très ‘gilmouresques’ dispensés par un Steve Rothery toujours particulièrement concentré. Si Steve Hogarth est très mobile et en interaction avec le public, les autres musiciens se montrent, en général, plutôt discrets. Pete Trewavas, le bassiste, est très efficace et évite les fioritures. Mark Kelly trône aux claviers sur son podium, mais on doit constater que son rôle dans le groupe est moins conséquent qu'auparavant. Il n'aura guère que deux ou trois occasions de placer un de ses fameux solos. Quant à Ian Mosley, aux drums, il est d'une précision et d'une perfection tout simplement métronomiques.
Steve Hogarth dédicace ensuite "A Voice From The Past" à John Lennon et "Real Tears For Sale" à Sinead O'Connor, en référence au fameux clip où elle pleure ("Nothing Compares To U"). Au moment de "Three Minute Boy", un problème technique aux claviers force Hogarth à meubler en improvisant seul au piano des paroles de circonstances ("Three Minutes to wait for the keyboards, ..."). Quand, enfin le contretemps est résolu, le public est invité à chanter les ‘La La La’ du refrain et il s'exécute avec enthousiasme! La partie principale du concert se termine par "The Great Escape" ("Brave") et le band revient très vite pour aborder "No One Can", tiré de "Holidays In Eden" et enfin, un second extrait de "Clutching At Straws", "Sugar Mice".
Manifestement, et ce concert en est une nouvelle illustration, c'est principalement sur scène que Marillion prend sa pleine dimension, en créant une véritable communion avec ses fans. La foule chante les chansons qu’elle connaît par cœur, criant et applaudissant sans cesse. Le concert a duré environ 2 heures ; mais, vu la très riche discographie du groupe, on aurait préféré ne pas devoir se farcir une première partie (Carrie Tree, une jeune folkeuse anglophone) et que Marillion joue (encore) plus longtemps. Mais ne boudons pas notre plaisir, car cet excellent concert a été accordé par un groupe tellement attachant et dont la longévité est une véritable leçon de vie…
Pour voir la vidéo de "No One Can" sur Youtube, c’est ici
Pour lire l'interview de Steve Hogarth, c’est là
Setlist
Gaza
Beautiful
You're Gone
Cover My Eyes (Pain and Heaven)
Slàinte Mhath
Sounds That Can't Be Made
Neverland
A Voice from the Past
Power
Three Minute Boy
Pour My Love
Real Tears for Sale
The Sky Above The Rain
The Great Escape
Encore:
No One Can
Sugar Mice
Organisation : A Gauche De La Lune
(Voir aussi notre section photos ici)
Depuis une semaine, je chante à tue-tête « L’hymne de nos campagnes », « La main verte » ou encore « Mademoiselle Bulle ». Pourquoi ? Ce mardi 14 novembre, Tryo se produit en concert à Forest National. Et je serai présente assister à ce spectacle. Malheureusement, ces trois chansons, je n’aurai pas le bonheur de les entendre. En effet, la formation a privilégié les morceaux de leur nouvel opus, publié le 27 août 2012.
Forest National, 20h00. La salle est à moitié remplie. En première partie, un groupe inconnu au bataillon monte sur les planches : Boulevard des Airs. Huit musiciens enchaînent quelques chansons très festives et entraînantes. Une excellente découverte !
Tryo entre à son tour, dans l’arène, dès 21h00. A la surprise générale, le groupe apparaît sur une toute petite scène, au milieu de la fosse. Il enchaîne « Pas banal », « Marine est là », « Ladilafé ». Et crée une ambiance chaleureuse, en communiquant souvent avec le public. Le groupe aura bientôt 15 années d’existence. Il n’est cependant pas venu présenter un simple concert, mais un véritable ‘show’ : chorégraphies, DJ, ambiance boîte de nuit, scènes mouvantes, tout y est. Une seule chose manque : l’influence reggae, une caractéristique de leurs albums précédents. On peut donc souligner une tendance à vouloir s’intégrer dans le registre musical actuel (remix de chansons, grattage de platines, ...)
Les compositions sont toujours très engagées et expriment leurs opinions politiques et sociales : « Marine est là » fait référence à Marine le Pen, « Ladilafé » rend hommage à feue Patricia Bonnetaud, qui les a accompagnés tout au long de leur carrière, « Brian Williamson » reflète leur combat pour la reconnaissance de l’homosexualité dans le monde.
Le décor, très original et varié, est plusieurs fois renouvelé : au départ, il est composé d’une structure métallique sur fond blanc qui permet au public de voir les différents musiciens aussi bien que les chanteurs. Ensuite, un autre arrière-plan nous est dévoilé : celui de lucarnes et fenêtres ; et à cet instant, on a l’impression d’être sur les toits d’une ville. Les musiciens en jouent, ils apparaissent et disparaissent à leur gré.
Impression générale : un concert chaleureux et captivant mais qui n’a pas répondu à mes attentes. Cette nouvelle tournée s’éloigne un peu trop de l’univers créé par les premiers elpees du combo.
Organisation AJA Concerts
(Voir aussi notre section photos ici)
En congé forcé de son groupe Nine Black Alps où il milite comme bassiste, Martin Cohen nous gratifiait il y a déjà quelques mois de cet album injustement passé inaperçu, y compris à mes yeux et oreilles.
D’un point de vue visuel, l’artwork de la pochette justifie cette injustice, tant la pochette incite peu à l’écoute (une prise de vue bancale d’un couple de personnes âgées vues de dos).
Mais les premiers accords de « Such Fun » ont tôt fait de combler cette lacune.
Jubilatoire et irrésistible ritournelle qui renvoie autant à Ty Segall qu’à Guided By Voices ou d’autres fleurons lo-fi de ces chères nineties, ce premier titre ouvre la voie de cet excellent opus.
Débonnaire à plus d’un titre, joyeusement bordélique, faussement foutraque et vraiment génial, « Yucca » mérite beaucoup plus que le peu de bruit fait autour de lui.
Omettre de vous en parler serait un impair.
Que celui qui n’a jamais péché me jette la première pierre…
Il y a eu dEUS, puis Selah Sue... Aujourd'hui, il y a SX. Ce groupe issu de Coutrai, emmené par Benjamin Desmet et Stefanie Callebaut, est occupé de devenir le plus grand espoir de notre petit pays dans le domaine de la musique pop-rock alternative. Révélé l'année dernière lors d’un concours organisé par Studio Brussel (Vibe On Air) et par un superbe premier titre, ‘Black Video’, qui avait cartonné sur Youtube et les réseaux sociaux, ces petits génies viennent de publier un premier album, intitulé ‘Arche’. Ils ont présenté ce disque à une poignée de fans dans le cadre d'un showcase accordé au Planetarium de Bruxelles. Nous avons pu les rencontrer.
SX, c'est une histoire de contraste. Comme dans le nom, par exemple. "Dans SX, il y a le 'S' qui incarne le côté féminin", précise Stefanie. "C'est la chaleur mais aussi les éléments connus, du passé, habituels. Par contre, 'X' exprime la tension, le côté mystérieux, futuriste. Les deux lettres s'attirent mutuellement et représentent bien notre musique. Nous combinons des éléments connus et nous les transformons en quelque chose de puissant, d'alternatif".
Le résultat est en effet une musique fascinante, une dreampop psychédélique et magnétique qui s'inspire d'un éventail très large de styles pour créer quelque chose de neuf. On pense à Beach House pour la voix et les atmosphères éthérées mais aussi à Animal Collective et surtout à MGMT. Benjamin admet : "MGMT a été, en effet, un déclencheur pour nous. Il apporte une dimension créative nouvelle. Il combine de nombreux styles et y met sa propre empreinte. Mais nos influences vont aussi vers la soul, le blues, le jazz avec des artistes comme Marvin Gaye, Stevie Wonder, Herbie Hancock..."
Cette influence soul on la perçoit notamment dans la voix de Stefanie Callebaut, une voix de soprane, capable d'atteindre les notes les plus hautes mais aussi de produire un volume, un coffre typiquement soul, évoquant parfois Grace Jones. Ses tonalités mystérieuses, plus 'dark', la rapprochent aussi de Zola Jesus, Austra et Kate Bush. "C'est le résultat d'une longue recherche pour trouver 'ma voix'. J'ai toujours aimé la musique soul et le gospel, la musique noire en général, donc c'est normal qu'il y ait cette influence. Je m'efforce en permanence de repousser mes limites et de créer un timbre qui me soit propre." La présence d'une voix aussi atypique, très 'black', chez une frêle jeune fille blonde fait immédiatement penser à Selah Sue, même si la musique est tout à fait différente... "Oui, Selah Sue est incroyable. Mais elle, elle fait de la véritable musique soul... "
Le premier opus de SX s'intitule 'Arche'. Le mot grec 'αρχή' signifie 'début' mais aussi 'principe' ou 'fondation'. "C'est le premier principe, la fondation sur laquelle nous construisons notre projet". Pour le produire, le groupe a réussi à dénicher un producteur de renommée internationale, Ben H Allen III. "Nous n'avions pas encore de contrat à ce moment-là. Nous lui avons simplement envoyé un e-mail, avec nos démos et bien sûr ‘Black Video’. Il a répondu très vite et un mois plus tard, nous étions en studio à Atlanta pour les enregistrements. Nous l'avons choisi car sa perspective musicale est très large. Il a produit du hip-hop, des artistes comme MIA, Animal Collective mais aussi Gnarls Barkley. C'est un ingénieur du son expérimenté ; mais il sait aussi comment écrire et arranger une chanson. Il a bien compris l'approche 'SX' et donc c'était le producteur parfait pour nous."
Dans la production, on remarque à nouveau un contraste : celui entre la technologie moderne d'enregistrement numérique et les instruments analogiques, voire 'vintage'. Benjamin explique pourquoi : "Nous avions préparé nos démos sur ordinateur mais en studio, à Atlanta, nous avons tout refait avec des instruments analogiques, par exemple, le DX7 de Yamaha, le Juno et le Jupiter de Roland, des vieux Prophet, Korg, etc. Les compresseurs et les égaliseurs aussi étaient analogiques. Même les effets de réverbération étaient produits à l’aide de ressorts et de plaques..."
Mais il ne s'agit pas là d'une approche fondamentaliste. "Nous n'utilisons pas ces machines parce que c'est cool d'avoir des machines 'vintage'. C'est juste parce que nous aimons ces sonorités, en particulier. " Le résultat est un son ample, très clair et extrêmement riche en relief. On est loin des bidouillages de la techno!
A côté de Ben H Allen III, SX a pu bénéficier d'un coup de pouce d'autres parrains ; et notamment dEUS. La troupe de Tom Barman a en effet emmené SX comme 'suppport act', lors de sa tournée européenne. "Une expérience très intense! Jouer tous les soirs devant 1 500 personnes nous a permis de progresser énormément. Le feedback du public de dEUS était excellent et nous avons même pu construire une 'fan base'. En revenant, nous étions devenus un nouveau 'band', comme si on avait connu un 'upgrade'..."
Aujourd'hui, SX a signé un contrat pour la Belgique et est en négociation avec plusieurs compagnies de disque pour une distribution à l'échelon mondial! "Nous ne voulons pas aller trop vite. Nous sommes très prudents car voulons surtout garder un contrôle total sur ce que nous faisons." Entretemps, le groupe continue à répéter afin d'améliorer ses prestations live... A plus ou moins brève échéance, leur agenda prévoit un concert à l'AB fin novembre (déjà sold out) et plusieurs dates en Flandre (Gand, Anvers, Louvain et Courtrai) ainsi qu’aux Pays-Bas. La formation va également sortir deux 'club remix' de leur nouveau single, ‘Gold’, des remix qui intégreront certainement les DJ playlists, car ‘Gold’ est tout simplement une des 5 meilleures chansons de l'année 2012 ('in my humble opinion').
Après l'interview, Stefanie et Benjamin, flanqués de leur batteur, Jeroen Termote, ont donné un mini-concert exclusif de 30 minutes au Planetarium. Jouant dans le noir sous la monumentale coupole, ils ont fourni une bande-son appropriée pour les hallucinantes animations de l'espace et des planètes projetées 360° au-dessus et autour des spectateurs. Une expérience psychédélique unique, au cours de laquelle SX a interprété 6 chansons d'‘Arche’, y compris une version retravaillée, quasi acoustique, de ‘Gold’...
En sortant du Planetarium, la tête dans les étoiles, nous avions la certitude d'avoir assisté à un concert d'exception, accordé par des musiciens appelés à devenir des stars...
Vidéo du showcase ici
Prochains concerts :
SX album release show @ AB - Autumn Falls
vendredi 30 novembre 2012
SX @ Paradiso, Amsterdam (Nl)
samedi 22 décembre 2012
SX @ Eurosonic Noorderslag, Groningen (Nl)
vendredi 11 janvier 2013
SX @ Het Depot, Louvain
jeudi 21 février 2013
SX @ De Kreun, Courtrai
samedi 23 février 2013
SX @ Handelsbeurs, Gand
jeudi 28 février 2013
SX @ Trix, Anvers
vendredi 1er mars 2013
There is no more than this ending
That I can give to you
There is no more than this ending
There is nothing more at all
Les larsens saturent encore les tympans assourdis. La déferlante sonique se retire lentement, comme une mer abandonnant les débris d’épaves arrachées à la tempête, laissant pantelants les spectateurs qui s’accrochent désespérément à l’hypothétique espoir d’un second retour du groupe de Leeds.
Las !
Jusqu’au bout de l’effort, jusqu’à bout de souffle, I Like Trains se sera livré ce soir, comme tous les soirs, entiers, impeccables, généreux et si désespérément humains, dans toute la beauté tragique de ce constat.
Dernière date de la tournée, synonyme de contrastes. Entre le plaisir de retrouver leurs pénates et tristesse consécutive à la fin d’une aventure. Entre fatigue extrême et exaltation. Entre les profondeurs d’un océan de chagrin et les cimes d’un ciel tourmenté.
Et au milieu, les cinquante degrés de gris qui, nuance après nuance, dessinent la palette d’un univers visuel et sonore fortement imprégné par l’encre qui coule dans les vaines prières des hommes ; en particulier dans le chef de David Martin, leader et figure de proue de ce groupe dont la musique oscille entre Post Rock et Pop classieuse.
I Like Trains, comme un périple en terres de contrastes exaltés. I Like Trains qui avait donc décidé de déposer pour cette dernière nuit ses valises sur notre sol. Cet événement se passait mardi, à Opwijk. Et votre serviteur était du voyage.
I will be taking care of business.
Ainsi commence « Beacons », ainsi commence « The Shallows », dernier album en date, et donc fort logiquement, ainsi commence chaque set de cette tournée. Dans ses sonorités plus synthétiques, qui ne sont pas sans rappeler l’approche d’Editors sur « In This Light, On This Evening ». Le rapprochement entre ces deux groupes n’est du reste pas fortuit. Beaucoup de points communs, mais qui au final mènent à deux destinées sensiblement différentes.
Appelés à n’être que d’éternels outsiders, I Like Trains a sûrement manqué le bon wagon. Qu’importe ! Car la locomotive qui les emmène dans son sillage a fière allure. Et parce que dans leur musique, ils mettent toute leur âme. Et si les sirènes du showbiz se refusent ostensiblement à leur tendre les bras, nos lascars ne semblent en avoir cure. Pour le plus grand plaisir de la poignée de fans réunis ce soir, tout à la joie de revoir cette formation dans des conditions optimales. Loin de toute hystérie mercantile, au plus près du podium. I Like Trains, groupe de proximité, au génie sous-estimé, et s’offrant tout entier.
Parmi les personnes au plus près de l’estrade, il y a cette famille. Le cadet doit avoir tout bonnement une dizaine d’années. Il arbore fièrement un T-shirt du groupe, comme les autres membres de son clan. Il ressemble vaguement à Harry Potter. Et tout au long du concert, il boira avidement le calice tendu par ses idoles. Sensible à la magie du moment. Comme tous ceux présents. C’est une image forte de cette soirée. Un peu décalée, et dans le fond, tout à fait banale. Touchante, parce que juste anodine. Une image qui résume à elle seule la musique d’I Like Trains.
Accessible et contrastée, pleine de finesse et de sensibilité, elle continue cependant à échapper au plus grand nombre. Comment rester insensible à ces envolées brutales, qui précédent ces accalmies sauvages ? Ou ces doux déchirements qui font suite à de claquantes caresses ?
De moments forts pour public conquis (« Terra Nova » ou encore le magistral « Sea Of Regrets » en rappel) en singulières déflagrations d’émotions, on est bercé par les images et montages vidéo autant que par la musique. Cette traversée laisse entrevoir que ce groupe n’a décidément pas dit son dernier mot. D’ailleurs, pour s’en convaincre, il suffit de tendre l’oreille au chant de ce géant si fragile.
(Organisation : Nijdrop)
Issu de Sacramento, en Californie, ce groupe a apporté une véritable bouffée d’air frais au metal contemporain. En 1997 et 2000, la bande à Chino Moreno publiait deux elpees incontournables. Respectivement « Around the fur » et « White pony ». Plongée dans un univers étouffant, ténébreux, menaçant, parfois même sinistre, imprimée sur des rythmes languissants et parcourue par des vocaux tour à tour empreints de douceur ou de fureur, la musique de Deftones s’y révélait aussi vibrante que celle de Tool.
Par la suite, le combo s’est contenté de reproduire les mêmes recettes. Gravant des long playings sans doute consistants, mais sans le moindre single susceptible de faire la différence.
En 2008, Chi Cheng, le bassiste est victime d’un grave accident de voiture et tombe dans le coma. Il décèdera d’ailleurs le 13 avril 2013. Pour le remplacer, le band fait appel à Sergio Vega, l’ex-Quicksand, Sergio Vega. Il avait d’ailleurs déjà participé aux sessions d’enregistrement du précédent opus, « Diamond eyes ».
« Koi No Yokan » est découpé en 11 plages puissantes, oppressantes, languissantes, susceptibles d’exploser à tout instant, à l’instar de « Swerve city », « Romantic dreams » ainsi que « Leathers » ou alors qui baignent dans une atmosphère intense, comme « Entombed » et « What happened to you ». Une œuvre au cours de laquelle la formation démontre qu’elle est constamment à recherche du parfait équilibre entre sauvagerie et rêverie. Et des titres comme « Poltergeist », « Graphic nature » et « Goon squad » en sont les plus belles démonstrations…
Il y a trop longtemps que nous attendions leur reformation. Gravé en 1996, « Down on the upside » n’était pas un disque inoubliable, mais il ne devait pas être le responsable d’une séparation. Ce qui a malheureusement été décrété. Pas vraiment une bonne décision, car l’aventure en solitaire de Chris Cornell n’a jamais vraiment décollée et celle entreprise au sein d’Audioslave a parfois pris la bonne direction, mais sans jamais défrayer la chronique…
16 ans plus tard, Soundgarden a donc décidé de reprendre son chemin, là où il s’était arrêté. Un crochet via Werchter Boutique nous a démontré que le groupe n’avait rien perdu de sa puissance ; mais à l’époque, le combo n’avait pas encore publié de nouvel opus. Il vient donc de combler cette lacune. Solide et énergique, « King Animal » ne se contente pas de ressasser du grunge. Bien sûr les cordes vocales de Cornell sont intactes, mais l’expression sonore a retrouvé le punch et l’intensité de leurs premiers essais, et notamment « Badmotorfinger » ainsi que « Superunknown ». Dès le titre d’ouverture, « Been away too long », le ton est donné. Et la suite est de la même veine. Mais pourquoi l’absence de Soundgarden a été si longue, alors qu’il n’avait pas encore exploité tout son potentiel ?
Andrew Bird est de retour avec un nouvel album constitué de reprises de ses classiques et flip sides. Il les propose ici en version acoustique.
« Hands of Glory » est le complément idéal à « Break it Yourself » ! Il recèle, en outre, un inédit.
L’orfèvre américain se produira en concert le 18 novembre, au Crossing Border, à Anvers.
http://v2pool.com/iPool.jsp?cmd=display&page=Release&id=707
Calvin Harris et Florence Welch, du groupe Florence + The Machine, avaient déjà eu le loisir de collaborer lors d’un remix consacré au titre "Spectrum", il y a quelques mois déjà.
Le duo a recommencé l’expérience pour “Sweet Nothing”, un extrait du 3ème album studio de Calvin Harris, « 18 Months », sorti le 29 octobre, qui paraîtra en single.
http://www.calvinharris.co.uk/us
http://youtu.be/17ozSeGw-fY
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