C’est Samuel Petit qui a immortalisé sur un Dvd, l’enregistrement qu’Ez3kiel a accordé au Grand Théâtre de Tours, en juin 2011, en compagnie de l’Orchestre Francis Poulenc du conservatoire du chef-lieu d’Indre-et-Loire.
Deux années de travail ont été nécessaires pour mettre le tout en forme. Inspiré de l’album « Naphtaline », il a été entièrement réarrangé par Stéphane Babiaud du groupe EZ3kiel, devenu également chef d’orchestre pour la circonstance, pour le transformer en version orchestrale…
L’Allemand Lars Stöwe, aka Anstam, a annoncé la sortie de son second album. Il paraîtra ce 26 octobre prochain.
Un premier extrait de « Stone and Woods » est disponible ici :
Tracklisting:
1. ‘Morning Shiver Down The Black Wood River’
2. ‘Hope’s Soliloquy’
3. ‘Me And Them’
4. ‘Heart’s Soliloquy’
5. ‘My Dreams Are Made Of Steam’
6. ‘Handsome Dances The Dance’
7. ‘Time Will Show You Who I Am’
8. ‘The Herald And The Lamb’
9. ‘Shoulders’
Responsable d’une musique post-punk, Reptile Yout est une formation danoise dont le premier album, très attendu, paraîtra ce 24 septembre 2012. Il a été produit par Dave M. Allen (The Cure, Human League) et Mark Ralph (Hot Chip).
Les titres suivants sont déjà visibles sur Youtube :
"Shooting Up Sunshine"
http://youtu.be/cX5fCph-2zc
"Black Swan Born White (S.C.U.M Remix)"
http://www.youtube.com/watch?v=5oOunh5xOEQ
"Black Swan Born White"
http://www.youtube.com/watch?v=xL4jVZZ0h1o
"Speeddance"
http://www.youtube.com/watch?v=ts6nZPbhwTo
Tracklisting
1. Black Swan Born White
2. Morning Sun
3. Dead End
4. Speeddance
5. By My Yoko Ono
6. A Flash In The Forest
7. Shooting Up Sunshine
8. It’s Easy To Lose Yourself
9. Heart Blood Beat
10. Fear
Le 17 septembre, le 1er album du duo Fur Coat paraîtra sur le label Crosstown Rebels.
Trempée dans l’électro ‘dark’, mais dansante, « Mind Over Matter » est le résultat des cerveaux surchauffés des producteurs vénézuéliens Sergio Munoz et Israel Sunshine.
Les sessions d’enregistrement ont bénéficié du concours de Mel Blatt (All Saints) et du MC new-yorkais Rap Lisa.
Tracklisting
1- Mind Over Matter (Intro)
2- Those Days
3- Pettit Pillow ft. Rap Lisa
4- She´s All Good ft. Big Bully
5- Falls Away ft. Mel Blatt
6- The Man of the Hour (Interlude)
7- Spirit
8- Going Nowhere ft. Stee Downes
9- Change Resistance
10- You And I ft. Cari Golden
11- Space Ballad ft. Argenis Brito
12- Understand What I Do ft. Big Bully
13- This is the End
http://www.crosstownrebels.com
http://www.facebook.com/pages/Fur-Coat/201228743228492
Que le temps passe vite. Il y a déjà 4 ans que Chan a publié « Juke box », un album de reprises. Et son véritable dernier opus studio, « The greatest » remonte déjà à 2006 ! Après avoir proposé une musique minimaliste, fruit de la rencontre entre folk, country, blues et rock, Chan Marshall, aka Cat Power, s’est orientée vers la pop et la soul. Enregistré à Memphis, « The greatest » avait ainsi été enregistré à Memphis et bénéficié de la participation de vétérans impliqués dans les backing groups d’Al Green et de Booker T.
Découpé en 11 plages, le nouvel elpee baigne dans une pop rafraîchissante, visionnaire, chaleureuse, agréable et pleine de tendresse. Il y a un zeste d’électronique. Des rythmes stimulants. Et puis quel bonheur de retrouver la voix mélancolique, légèrement rauque de Chan. Parfois un peu trafiquée. Pas nécessairement une bonne idée. Un disque sur lequel figure le presque dansant « Ruin », paru en single, et puis une longue plage intitulée « Nothing but time », qui rend hommage à Bowie, pour laquelle elle a reçu le concours d’Iggy Pop. Un retour surprenant !
Pas facile pour un artiste italien au physique d’Apollon de se s’offrir une certaine crédibilité dans le milieu folk ; surtout lorsqu’il enfonce le clou et se met en scène tel Eros Ramazotti sur la photo qui illustre son album… Mais, dès l’inaugural « All I Know », on est prêt à oublier cette faute de goût pour élever Fabrizio Cammarata au rang du Suédois Jens Kristian Mattsson (The Tallest Man on Earth) voire du Gantois Bram Vanparys (The Bony King of Nowhere). Sa voix est douce et nasillarde, dans un registre proche de Bob Dylan. Flanqué de son groupe, The Second Grace, le songwriter a, en outre, le bon goût de varier les ambiances. De son second opus, on épinglera le plus électrique « Alone & Alive », une plage fouettée de rythmes caribéens, « Misery », dont les interventions à la slide peuvent rappeler celles d’un Ryan Adams, ainsi que le très réussi « Myriam », morceau au cours duquel guitares et le violoncelle font bon ménage.
On comprend mieux pourquoi Fabrizio Cammarata a tourné en compagnie d’Iron & Wine, mais également de Devandra Banhart… « Rooms » est la preuve vivante que les clichés ont la vie dure. Ce Sicilien (Palerme) pourrait bien placer son île sur celle du folk européen. Car manifestement, il n’a plus de frontières…
En concert le 7 octobre 2012 au DD12 de Moerbeke-Waas.
Une drôle d’aventure a précédé la réalisation de cet entretien. Low annoncé dans le cadre du festival Cactus, je signale mon intention au label qui distribue la formation de réaliser une interview en compagnie du groupe. Trois semaines avant leur passage à Bruges, l’attaché de presse introduit la requête officielle auprès du label. Aucune réponse. Il tente même un dernier essai via la cellule organisatrice de l’événement. Silence radio. Bref, c’est sans issue. D’autant plus que ce 7 juillet, vers quatre heures du mat’, un SMS me confirme la fin de non recevoir. Pourtant, au cours de la matinée, une petite voix me souffle qu’il reste un petit espoir. Donc je passe deux bonnes heures à griffonner des questions, en me disant qu’elles pourront peut-être servir ultérieurement… Après le set du trio, je retourne au stand presse. Soudain, j’aperçois Alan Sparhawk en conversation avec quelques VIP. J’attends patiemment qu’il termine ce conciliabule pour l’approcher et l’interpeler. Je lui explique les péripéties qui ont émaillé la demande d’interview. Et il me demande si je suis prêt à tenter le coup. OK, mais ce sera sans filet…
On se retrouve donc dans la loge du groupe. Le bassiste est couché sur une banquette et semble se défouler sur un gameboy. Mimi Parker (l’épouse d’Alan) et le tour manager sont face à leurs portables, sans doute absorbés par leurs ‘chats’ échangés sur internet. Le temps de préparer le matos et on entre immédiatement dans le vif du sujet…
Pour enregistrer son dernier opus, la formation a reçu le concours de quelques invités. Dont Matt Bekcley (Katy Perry, Avril Lavigne, Vanessa Hudgen), à la coproduction, aux arrangements de cordes et au mixing. Il participe également aux harmonies vocales. Puis, la violoniste Caitlin Moe et surtout le guitariste de Wilco, Nels Cline, que nous avions eu l’occasion d’interviewer, dans le cadre du festival de Dour, en 2007. Un Cline dont la liste des collaborations est impressionnante. Alan précise « On se connaît depuis longtemps. Même avant qu’il ne rejoigne Wilco. Lors des sessions d’enregistrement, c’est lui qui s’est chargé des soli. On s’est croisé il y na une quinzaine de jours. En fait, Wilco se produisait au même endroit que nous. Et on a passé un moment ensemble ».
A propos de coopérations, Low n’est pas en reste, puisqu’il développe différents projets parallèles. Musicaux, mais pas seulement. The Retribution Gospel Choir, d’abord. Un combo responsable de deux excellents opus, dont le remarquable ‘2’, paru en 2010. « On essaie de jouer autant que possible. ‘2’ est un excellent album. On en a extrait un single avec 4 chansons. La formation a l’intention d’enregistrer d’autres disques. » The Hospital Choir ensuite. « On a sorti un single qu’on interprète encore. On a accordé de rares concerts, mais jamais accompli de tournée ». Black Eyed Snakes encore. « Ce concept remonte déjà à quelques années. En fait, on s’est investi pour des tas d’amis (NDR : Rivulets, Haley Bonar, etc.), mais toutes ces entreprises nous ont coûté beaucoup d’argent. On a mis la pédale douce, maintenant. On s’est encore embarqué dans l’aventure The Murder of Crows, dont la violoniste s’appelle Gaelynn Lea. Le disque est instrumental et, je pense, s’inscrit dans la lignée de Dirty Three. » Egalement une pièce de danse contemporaine baptisée ‘Heaven’. « On a été très occupé par ce projet pendant deux ans. Il ne se limitait pas à la bande originale. On a aussi participé à la représentation. Qui a exigé énormément de travail. Bien plus que lors d’une tournée d’un groupe de rock’n’roll. Mais c’est énormément de boulot pour très peu de spectacle. Et rien n’a été ni enregistré, ni filmé. C’est étrange et frustrant à la fois… » Humanitaire enfin : la construction d’une école au Kenya. « Ce n’était pas un grand sacrifice. On connaissait un ami qui vivait dans un village masaï et on lui a demandé ce qu’on pouvait faire pour les aider. Donc on a accordé quelques shows à la Noël dont les bénéficies ont été versés à cette cause. On aurait pu en faire davantage. Et puis, c’était une opportunité pour visiter ce coin d’Afrique. Un endroit incroyable ! Mais en fait, c’est plus le responsable de l’opération qui était engagé. Nous on a simplement financé le projet. C’est tout ! »
Daniel Lanois se produisant au cours de la soirée, en vedette, il était intéressant de demander si un album de Low pourrait un jour être produit par le Canadien. Et comme il est à la même affiche, pourquoi ne pas lui proposer, éventuellement, ce soir… Alan réagit : « Il en avait été question, il y a quelques années. C’était une idée qu’il avait en tête, à l’époque où il avait son studio à la Nouvelle-Orléans. On y était même allés, mais il n’y a pas eu de suite. Ce sera peut-être pour une autre fois. La porte reste ouverte… » Mais n’est-ce pas aussi un problème de coût ? Alan admet : « Oui probablement. Et puis, chez Lanois, il a des aspects que j’apprécie et d’autres moins. Son univers est tantôt proche du mien. Notamment dans la manière de jouer de la guitare. Dans la recherche de l’esthétique. Tantôt aux antipodes. C’est plutôt une relation amour/haine… »
Neil Young et Dylan sont deux artistes auxquels Alan voue une grande admiration. Il confirme. « Oui, en fait, ils viennent plus ou moins de ma région (NDR : le Minnesota est un Etat du Mid-Ouest des États-Unis, dont la frontière Nord est formée par les provinces canadiennes du Manitoba et de l'Ontario). C’est un peu une fierté d’appartenir à cette zone d’Amérique où ont grandi Neil Young (NDR : il est né à Toronto) et Dylan (NDR : Le Zim, à Duluth). Il est certain que Neil Young me parle et plus récemment Dylan. A un certain moment, tout artiste doit être confronté à de grands songwriters. Ce qui fait sens. J’ai écouté de manière obsessionnelle les albums de Dylan. Même les bootlegs. C’était il y a deux ou trois ans… »
A propos de Neil Young, en assistant au set accordé juste avant cet entretien, j’ai ressenti chez Alan, dans sa manière de jouer, le feeling du ‘loner’. Et puis, parfois, quand le tempo s’élève, un rythme tribal que l’on retrouve chez les Indiens d’Amérique. « C’est intéressant ce que tu me dis. Au départ, notre style est minimaliste. Mais le minimum de musiciens doit être capable d’en faire le maximum. C’est un peu comme si j’avais recours à d’autres collaborateurs. Au fil du temps, on est parvenu à créer de l’intensité sans avoir recours aux rythmes normaux du rock’n’roll, sans ses trucs et ficelles. Par rapport au set, je suis d’accord avec toi. Tout d’abord je joue d’une Les Paul, comme lui. Mais ma manière de jouer est plus relâchée. Moins précise. Perso, c’est très expressif. C’est dans l’instant présent, dans le feu de l’action. Et à un certain moment, je m’autorise ce genre d’extra. C’est un peu comme si j’utilisais les mêmes outils que Young. Mais ce n’est pas intentionnel, c’est plutôt comme une mutation, une dérive dans mon jeu. Après une vingtaine d’années de pratique de la guitare, j’essaie d’en jouer le plus spontanément possible… »
Pour Sparhawk, la musique véhicule une forme de spiritualité. Peut-être comme le gospel… Il s’épanche : « La musique est un langage universel. Elle n’est pas nécessairement spirituelle. Ce n’est pas une religion. C’est une langue que nous parlons. C’est la raison pour laquelle tout le monde l’aime, depuis les temps immémoriaux. Dans ce domaine, l’expérience la plus importante de mon existence est apparue, lorsque je me suis rendu compte que je touchais à la réalité, à la vérité. Et c’est chaque fois arrivé lors d’un moment en relation avec la musique. Une bonne partie de ma foi se décline autour d’elle. Depuis mon enfance. C’est une révélation qui me permet de voir la vérité à travers une chanson spécifique. Comme serviteur de Dieu, c’est la foi pour mon Eglise, un prophète ou même Joseph Smith (NDR : fondateur du mormonisme) qui me pousse à écrire. Ce qui peut sembler stupide ; mais beaucoup de gens comprennent ce que je raconte, car de nombreuses expériences spirituelles sont liées à la musique… »
(Merci à Vincent Devos)
Fuyant une actualité devenue folle (la mort d’un cycliste qui a marché sur la lune et le visage du Christ défiguré par une vielle dame aux talents incertains), votre paire malicieuse s’est abritée ce week-end dans un havre de paix, logé au cœur du Condroz.
Relogé aux pieds du château de Ville-My pour sa septième édition, le Bucolique reste, à bien des égards, un événement hors du commun.
Prouvant si besoin est qu’il n’est nul besoin d’attirer des stars internationales pour concocter une affiche de choix.
Au menu, éco-responsabilité, nourriture de qualité à prix défiant la concurrence, joutes théâtrales, fanfares endiablées, et surtout, surtout, quelques fleurons de notre pays, loin d’être plat quand on aborde son versant musical.
Samedi 25 août.
Appréhendés par une vache au regard hagard et sollicités par une coccinelle hérétique, nous arrivons en retard sur le site verdoyant du festival, absolument confus et contrits à l’idée d’avoir manqué The Themis et de devoir ici relater les impressions d’un spectateur ou l’autre trié sur le volet.
Hélas, après de vaines recherches, il nous sera impossible de retrouver l’une des trois personnes présentes à cette heure précoce du jour.
A vrai dire, Recorders a déjà entamé son set, et le public est encore parsemé sous la toile du chapiteau, alors que nous nous y engouffrons.
Armé de bonne volonté, le jeune combo s’évertue à sensibiliser la maigre assistance à force de mélodies teintées sombrement d’une vague loin d’être nouvelle.
Si le single « Someone Else’s Memory » jouit d’un certain intérêt sur les ondes positives d’une certaine radio FM, le résultat en ‘live’ reste encore pâlichon et demande à être réexaminé dans des conditions plus propices.
Le public recèle encore de nombreux curieux mal éveillés quand Gaëtan Streel et ses quelques musiciens décident de poser leurs valises emplies de rêves et d’escapades ensoleillées sous les projecteurs de l’unique scène du jour.
Amputé d’une bonne partie de son groupe et rejoint in extremis par sa claviériste, le talentueux Liégeois distille son folk aérien ; et comme d’hab’, l’artiste est de charmante humeur.
Le répertoire issu de son premier et élégant premier album (« One Day Day At A Time » publié chez Jaune Orange), enrichi d’un inédit en mode test, ravit les grappes d’auditeurs qui commencent à se former, et timidement se regrouper.
Habitué à se produire devant bien plus de peuple, Gaëtan affiche pourtant la même volonté de donner le meilleur de lui, et offre ses chansons avec autant de générosité qu’il ne nous gratifie de son sourire.
« Whatever I Shall Say » et « I’m Gonna Get Through Fall » lancés en éclaireurs dans les brumes épaisses de nos esprits encore anesthésiés par la nuit Electro de la veille, et en arrière plan, ces images cinématographiques qui s’impriment dans nos imaginaires à l’écoute de ces pépites pop, tantôt sucrées, tantôt enlevées, toujours empreintes d’une douce nostalgie ensoleillée.
Quelques bouffées de soleil plus tard, nous sommes confrontés à une grande énigme : Stereo Grand.
La première impression que la formation nous avait laissée, en mai dernier, à Liège, était pour le moins mitigée.
Il faut dire que le groupe cultive un sens quelque peu démesuré du spectacle.
Une scénographie fort imposante. Des éclairages sophistiqués destinés à jouer sur les contrastes blancs. Des milliers d’euros de matériel. Bref, un équipement qui fait quelque peu tache dans un cadre bucolique.
Du coup, on craint une poussée d’ego surdimensionné et d’arrogance mal à propos.
Que nenni !
Les compos sont certes ultra communément pop, mais elles lorgnent avec insistance outre-Manche voire outre-Atlantique ; cependant, l’interprétation ne manque ni de gouaille, ni de panache et la maîtrise est parfaite. Conclusion, SG ne se la joue absolument pas en conquérants.
Si ces jeunes gens bien propres sur eux se rêvent sûrement plus à Wembley qu’en plein cœur d’une nature campagnarde, et bien sur scène, cet état d’esprit ne transparaît pas.
L’habit ne fait donc décidément pas le moine. Ce qu’illustre parfaitement ce combo belgo-écossais au travers de son album « The Invisible Wall ».
Malheureusement, pour d’affreuses raisons de timing, le set doit être écourté.
Alors, humbles et nimbés de couleurs, le Stereo Grand s’en est allé.
Laissant derrière lui une excellente impression.
L’heure est au grand écart, en compagnie de BRNS, quatuor qui confirme tout le bien qu’on dit de lui, et ce, de prestations en prestations.
Une explosion de contrastes entre atmosphères nuancées.
Inventive sans être rébarbative, leur musique semble embrasser plusieurs styles tout en se révélant particulièrement cohérente, formant un patchwork résolument emballant, le tout dans une bonne humeur communicative.
De Ferrières à Mexico, le vol ne prend pas plus d’une poignée de secondes. Vol malheureusement écourté pour d’affreuses raisons de timing (impression de déjà vu).
Anecdotes de comptoir et coulées de bières fraîches dans les pissoirs, et on repart de plus belle.
Place au cuir version simili et à la sueur labellisée Narta. Le trio Elvis Black Stars vient de monter sur les planches.
Efficace, certes, mais un poil trop sobre et maniéré que pour convaincre réellement. Il y a néanmoins, de la bonne volonté et de la qualité.
Mais dans ce registre, la différence se joue sous la ceinture, et cet Elvis semble manquer de poids.
Le son est puissant, mais la trique est molle.
Il y a de la gomina, là où on souhaite du cambouis, et du marcel qui transpire trop proprement.
Rien d’affligeant, juste un peu dérangeant. Mais pas de quoi gâcher l’agréable sentiment d’une après-midi se terminant.
Petit tour au château, avant la dernière ligne droite, où nous sommes accueillis de fort agréable manière (c’est aussi ça, le Bucolique Festival).
Quelques ‘coupettes’ de champagne plus tard, alors que le soleil s’apprête à lécher l’horizon, Dan San caresse l’atmosphère de ses délicates sonorités.
Nimbées d’une aura mystérieuse, délicates et fragiles, malicieuses comme un feu follet, et enrobées d’imperceptibles subtilités, les chansons du combo liégeois s’expriment mieux dans des endroits plus confinés mais se saisissent néanmoins des attentions, à cette heure, toutes prêtes à être détournées.
La nuit avance se diluant dans le ciel, et les silhouettes se fondent à présent dans l’opacité de l’air.
Suivant le tracé d’une montagne qui se dessine sous nos yeux, nos esprits vagabondent le long de la scène, où s’installent bientôt les prémices d’une surprise de taille.
Quelque peu refroidi par quelques prestations acoustiques, somme toute sympathiques mais qui n’avaient guère éveillé en notre fors intérieur, une flamme passionnelle, je constate que les Great Mountain Fire ont décidé de se brancher sur l’électricité. Et c’est une très bonne nouvelle !
Et chevauchant le vent, vont cette fois nous démontrer l’étendue de leur talent.
De fait, maîtrisant parfaitement leurs sujets, ces seigneurs des grands espaces mêlent l’élégance pop à la fulgurance du rock sur leur album « Canopy » ; un génie perceptible sur disque qui prend pourtant toute son envergure quand le groupe déploie ses ailes comme ce soir.
Une prestation de toute grande facture qui interpelle et semble poser les jalons d’une conquête de territoires toujours plus vastes.
Le meilleur moment de ce week-end, à n’en pas douter.
Ravi par tant d’excellence, il me reste à trancher entre faire ripaille en bonne compagnie ou subir le concert (NDR : qui a dit horrible ?) de Joshua.
Conversant avec quelques poissons rouges en manque d’oxygène, je ne vois pas le temps passer, et oh ! Zut ! J’ai raté Joshua.
Tant pis !
Il se fait tard et la nuit est loin d’être finie.
Montevideo installe donc son rock élégant entre les étoiles.
Son chanteur charismatique dépose sa voix suave sur des compositions nichées dans le creux du temps, entre différentes époques.
Libre et décomplexée, la musique de ce groupe se moque des étiquettes et instaure un climat chatouillant légèrement les sens.
Alors que DJ Grounchoo s’installe derrière les platines, vos serviteurs sont déjà noyés dans l’obscurité de la plaine.
Il fût un temps où être Belge était un handicap de taille sur la scène musicale.
Aujourd’hui, en proposant une affiche presqu’exclusivement issue du terroir, le Bucolique peut se targuer d’avoir, si non amassé les foules, au moins offert un large panel des plus belles promesses de nos contrées.
Et comme ce qui était à Ferrières ne sera plus à faire demain…
(Organisation : ASBL Bucolique)
Fuyant une actualité devenue folle (la mort d’un cycliste qui a marché sur la lune et le visage du Christ défiguré par une vielle dame aux talents incertains), votre paire malicieuse s’est abritée ce week-end dans un havre de paix, logé au cœur du Condroz.
Relogé aux pieds du château de Ville-My pour sa septième édition, le Bucolique festival reste, à bien des égards, un événement hors du commun.
Prouvant si besoin est qu’il n’est nul besoin d’attirer des stars internationales pour concocter une affiche de choix.
Au menu, éco-responsabilité, nourriture de qualité à prix défiant la concurrence, joutes théâtrales, fanfares endiablées, et surtout, surtout, quelques fleurons de notre pays, loin d’être plat quand on aborde son versant musical.
Vendredi 24 août
A mi-chemin entre promenade champêtre et rendez-vous à la mode des jeunesses écolos presqu’ardennaises, le Bucolique est avant tout un festival musical dans la pure tradition électro-rock. Et pour être certain de bien cerner un public toujours plus exigeant, les deux styles dominants trouvent refuge dans une journée qui leur est totalement consacrée. Le vendredi fait la part belle aux sonorités synthétiques et électroniques tandis que le samedi devient un ersatz de La Mecque du rock belge.
Difficile de bâtir affiche plus cohérente et alléchante pour une manifestation de cette ampleur, le line up du premier soir laisse pantois. Alliance subtile entre produits du terroir (Compuphonic, Jona, Kolombo, Attar! et les frapadingues de la Disco Mafia) et talents extérieurs à nos frontières peu habitués aux chapiteaux de campagne (Clara Moto, Alex Gopher et Agoria). Reste à savoir comment le public réagira … et c’est justement ici que le bât blesse. Peu enclin à se laisser transporter vers d’autres horizons, l’audience parsemée ne se laisser aller qu’à l’approche d’une turbine à peine dissimulée, signe révélateur d’une triste réalité. La douce mais glaciale Autrichienne (comprenez Clara Moto) en a fait les frais. Trop minimaliste et trop élitiste, son set s’est soldé par un fiasco tout à fait prévisible. Faut dire que lorsqu’on absente pendant plus de deux ans… Très regrettable, quand on connaît le talent de la Teutonne.
Au-delà de ce flop annoncé, on pouvait classer les performances de la soirée en 3 autres catégories. Ceux qui ont dû jouer dans une indifférence quasi-générale ; la faute à une tranche horaire délicate ou à des conditions climatiques désastreuses par intermittence. Navrante constatation pour ces artistes qui méritaient sans doute une assemblée moins clairsemée.
Ceux qui étaient présent en territoire conquis suite aux multiples prestations précédentes accordées en ces même lieux (ou presque).
Et enfin ceux dont le dépucelage de Ferrières s’est opéré en douceur et brillamment. En effet, les deux dj’s de l’Hexagone ont livré, chacun dans leur style, une prestation claire, nette et sans bavure. De quoi prouver à celles et ceux qui en doutaient encore qu’ils sont pétris de talent.
Au final, de cette soirée électronique, nous retiendrons le nouveau cadre semi-naturel, bien plus en adéquation avec l’esprit du festival, des prix pratiqués, en général très démocratiques, et une affiche harmonieuse que les organisateurs sont parvenue à ficeler, sans trop se mouiller…
(Organisation : ASBL Bucolique)
« La Chirurgie des Sentiments », c’est le titre du nouvel opus de Françoiz Breut. Il sortira le 3 octobre. Et dans la foulée, elle se produira en concert, ce 23 octobre au Botanique de Bruxelles.
http://www.francoizbreut.be
http://www.facebook.com/francoizbreut
Et pour voir son dernier clip, c'est ici
Le nouvel album du producteur français Vitalic sortira le 22 octobre prochain. « Rave Age » a été mixé par Stéphane Alf Briat (Air + Phoenix) et a bénéficié de la participation de Joe Reeves (Shit Disco), Goose ainsi que de Sexy Sushi.
Tracklisting :
Rave Kids Go
Stamina
Fade Away
Vigipirate
Under Your Sun
No More Sleep
Nexus
The March of Skabah
Lucky Star
La Mort Sur Le Dancefloor
Next I’m Ready
The Legend of Kaspar Hauser
Libourne est une petite ville située à un jet de pierre à l’est de Bordeaux. Lucane Musiques y organise la Rentrée du R.A.C. les 8 et 9 septembre, au skate park local.
Cet évènement mêlera skate et musique puisqu’on pourra y assister à la fois à un contest et à divers DJ sets et concerts. Le programme complet sur https://www.facebook.com/events/419070344812608/
Oscar and the Wolf pourrait bien être une des révélations belges en cette année 2012. Après avoir publié un premier Ep (NDR : « Imagine Mountains », sur lequel figure le single « Pastures ») en avril 2011, les quatre Gantois remettent le couvert en gravant « Summer Skin ». Depuis un an, les musiciens ont acquis de l’expérience. Ils ont, en outre, signé sur le label Pias (NDR : ils se produiront d’ailleurs, ce samedi 25 août, au Pias Nites en compagnie de Lisa Hannigan ou encore Josh T.Pearson). Oscar and the Wolf a également assuré les premières parties de Warpaint, Ben Howard, Villagers, Julia Stone et même Lou Reed à l’occasion de ses derniers concerts accordés au Benelux et en Angleterre. La formation était à l’affiche du dernier Pukkelpop et figure sur celle du Leffingeleuren, ce sera pour ce 15 septembre. La classe donc…
Les cinq titres de cet Ep ont été enregistrés au sein d’une église désaffectée à Lommel, sous la houlette de Robin Proper-Sheppard, le leader de Sophia. Ce qui explique sans doute pourquoi il règne une atmosphère quasi-religieuse tout au long du disque. Une atmosphère entretenue par les arpèges et les harmonies vocales. « Crossroads » qui ouvre l’Ep et « Orange Sky », traduit en single, en sont les plus belles illustrations. « All We Want » trempe davantage dans l’univers du folk. Introduit par un piano langoureux, « Ribbons » élève ensuite le tempo, démontrant que le combo gantois est aussi capable de varier son répertoire. Sur ce morceau, la voix de Max Colombie s’élève même dans les aigus.
Superbe, cet Ep augure un futur victorieux pour Oscar and The Wolf. On attend d’ailleurs impatiemment la sortie de leur premier album. En attendant, les cinq mélodies pop de ce band gantois risquent de hanter encore pendant de longues semaines nos esprits conquis…
Vu le patronyme aussi loufoque, je m’attendais à ce que ces énergumènes optent pour une grande liberté de ton et libèrent une bonne dose d’humour rafraîchissante. Malheureusement, le rock psyché de Sheetah et les Weissmüller est tellement rétro, qu’il en devient revivaliste. En outre, il est loin d’être désopilant.
Bien qu’enregistré par Jorge Explosion et Mike Mariconda, au sein des studios Circo Perrotti, à Gijon, en Espagne, ce disque puise allègrement dans la musique insulaire des sixties. Et en particulier dans l’univers des Beatles et des Kinks. Pour un résultat qui se rapproche davantage des très énervants Kula Shaker plutôt que de leurs illustres prédécesseurs. Si la musique de Barnabé, Hubert, Jeje, Laurent et Fifi Weissmüller est une habile transcription, les textes censés désopiler, ne m’ont pas fait rire du tout. Et les horripilants « Lundisamedimanche » ou « Suzanne Ouvre-toi » en sont les plus belles illustrations. Si la formation lilloise souhaite monter d’une division, elle a intérêt à se remettre en question. Et surtout trouver une solution à son absence d’inspiration. Sans quoi, elle risque encore longtemps de s’adresser à un public constitué d’amis, à défaut de pouvoir partager leur aventure avec le plus grand nombre…
Véritable institution dans son pays, cette formation a publié 18 albums depuis le début des 90’s. Cependant, ils ne sont jamais parvenus à s’imposer sur le Vieux Continent. Anecdote, feu Kurt Cobain avait avoué être devenu hystérique, comme une adolescente de 19 ans assistant à un concert des Beatles, lorsqu’il avait découvert le groupe sur scène. Il est vrai qu’emmenée par la charismatique chanteuse/guitariste Noako Yamano, le groupe ne manque pas de charme. C’est aussi la seule membre originelle du trio. Ah oui, Thuston Moore en est également un fan !
Sur « Supergroup » (2008) et « Free time » (2010), Shonen Knife avait décidé d’explorer le rock-métal issu des 70’s. Découpé en 10 titres, « Pop Tune » macère carrément dans le punk-pop. Un style coloré, dont les mélodies contagieuses, ensoleillées, post-adolescentes respirent la joie de vivre. Encore que si certaines compos véhiculent des lyrics puérils ou mièvres voire même trempés dans la flower power, d’autres se révèlent carrément irrévérencieux. Et ces éternelles admiratrices de Ramones (NDR : l’an dernier, elles leur avaient consacré un tribute, « Osaka Ramones) ont même eu recours à de la guitare acoustique, du kazoo et même un peu de flûte, pour alimenter leur expression sonore.
Derrière l’œil de cette caméra turbinent trois têtes pensantes plutôt armées de solides références faisant la part belle à de fulgurantes excellences dont le but avoué est de libérer le Krautrock de son carcan.
Ce trio berlinois décline donc sa vision non passéiste d’un genre que certains pensent à tort hermétique. Et pour y parvenir, ces trois lascars n’hésitent pas à offrir des prestations live improvisées qui leur ont valu d’être estampillés Guerilla Krautrock (somme toute, une étiquette comme une autre).
Mais la formule concoctée ne s’est pas satisfaite de faire renaître le Phoenix de ses cendres, dans des endroits improbables.
Entre escalades spatiales (« Lynch ») et cosmiques (« Morgen »), les synthés déploient des océans d’étoiles et offrent un voyage hors de toute dimension temporelle, tandis que les guitares déchirent ce qu’il reste de la toile onirique.
Pas étonnant dés lors de les voir s’acoquiner avec Michael Rother (Neu !, Harmonia ) et Dieter Moebius (Cluster, Harmonia), le temps de poser quelques jalons supplémentaires sur cette route irradiée par la lumière de soleils qu’on croyait éteints depuis des lustres…
Bien que fondé en 2004, Devianz vient seulement de publier son second elpee. Il paraît plus 7 ans après son premier essai (« Una Duna in Mezzo all’Oceano »), même si la formation a sorti deux Eps entre-temps…
Le groupe parisien a donc pris son temps pour concocter cet « A Corps Interrompus ». Devianz revendique pour influences majeures, Portishead et At the Drive-In ; pourtant si la puissance des Texans est parfois perceptible dans leur musique, les ambiances du gang de Bristol ne le sont pas du tout. La plupart du temps, leurs compos lorgnent du côté du rock-métal de Mass Hysteria (NDR : ces guitares saturées et ces drums telluriques !) quand ils ne sont pas hantés par l’esprit torturé et à fleur de peau de Damien Saez (« L’Alchimie des Sens »). Les analogies relatives au Savoyard mettent parfois les nerfs du mélomane à rude épreuve car Devianz véhicule son lyrisme et sa passion à travers la voix de Guyom Pavesi. Malheureusement, il a trop tendance à amplifier excessivement ses épanchements d’émotions. Ce qui explique pourquoi l’écoute des 14 titres de cet elpee peut se révéler éprouvante. En outre, le sens mélodique n’est pas évident, nonobstant une structure instrumentale (guitares, piano, passages électro) solide et une excellente production. En écoutant plus attentivement les plages, on décèle quelques belles épopées dont le très beau « Ton Corps n’est qu’Atome », interprété en compagnie de Vincent Cavanagh d’Anathema. Les fans d’Agora Fidelio devraient apprécier. Ceux qui ne jurent que par le prog rock peut-être. Les autres passeront sans doute leur chemin. Bref, j’ai eu beaucoup de mal a accrocher à cette version métallique d’Indochine (« Lames de Sel ») !
Rick Estrin est l'un des meilleurs harmonicistes de blues contemporains. Un disciple des plus grands souffleurs noirs du passé ; et tout particulièrement de Little Walter et Sonny Boy Williamson II. Il s’est forgé une solide réputation auprès de ses pairs et des passionnés du blues. Rick a aussi une forte personnalité. Sa dégaine est très personnelle : les traits du visage découpés au couteau, la mine patibulaire, les fines moustaches, toujours vêtu de costumes d'une autre époque. Il est devenu le leader des Nightcats, en 2008. Il a remplacé le guitariste et fondateur du groupe, Little Charlie Baty, lorsque ce dernier a décidé de ne plus sillonner les routes. Il ne faut cependant pas oublier que Rick est un des fondateurs du band californien. Dès 1976, ce combo était considéré comme un relais vivace et talentueux du Chicago blues urbain. Ce qui s’est traduit par la confection d’une bonne douzaine d'albums, tous publiés sur l'un des plus prestigieux labels de la Cité des vents, Alligator, une écurie créée et toujours conduite par Bruce Iglauer.
Rick est soutenu par un excellent backing group. En l’occurrence le Danois Chris ‘Kid’ Andersen à la guitare, Lorenzo Farrell à la basse et occasionnellement aux claviers ainsi que J. Hansen à la batterie. Estrin et ses acolytes sont de bons compositeurs et ils ont signé les douze plages de ce ‘mauvais virage’! Rick est un brillant lyriciste. Il est ainsi responsable de textes originaux qui décrivent des situations prêtant souvent à sourire.
L'ouverture "D.O.G" est percutante. Un R&B imprimé sur un tempo funk qui vous pénètre. Secondée par les chœurs de son team, la voix nasillarde du leader s’impose. Et lorsqu’il intervient à l’harmo, c’est tout en délicatesse, mais aussi puissance et technique. Un bourdonnement percussif prélude "Lucky you". Estrin est passé sur l'instrument chromatique. Il s’y révèle autoritaire. La compo évolue à très haut niveau. Ses musicos forment un ensemble homogène pour porter leur leader. C’est dans les mêmes conditions que Rick s’attaque à "Callin' all fold", une plage bourrée de swing dont l’ambiance Memphis Blues est alimentée par l’orgue Hammond. Kid s’autorise alors une sortie remarquée sur les cordes. Les croisières sur les mers chaudes des Tropiques récoltent un certain succès chez les bluesmen ; c’est sans doute pourquoi Estrin a écrit "(I met her on the) Blues Cruise", une piste qui bénéficie du concours d’une section de cuivres, parmi lesquels figure Doug James de Roomful of Blues. Evoluant sur un rythme indolent, "Movin' slow" ne manque pas de charme. Rick inocule un peu chaleur louisianaise dans son chant. Au sax, Jack Sanford souligne l'harmonica, tout en décontraction. Le titre baigne dans le R&B. L’orgue et la guitare se mettent au service de l’harmo qui domine le sujet. "Broke and lonesome" opère un retour judicieux dans le blues de Chicago ou plus exactement le Westside, cher à Otis Rush, Magic Sam et Luther Allison, une compo au cours de laquelle un billet de sortie est accordé à Kid Andersen. J Hansen chante le cinglant "You ain't the boss off me", un morceau destiné à mettre tous les musiciens à l'avant-plan! En fin de parcours, Rick étale toutes les facettes de son talent sur "Old news". Il y reproduit à la fois le jeu et le chant de Sonny Boy Williamson II. Magistral ! Le disque recèle deux plages instrumentales. Tout d’abord le très Memphis R&B jazzyfiant "Zonin'", une piste animée par le sax ténor de Terry Hanck. Ensuite une longue fresque à la fois ‘morriconesque’ et surf, "The legend of Taco Cobbler". C’est également la plage qui clôt ce long playing de toute bonne facture…
Certainement la révélation, R majuscule, de l’année en matière de Soul Music, Lianne La Havas grimpe les échelons quatre à quatre sans regarder en arrière. Le passé, ce n’est pas pour la Miss. « Is Your Love Big Enough ? », son premier LP, est un disque Soul qui fait honneur au genre et, qui plus est, ne souffre d’aucuns raccourcis retro easy et cheap. Bien au contraire, la Londonienne de 22 balais détourne le genre en introduisant de judicieux éléments folk à ses morceaux. Une formule magique aboutissant sur de superbes litanies dont on retient plus particulièrement les titres « Au Cinéma », un « No Room For Doubt » interprété en compagnie de Willy Mason, « Age » et « Elusive », la reprise d’un morceau du Briton Scott Matthews.
Avec son joli minois, son joli timbre de voix et une jolie première œuvre, Miss La Havas tape dans le mille, même si quelques éléments du disque sont un peu trop mielleux pour être digestes (« Everything Everything », « Lost & Found »). « Is Your Love Big Enough ? » est un travail qui n’est pas sans rappeler ceux de Corinne Bailey Rae. Reste à voir si la demoiselle remportera un succès à la longévité autrement plus probante que celui de cette dernière.
A voir et à entendre le 27 novembre au Cirque Royal de Bruxelles
Dan Le Sac reprend du service, sans Scroobius Pip, son fidèle compagnon de route, lui-même occupé à sillonner les routes de Grande-Bretagne. Pour son premier ‘vrai’ LP en solo, Daniel ‘Dan Le Sac’ Stephens, a le mérite de proposer une série de compositions relativement différente de celles auxquelles il nous avait habitués. Notamment en intercalant quelques éléments de trip hop à son habituelle fusion electro-hip hop. Et en mettant en sourdine le Spoken Word, discipline de prédilection de son confrère. Tout au long de ce « Space Between The Words », le DJ et producteur se fait très clairement plaisir. Il fait d’ailleurs péter le carnet d’adresse et invite tous ses potes à interpréter le rôle de Scroobius Pip, le temps d’un ou deux morceaux. Ainsi, on épinglera de cette guest-list, Merz, B. Dolan, Emmy The Great ou encore Pete Hefferan (ex-Pete & the Pirates).
Les fantaisies de Dan, distillées sur les treize partitions de « Space Between The Words », tapent parfois dans le mille. Au rayon pépites, l’instrumental hanté « Hold Yourself Lightly », un « Good Time Gang War » dont les beats flirtent dangereusement avec la dubstep de bas-étage avant d’effectuer un virage à 360° ou encore « Memorial », au sein duquel les vocalises d’Emmy The Great pourraient aisément être échangées par celles de Lou Rhodes tant le morceau papillonne du Lamb.
Et quand elles ne tapent pas dans le mille, les productions du gaillard pèchent par accès ponctuels de dilettantisme. On citera pour l’exemple les inutiles « Reprisals » et « Tuning » ou encore le pompeux « Breathing Underwater » ainsi qu’un « Break Of Dawn » dont le climax, localisé à près d’une minute et demie de la fin du morceau, aurait gagné à démarrer un brin plus tôt, histoire que la compo ait un quelconque intérêt.
De par son hétérogénéité et sa multitude de guests, « Space Between the Words » apparaît dans son ensemble beaucoup plus comme une collection de B-Sides que d’un réel album, un disque qui recèle d’admirables hauts et de regrettables bas. A écouter en sélectionnant les morceaux.
Left Lane Cruiser est un duo originaire de Fort Wayne dans l'Indiana. Il réunit le chanteur/guitariste Frederic ‘Joe’ Evans et le drummer/percussionniste Brenn ‘Sausage Paw’ Beck. La paire est responsable d’un blues primaire, brut, réminiscent de ce qui se pratiquait dans les collines du Nord Mississippi et dont la figure de proue était le vieux bluesman local, feu R.L Burnside. Pensez au label Fat Possum!
Le tandem mêle roots, blues, country et bluegrass, tout en adoptant une attitude punk garage ; mais de toute évidence, il s’intéresse à la musique issue du plus profond des States. Le duo avait publié un tout premier elpee en 2006, "Getting down on it", un disque paru chez Hillgrass Bluebilly, avant d'être signé par Alive, pour lequel il a gravé "Bring yo ass to the table" en 2008, "All you can eat" en 2009 et enfin "Junkyard speed ball" en 2011. Depuis, la paire a régulièrement collaboré en compagnie de James Leg. De son véritable nom John Wesley Myers, il avait concocté un elpee solo, "Solitary pleasure", sur le même label. En outre, Leg est également chanteur et claviériste au sein d’un autre duo, Black Diamond Heavies. Et pour enregistrer cet opus, le trio a reçu le concours du bassiste des Dirtbombs, Jim Diamond, ainsi que du vétéran noir Harmonica Shah, le célèbre harmoniciste issu de Detroit.
"Painkillers" est un long playing un peu particulier, car il ne réunit que des reprises de stars confirmées du blues et de la rock music! L'ouverture ne nous laisse guère le temps de souffler. Le climat est torride. Furieuse, la slide gémit tout au long du "Sad days lonely nights" de Jr Kimbrough. Les claviers de Leg ont du répondant. Le choc entre Joe et James ressemble à un véritable combat de tranchée. Il est vrai que l’image reproduite sur la pochette était prophétique. Ces pilules, véritables "Tueuses de la douleur" qu'il est conseillé de prendre avec un grand verre de whisky, et dont les effets secondaires peuvent entraîner l'euphorie et un désir incontrôlable de danser le boogie! Hound Dog Taylor était un des plus grands sliders du blues. Sur son "She's gone", le bottleneck de Joe ne tient pas en place. Il est judicieusement talonné par l'harmonica de Shah, le souffleur de Detroit, âgé de 66 ans. Issu du répertoire de Bob Seger, "Come to Poppa" baigne dans une atmosphère relaxante. La guitare semble domptée. Les interventions à l’orgue lorgnent manifestement vers Jon Lord voire Ray Manzarek. Le chant devient féroce sur le "Shake it" de John Lee Hooker, un boogie plutôt sauvage qui accorde de l'espace au vieux Shah! Une solide tranche de punk blues juke joint! Les vocaux sont carrément déjantés et décapants tout au long du "If 6 was 9" de Jimi Hendrix, une plage balisée par un riff de gratte monumental et parcourue d’accès d’orgue plutôt appuyés. Willie Dixon a écrit "Red Rooster", un classique popularisé par Howlin' Wolf. Il fait ici l’objet d’une dissection à vif. Chapeau bas à Harmonica Shah qui parvient à s’imposer dans ce chaos sonore entretenu par la slide. James Leg siège derrière son roadhouse piano pour chanter le "Ramblin' my mind" du légendaire Robert Johnson. Sa voix évoque un Tom Waits qui aurait sifflé trois bouteilles de bourbon! Le "Chevrolet" de Taj Mahal carbure au groove. Et il est infernal. La basse de Jim et les percus de Sausage Paw s’affrontent à visière découverte. Shah revient une dernière fois vider ses poumons en exécutant le "When the levee breaks" de Led Zeppelin. Torturée, cette œuvre s’achève en toute décontraction, par la cover du "Sway" des Rolling Stones.
Marillion est un groupe de néo-prog britannique. C’est également le fer de lance du renouveau du ‘rock progressif’. Fondé en 1978, il avait alors choisi pour patronyme ‘Silmarillion’, un terme emprunté à un roman de J.R.R. Tolkien, l'auteur du "Seigneur des Anneaux". Devenue célèbre dans les années 80 grâce, notamment, à des hits tels que "Kayleigh" ou "Incommunicado", la formation s'est séparée de son chanteur, l'immense Fish, qui ne supportait plus le rythme incessant des tournées ainsi que le diktat de la compagnie de disque EMI. Fish est alors remplacé par le chanteur des Europeans, Steve Hogarth. Le groupe connaîtra ensuite des fortunes diverses, fondera son propre label et sera un des premiers groupes à développer un lien très étroit avec ses fans via internet, sans l'aide des majors et des médias. Aujourd'hui, le groupe a enregistré 17 albums, qui se sont vendus au total à plus de 15 millions d'exemplaires et a joué devant plus de 3 millions de personnes.
Le double CD "Best.Live" constitue une véritable anthologie des prestations scéniques du combo, accordées entre 2003 et 2011. Y figurent trois extraits de "Clutching At Straws" (1987), de la période ‘Fish’. Paradoxal, mais plus de 20 ans après, ce sont encore les morceaux qui recueillent le plus de succès sur les planches. Il est vrai que Fish n'avait pas son pareil pour composer des mélodies accrocheuses et surtout des paroles à la fois poétiques et symboliques, pleine de puissance et de fureur. Steve Hogarth, c'est un tout autre style, plus dans la retenue, dans l'émotion pure, voire le déchirement. Mais attention, car ce chant plus intimiste monte très souvent en crescendo avant d’exploser dans un cri. Grâce à lui, Marillion a pu explorer de nouveaux territoires musicaux, plus proches du rock 'indie' ou de la pop intelligente.
La plupart des chansons sont tirées des albums "Afraid Of Sunlight" (1995) et "Marbles" (2004). "Neverland", "This Strange Engines" et "The Invisible Man" sont de purs chefs-d'œuvre, qui se développent sur plus de 10 minutes et culminent en d'impressionnantes incantations de Steve Hogarth, soutenues par les solos de guitare très ‘Gilmouresques’ de Steve Rothery. Par ailleurs, nombre de compositions, telles que "Beautiful", "The Release" ou "King" font beaucoup plus penser à Radiohead, Razorlight ou Waterboys qu'à Genesis, Porcupine Tree et la mouvance ‘neo-prog’. On le constate, tout au long de "Best.Live", c'est principalement sur scène que Marillion prend sa pleine dimension, en créant une véritable communion avec ses fans. En résumé, ce double CD est une excellente introduction à la deuxième partie de la carrière du groupe et cerise sur le gâteau, il est enrichi d’un joli livret! On attend impatiemment le prochain opus studio de Marillion. Intitulé: "Sounds That Can't Be Made", il verra le jour le 17 septembre prochain. Ah oui, j'oubliais : ne les manquez pas ; ils se produisent au Splendid de Lille, le jeudi 15 novembre prochain!
« Sweet Nostalgia » constitue le second album d’Oh My Darling, un quatuor féminin particulièrement branché sur les musiques ancestrales. Et en particulier la country, le bluegrass, le folk appalachien, mais également francophone. Les 10 titres de cet elpee ont été enregistrés dans des conditions live (NDR : où les filles excellent, paraît-il !), en quelques jours, à Manitoba, sous la houlette du producteur Steve Dawson (à qui on doit la bande son du film Juno). Vanessa Kuzina, Rosalyn Dennett, Allison de Groot et Marie-Josée Dandeneau se réservent respectivement la guitare, le violon, le banjo et la contrebasse. Les deux premières citées, les vocaux. Les vignettes old-school du groupe canadien sont alternativement interprétées dans la langue de Molière ou de Shakespeare. Oscillant entre ballade folk ténébreuse, (« Anna K »), bluegrass (« Don’t Come Around Here ») et blues (« Roustabout »), l’opus recèle des compositions originales, mais aussi des standards de morceaux traditionnels. Une constante, la qualité des arrangements et des harmonies. Quoique résolument calées dans le passé, la musique d’Oh Darling exhale un parfum vintage plein de saveur et de douceur…
Abrhama est une formation parisienne dont les débuts remontent à 2005.0 A l’origine, elle répondait au patronyme d’Alcohsonic. Elle multiplie les tournées et publie un premier album en 2009, "Songs from the Delirium Tremens world". Deux Eps plus tard, le quartet décide de changer de nom, et se rebaptise Abrahma. Nous sommes alors en 2011. Si leur musique est fondamentalement inspirée par le rock des 70s, le blues et le southern rock des USA, cette transformation va également modifier quelque peu leur style. Qui embrasse alors une forme résolument plus stoner quoique teintée d’un zeste de psychédélisme. Le line up réunit le chanteur/guitariste Sebastien Bismuth, le soliste Nicolas Heller ainsi que les frères Colin à la section rythmique.
"Les chemins poussiéreux de nos vies" s'ouvre par une courte odyssée dans l'espace, "Alpha", avec de laisser s'épanouir "Neptune of sorrow", sur un rythme indolent. Les riffs de guitares sont puissants et dramatiques. La section rythmique est impressionnante. Une assise sans faille et pourtant complexe, un mur aux fondations inébranlables, qui soutient parfaitement le chant parfaitement assuré par Sébastien. "Tears of the sun" libère un sentiment de fureur. Le tempo est plus enlevé. La structure de l'ensemble est quand même recherchée, mais les différents tableaux s’emboîtent impeccablement. Elaborée, "Dandelion dust" est une plage qui évolue au gré des changements de rythmes, de l’alternance entre climats empreints de douceur ou chargés de frénésie. Et la voix sert de lien fédérateur au sein de cette fresque sonore, balayée de cordes bien inspirées. Sans aucun doute, un sommet de cet opus! Le riff d'ouverture consacré à "Honkin' water roof" est puissant. Il nous écrase avant de libérer le rythme en boucle, communiquant à ce climat sonore une langueur, une oppression et une désolation, d'où tentent de s'extirper des cordes à l'agonie, pendant que des effets spéciaux intersidéraux viennent balayer l’espace. "Loa's awakening" introduit la première partie du tryptique "Vodun", un tableau ambitieux et ésotérique peuplé de retournements de situation. "Big black cloud" est victime d’une attaque sauvage. L’ennemi fait feu de toutes parts. Les envolées de cordes sont décapantes voire déjantées. Elles s’immergent dans un psychédélisme multicolore. Et c’est un invité, Ed Mundell, un ancien de Monster Magnet, qui se charge de ces interventions fantasmagoriques. Alexander von Wieding est le responsable artistique de la pochette. Il signe et chante le blues minimaliste "Oceans on Sand", une parenthèse mystérieuse, caractérisée par des interventions de sèche dépouillée, aux accents métalliques, réminiscence du Delta du Mississippi. Proche d’Alice In Chains, "Here sleep gods" nous plonge dans un long bain de métal grunge. S’étalant sur plus de 10’, "The maze" est une piste lente, mystérieuse, lugubre, dramatique, intense, parcourue d’effets spatiaux. Abrahma y est alors au sommet de son art. Classieux, cet opus s’achève par "Omega", dans un climat de transe psychédélique…
Tryo, le groupe star de l’alter mondialisme de luxe, publiera un nouvel album le 27 août. Il s’intitulera « Ladilafé ». Cet opus rend un hommage à Patricia Bonnetaud, décédée en février dernier. C’est elle qui avait lancé Tryo en les signant sur la structure Ladilafé, suite à la disparition de l’écurie Yelen Musiques, le sous-label de Sony qu'elle avait fondé en 1995.
Ziya Ertekin (aka Blue Flamingo) a réalisé un périple de plus ou moins trois mois en Afrique, afin de marcher sur les traces de CMS (Capital Music Store), un label kenyan disparu dans les années 60…
Une compilation issue de ses pérégrinations servira de parfaite porte d’entrée à l’histoire de la musique africaine…
http://www.youtube.com/watch?v=Z5Mj6li1aco
Hey Sholay est un quintet réunissant musiciens, réalisateurs et artistes issus de Sheffield et Leeds, dont le premier album paraîtra chez Fierce Panda, ce 17 septembre 2012. Il s’intitulera énigmatiquement « ((O)) » et devrait baigner dans l’univers pop psyché…
Tracklisting:
1 ‘Wishbone (Wish Wish Wish)’
2 ‘My Blood’
3 ‘Go Easy Tiger’
4 ‘The Bears The Clocks The Bees’
5I ‘Shut The Devil At The Backdoor’
5II ‘A Day In The Country, Berlin’
6 ‘Burning’
7 ‘Dreamboat’
8 ‘Ol’ St Nick’
9 ‘Golden Is The Colour Of The Sun (Run Rabbit)’.
Seule journée affichant complet, ce samedi était clairement celle qu’il ne fallait manquer à aucun prix, si vous ne disposiez pas de combiticket. C’est aussi celle qui, pour de nombreux festivaliers, voire artistes, rappelait un douloureux souvenir. Et pour cause, le 18 août 2011, soit exactement un an plus tôt une tornade s’abattait sur le site du Pukkelpop, faisant de nombreux blessés, mais surtout cinq victimes.
Aujourd’hui, tout comme la vieille, le soleil tape très fort. Il atteindra même les 35 degrés centigrades. La déshydratation guette ! Une bonne excuse pour se désaltérer auprès des nombreux bars installés aux quatre coins de la plaine.
La journée débute par le groupe californien Ceremony. Rien de tel que du noise-punk pour réveiller les esprits encore à moitié endormis des festivaliers. Certains ne semblent d’ailleurs pas gênés par l’heure précoce (il est 11h30-12h) et affichent une forme étincelante, en pogotant devant le Shelter.
Le concert à peine terminé, on est déjà face à un choix cornélien. Soit on opte pour le set de la formation belge Oscar and the Wolf ou le quintet londonien Dry the River. Finalement on décide d’assister à celui du trio gantois. Faut dire qu’il est actuellement un des groupes noir/jaune/rouge les plus intéressants du moment. D’ailleurs, il enchaîne les dates depuis plusieurs mois. Il dispose d’une demi-heure pour défendre son Ep, « Summer Skin ». Et il s’en sort parfaitement. Les formations nationales vont même plutôt s’en tirer plus qu’honorablement toute la journée…
A l’instar de Kiss the Anus of the Black Cat, mais également Flying Horseman, malgré une musique pas toujours facile d’accès. K.T.A.O.T.B.C. est drivé par le troubadour barbu Stef Heeren. Le groupe pratique une sorte d’acid folk qui baigne au sein d’une atmosphère moyenâgeuse. Intitulé « Weltuntergangsstimmung », son dernier elpee, est paru en 2012. Leur set est ténébreux, shamanique, dans l’esprit de 16 Horsepower….
Flying Horseman se produit dans le Wablief. A sa tête, le guitariste Bert Dockx. Ici le climat est aussi sombre, mais il est le fruit d’un mélange de post rock et de blues. « Twist », leur dernier opus est également paru cette année. Le groupe anversois reconnaît pour influences majeures Joy Division, Bill Callahan, Talk Talk et le Velvet Underground. Balisées par les cordes de guitares, les compos sont construites suivant un mode crescendo. Elles débutent dans la quiétude, puis s’élèvent progressivement, poussées par le tempo tribal, avant d’atteindre un climat de tempête, caractérisé par des explosions de fuzz, de distorsion et de drums…
A partir de 16h, place aux grosses pointures. Tout d’abord, Stephen Malkmus and the Jicks. Sous le Marquee. Flanqué de son nouveau backing group, Malkmus déçoit. Son aventure vécue chez Silver Jews n’était déjà pas exceptionnelle. Depuis qu’il a délaissé Pavement, il faut avouer qu’il est sur la pente descendante. Manifestement, son passé le poursuit. Même ses derniers albums ne parviennent pas à sauver la mise…
Quant aux Shins de James Mercer, alternant morceaux majestueux (« Saint Simon », « So Says I », « Kissing the Lipless ») et titres sans grande consistance, leur set est trop inégal pour convaincre…
Vers 18 heures, tant les festivaliers que les artistes vont observer une minute de silence, en hommage aux victimes du drame de l’an dernier.
Ce sont ensuite les Hives qui vont enflammer la Main Stage en faisant la part belle aux guitares. Dix ans que la formation suédoise nous sert la même recette. Mais elle est préparée avec tant de passion qu’on ne peut y résister. Les musicos sont vêtus de leurs rituels costards noir et blanc. Pelle Amsqvist saute, hurle, fait virevolter son micro. Le soleil tape dur, mais la formation venue du froid n’en a cure. D’ailleurs tous les musicos termineront le concert complètement trempés.
On jette un œil et une oreille à la prestation de The Antlers au Club. Après le spectacle que nous venons de vivre, difficile d’accrocher à leur noisy/pop qui baigne au sein d’une atmosphère chargée de spleen. Pourtant, le combo nous réserve l’un ou l’autre morceau bien senti. A l’instar d’« I Don’t Want Love », au cours duquel un frisson nous parcourt l’échine…
Place aux Black Keys. Depuis leur dernière tournée, le duo est soutenu par deux musicos supplémentaires. Ce qui nuit quelque peu au feeling sauvage de leur musique. Néanmoins, les compos dispensées sont impeccables. Le public massé devant la Main Stage est ravi et en redemande. La setlist privilégie les compos les plus récentes, et notamment celles du dernier opus, « El Camino ». Les puristes reprocheront sans doute un manque de spontanéité dans le chef de Dan Auerbach et Patrick Carney, mais manifestement The Black Keys est devenu un ‘grand groupe’…
Jeff Tweedy et sa bande se produisent sous le Marquee. Juste avant que les Foo Fighters ne montent sur la scène principale. Afin de disposer d’une place idéale, la majorité du public décide de se planter devant la Main Stage. Conclusion, lorsque Wilco monte sur l’estrade, le chapiteau est presque vide. Tant pis et tant mieux, puisque cette situation va nous permettre de savourer une excellente prestation, démontrant en outre, que la notoriété grandissante du band chicagolais n’est pas usurpée
Vu les circonstances, Foo Fighters n’avait donc pu accorder son set l’an dernier. Dave Grohl et son team avaient promis de revenir, cette année. Promesse tenue. Et pour un ‘gig’ particulièrement réussi. La puissance est de rigueur. La setlist épingle des titres devenus maintenant cultes, tels « My Hero », « Pretender » ou encore « Dear Rosemary », un superbe ‘best of’, au cours duquel l’ex-Hüsker Dü, Bob Mould (NDR : il avait joué plus tôt dans l’après-midi) vient les rejoindre sur l’estrade. Dave n’en oublie pas pour autant de dédier une chanson aux victimes.
Ce Pukkelpop s’achève pour nous au Shelter, afin de célébrer un autre grand retour, celui de Refused. Il ne date pourtant que depuis janvier 2012. Et autant en profiter, car le groupe a annoncé que leur reformation ne serait que temporaire. Le punk-hardcore de ce combo suédois est puissant, frénétique, sauvage et rapide. David Sandström frappe ses drums comme s’il avait un ennemi à tuer. Kristofer Steen et Jon Brännström arrachent littéralement les sonorités de leurs de leurs grattes. Et Magnus Flagge arrose le tout de ses interventions sulfureuses à la basse. L’attitude du leader, Dennis Lyxzén, évoque parfois un certain Scott Weiland (Stone Temple Pilots). Ses lyrics véhiculent d’inévitables pamphlets révolutionnaires quand ils ne traduisent par leur combat en faveur des droits des animaux. Il exhorte la foule au changement, en s’adressant tout particulièrement, à la nouvelle génération…
C’est sur ces notes brutales que cette 27ème édition du festival s’achève. Un excellent cru ! Que ce soit chez les découvertes ou les artistes consacrés, tous ont participé à la réussite de cette édition 2012. Il a fait beau, il a fait chaud, l’affiche était superbe et l’ambiance au rendez-vous. Bref, tout était parfait. Le Pukkelpop est relancé pour de nombreuses années…
Ce vendredi 17 août, le Pukelpop se réveille sous un soleil de plomb. Vu le temps pourri que nous avons connu, au cours des semaines précédentes, on ne s’en plaindra pas. Quoique ! Ce changement radical de conditions météorologiques est de nature à perturber pas mal de festivaliers. D’ailleurs, la recherche de parcelles ombragées va finir par devenir une leurs préoccupations favorites. Heureusement, les organisateurs ont prévu de distribuer des cannettes d’eau tout au long du festival. Et c’est une excellente initiative à souligner. Enfin, l’affiche de ce vendredi est caractérisée par la présence d’une flopée d’artistes ou de groupes qui se sont déjà produits au Pukkelpop ; parmi lesquels certains se sont forgés, depuis, une certaine notoriété…
Grandaddy s’est donc reformé. L’aventure en solitaire du leader, Jason Lytle, a tourné court. La formation californienne n’a rien perdu de son homogénéité. Coiffé de sa casquette fétiche, éternellement barbu, Jason n’a peut-être plus une voix aussi douce ; mais elle colle parfaitement aux compos. Parmi lesquelles on retrouve avec beaucoup de plaisir, « El caminos in the west », « The crystal lake », « AM 180 », « Summer here kids » ou « Stray dog & chocolate cake » Des compos qui peuvent virer dans le psychédélisme, à l’instar du ‘floydien’ « He’s simple, he’s dumb, he’s the pilot ». Et puis, la magie opère toujours. Comme avant la séparation du combo, en 2006. Et lorsque le band issu de Modesto balance « Now It’s On » sur la plaine de Kiewit, un frisson nous parcourt l’échine…
Autre retour attendu : les Stone Roses. De nombreux fans insulaires ont d’ailleurs fait le déplacement. Leurs deux albums remontent quand même à 1989 et 1994. Ce qui explique sans doute pourquoi les plus jeunes n’accordent que peu de crédit à la formation mancunienne. Pourtant, le band parvient à attirer une foule plus que conséquente devant la Main Stage. Et le groupe assure. Les riffs de guitare sont bourrés d’effets. La ligne de basse est profonde. Les drums conquérants. Et puis Brown est dans un bon jour. Le band va aligner la plupart de ses classiques, tels que « I Wanna Be Adored », « Waterfall/Don’t Stop », « Sally cinnamon », « Ten storey love song », une version remarquable de « Fools gold », « Waterfall », « Love spreads », « This is the one » et « I am the resurrection » ou encore « Made of Stone ». Un symbole du mouvement Madchester qui se produit au Pukkelpop ! Qui l’aurait cru ?
Dernier comeback du jour : Afghan Whigs. Le combo s’est reformé en 2001. Il est programmé au Marquee. Sa musique est toujours aussi ténébreuse et puissante. Et la voix de Greg Dulli, malgré ses nombreux détracteurs, plus que jamais bouleversante, comme si elle émanait du plus profond de son âme. En outre, la setlist épingle les classiques du band, dont « Crime scene », « Uptown again », « What jail is like », « Gentlemen », « 66 », « Going to town », « Debonair », « Miles iz ded » et « See & don’t see » ; mais aussi plusieurs compos écrites depuis que la formation s’est reformée, dont « See and don’t See » et la cover de Frank Ocean (NDR : qui a curieusement annulé cette année, tout comme Baroness), « Love Crimes ». Rien que du bonheur !
Autre résurrection, mais belge, Reiziger. Convulsif, leur rock a illuminé les plus belles heures de la scène indépendante noir/jaune/rouge. Leur set a tenu la route, enthousiasmant tant les mélomanes nostalgiques que les plus jeunes. Et pour cause, leur musique n’a pas pris une ride…
Après avoir évoqué les prestations de ces légendes vivantes du rock, place aux artistes contemporains. Tout d’abord la formation londonienne Breton. Et bien sûr Two Door Cinema Club. Le trio irlandais est venu défendre son dernier opus ; mais ce sont ses singles qui recueillent le plus de succès. Et en particulier « Do you want it all », « This is the life », « Something good can work », « Eat that up, it’s good for you » et « You’re not stubborn ». Une réaction facile de la part de l’auditoire ? Vu la chaleur étouffante qui baigne alors le site, ce réflexe est compréhensible. D’autant que la pop sucrée et naïve dispensée par le combo met de bonne humeur pour le reste de la journée.
Sous le Marquee, vers 15h (NDR : on était d’ailleurs étonné de les voir programmés si tôt en journée !), les New-Yorkais de The Walkmen montent sur les planches. Le Marquee est plein à craquer. A l’instar de leur prestation accordée dans le cadre des dernières Nuits Botanique, l’aspect visuel de leur show est plutôt rudimentaire. En fait, leur musique se concentre essentiellement sur les performances vocales du chanteur, Hamilton Leithauser. Sa voix est puissante, précise, classieuse, impressionnante. Et la setlist épingle la plupart de leurs hits…
Eagles of Death Metal se produisait au Pukkelpop, pour la quatrième fois. Le dégaine très ‘yankee’ (NDR : cette moustache !), Jesse Hughes et sa troupe vont nous délivrer un excellent concert de rock’n’roll énergique, malsain et bigrement efficace. Un spectacle qui restera certainement dans les annales de cette 27ème édition.
Contraste saisissant, lorsqu’apparaissent les musicos de Keane. Polis, propres sur eux, les Britons ont un look de futurs gendres. Mais leur pop/rock est tannant. Le quatuor va nous réserver un ‘best of’, parmi lesquels on épinglera « Somewhere Only We Know », « Crystal ball », « Bend & break », « Spiralling », « This is the last time », « Everybody’s changing », « Somewhere only we know », « Is it any wonder » et encore « This is the Last Time ». Si le groupe s’était produit plus tard dans la soirée, il y a fort à parier que les briquets auraient éclairé la plaine.
Lykke Li était très attendue. Rien que sa voix de soprano est de nature à faire vibrer la foule. Mais le mélomane lambda a certainement dû se rendre compte que le style de la Suédoise n’est pas toujours très accessible. Lorgnant parfois vers The Knife, sa pop puise d’ailleurs à de multiples sources (NDR : depuis le trip hop à l’électronica, en passant par le folktronica, l’indie, le wonky, et j’en passe). Finalement, elle ne parviendra à secouer l’auditoire qu’en fin de parcours ; et tout particulièrement lorsqu’elle interprétera son succès planétaire, « I follow the River »...
Jens Kristian Matsson est également issu du même Royaume scandinave. Il est 22 heures, lorsqu’il débarque sur les planches du club. Mieux connu sous le patronyme de The Tallest Man on Earth, le songwriter est seul. Armé de sa seule guitare, il ne craint pas d’affronter la foule. Cette dernière est rapidement bluffée par ses compos particulièrement efficaces : « King of Spain », « I Won’t Be Found », « The Gardener » ou encore « Love is All ». Un set époustouflant, digne de Bruce Cockburn voire de Luka Bloom! Qui sera ponctué d’un rappel.
Autant dire que cette deuxième journée s’est encore une fois merveilleusement bien passée. Il reste à retourner au camping pour se ressourcer ; car demain l’affiche est très riche. Et pour cause, y attend notamment Wilco, Refused, Foo Fighters ou encore The Black Keys. Que demande le peuple ?
Une année après le drame qui a frappé la plaine de Kiewit, le Pukkelpop s’est a nouveau déroulé normalement. Il aurait pu disparaître ; ce qui aurait été un grand vide pour le monde de la musique indépendante. Il a fallu du temps aux organisateurs pour se remettre de ce coup du sort. Aussi, pour prendre le maximum de protection possible, tous les arbres sur le site ont été abattus. Dommage, mais la sécurité était à ce prix. Pour l’édition 2012, sont donc prévues huit scènes où se produiront 200 groupes ou artistes, au sein d’une affiche on ne peut plus éclectique. De quoi remettre le festival campinois sur les rails. Et les mélomanes ont à nouveau répondu en masse, puisqu’il a attiré une moyenne de 60 000 spectateurs, par jour.
Par esprit de contradiction, la météo à banni la pluie et le vent. Pas même un seul nuage. Mais un soleil de plomb, responsable d’une chaleur accablante. Qui va régner durant les 3 jours. Mais place d’abord au premier jour du festival…
Au Club se produit le trio étasunien Bowerbirds. Trempé dans le folk, leur dernier elpee a bien été reçu par la critique. Malheureusement la prestation n’est pas à la hauteur de nos attentes. Le son est un peu trop diffus ; et plusieurs morceaux sont nécessaires avant que les balances soient réglées correctement. Ce qui n’empêchera pas le combo d’aligner tous ses tubes. Episodiquement, on retrouve toute la magie de leur songwriting ; à l’instar de « Tuck the darkness in » ou encore « Stitch the Hem ». Bref, à l’issue de ce set, mon avis était mitigé. Probable que programmé dans le cadre intimiste du Castello, il aurait pu décoller. Faut dire que ce style musical est davantage adapté à ce type de configuration…
Sur la Main Stage, Snoop Dog vient de monter sur le podium. Il s’est converti en rasta et rebaptisé Snoop Lion. Au moins, le Californien a le mérite de nous faire rire. Il a conservé les artifices qui l’ont rendu célèbre ; et notamment son micro plaqué en or ainsi que les femmes-objets qui dansent autour de lui. Il nous réserve quelques morceaux choisis produits autrefois en compagnie de Dr Dre. Ce sont les seuls titres qui passent encore vraiment la rampe. Sans quoi, il faut bien avouer que Snoop Lion devient rapidement grotesque.
Cap sur le Castello pour y assister aux sets des Anglais de Alt-J et des Etasuniens de Chromatics. Malheureusement, impossible de pénétrer sous le chapiteau. Il est bourré comme un œuf. Il est vrai que la popularité du band de Leeds est montée en flèche, au cours des dernières semaines.
On se rabat donc vers le Marquee. Il y a aussi du peuple, mais on parvient quand même à se faufiler pour assister au concert des Islandais d’Of Monster and Men. Perso, leur folk pop est certainement allègre, mais il me semble un peu trop inspiré par Arcade Fire et Edward Sharpe. De leur répertoire, je retiendrai surtout leur hit, « Little Talks », repris en chœur par les spectateurs…
C’est au Shelter que nous allons enfin avoir notre première bonne surprise : The Bots. Un duo californien (NDR : issu de L.A., très exactement) réunissant les frères Mikaiah Lei et Anaiah Lei, respectivement âgés de 15 et 18 ans. Leur punk rock aux accents blues est à la fois rafraîchissant et énergique. Et évoque même parfois un autre tandem, qui se produira également dans le cadre du festival, dans deux jours, The Black Keys. Un bottleneck glissé à l’index, Mikaiah parcourt agilement son manche. Il fait aussi les cent pas sur l’estrade. La coupe afro, Anaiah Lei se déchaîne derrière ses fûts. Bref, que du bonheur ! Un groupe à suivre de très, très près.
Un détour par la Main Stage pour jeter un œil au show de Santigold s’impose. Elle est tout de vert vêtue. Et malgré un dernier elpee décevant, la Philadelphienne se débrouille plutôt bien. Elle nous réserve même un cocktail très fruité de hip pop, funk, soul et électro. Soutenue par des danseuses, elle semble s’amuser et se déhanche en interprétant une majorité de tubes issus de son premier opus, « Santogold », un disque publié en 2008.
C’est à 18h30 que Django Django débarque. Au Club. Pas question, donc, de les louper. Vêtus de t-shirts mauves tachetés, les Ecossais s’en donnent à cœur joie. Depuis leur passage au Botanique, ils maîtrisent manifestement beaucoup mieux leur sujet. « Default », « Firewater », les titres s’enchaînent. Ces compos nous rappellent que leur premier album éponyme est certainement l’un des meilleurs de l’année. Convulsifs et exotiques, les rythmes alimentent un rock particulièrement dansant. Bref, en ce début de soirée, Django Django a mis littéralement le feu au Club…
Au Marquee, ce sont les Londoniens de Hot Chip qui sont au programme. Et eux aussi sont en grande forme. Il ne faut guère longtemps pour voir le public entrer en transe. Le plancher tremble sous les pas des festivaliers. Et la voix de farfadet, d’Alexis Taylor fait le reste. Un grand moment du festival.
Björk est donc la tête d’affiche de ce jeudi 16 août. Bien que se produisant sur la Main Stage, elle ne se gêne pas pour dispenser un set expérimental. Et quand un concert est aussi peu abordable, une partie du public déserte progressivement les lieux. Dommage, mais c’est ainsi. M’enfin, les nombreux espaces libres sur la plaine nous permettent aussi de respirer. Ce qui n’est pas plus mal. Son look est toujours unique en son genre. Elle est déguisée en poulpe noir et coiffée d’une perruque bleue fluo. Et elle nous plonge dans un univers semi-aquatique, semi-surréaliste, tout en prônant le retour à la nature. Ne reste plus qu’à y pénétrer. Pas vraiment évident, lorsqu’on a passé toute la journée à déambuler d’une scène à l’autre. Elle interprète notamment « Hunter », « Natura » et « Joga » ; mais hormis « Hunteren », casé en début de concert, et « Possibly Maybe », lors du rappel, les titres de son répertoire ne sont pas forcément les plus pop. L’album « Biophilia » forge même la majorité de la setlist. Björk est soutenue par un drummer, un préposé au laptop et une chorale féminine. La voix de l’Islandaise est toujours aussi particulière, même si elle monte moins dans les aigus. Un concert particulièrement audacieux qui a certainement dû plaire aux inconditionnels. Pour les autres, ou ça passait ou ça cassait…
Pour terminer cette première journée en beauté cap sur le Shelter pour assister à la prestation du rockeur sudiste Mike Ness, flanqué de son band, Social Distorsion. L’âge ne semble pas avoir de prise sur le leader. Il a enfilé un marcel et porte toujours des bretelles. Ses bras sont couverts de tatouages. La guitare lui tombe presqu’aux genoux. Les autres musicos sont plus jeunes. Mike est d’ailleurs le seul rescapé du line up originel. Et on est parti pour un set punk/rock bien huilé, quoique sans grand éclat. Bref un moment sympa, mais pas inoubliable.
Mark Lanegan semble aussi avoir retrouvé une nouvelle jeunesse. Toujours aussi charismatique, l’ex-Screaming Trees/Queens of The Stone Age/Soulsavers est épaulé, pour la circonstance, par un backing group belge. Au menu, du rock’n blues ténébreux, sur lequel Lanegan vient poser son baryton. Puisant essentiellement son répertoire dans son dernier album, « Blues funeral », le set est tout bonnement époustouflant. Points d’orgue, « The Gravedigger’s Song », une compo qui va nous conduire au bord de l’envoûtement. Et puis “Methamphetamine blues”, au cours duquel Greg Dulli vient rejoindre Lanegan sur les planches, pour échanger un superbe duo vocal. Des moments inoubliables et un concert qui clôture la journée en beauté…
Les plus résistants et les nightclubbers auront cependant encore le loisir de se défouler au Boiler, sous la houlette des Djs, tandis que les autres retourneront au camping afin d’essayer de récupérer, avant d’attaquer la deuxième journée…
Les mythiques Beachs Boys continuent de fêter dignement leur 50ème anniversaire, en publiant deux « Best of » et en rééditant leurs 12 albums, bien sûr remasterisés !
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The Beach Boys: Greatest Hits [CD, digital]
1. That's Why God Made The Radio
2. California Girls
3. Sloop John B
4. Wouldn't It Be Nice
5. Surfer Girl
6. Do It Again
7. Surfin' Safari
8. Surfin' U.S.A.
9. Don't Worry Baby
10. Little Deuce Coupe
11. I Get Around
12. Fun, Fun, Fun
13. Be True to Your School
14. Dance, Dance, Dance
15. All Summer Long
16. Help Me, Rhonda
17. Rock And Roll Music
18. God Only Knows
19. Good Vibrations
20. Kokomo
The Beach Boys ‘Greatest Hits: 50 Big Ones’ [2CD, digital]
Disc 1
1. California Girls
2. Do It Again
3. Surfin' Safari
4. Catch a Wave
5. Little Honda
6. Surfin' U.S.A.
7. Surfer Girl
8. Don't Worry Baby
9. Little Deuce Coupe
10. Shut Down
11. I Get Around
12. The Warmth of the Sun
13. Please Let Me Wonder
14. Wendy
15. Getcha Back
16. The Little Girl I Once Knew
17. When I Grow Up (To Be a Man)
18. It's OK
19. Dance, Dance, Dance
20. Do You Wanna Dance
21. Rock And Roll Music
22. Barbara Ann
23. All Summer Long
24. Help Me, Rhonda
25. Fun, Fun, Fun
Disc 2
1. Kokomo
2. You’re So Good To Me
3. Wild Honey
4. Darlin'
5. In My Room
6. All This Is That
7. This Whole World
8. Add Some Music To Your Day
9. Cotton Fields
10. I Just Wasn’t Made For These Times[Pet Sounds]
11. Sail on, Sailor
12. Surf's Up
13. Friends
14. Heroes and Villains
15. I Can Hear Music
16. Good Timin'
17. California Saga (On My Way to Sunny Californ-I-A)
18. Isn't It Time (single version)
19. Kiss Me, Baby
20. That's Why God Made The Radio
21. Forever
22. God Only Knows
23. Sloop John B
24. Wouldn't It Be Nice
25. Good Vibrations
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