La musique de Sweet Billy Pilgrim semble venir d’ailleurs… Pas étonnant, puisque leur patronyme est tiré du livre ‘Slaughterhouse 5’ (NDR : il s’agit du personnage principal), un bouquin écrit par le mythique auteur de science-fiction Kurt Vonegut. Décédé l’an dernier, il avait d’ailleurs demandé que l’on inscrive sur sa tombe la magnifique épitaphe : ‘La musique est la seule preuve de l’existence de Dieu’.

Cette formation anglaise nous livre son 3^ème opus. Ample et complexe, son expression sonore n’est pas facile d’accès. La voix de Tim Elsenburg, leur tête pensante et énigmatique leader, rappelle celle de Bon Iver. Leur style ? Imaginez  une version folk de British Sea Power (qui n’aurait pas encore perdu son inspiration…) ou un Nick Drake qui aurait piqué des idées progressives à Robert Fripp… Les moments de grâce sont nombreux. Surtout lorsque Jana Carpenter vient poser sa voix. Les instruments sont nombreux. Soignés, les arrangements sont opérés dans l’esprit d’un Elbow voire de Divine Comedy ! La pop d’« Archeology » répond au folk tout en délicatesse de « Blakefield Gold ». Si le style pompeux à la Damian Rice n’est jamais loin comme sur le plus dispensable « Blood is Big Expense », « Crown and Treaty » mérite bien plus que les honneurs à travers sa noble ambition esthétique et ses mélodies ‘haute couture’...

Eugene Bridges fêtera ses 50 ans en 2013. Il est le fil du bluesman Hideaway Slim. Ce guitariste est également chanteur. Il s’est forgé sa voix, comme tant d’autres, en chantant le gospel dans les églises locales. Mais très vite, il se passionne pour le R&B. Il quitte sa Louisiane natale pour le Texas où il s'enrôle dans l'US Air Force. Il milite alors au sein de trois groupes, The New Chosen, The Mighty Clouds of Joy et son Eugene Bridges Band. Pendant un an, il va tourner en Europe comme gratteur au sein du Big Joe Turner's Memphis Blue Caravan avant de remonter sa propre formation. Il est alors signé par le label anglais Blueside. Ce qui lui permet de mettre en boîte son premier opus, en 1998 ; un disque produit par le célèbre Mike Vernon, naguère fondateur du mythique label Blue Horizon.

En 2000, il passe chez Armadillo. Il enchaîne les long playings : "Man without a home" en 2000, "Jump the joint" en 2003 et "Coming home" en 2005, sans oublier sa carrière plus personnelle au cours de laquelle il publie un opus éponyme en 2007, un "Live in San Antonio" en 2009 et plus près de nous "Rock and a hard place" en 2011. Eugene se nourrit à la musique américaine pour forger son style : blues, R&B, soul, funk, gospel et rock! L’écurie insulaire Manhaton a réédité sa toute première œuvre, "Born to be blue", aujourd'hui introuvable.

« If you don’t wanna love me » ouvre l’elpee. Une plage veloutée, trempée dans le pur soul blues. La voix est parfaitement taillée pour le style. Le piano de Peter Zivkovic et l’orgue de James Hallawell se chargent de soigner l’environnement sonore. « Little Boy blue » est une compo aventureuse. Très éclectique, le jeu de cordes épouse la voix, lorsqu’il ne s’égrène pas en chapelet de notes finement ciselées. « Tears of a fool » est empreint d’une grande sensibilité. C e feeling oscille d’ailleurs de la tristesse à la mélancolie, en passant par la passion.  L’intro de « Born to be blue » lorgne vers le grand B.B King, une piste qui rend hommage au blues. Et d’abord à son père Othineil. La partie de cordes est de toute bonne facture. Bridges excelle dans l’écriture de petites plages de R&B. Il les chante en y injectant une fameuse d’émotion, évoquant même parfois le mythique Sam Cooke. A l’instar de « Learn how to let you go » ou la finale « A change is gonna come ». Il se met dans la peau de BB King pour attaquer « Aching heart », un blues lent superbe, d’une grande pureté, qui libère tellement de souffrance, de passion et d’amertume. Un sommet de près de 8’. Une empreinte BB, mais davantage swing, qui imprègne également « Somebody loves you » et « Good thang ». Eugene apprécie également beaucoup Jimmy Reed ; et il le démontre tout au long d’« Ain’t no reason no more ». Et on retrouve ses racines gospel, sur « Good times », titre sur le quel il est accompagné au chant par George Chandler. 

Dexys ou Dexys Midnight Runners version années 2010. La formation a connu son heure de gloire en 1982, notamment en publiant l’imparable classique « Come On Eileen ». Elle vient de reprendre du service. Pour quoi ? Bah, pour pas grand-chose. Près de 30 ans après avoir gravé « Don’t Stand Me Down », leur dernier sursaut d’activité discographique, Kevin Rowland, Mick Talbot, Pete Williams et Jimmy Paterson nous proposent « One Day I’m Going To Soar », comme une dernière tentative de reprendre du poil de la bête. Seulement, la bête n’a plus les crocs et s’essouffle au moindre effort. Elle tente bien de les montrer, mais ses grognements ne font plus peur à personne. On aimerait se prendre d’affection pour la bestiole, surtout lorsque ses efforts débouchent sur de sympathiques litanies (« Now », « She Got A Wiggle ») ; mais, au fil du temps, Dexys a perdu de son mordant et ses manifestations musicales sont bien trop surannées pour être prises au sérieux. Dommage!

Billy est originaire de l'Alabama ; mais au cours de sa jeunesse, sa famille a énormément bourlingué, passant par l'Indiana et le Texas, avant d’atterrir à Detroit, au début des 60s. Il y rencontre le roi de la scène blues locale, Mr John Lee Hooker en personne. Mais également James Cotton, alors accompagné par le batteur Sam Lay. Lorsque ce dernier fonde son propre combo, Farlow a l'immense privilège de succéder à Little Walter au poste d'harmoniciste. Le légendaire Walter venait en effet de décéder tragiquement, en 1968.

L'année suivante, Billy rejoint Commander Cody and the Lost Planet Airmen. Toute l’équipe s’installe à San Francisco afin d’y jouer leur cocktail de country et de rock'n'roll! L’aventure du groupe cesse en 76. Billy monte alors son band personnel. Dans les années 80, il entame une longue collaboration avec Fred James, guitariste chanteur et producteur issu de Nashville. De cette coopération naîtront cinq elpees. Plus tard, notre souffleur se joindra au vieux bluesman Homesick James, mais aussi le compositeur Bleu Jackson avant de retrouver Sam Lay, en compagnie duquel il publiera trois albums pour le label italien Appaloosa.

Plus récemment, Farlow a reçu le concours de Mercy, un trio français créé au début du siècle qui compte deux elpees à son actif : "Tribute to Slim Harpo" et "Magic". Ils se sont rencontrés à San Francisco, en 2006. Et ont décidé de tenter l’aventure ensemble…

Billy C. chante « Snake eyes » d’une voix nasillarde et relativement ravagée, une voix talonnée par la guitare de Jean-Paul Avenalleda. La musique puise son inspiration dans les marais louisianais. Son climat humide et blafard. Ses lueurs en demi-teinte. C’est dans ce contexte que « Runnin’ from the fire » est déclamé d’une voix grave. Cap vers l’Alabama. Au cœur d’une nuit sombre et pluvieuse, Jean-Paul injecte de la reverb dans ses cordes pour attaquer « Magnolia darlin’ ». « Drive me like a mule » baigne plutôt dans une ambiance Chicago blues. Le souffle propulsé par Farlow dans son harmonica chromatique est saccadé. Le rythme est soutenu. Les accents métalliques d’un dobro introduisent « Good rockin’ mama ». Billy souffle comme un désespéré sur ce pur blues Delta blues ; et on ressent énormément de vécu dans sa voix quand il nous conte la rencontre avec cette rockin’ Mama ! Stéphane Avellaneda imprime le tempo ferroviaire de « Tennessee Saturday night ». « My name is trouble » ne respire pas la joie ; faut dire que cette compo narre une aventure de l’artiste qui s’est retrouvé en taule après un périple en bus Greyhound. Le climat est lourd, intense. Poisseuse, la slide parvient néanmoins à s’extraire de cette torpeur. Farlow est toujours englué dans les bayous louisianais sur le lent, énigmatique et très expressif « What have I done ? » Un week-end de fête s’annonce sur les routes. L’explosif « Juke Joint Friday night » nous le rappelle. Le style de Billy C. est très personnel. Difficile de déceler une influence majeure chez ce souffleur. Une chose est sûre, il est très à l’aise sur son instrument chromatique. Il se démène comme un vieux rocker sur « Alligator crawl ». Il reprend le chemin de la Nouvelle-Orléans. Mais il ne parvient pas à échapper à l’atmosphère étouffante qui baigne son environnement. Il est même au bord de l’anoxie sur « Yella Pocahontas » et « Black Lazarus ». Nous sommes en Louisiane. L’opus s’achève alors dans le zydeco. Un moment de fête propice à la joie communicative reproduite par « Wild about you » (Trad : Je suis fou de vous). Excellent ! 

Pour paraphraser le principal hit du groupe californien, serais-je devenu « My Own Worst Enemy » ? Comment justifier autrement mes incessants appels à chroniquer « The View from the Bottom », le nouvel album de Lit ? Certains se souviendront peut-être que cette formation avait réalisé un carton en 1999 : rester 12 semaines en tête des charts US ! Avant de lentement disparaître de la circulation.

Près de 8 ans après avoir commis leur dernier méfait, Lit nous propose « The View for the Bottom ». Pour la circonstance, il a bénéficié du concours de Marti Fredriksen à la mise en forme ; et sa collaboration apportée aux œuvres de Def Leppard, Mötley Crüe ou Foreigner peuvent à priori donner froid dans le dos… Un album aux forts accents 90’s et aux relents punk-pop. Pensez à Blink 182 dans ses meilleurs moments (« C’mon »). Ou à la pop légèrement rock et dégoulinante de Pink (« Miss You Gone »). Drivé par les frangins Popoff, le gang yankee nous réserve également des mini-hymnes sirupeux lorgnant vers l’univers de Kiss, auxquels il est souvent difficile d’accrocher. Les refrains sont destinés à être repris en chœur (« The Broken ») et assument leur côté racoleur et sans prise de tête… ‘Stronger, every time we suffer, we find strength in numbers, you can’t take our hope and you can’t break The Broken’. Tout au long de “The View from the Bottom », Lit nous renvoie vers une époque (charmante ou pas, à vous de voir) que l’on croyait révolue !

Originaire du Connecticut, John Mayer fêtera ses 35 balais en octobre 2012. Il s’est cependant établi à New York City, depuis longtemps. Chanteur, compositeur, interprète et producteur, c’est également un guitariste au jeu raffiné. A ses débuts, il se concentrait sur la gratte sèche. Ses deux premiers elpees datent du début de ce siècle, “Room for squares” et “Heavier things”. En 2005, son inspiration se teinte quelque peu de blues, suite à des collaborations opérées en compagnie de BB King, Buddy Guy et Eric Clapton. Cette influence est marquante sur un opus live publié à l’époque. Intitulé “Try !”, il avait été enregistré au sein du John Mayer Trio, avec Pino Palladino et Steve Jordan. Avant de graver ce « Born and raised », il avait encore commis deux autres elpees, en 2006 et 2009. Pour info, sachez que chaque fois qu’il sort un album, il se vend à plusieurs millions d’exemplaires ; ce qui n’est certes pas banal ! Il a d’ailleurs décroché plusieurs awards : ‘Meilleur chanteur masculin’, ‘Meilleur album’ et ‘Chanson de l’année’.

Pour concocter ce nouveau cd, Mayer a reçu le concours de ses musiciens de la route : le drummer Aaron Sterling, le bassiste Sean Hurley et le claviériste notoire Chuck Leavell (ex-Allman Brothers Band, Sea Level). John assure la production, mise en forme pour laquelle il a quand même reçu l’aide du célèbre Don Was!

John signe ici onze nouvelles compositions. “Queen of California” permet aux musicos de prendre la température ambiante. Un country blues qui ne manque pas de charme. La combinaison entre cordes acoustiques, électriques et la pedal steel de Greg Lenz s’opère tout en douceur. Superbe chanson, “The ace of worry” met en exergue les qualités vocales de l’artiste. Tendre ballade chargé d’émotion, “Shadows days” se signale par l’intensité de la ligne mélodique, destinée de nouveau à souligner la voix de John. Jim Keltner se réserve les drums sur “Something like Olivia”, une plage empreinte d’une beauté immaculée. Sur le titre maître, David Crosby et Graham Nash assurent les chœurs. Une plage trempée dans un folk tout en délicatesse, au cours de laquelle Mayer, très inspiré, se met à souffler dans sa musique à bouche! Marche euphorique, “Walt Grace’s submarine test January 1987” bénéficie de la participation de Chris Botti, à la trompette. Les arrangements opérés sur “A face to call home” sont superbes. On y ressent une véritable montée en puissance de l’accompagnement. Dommage d’ailleurs que ce type de traitement n’ait pas été davantage opéré sur cette œuvre de folk pop américaine, jusqu’au bout des racines.