Affichant un look androgyne à la Jeanne Added, la Belge Clemix enfonce le clou (NDR : ou persiste et signe, si vous préférez) en publiant un nouvel Ep singulièrement intitulé « Non merci » !
Il s’agit de son sixième essai en de son troisième en solo. Et la filiation dans le propos avec le duo CéléniaSophia est à s’y méprendre. Mais le talent en moins…
Clémentine Colette, de son vrai nom, a pris le parti de dicter les axes médians de sa jeune existence sous un flot de paroles souligné par une musique electro voire disco sur un groove tonitruant.
Si de prime abord, l’idée peut sembler intéressante, le résultat est décevant.
L’expression sonore manque cruellement d’originalité, de relief et consistance. Les compositions sont insuffisamment enrobées et manquent d’attrait. Les sonorités sont certes contemporaines, mais peinent vraiment à s’éloigner d’un modèle éculé.
Quant aux textes, à travers des thématiques qui abordent tantôt l’intimité, les relations ou encore les travers des réseaux sociaux, ils tentent, sans y croire, de défendre les couleurs d’un vécu réel ou imagé dans une immaturité totale, tombant rapidement dans une allégorie caricaturale.
Bref, cinq titres, c’est déjà beaucoup trop !
Quoique son ‘’Motherfucker’’, seule compo en anglais, pourrait faire le bonheur des dancefloor. Encore que…
Et si son « Non, merci » était en soi une conclusion ?
Endz vient de révéler le clip de son deuxième single « Ashamed », un titre issu de son album « Harmed », paru sur Luik Music et Finalistes.
La vidéo a été réalisée par Matthieu France, un des créateurs de la série 'Ennemi Public'.
Vous pouvez voir et écouter « Ashamed » ici
Après avoir gravé un premier elpee en 2014, Birds on a Wire revient avec un nouvel album intitulé "Ramages", une œuvre composée de reprises issues d’horizons multiples ; de Pink Floyd à Gilberto Gil en passant par Jacques Brel. Un nouveau voyage musical dans toutes les langues, riche en beauté et en émotions. Birds on Wire, ce sont Rosemary Standley et Dom La Nena, des figures très libres du paysage musical français. Et le tandem vient de dévoiler le clip de « La Marelle », chanson populaire des années 80 interprétée à l’époque par Nazaré Pereira. Réalisée par Jeremiah (R.E.M., The Do, Tinariwen ...), la vidéo a été filmée en pellicule 16mm entre Rio de Janeiro et Paris.
Connue pour son rôle de chanteuse au sein du groupe Moriarty, Rosemary Standley est considérée comme l’une des voix les plus remarquables de la scène contemporaine. À la fois chanteuse et violoncelliste, la Brésilienne Dom La Nena s’est quant à elle affirmée comme l'une des plus grandes chanteuses d'Amérique Latine (selon NPR). Elle est d’ailleurs régulièrement acclamée dans la presse internationale (NY Times, The Wall Street Journal, Le Figaro, BBC…).
Vous souhaitez en savoir davantage ? Alors, cliquez ici
« Le Mirage de Zo », c’est le titre du nouvel opus de Julien Belliard. À l’image de l’album, le clip de "L'Autre Hémisphère" navigue entre le réel et l’imaginaire. Sur un tempo et un refrain entraînant, il évoque une conversation télépathique entre un homme et une femme ; deux écrans qui se superposent pour suivre simultanément deux réalités qui tantôt se joignent et tantôt se cherchent.
Les lignes entre rêves, souvenirs et réalités se floutent et on ne distingue plus le vécu de la fiction.
Si cette vidéo est influencée par un univers ‘lynchien’, d’autres éléments viennent s’ajouter au mystère : des lunettes à facette de réalité virtuelle, une salle de shoot au rêve, un échange sur les docks d’une source étrange de lumière contre une valise contenant des lunettes...
La vidéo réalisée par Adrien Heinz en compagnie de Maika Louakairim et Augustin Passard est disponible depuis ce 13 mars et est à découvrir ici
Jim & Roxie empruntent les codes traditionnels de la noise, s'en réapproprient des bribes et bouclent le tout pour répéter compulsivement des séquences toujours conçues live.
Une spontanéité hypnotique et volontairement lancinante, à la limite de l'interminable, qui s’autorise ponctuellement de brèves impulsions doom orientales ou une épique bifurcation métal au beau milieu d'une épopée kraut-rock. Si La Jungle est souvent définie comme un duo math-rock, ses deux noisers préfèrent parler de techno sauvage et effrontément dansante, à guitare déflagrante, à batterie frénétique et à Casio pour gamin. Welcome in the… trance!
Le duo montois, La Jungle, publiera donc un double album live intitulé "Coucou Beuh!" sur EXAG Records ce 24 avril.
Réunissant neuf morceaux issus des trois premiers albums et un titre du prochain, il proposera 80 minutes de concert enregistrées au Dour festival et au Périscope de Lyon (fr).
Seulement 2 titres seront disponibles en streaming sur toutes les plateformes digitales : "Ape In The Python" et "And The Serf Carresses The Head Of His Lord".
Le reste est uniquement réservé au vinyle.
En attendant, replongez-vous dans leur univers ici
Influencé par le rock psychédélique des 60's The Sonic Dawn dévoile un nouvel extrait issu de son impressionnant quatrième opus, "Enter The Mirage", dispo le 27 mars chez Heavy Psych Sounds.
The Sonic Dawn propose un trip chamarré oscillant de la pop teintée de sitar à l'acid rock. Le trio copenhagois se fait l'ambassadeur d'un rock solaire qui baigne la Californie et que berce des voix vaporeuses... mais livré avec la plus grande fougue, une fois sur scène !
Le passé, le présent et le futur ne font plus qu'un sur le bluesy "Hits of Acid", le nouveau single tiré du quatrième album de The Sonic Dawn, "Enter the Mirage". La sensation d'un coucher de soleil sur la côte Ouest des States, comme un instant volé qui dure toujours.
"Enter The Mirage" est sans aucun doute à ce jour le long playing le plus intéressant du trio scandinave. Taillé pour le live, il renferme une énergie brute et passionnée inhérente aux concerts du band ; ce qui lui a valu une reconnaissance sincère de la part de la scène rock underground.
"Enter The Mirage" invoque le thème de la liberté, des impressions qui semblent être trop lointaines pour être réelles mais qui ne le sont pas pour ceux qui osent.
Bureau a passé la moitié de l'année à écrire frénétiquement, tantôt pour l'album de The Sonic Dawn, tantôt pour son projet folk en solitaire…
Afin de mettre en forme toutes ses idées, le groupe a loué un local sinistre à Copenhague, dans lequel ils ont pu répéter pendant deux mois. L'aspect brut du lieu et sa rudesse traduisent la détermination d'un groupe soudé. A la fin de ce long et laborieux processus créatif, le groupe s’est retrouvé complètement fauché. Heureusement, leur ami et ex-producteur Thomas Vang (Roger Waters) a permis au combo de mixer le disque au Village Recording le soir, après ses propres sessions. Grâce à son aide ainsi qu'aux talents de mastering de Hans Olsson Brookes (Graveyard), "Enter The Mirage" a enfin vu le jour tout en restant fidèle aux aspirations du groupe.
“Young Love, Old Hate” est en écoute ici
Chris Corner a publié un surprenant album solo acoustique le 13 mars 2020.
Ceux qui connaissent l'univers musical unique de Chris Corner étaient assurés de succomber au son électronique mais organique, sublimé par la voix à la fois sombre et angélique du leader. Les ballades intenses, le sexe et la sueur sont devenus la marque de fabrique de IAMX.
Cet album acoustique, au même titre que la tournée du même style qui l'accompagne n'en sont que plus frappants.
Cofondateur de Sneaker Pimps, un band considéré comme pionnier du trip hop, il a donné le ton de ce mouvement au succès commercial mondial. Chris Corner est chanteur, multi-instrumentiste et producteur. Rapidement, il a tourné le dos à la célébrité pour devenir un artiste indépendant et insaisissable. Obsédé par son projet IAMX, il est particulièrement fier des 8 albums publiés sous ce patronyme. Le concept et le son de « Echo Echo » sont le fruit de sa collaboration avec David Bottrill, le producteur aux trois Grammys (entre autres avec Tool et Peter Gabriel). Ils ont enregistré dans le studio californien de Chris Corner (Pioneertown, dans le désert de Mojave, reconnu internationalement).
L'album comprend 11 classiques de IAMX, tels que « Kiss and Swallow » dont la version acoustique donne une dimension complètement différente et révèle toute la complexité du morceau. « The Background Noise » est imprégné de sonorités à la Morricone et flamenco. L'épique session-thérapie de groupe « I Salute You Christopher », quant à elle, a été enregistrée avec des voix de fans. Le travail de guitares sur « I Come With Knives » est inspiré du Soukous... « Echo Echo » est annoncé comme un album débordant d'inventivité et d'inspiration, et cela uniquement à l'aide d'une voix et d'une guitare.
Un extrait ici
Il était annoncé depuis plus d’un an, le voilà enfin ! “Ni Vieux Ni Maitre”, le nouvel album du groupe Raoul Petite sortira le 27 mars 2020.
Comme une ode à la jeunesse éternelle, le titre du nouvel LP de Raoul Petite rend hommage à ses 40 ans d'existence. La bande et son kultissime chanteur Christian ‘Carton’ Picard nous propose 14 titres où s'expriment toutes leurs influences musicales et leurs vécus sans aucune restriction ni autocensure.
C'est un LP organique, entièrement fait main, sans loop ni entourloupe, avec guitares et voix comme armes de création massive.
Un opus que l'on qualifiera de Rock sans retenue, aux textes parfois sombres mais au regard léger, insouciant et pourtant acéré d'un photographe du temps présent.
Ce grand tout s'est bâti avec la force des vieilles âmes, dans les excès, les rires, les larmes, les joies, les doutes, les clashs mais, au final il permet de renaître à l’issue d'une mue régénératrice.
Pour appréhender de disque sans préjugé, on ne citera que quelques titres. D’abord "Amours kamikazes" à l'aura gainsbourgienne. Porté par des voix et guitares sensuelles mais épurées, il nous parle de toutes ces addictions qui tentent de combler nos déchirures. Ou "Encore et toujours" directement inspiré du film "O'Brother" des frères Cohen.
Bien sûr, des questions existentielles viennent comme tout un chacun chahuter leur quotidien : "Va savoir" de quoi demain sera fait… Mais l’énergie contagieuse refait vite surface à grand renfort de riffs ainsi que de rythmiques généreuses et groovy comme sur "Ça fait mal", "Léger et insouciant", "Gourou" ou "Chargez, chargez " qui mettent en lumière les ombres de notre société de solitude égocentrée.
On y retrouve aussi avec plaisir leur dérision dance & funky en collaboration avec le DJ suédois Läbbat pour "Christian, King of the néant" où malgré le vide infini qui l'entoure, ce DJ arrive sans difficulté à nous faire rejoindre le dancefloor.
De toutes ces influences il ne faudra pas oublier l'enfance, pilier créatif de chaque artiste que l'on retrouve dans "Houlegate", une valse de souvenirs de vacances ou dans "Comme tes parents" vision humoristique stylée "Pixies" du combat des générations, éructé par le duo vocal Kty conasse / Raoul Petite dont le refrain n'est qu'un cri...
Pourquoi "Ni Vieux ni Maître" me direz vous ? Parce que ‘L'expérience est une lanterne qui n'éclaire que le chemin parcouru’ (Confucius)
Familiarisez-vous avec l’univers de cet artiste ici
Si c'est le mythique #3 (réédité en 2015 et largement salué) qui a donné à Diabologum son statut à part en 96/97, la formation toulousaine avait déjà publié en 93/94 deux elpees et deux Eps chez Lithium, repérés entre autres par Bernard Lenoir.
A l'occasion du Disquaire Day le 18 avril, ils sont à leur tour réédités par Ici d'ailleurs sur un triple vinyle (avec poster) intitulé ‘La jeunesse est un art’, avant une sortie numérique.
Un peu d’histoire. Etudiant comme ses comparses, Michel Cloup vient alors de quitter Lucievacarme (déjà signé chez Lithium) et forme alors Diabologum avec Arnaud Michniak, Anne ‘Mademoiselle Ange’ Tournerie et Pierre Capot. Comme Michel le racontera bien plus tard au micro de Vincent Théval, ils sont alors ‘vraiment des éponges’, influencés par nombre de courants musicaux de l'époque mais aussi par le cinéma ou la littérature, s'adonnant sur leur émission de radio sur FMR à des collages sonores et textuels. On les retrouve sur le premier album paru en 1993, « C'était un lundi après-midi semblable aux autres ». Denis Degioanni (qui restera sur #3 contrairement à Anne et Pierre) intègre le groupe pour l'enregistrement du deuxième opus, « Le goût du jour » publié en 1994. La même année la formation grave deux Eps, également au programme de cette réédition, « Les garçons ont toujours raison » et « L'art est dans la rue », construits autour des singles de l'album. Si Diabologum avait revisité sur son premier long playing « Le courage des oiseaux » de leur ‘labelmate’ Dominique A, une autre reprise foutraque (issue de la compil d'un fanzine) vient conclure cette réédition, « Transmission » de Joy Division...
C'est à la fois la photographie d'une époque et le début de trajectoires dont l'intérêt ne s'est pas démenti.
« De la neige en été » est en écoute ici
Figure mythique de la scène rock argentine devenue sur le tard le chantre d’un tango âpre et déglingué, Daniel Melingo, chanteur, clarinettiste et compositeur, est à lui seul un kaléidoscope.
Naviguant entre pop, rock, dub, classique, folklore et tango, il a, depuis la fin des années 1970, traversé plusieurs vies qu’il a grillées par les deux bouts.
Cet artiste argentin d’ascendance grecque, nourri de poésie et de cinéma, acteur lui-même, auteur de dix-huit albums, est né en 1957 dans le mythique quartier - pour le tango - de Parque Patricios, à Buenos Aires.
Il devrait se produire à De Roma, Anvers le 18 avril, à l’occasion de la sortie de son nouvel album « Oasis », prévue le 20 mars, qui clôt sa trilogie autour de Linyera, ‘ce clochard céleste échappé d’un conte halluciné’. A confirmer !
Un extrait ici
« Broken Boys » ou la rencontre entre l’un des meilleurs groupes de rock américain du moment, Cage The Elephant et le gladiateur du rock, la légende vivante, l’Iguane… Iggy Pop himself !
Une association explosive sur un morceau tiré du 5ème album du groupe, « Social Cues », est à découvrir ici
Inutile de jeter le trouble en précisant d’emblée de quelle formation contestée et contestataire sont issus deux des membres de Kreda, tant les 4 compositions de « Crest » sont personnelles, frondeuses et ne nécessitent aucunement un lien de parenté, qui du reste, fausserait, dans le cas présent, le prisme de la perception.
Voyez plutôt en cette formation anglo-slovène l’association maligne de talents curieux aux ambitions ouvertes sur différents types d’expression alliant musique expérimentale et installations visuelles. Si l'elpee dont il est question ici, ne propose pas, par la force des choses, d’embrasser les différents aspects de sa vision artistique, il s’agit néanmoins d’une excellente introduction à son univers.
Élément central de cette escapade aventureuse, la voix de Mina Spiler, atome autour duquel viennent tournoyer les deux électrons libres que sont Matevz Kolenc et Alastair McNeil, collaborateur de Roisin Murphy.
C’est donc cet élément vocal qui fabrique la matière d’un univers sombre et passionnant, recelant ses parts de lumière et d’espoir.
Des vocalises qui sombrent au cœur des ténèbres pour s’élever ensuite vers des cimes étoilées en l’espace d’un instant. Emmenant dans leurs sillages un voile de mystère troublant, telle une nébuleuse en mouvement.
Se faisant, les rythmiques et autres sonorités binaires qui jonchent le chemin sur lequel nos oreilles charmées ne tardent pas à se fondre, ne sont pas en reste. Car toute l’inventivité des compositions se révèlent en miroir, justes répliques aux accents et intonations de Milna Spiler.
Plus loin, la ballade onirique se prolonge, accentuant toujours l’intriguant voyage en ces terres balayées de mystère.
Mais si la musique s’adresse directement à l’intellect, elle ne laisse pas pour autant le cœur en friche. Dressant la cartographie de ses terres en peignant le portrait d’une humanité en recherche d’elle-même, « Emotional Tides » résume à lui seul la démarche du groupe.
Voyage au long des canaux vénitiens, il revisite l’histoire par le prisme des émotions humaines.
À l’instar de sa musique, le trio opère de façon anarchique ; s’imprégnant d’abord de la matière visuelle d’Atej Tutta, réalisateur et vidéaste vénitien avant de régurgiter des sons. Un concept qui laisse libre cours à une filmographie toute personnelle dont l’auditeur est libre de s’en accaparer les motifs pour en remodeler les contours.
Bref, une musique dont la genèse est l’image et qui génère un flux d’autres images, propre à chacun.
Il serait pertinent de découvrir Kreda et de s’immerger totalement dans cet ensemble, à l’embouchure de leur créativité, mais en toute vérité, les panoramiques offerts à notre imagination se suffisent déjà à eux-mêmes.
Une association de talents et de visions pertinentes, menant à un projet binaire excitant du début à la fin, sensiblement éloigné du berceau industriel du groupe dont sont issus la moitié de ses membres.
Still Corners incarnerait-il un énième duo dream-pop ? Oui mais pas seulement. Ce couple –sur scène comme à la ville– réunissant l’Anglais Greg Hugues et l’Américaine Tessa Murray est né suite à une rencontre hasardeuse qui s’est produite dans un bus londonien, en 2007. Et « Slow Air » constitue déjà son 4ème elpee, depuis ses débuts opérés chez Sub Pop, en 2011, lorsqu’il a gravé l’excellent « Creatures of an Hour ». Still Corners marche avec grâce sur les traces de Mazzy Star ou de Beach House. « Slow Air » répond d’ailleurs au cahier des charges grâce à la voix éthérée de Tessa Murray, les ambiances oniriques vaporeuses à souhait, les reverb’ omniprésentes et les mélodies pop langoureuses (« Black Lagoon »). Mais tout est fait avec une incontestable classe et un talent assez bluffant (l’instrumental « Welcome to Slow Air »). La production ne lésine pas sur les détails communiquant à l’ensemble une étrange douceur qu’on aurait adoré voir hanter des séries telles que ‘The OA’ ou ‘Twin Peaks’. Un magnifique moment en apesanteur…
Bon Iver (à travers son approche la plus expérimentale) et James Blake commencent doucement à entrevoir leur descendance. C’est particulièrement évident à l’écoute de "Novemberism", le premier elpee du jeune Oliver Spalding (23 ans). "Novembersim" pourrait se définir comme un concept en état de constante mélancolie et de tristesse profonde… Tout un programme ! A l'aide de son falsetto et ses boucles, son ‘autotune’ lacrymale et la production du très talentueux Ed Tullet (Novo Amor), qui l’épaule également à l’écriture, Oliver Spalding met tous les atouts de son côté. La ressemblance avec Justin Vernon s’avère parfois un peu trop forte (le très beau « Ahamé ») mais l’Anglais développe également un univers propre fait de saxo (« Everglades »), de dark R’n’B (« Her Crescent »), de synthé 80’s circa New Order (« Bow Creek ») ou de folktronica ambient (« Xanax »). Mars est un mois parfait pour découvrir ce "Novemberism".
Depuis la sortie de son dernier opus (“It’s immaterial"), en 2016, le quotidien de Chris Stewart, alias Black Marble, a subi quelques bouleversements. Tout d’abord, il a vu partir vers d’autres horizons son acolyte Ty Kube. Ensuite, il a quitté son Brooklyn natal pour s’exiler sur la côte Ouest ; à Los Angeles plus précisément.
Ce déménagement sous les palmiers californiens n’a cependant pas ensoleillé la musique de Black Marble. Non, tout au long de “Bigger than Life”, premier album paru sur le label Sacred Bones (Amen Dunes, Moon Duo, Jenny Hval, ...), l’Américain remet une couche de synth-pop-cold-wave sur son expression sonore. A travers onze morceaux, il nous replonge directement au sein des 80’s. Cependant, contrairement à certains, Stewart le fait avec goût. Son sens mélodique est aiguisé. Il maîtrise l’art de l’écho sur les lignes minimaliste de guitare et de basse ainsi que le bidouillage des boîtes à rythmes et des claviers. Sa voix caverneuse rappelle aussi directement les figures de cette décennie. Le seul bémol à épingler émane plutôt de la ressemblance entre les différents titres. Néanmoins, ils s'avèrent particulièrement efficaces.
Ne pas confondre Mama Killa et Mama Killa. L’un est belge, l’autre français, bordelais plus précisément ; et le premier groupe cité revendique un droit de paternité sur le patronyme. Néanmoins, il faut admettre que l’amalgame s’établit naturellement.
Une fois passé cette identification, probable obstacle à la compréhension du projet, penchons-nous sur le sujet.
Car l’univers au sein duquel nous entraîne ce Mama Killa ne manque pas de personnalité.
Nonobstant son approche brouillonne, la formation révèle des aptitudes intéressantes.
Décliné en seize titres inégaux, ce généreux long playing sert de complément à un projet visuel et scriptural relatant les méfaits causés par une poupée maléfique.
Il s’agit donc d’un concept album, exercice périlleux, parsemé de pièges au sein desquels des tas d’artistes sont trop souvent tombés.
Trop d’idées ? Trop d’envies mal canalisées ? Un désir de trop bien faire ? Probablement. Mais aussi une production hyperléchée et des soli superflus.
Ecrasant, cet opéra Rock peine à décoller, mais propose lors de ses meilleurs moments quelques ambiances héritées d’influences majeures et notoires (Killing Joke, Goblin ou encore Queens of The Stone Age, entre autres)
En résulte une musique sombre, angoissante, dont les envolées épiques véhiculent des accents à la noirceur d’encre.
Surchargé, l’opus déborde d’énergie, mais mal dispensée, elle nuit à la concentration du mélomane...
Se référant au cinéma fantastique (on soulignera évidemment le rapprochement avec la bande son de ‘Suspiria’ version 1977), « The Ballad of Jean-Sébastien Killa » relate la narration chronologique d’un récit horrifique.
L’album s’achève par « Ulysses », comme un navire s’échoue sur une île déserte après un voyage mouvementé.
Mais qui après réparation, pourrait reprendre la mer afin de découvrir de nouveaux horizons…
Franglish s'impose comme la nouvelle révélation de cette année. Après son premier EP digital "Signature", une pop urbaine inspirée des cultures africaines et américaines qu'il a présenté au public, à travers la France et la Belgique, lors des premières parties de la tournée G20 TOUR de Dadju, FRANGLISH a sorti en avril son premier album intitulé "MONSIEUR".
Ses clips (« C'est plus l'heure », « Bébé na Bébé »…) cumulent plus de 92 millions de vues sur YouTube.
FRANGLISH se produira à La Madeleine à Bruxelles, le vendredi 20 mars 2020 !
« Strange Days » est l’un des morceaux clés de « APPLZ ≠ APPLZ », le nouvel opus de Millionaire, sorti le 6 mars.
Sur le nouveau single on entend une menace inquiétante, flottant sur un riff presque thérapeutique. Tim Vanhamel a réussi à traduire l'Apocalypse dormant en un groove irrésistible. Ou comment Tim lui-même le ‘décrit’:
« Strange Days » implique une bande dessinée (ajouté au single 7" qui est désespérément épuisé) et une vidéo d'animation créée par Turbotuna (Jaak de Digitale et Nick Timmermans). En trois minutes, le band a produit une dystopie animée grandiose, dans laquelle l’homme finit par périr, vu sa propre surconsommation et son avidité.
Découvrez vite ici
Un single 2 titres annonce l’arrivée du double album d’Aksak Maboul, « Figures » (parution le 22 mai 2020), première véritable nouvelle sortie du mythique groupe pop expérimental depuis plusieurs décennies. Ces deux titres consittuent des variations originales, qui ne figureront pas dans l’elpee sous cette forme.
« Tout a une fin » (short version) comprend une partie chanson (dans laquelle la voix de Véronique Vincent effectue des permutations sinueuses autour des mots qui figurent dans le titre), et une section combinant instrumentation électronique, rock et orchestrale, qui s’emballe en un intense crescendo final.
« Blaue Bleistift » dévoile certains aspects plus électroniques et expérimentaux du nouvel LP, avec ses chassés-croisés de lignes mélodiques et ses collages sonores. Une sorte de cousin mystérieux et ambiant du classique « Saure Gurke » ?
« Tout a une fin » paraît également sous la forme d’une vidéo vertigineuse réalisée par l’animateur/collagiste Yoann Stehr (qui a récemment signé des capsules pour le 50e anniversaire de la maison Paul Smith).
Tout comme l’album « Figures », ces titres ont été écrits et réalisés par Marc Hollander & Véronique Vincent (respectivement fondateur d’Aksak Maboul ainsi que de Crammed Discs, et ex-chanteuse des Honeymoon Killers).
Familiarisez-vous avec cet univers ici
Révélée par l'album « Là » et une vaste tournée qui a suivi, Marie Mifsud est de retour le 27 mars avec « Récif », nouveau chapitre explosif de la chanteuse hors norme.
« Récif », c’est la vie dans tous ses éclats. Ça pétille, ça enthousiasme, ça décape, ça envoie un bol d’air d’émotions et ça squatte même en français, sans se planquer.
Avec sa présence inouïe et sa façon d'habiter les chansons comme personne, Marie Mifsud ne cesse de nous surprendre. Timbres et couleurs s’entremêlent, scat, pop, rock, élans lyriques et intimes le tout au service de l’instant avec le public.
Inspirée par des artistes aussi divers que Camille, Björk, Leïla Martial, Carmen McRae, Nina Simone, Sanseverino, Catherine Ringer, Serge Gainsbourg, Nina Hagen, Lhasa, Beth Gibbons et bien d’autres, Marie Mifsud laisse s'entrechoquer les styles tout au long de ce disque inspiré en diable.
Enregistré par Philippe Gaillot, en mars 2019, l’elpee a été créé à quatre mains en compagnie d’Adrien Leconte, l'alter ego de Marie Mifsud.
Sur « Récif », on retrouve l'équipe de choc du précédent long playing : Marie Mifsud au chant, Adrien Leconte à la batterie, Tom Georgel au piano et clavier, Quentin Coppalle à la flûte, Victor Aubert à la basse, et sur deux titres, un invité de choix, Pierrick Pédron au saxophone.
La vidéo de « Récif » est dispo ici :
Révélé par son EP « Mélancolie FC », paru en 2019, Hervé publiera au printemps prochain son premier album.
Originaire d’une ville dortoir coincée entre Versailles et Trappes, Hervé colore ses chansons de clairs obscurs et livre son âme en milliers de fragments, en mantras introspectifs aux refrains entêtants, n’hésitant pas à laisser parfois le rythme prendre le pas sur le sens. Parce que le rythme pour lui, c’est aussi du sens. Les sonorités sont des mots.
Réalisé par le duo Ponctuation, le clip revient sur une période de la vie d’Hervé où il était homme de ménage.
On le voit errer au sein d’un hôtel, mi-Ferris Bueller de John Hughes mi-Mark Renton de Danny Boyle. Tuer l’ennui.
Drôle et attachant.
Découvrez le clip ici
Des (nombreuses) certitudes circulent au sujet d’AaRON ; mais on n’en gardera qu’une : la complicité entre Simon Buret et Olivier Coursier est telle que ce groupe reste unique.
Fort d’un engouement national et d’une reconnaissance internationale amplement mérités, le tandem prend le parti de se réinventer sur chaque album et de tout donner à chaque concert. Chaque jour est une fête, et la fête qu’il prépare pour son passage à l’Ancienne Belgique le 17 novembre sera mémorable.
3 albums majeurs « Artificial Animals Riding On Neverland » (2007), « Birds in the Storm » (2010), « We Cut the Night » (2015) ; au total un demi-million d’albums vendus, plus de 300 concerts accordés d’Istanbul à New York en passant par Paris, Bruxelles et Moscou. Sans oublier qu’il a été lauréat à Copenhague d’un European Border Breaker Awards.
« Blouson Noir (feat John Malkovitch) » a été choisi pour habiller le parfum ‘L’Homme’ par YSL depuis 2017, et le clip réalisé par le groupe a été nommé au Berlin Video Music Award.
Le clip d’« Odyssée » en disponible ici
Lors de sessions d’enregistrement de son nouvel elpee, « State Of Emergency », Babylon Circus a reçu le concours d’invités de renom comme Ben l’Oncle Soul, Sylvain Duthu (Boulevard des Airs) ou encore Barry Moore, Adil Smaali (Aywa), mais encore du Jamaïcain Cédric Myton
Noces d’argent pour le Babylon Circus qui d’ici quelques semaines fêtera son quart de siècle d’existence, et donc de présence sur scène. Car pour cette tribu originaire de Lyon, jouer a toujours été un catalyseur, la meilleure façon d’apprendre et de passer d’envies festives à quelque chose de plus puissant, d’une grande liberté d’action parfois un peu chaotique à une direction plus poétique.
La cohésion ne peut s’apprendre qu’avec la patine du temps, 25 ans est un bon âge pour entrer dans l’âge adulte ou comme l’affirme la formule consacrée celui de la maturité.
« State Of Emergency », ce sixième et nouvel essai résume les épisodes précédents de brillante manière (ska-reggae, envolées balkaniques, electro rock, chanson…) et les synthétise. Chacun y entendra ce qu’il aime, de La Mano Negra aux Négresses Vertes en passant par Shaka Ponk ou même Louise Attaque ; mais ce serait trop réducteur. The Clash ou Bob Marley sont aussi de la partie. Toujours avec une identité forte, celle du Babylon Circus, qui parvient à assumer une homogénéité dans la variété.
Si ce nouvel LP s’intitule « State Of Emergency », ce n’est pas seulement une référence au contexte politique du pays qui l’a vu naître. Comme dans la chanson éponyme co-écrite avec Barry Moore, inspirée par l’état de la planète, ces incendies sur tous les écrans, il parle aussi de l’état mental de ses auteurs, d’un besoin de créer pour sauver sa peau, pour ne pas sombrer dans la folie. Une envie irrépressible de dire ce qui le hante et d’aller le chanter sur les scènes du monde entier.
Ce qui ne tue pas rend plus fort, le Babylon Circus est de retour, plus en forme que jamais, qui plus est, au grand complet, et oui, ça va faire mal.
« Monster » est en écoute ici
Tout Va Bien vient de débarquer, une valise pleine de nouvelles compos ! Son single, "This Is How We Say Goodbye", se niche immédiatement dans le creux de l'oreille et n'a pas l'intention d’en sortir.
La chanson se distingue d’un part, par son refrain accrocheur et contagieux, et d’autre part ses instruments à vents audacieux et ses cordes percutantes. Tout Va Bien dévoile ici son côté le plus pur. Pas de détours, pas de filtre, juste qui il est.
"This Is How We Say Goodbye" est disponible ici
Nick Oliveri est de retour dans une forme magistrale en proposant le premier album de Mondo Generator en huit ans !
Oliveri est à l'origine de la formation punk Dwarves ; il a également participé à de nombreux projets heavy, stoner ou acoustiques aux côtés de mastodontes tels que Mark Lanegan Band, Masters of Reality, Turbonegro, Moistboyz, The Knives ou encore des Desert Sessions.
Après huit années de silence radio, les membres de cette formation reviennent nous balancer leur mélange détonnant de speed rock, punk américain et hardcore.
Et le trio californien ne fait pas dans la dentelle, puisque "Fuck It" est une virée punk et rock'n'roll à la sauce desperado moderne... qui recèle quelques surprises de taille, dont le très cinématographique "Option Four" et un morceau-titre susceptible de vous flanquer le frisson.
Le single punk'n'roll "Turboner", tiré du nouvel album est en écoute ici
Charlotte Dos Santos se qualifie elle-même de nomade brésilo-norvégienne, puisqu’elle puise ses origines au sein de ces deux patries. Un métissage qui lui a apparemment inoculé la bougeotte, puisqu’elle a préféré les Etats-Unis à l’Europe ou à l’Amérique Latine. C’est en effet à New York –au Berklee College Of Music plus précisément– qu’elle a reçu une formation de chanteuse, compositrice et arrangeuse. Il lui a suffi d’un seul album pour faire chavirer le cœur de la critique musicale internationale, un disque de soul/jazz groovy intitulé « Cléo » et paru en 2017, sur le label Fresh Selects. Et « Harvest Time », un Ep 5 titres, sort ce 13/03/2019.
Aaron Taylor assure le supporting act. Un chanteur black légèrement grisonnant et barbu (NDR : donc sympathique). Il est 19h50 et il n’y a que 5 spectateurs dans la salle. Heureusement, l’ABClub va se remplir progressivement pour être comble vers 20h15. Aaron se produit seul en s’accompagnant au synthé qui reproduit cuivres, basse et guitare. Atmosphérique, capable de monter dans les aigus ou descendre dans les graves, sa voix est superbe. Il invite le public à le suivre dans ses envolées vocales, mais l’absence de véritables musicos gâche la prestation…
Setlist : « Tack », « Jaded », « You’Re The Reason Why », « Blue », « Shooting Star», « Redbone ( Gambino) », « I Thing I Love You Again », « Lesson Learnt », « Spaceship ».
Place ensuite à Charlotte Dos Santos. Même topo, elle est seule sur les planches et s’installe derrière son synthétiseur. Elle est vêtue d’un ensemble pantalon blanc et body en dentelle blanche à mi-épaule. Elle signale qu’il s’agit de la première fois qu’elle se produit en Belgique et semble en être ravie. Il n’y a pas de setlist, mais elle va nous réserver plusieurs morceaux issus de son dernier Ep, dont le très cool « Josef ». La tessiture de sa voix est superbe, mais un peu trop monocorde. Si bien qu’après quelques minutes, le set commence à patiner. Et au bout des 60’ de concert, c’est un sentiment de déception qui envahit votre serviteur. Je me répète, mais si l’artiste avait osé s’entourer de véritables musiciens, le résultat aurait été totalement différent. La musique, c’est le fruit d’une création, une forme d’art, et pas seulement la reproduction de sonorités par l’entremise d’une machine…
(Organisation : Ancienne Belgique)
Frère et sœurs, fidèles parmi les fidèles, tous s’étaient donné rendez-vous ces vendredi et samedi, à Saint-Nicolas, pour deux cérémonies célébrées par frère Wayne Hussey et ses disciples. Chaque concert du groupe originaire de Leeds s’apparente, en effet, à une grande messe. Et les deux soirées de ce week-end ne font pas exception à la règle, car les adeptes se sont donné rendez-vous dans la salle du Casino. Une enceinte et un light show qui cadrent bien avec ce côté cérémonial et classieux du groupe. A peine cinq mois se sont écoulés depuis les 3 dates solos accordées par Wayne Hussey, en Belgique (review à lire ou à relire ici). En fait, la thématique des doubles concerts de ce week-end est subordonnée à un principe : les titres des albums impairs sont proposés le premier soir (le premier LP « First Chapter », le troisième « Children », le cinquième « Grains of Sand », le septième « Neverland », le neuvième « Aura » et enfin le onzième « The Brightest Light »). Tandis que la soirée du samedi se consacre aux long playings pairs : (« God’s Own Medicine », « Carved In Sand », « Masque », « Blue », « God Is A Bullet » et « Another Fall From Grace »).
La première partie est assurée par Salvation. Une formation également originaire de Leeds, dont Dany, l’un des membres, a fait ses premiers pas chez Sisters of Mercy. Son premier opus a d’ailleurs été signé sur le label Merciful Release. Près de 30 ans plus tard, cette formation assure la première partie de bands cultes comme Fields of The Nephelim ou ce soir de The Mission. Bien qu’agréable à écouter son post punk a pris un sacré coup de vieux. La basse est omniprésente et les refrains pop/rock sont contagieux. Mais même si le quintet a du cœur à l’ouvrage, il faut reconnaître que sa musique est un peu datée… (voir notre section photos ici)
Il est 21h45 (NDR : oui, il ne fallait pas vouloir rentrer tôt chez soi, vu le timing) et les haut-parleurs crachent la B.O. du film britannique de guerre ‘The Dam Busters March’. The Mission déboule alors sur les planches et attaque « Beyond the pale », une compo dont l’intro reproduit des bruitages enregistrés dans une cour d’école, avant que Simon Hinkler ne fasse grincer sa guitare. Et le band d’embrayer par le tout aussi électrique « Hands across the ocean », un morceau interrompu par Wayne, qui rencontre des problèmes d’accordage de gratte, alors que l’auditoire continue à chanter. Qu’à cela ne tienne, finalement, le combo reprend le titre à zéro. Les ‘wouhouhou’ scandés par le bassiste Craig Adams sont repris en chœur par l’audience, tout au long du passionné « Naked ans savage ». Mais l’ambiance retombe d’un cran dès que la formation dispense des morceaux moins connus. C’est devenu une constante, le public plus âgé ne s’enthousiasme que sur les tubes. Pourtant « Dragonfly » et plus tard « Swan song » (NDR : l’un des seuls titres intéressants de l’elpee « The Brighest Light ») sont tout aussi hypnotiques que les compos les plus notoires. En rappel, on aura droit à quelques surprises dont le rare « The grip of disease » et la reprise du « Like a Hurricane » de Neil Young, qui ne figurait pourtant pas sur la set list de départ. « The Crystal Ocean » déclenche quelques (légers) pogos. Mais il faudra attendre le deuxième rappel et la version longue de « Tower of strength » pour voir les pyramides humaines, si traditionnelles, se former. Et Wayne Hussey de se lâcher en esquissant quelques pas de danse tout en n’oubliant pas de saluer une foule conquise et toujours aussi fidèle… (voir notre section photos là)
NB : La deuxième soirée fait l’objet d’une review sur le Musiczine néerlandophone ; et elle est à lire ici
Setlist : “Beyond the Pale”, “Hands Across the Ocean”, “Over the Hills and Far Away”, “Naked and Savage”, “The Girl in a Fur Skin Rug”, “Wake”, “In Denial”, “Heat”, “Dragonfly”, “Raising Cain”, “Swoon”, “Swan Song”
Rappel: “The Grip of Disease”, “Like a Hurricane”, “The Crystal Ocean”
Rappel (2) : “Tower of strength”
Il y a un peu plus d’un an, la notoriété de Big Thief se limitait à un public plus ou moins averti. Tout a changé depuis les sorties, à quelques mois d’intervalle, de “U.F.O.F” et de “Two Hands”, deux opus qui ont propulsé la formation newyorkaise (de Brooklyn très exactement) sur le devant de la scène. Ainsi, il est rapidement devenu le groupe à suivre en 2019. Ses opus ont d’ailleurs intégré fort logiquement une grande partie des tops 2019. La majorité de ses concerts affiche complet (c’est d’ailleurs le cas ce soir) et il sera à l’affiche des plus grands festivals estivaux tels que Werchter (le 5 juillet en compagnie de System of Down, Michael Kiwanuka, GoGo Penguin, ...)
Il est près de 21h30 lorsque les lumières s’éteignent et que les quatre musiciens montent sur l’estrade. Adrianne Lenker (guitare/voix) prend place sur la gauche, Buck Meek (guitare/chœur) sur la droite, tandis que Max Oleartchik (basse) et James Krivchenia (batterie) se plantent à l’arrière. Dès les premiers morceaux, Big Thief donne le ton. Ce sont les guitares qui mènent la charge. Le son est particulièrement gras et incisif. Adrianne Lenker ne ménage pas son énergie et vit littéralement ses morceaux. Elle nous réserve quelques solos bruitistes dignes de Neil Young. La formation enchaîne ainsi différents tubes issus de ses différents long playings tels que “Masterpiece” ou encore “Not”. Et n’hésite pas à adapter le son aux conditions ‘live’. Les titres défilent. Tout au long de “Real Love”, les musicos affichent toute leur maîtrise. L’intensité et le timing de chaque note sont pesés. Plus que tout, c’est le charisme d’Adrianne Lenker qui éblouit la salle du Grand Mix. La jeune femme mène chaque morceau au gré de ses émotions qu’elle communique au public grâce à des trémolos dans la voix. Lorsqu’elle entame ses chansons les plus mélancoliques telles que “The Toy”, il est difficile de ne pas succomber. Après une heure et demie de concert sans interruption (seulement quelques remerciements), la formation quitte le podium sous des applaudissements mérités. Et l’auditoire quitte la salle conquis. Ce n’est pas tous les jours que l’on peut assister au concert d’une formation aussi pointue que Big Thief et, surtout, de découvrir une artiste aussi charismatique qu’Adrianne Lenker.
(Organisation : Grand Mix)
Depuis plusieurs mois déjà, la fanfare techno Meute poursuit sa campagne de séduction en tournant intensément ; des trottoirs les plus clinquants de Paris (matinale chez Radio Nova, fin d’après-midi chez Yann Barthès) aux vastes chapiteaux de Bavière. Champions du souper saucisse/compote/frites, qui alimente les fêtes de la bière, les Hambourgeois ont décidé de passer à la vitesse supérieure, en publiant un quatrième elpee intitulé « Tumult ».
Sur les planches, le collectif est une véritable machine à danser. Pas pour rien qu’il est programmé, cette année, au Rock Werchter.
Ce soir, le concert est sold out et c’est Ätna qui assure le supporting act. Un duo teuton dont le premier elpee, « Mad Bad Desire », est paru en février dernier. Très fusionnel, il réunit le drummer Damian et la pianiste/chanteuse Inèz. Mais ce qui surprend surtout chez Ätna, c’est la voix de la vocaliste. Atmosphérique, surprenante, mystérieuse et envoûtante, elle est capable de monter dans les aigus, sans la moindre difficulté, même si pour y parvenir, un boîtier qu’on pourrait qualifier de magique lui apporte un coup de boost…
Fanfare des tempes modernes Meute n’est pas un orchestre comme les autres. Originaire de Hambourg, cette formation atypique, fondée en 2015 par le trompettiste Thomas Burhorn, a osé le pari fou de reprendre tous les classiques de la techno et de l’électro à sa sauce. De « The Man With The Red Face » (Laurent Garnier) à « You & Me » (Flume) en passant par « Araya » (Fatima Yamaha) ou encore « Miss You » (Trentemøller), leurs reprises sont nombreuses et superbes. Et elles cartonnent sur la toile. Réalisées uniquement à l’aide de percussions et de cuivres sans l’ombre d’un ordinateur, la joyeuse bande de 11 musicos prend un malin plaisir à casser les codes de la musique électronique tout en balayant les clichés sur les instruments organiques. En fait, elle pratique de la guggenmusik, un style rencontré surtout en Suisse, mais également dans les pays limitrophes, lors du carnaval….
Si le line up originel compte 11 musiciens, sur les planches, il passe à douze. Vêtus de leurs rituelles vestes rouges bardées d’une fourragère jaune d’apparat d’officier de cavalerie, ils sont manifestement tirés à quatre épingles. Parmi les instruments, pas de guitare, de basse ou de synthé, mais de nombreux cuivres (trompettes, trombones à coulisse, euphoniums, sousaphones, clarinette ainsi que saxophones basse et baryton) et plus traditionnellement des fifres et des percussions (batteries mobiles, grosses caisses, woodblock), sans oublier le ou les glockenspiels en forme de lyre…
L’estrade est immense et comme d’habitude divisée en 11 compartiments de différentes hauteurs. Le light show est destiné à accentuer l’effet de masse des artistes qui se regroupent par 5 ou 6 pour, suivant les morceaux. Tantôt c’est la trompette, le trombone à coulisse, le bugle ou le fifre qui est mis en exergue, mais il est toujours accompagné d’un ou deux éléments de percussions. Ce qui permet aux autres artistes de souffler et de se préparer pour la tempête suivante. La setlist est judicieusement partagée entre anciens morceaux et la quasi-intégralité de « Tumult ».
Le set d’ouvre par deux titres issus du dernier opus, « Unfolding et « Endling ». Pour le premier, la part belle est laissée aux caisses claires, avec cymbales, et aux joueurs de glockenspiel, soit le droit et celui en forme de lyre. La combinaison est improbable, mais fonctionne. Le glockenspiel droit emprunte les pistes du synthé, le tuba se mue en basse pulsante et une grosse caisse simule un Roland TR-808. En général, les cuivres ont recours à des sourdines pour reproduire le son d'un filtre passe-haut. Ce n’est pas le cas ici. Le groupe tout entier s'immisce dans une pause, comme si un dj avait ajouté un effet d'écho. Le second morceau est plus calme et s’ouvre par des coups de baguettes sur le bord d’une caisse claire ; le sousaphone et le saxophone basse sont accompagnés d’un léger son de trompette à sourdine. La température grimpe graduellement et atteint rapidement une parfaite communion entre collectif et public. Les spectateurs se mettent à jumper et rapidement, dans la fosse, c’est le souk. Manifestement ce sont les deux trompettistes qui forment l’ossature du projet. Thomas en est l’instigateur, mais c’est Hans qui se charge des arrangements et semble remplir le rôle de chef d’orchestre. La révolution est en marche, le printemps revient également au galop accompagné de son prince carnaval. Meute en est la preuve flagrante mais en mode électro. Sans sabots mais en fanfare. Meute a mis le feu ce soir avec talent, humour, générosité et passion.
Setlist : « Unfolding », « Endling », « The Man With the Red Face (cover Laurent Garnier) », « Push », « Cygnus », « Purple Noise », « Holy Harbour », «What Else Is There », « Araya », « Slip », « Raw », « Rej », « Mental Help ».
Rappel 1 : « Panda », « Acamar »
Rappel 2 : « You & Me (cover Disclosure) ».
(Organisation Live Nation et Ancienne Belgique)
Figure de proue de la scène Paisley Underground, qui a sévi au cours de la seconde moitié des eighties (NDR : elle a notamment donné naissance à des groupes comme Dream Syndicate, Green On Red, The Long Ryders, The Three O’ Clock, Thin White Rope et True West), David Roback est décédé ce 25 février à l’âge de 61 ans, des suites d’un cancer. C’était le fondateur des groupes Rain Parade et Opal, mais il s’est surtout illustré chez Mazzy Star, une formation dont la chanteuse, Hope Sandoval, apportait une coloration particulièrement vaporeuse à une musique inspirée par le Velvet Underground et Big Star. Après la sortie de « Among my Swan », en 1996, le band avait attendu 15 longues années, soit en 2013, avant de publier un nouvel elpee, « Seasons of your day ». Au cours de cette période, tant Sandoval que Roback se sont surtout concentrés sur des projets personnels. On attribue à Mazzy Star, la paternité de la dream pop. Des exemples ? Le plus psyché « Fade into you », son plus gros succès, « Blue flower ». un judicieusement intitulé « California », puisque le combo était issu de Los Angeles, et « Into dust »… mais une poussière d’étoile, qui vient de s’envoler, pour l’éternité…
RIP
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