BBCC dévoile "How The Fuck Did She Survive The Nuclear Holocaust ?", un nouvel extrait de l'album “Altered States of Consciousness”. L’album sortira le 12 juin via October Tone.
Le nouvel album de BangBangCockCock (BBCC), sextet aux influences multiples (de Broadcast à Talking Heads en passant par Can), est la promesse d'une virée krautrock dans un monde agité où se côtoient armes à feu, ressources humaines, adultère et sandwiches.
Un nouvel album de BBCC est aussi la promesse de concerts envoûtants, où planer sur des rythmes syncopés est possible, où danser comme si ton corps était scindé en trois est espéré.
La vidéo de “How the Fuck did she Survive to Nuclear Holocaust” est disponible ici
« The Return of the Rocking Dead », le quatrième elpee studio de Romano Nervoso, a été enregistré à La Louvière, at home… Il a été produit par Moorad Agjij et mixé par Charles De Schutter.
De ses opus précédents, on retient le son rapide, percutant et punk. De « The Return of the Rocking Dead », on devra s’attendre à un son plus riche, mature et personnel rendant la musique accessible à un public plus large. C’est l’album que signor Nervoso en personne voudrait acheter.
Lors des sessions, Nervoso écoutait Marylin Manson, Marc Bolan, Lucio Battisti, Calibro 35 ou encore des B.O. de films d’horreur seventies… et cela se sent. Musicalement, c’est plus sombre et l’évolution est palpable.
Les thèmes abordés s’inspirent de la politique, de la religion, des problèmes sociaux.
Alors que « The Return of the Rocking Dead » continue de se servir de l’humour pour traiter de problèmes sensibles et graves, il dépasse de loin ses prédécesseurs en termes de maturité.
Après un concert sold out accordé en l'honneur de ses 10 ans en tant qu’entertainer, Romano Nervoso prendra la route pour une tournée européenne d’un mois. « The Return of the Rocking Dead » sortira le 10 avril sur le label Mottowsoundz et sera présenté au Botanique le vendredi 11 septembre.
Le clip de “Wild Boy”, mettant en scène Romano Nervoso feat. Danko Jones est disponible ici
CélénaSophia, patronyme né de la fusion entre deux prénoms, est responsable d’une chanson française réaliste et urbaine.
Sophia se charge de la guitare électrique, Céléna de la gratte acoustique. Si l'une ressent une émotion, l'autre la traduit en musique. Quand l'une bouillonne, l'autre la calme. Quand l'une flanche, l'autre la redresse. Leur magnétisme vient probablement de là. Céléna et Sophia ont formé un duo puissant, deux sœurs différentes mais qui ne fonctionnent qu’ensemble.
Si leur histoire les a amenées à traverser des moments sombres, Céléna et Sophia ont toujours pris soin l'une de l'autre et la musique intrinsèquement mêlée à leur vie est devenue un secours. Ecrire, composer, jouer, font partie d'elles. Très tôt, elles ont compris, parfois malgré elles, que le temps passe trop vite et que si on a des rêves, il faut prendre les choses en main…
Elles ont alors foncé, travaillé d'arrache-pied, se sont remises en question, ont appris plusieurs instruments, le chant, la justesse, la poésie, la scène. Dans leurs épreuves, elles ont réussi à puiser l'inspiration, et la musique est devenue à la fois un endroit où panser et exprimer leurs plaies.
Céléna et Sophia ont construit leur projet durant des années ; elles sont aujourd'hui des jeunes femmes fortes. Leurs personnalités transpirent dans leur musique : pas de demi-mesure, pas de faux semblants, pas d'apparences, pas d'illusions... mais bien des moments vrais, des textes qui résonnent, des valeurs qu'elles défendent sans concession, des mots justes mais qui restent pudiques, des blessures qu'on effleure dont on ne se plaint jamais, des émotions partagées mais pas d’apitoiement. Parfois mélancoliques, leurs textes abordent l'amour, l'absence, l'espoir ou la persévérance et sonnent juste parce qu'ils s'inspirent du réel de de leurs sensations.
Elles ont aujourd'hui hâte de partager leurs mots et leur musique, avec la fougue qui donne à ce tandem musical cette poésie authentique et particulière.
« Passage secret » invoque une cachette secrète, intime et imaginaire où se réfugier avec l'être aimé quand le quotidien pèse lourd et quand on a l'impression que le monde extérieur va extrêmement vite.
Le nouveau single de CélénaSophia est à découvrir ici
« 2020 » constitue le sixième opus de Richard Dawson, un musicien considéré comme un des meilleurs paroliers en Grande-Bretagne. Il participe également au projet Hen Ogledd, une formation responsable de « Mogic », un des meilleurs albums parus l’an dernier. Originaire de Newcastle, il pratique une forme de folk, qu’il teinte d’une multitude de courants musicaux ; depuis la prog au rock, en passant par la pop, l’électro, le cabaret et la world (NDR : notamment le Qawwali, musique pratiquée dans les sanctuaires soufis au Pakistan et en Inde et popularisée par le défunt maitre pakistanais Nusrat Fatet Ali Khan). Première constatation, la musique de Dawson est bien britannique. Les inflexions vocales et le phrasé ne trompent pas. Même que parfois on pense à Neil Hannon, le leader de The Divine Comedy. Ou encore à Gentle Giant. Et puis ce sens mélodique, bien insulaire. Non seulement, cet artiste se réserve tous les instruments, mais ses lyrics tiennent parfaitement la route, abordant des sujets aussi brûlants que la crise existentielle de l’Angleterre, qu’il estime au bord de la débâcle sociale, le comportement de la classe politique et économique, coupable des dérives extrémistes dans la population ; thèmes au sein desquels il injecte une bonne dose d’humour dont il a le secret. Pas un album facile à appréhender, mais aussi surprenant qu’original !
Originaire d’Atlanta, mais résident en Floride, Tinsley Ellis est aujourd’hui âgé de 62 balais. Devenu une légende dans l’univers du blues sudiste, il a entamé sa carrière vers 1975. En 1988, il signe chez Alligator. Il grave alors 5 elpees sur le mythique label chicagoan. Il transite ensuite par Capricorn et Telarc, avant de revenir au bercail, en 2005. "Ice cream in Hell" constitue donc son onzième opus pour cette écurie crocodilienne. Les sessions se sont déroulées au sein du studio de Kevin Mc Kendree, à Franklin, dans le Tennessee. Ellis signe les onze plages de ce long playing sculpté dans le southern blues rock.
"Last one to know" est une excellente mise en bouche. Si les cordes sont déjà acérées, la voix est aussi tranchante. Tapissé par l'orgue Hammond de McKendree, le titre maître campe un funk léger et mélodieux. Tinsley semble baigner dans son élément et nous réserve un envol dont il a le secret. "Foolin' yourself" est un blues/rock dynamique. Les interventions aux cordes d’Ellis sont fluides face au piano roadhouse. Elles adoptent un feeling profond, tragique même, sur le blues indolent "Hole in my heart". Le spectre de BB King plane… Terry se sert de sa slide pour "Sit tight man". Le changement de style est radical. Une piste impétueuse au cours de laquelle il libère des sonorités primaires digne de Hound Dog Taylor. Impressionnant ! Il affiche une technique comparable à celle de Carlos Santana tout au long de l’instrumental "Everything and everyone". Lynn Willilams se révèle redoutable aux percussions alors que Kevin double piano et orgue. Magique ! Totalement libres, les cordes en profitent pour déménager le temps d’"Unlock my heart". Lente, longue et dépouillée, "Your love's like heroin" clôt cet LP. Une compo dont la tristesse infinie, rappelle Peter Green, au sommet de son art ; à moins que ce ne soit Snowy White, un autre Anglais capable de témoigner d’une même sensibilité… Un excellent album !
Bien que dépouillé, le précédent elpee de Devendra Banhart, « Ape in pink marble », faisait la part belle aux claviers. Pour son dixième opus, il a décidé d’en revenir à des sonorités davantage acoustiques et surtout organiques. Chantées tour à tour en anglais, en espagnol, en portugais et même en japonais (« Kantori Ongaku » qui rend hommage au fondateur du Yellow Magic Orchestra, « Haruomi Hosono), les compos évoluent, pour la plupart sur un tempo bossa nova, tempo qui peut se révéler, indolent, voire nightclubbien ou plus allègre. Devendra joue de la gratte, le plus souvent en picking ; et une plage comme le mélancolique « October 12 », semble même hantée par Django Reinhardt. Paradoxalement, si les arrangements sont discrets, ils sont riches et surtout soignés. Suivant les morceaux, on y entend des orchestrations de cordes, des cuivres, du clavier, du violon, de la guitare électrique (probablement une Rickenbacker, vu les sonorités qui rappellent celles que privilégiait feu George Harrison), de la flûte, etc. Point d’orgue de cet LP, l’énigmatique « Now all gone » bénéficie du concours de Cate le Bon aux chœurs, alors que la ligne de basse rappelle curieusement le « Melody Nelson » de Serge Gainsbourg. Les textes de Devendra sont particulièrement engagés ; et si le titre du long playing honore la maternité au sens large du terme, il aborde des sujets aussi divers que le deuil (« Memorial », un morceau qu’aurait pu interpréter Léonard Cohen), le malaise existentiel, le réchauffement climatique, sans oublier l’examen de la situation politique dans son pays, le Venezuela (« Arbre las manos »). L’album s’ouvre aussi par un titre méditatif (« Is this nice ? ») et s’achève par un autre abordé dans le même esprit (« The lost coast »), même s’il se révèle davantage ambiant…
Ce vétéran est originaire de la Caroline, au sud des Etats-Unis. Son enfance a été bercée par les sonorités du blues et du rock'n'roll ; ce qui explique pourquoi il a baptisé son style de ‘Rhythm'n'Roll’. Très jeune, il a accompagné le légendaire Arthur ‘Big Boy’ Crudup, jusqu’à son décès en 1974. Ce dernier avait notamment composé "That's alright mama", le tout premier hit d'Elvis Presley. Il y a 35 ans, Bill s’était établi en Floride. Il y vivait sur un bateau du côté de Key West. On le perd de vue pendant un quart de siècle jusqu’à ce que Ian Shaw, un producteur anglais, vienne le relancer. Blue refait donc surface en 2013, en publiant l’album "Mojolation". Sept ans plus tard, il nous rappelle à son bon souvenir, en gravant "The King of Crazy Town", un disque pour lequel Ian Shaw se charge encore de la mise en forme. Lors des sessions, il a reçu le concours de toute une flopée de potes, dont Matt Becker, un guitariste originaire de la Nouvelle Orléans mais établi à Londres.
Bien rythmé, "Do what I do don't do what I say" entame l’opus, un morceau dominé par les interventions de Bill à la slide et de Matt à la six cordes. La voix de Bill est poisseuse, mais colle parfaitement à la musique. "You ain't fun anymore" adopte un profil semblable. Sa voix lacère littéralement "Carolina time", une plage à la fois nerveuse et hypnotique. Bobby Devito (NDR : dans le passé, il a bossé pour le bluesman texan Sherman Robertson) brille à la gratte. Mr Blue force ses capacités vocales face à la section de cuivres Funky in the Middle Horns, tout au long du rock’n’roll saignant "I want it all".
Le long playing nous réserve également des pistes plus roots. A l’instar d’"Everybody's leaving town", au cours duquel la voix de Blue semble agoniser sous les coups de boutoir exécutés par la Résonator aux cordes réverbérées et l'harmo de Backer. Puis d’"Enough blues to give you the blues", un morceau qui baigne au sein d’un climat cool bien sudiste. Boogie qui aurait pu figurer au répertoire de John Lee Hooker, "Hunker down" évoque les ouragans qui touchent la Floride en septembre. "Indianola" rend un hommage poignant au défunt roi du blues, BB King. Les cordes sont chargées de reverb alors que les chœurs sont très proches du gospel. Enfin, "Mojolation" synthétise parfaitement ce long playing à la production irréprochable…
The Montotrol Kid, c’est le projet d’Erik Van den Broek, un projet qui s’est transformé en quatuor, à partir de 2014, et tout particulièrement lorsqu’il a enregistré son second elpee, « My talk my song ». « Exhale » constitue son quatrième opus, un disque pour lequel il a, en outre, reçu le concours d’un second claviériste. Le line up impliquant donc également un préposé aux ivoires, un bassiste et un drummer.
Découpé en 11 plages, cet LP « Exhale » des effluves americana qui doivent autant à Wilco, The Band, Tom Petty, The Jayhawks, Calexico (sans les cuivres) que REM. Toute la panoplie y est : orgue Hammond (souvent), guitares chatoyantes ou groovy, mélodies accrocheuses et steel guitar sur les compos les plus country/folk, à l’instar du mélancolique « Good enough » ou des dylanesques « Recommandations » et « Even then ». On n’en oubliera pas le timbre vocal d’Erik, qui lors des ballades, rappelle, tout bonnement Joey Burns, le leader de Calexico. Si vous aimez ce style, n’hésitez pas, cet album est dans vos cordes, tant acoustiques, qu’électriques…
Larry Teves, alias Chickenbone Slim, est issu de San Diego, en Californie. Il compte déjà plus de trente années d'expérience musicale. En 2011, il a fondé son groupe, The Biscuits, dont il est, bien sûr, le leader. Le premier opus de ce chanteur/guitariste, "Gone", remonte à 2015, un disque pour lequel il avait reçu le concours de Big Joe Atkinson. Deux ans plus tard, il publie son second elpee, "The Big Beat", un essai dont les sessions s’étaient déroulées au studio Greaseland de Kid Andersen. A cours de l'été 2019, il est retourné à Greaseland pour mettre en boîte cet elpee. Pour y parvenir, il avait invité une belle brochette d’amis musiciens. Dont Laura Chavez, Kid Andersen ainsi que Joey Harris et Jerry Rainey, deux ex-membres du combo alt country Beat Farmers, également issu de San Diego, mais également de son backing group.
"Vampire baby" entame les hostilités. Un shuffle bien ficelé, caractérisé par une intervention bien huilée et tranchante à la gratte (NDR : serait-celle de Laura Chavez ?) et de l'harmonica que se réserve Troy Sandow. "Tougher than that" vire au rock'n'roll, une plage percutante à nouveau rehaussée par les sorties marquantes des cordes et de l'harmo. Rockabilly, "The ballad of Dick" et "Ride" sont imprimés sur le rythme du cheval au galop par le drumming de Marty Dodson. Instrumental, "Strolling with Chickenbone" transpire de swing. Bien soudée, la section rythmique balise les envols des guitares de Chavez et Kid Andersen, alors au sommet de leur art. Blues flemmard, "My bad luck" nous entraîne au cœur des marais du sud. Proche d’un Slim Harpo, cette piste décolle en puissance. Enfin, plus rock, "Little Victory" macère dans le bayou. Chargée de reverb, la six cordes libère des sonorités immortalisées par John Fogerty chez le Creedence Clearwater Revival…
The Amber Day est né de la rencontre entre 4 membres d'un précédent projet (Starving Woodchucks) et de la chanteuse Rachel Baum, originaire de Louisiane.
Cette rencontre a donné naissance à une expression sonore nourrie au folk américain, aux mélodies pop, au rock voire au post rock.
Un avant-goût ? Un premier clip intitulé "Missing Man". Et il est disponible ici
La formation envisage d’enregistrer un Ep cette année et un premier album, en 2021…
Il y a dix ans, Arthur Jeffes reprenait le concept du Penguin Cafe Orchestra imaginé par son père dans les 70’s. Soutenu par le label londonien Erased Tapes, l’Anglais publiait un premier opus intitulé « The Imperfect Sea », une œuvre qui laissait entrevoir, chez le fiston, un futur talent…
Deux ans plus tard, le Penguin Cafe nous propose « Handfuls of Night ». Cette suite s’inscrit dans un style ‘neo-classic’ qui a forgé la notoriété d’artistes tels que Nils Frahm ou encore Olafur Arnalds. Si sur son premier essai, les compositions rythmées étaient richement orchestrées, celles réservées au nouvel LP sont davantage minimalistes, atmosphérique et cinématographiques. Jeffes les construit subtilement, à l’aide de son piano, puis vient y injecter des cordes (contrebasse, violons, …) ou des sonorités émanant d’instruments atypiques comme l’harmonium ou le kalimba. En outre, dans les rythmiques, il n’hésite pas à incorporer des éléments électroniques. Et « Chapter » en est certainement la plus belle illustration.
Si Arthur Jeffes a repris le projet de son paternel, il lui communique une nouvelle identité. Une évolution traduite par la confection d’un superbe album qui s’inscrit cependant bien, dans son époque…
Originaire de Tupelo, dans le Mississippi, Ryan Perry a participé à l’aventure du Homemade Jamz Blues Band, un trio qui réunissait deux frères et une sœur, respectivement âgés de 16, 14 et 9 ans, au moment de la sortie de leur premier elpee, "Pay me no mind", gravé en 2009. Ryan en était l'aîné et le leader, mais également le chanteur, guitariste et compositeur. "High risk, low reward" constitue le premier album solo de Ryan, un opus pour lequel il a reçu le concours de deux collaborateurs. Les sessions d’enregistrement se sont déroulées à Berlin, en décembre dernier.
Excellent, "Ain't afraid to eat alone" ouvre le bal. Habile gratteur, Ryan semble, sur ce titre, inspiré à la fois par BB King et Carlos Santana. Imprimés sur un mid tempo, "Homesick" et "Pride" affichent le caractère bien singulier de la musique de Mr Perry. A cause de cette touche soul, de cette recherche dans la mélodie et de l’approche particulièrement intimiste sur les cordes. Et ses interventions sont à la fois subtiles et empreintes de feeling, tout au long de l’indolent "A heart I did'nt break". Sa voix est chaleureuse et les chœurs sont parfaitement intégrés. Ryan reprend le "Why I sing the blues" de BB King, une piste au cours de laquelle il semble hanté par le prestigieux bluesman issu de Memphis. Ce jeune artiste n'en oublie pas pour autant qu'il est originaire et résident du Mississippi. Et il le démontre sur le titre maître, qui baigne… dans le Delta. Il déclame tout au long du lent et dépouillé "Changing blues", alors que les sonorités de cordes sont lancinantes… Il adapte le "Oh no" de Big Daddy Wilson, épousant parfaitement sa voix puissante. Puis le "Evil is going on" de Willie Dixon, une compo que ce dernier avait composée pour le légendaire Howlin' Wolf, en 1954. On y retrouve le côté sauvage ainsi que la voix caverneuse du géant de Chicago, alors que les accords de gratte torturés et saturés, rappellent plutôt Hubert Sumlin voire Jimi Hendrix. "Hard times" clôt ce superbe long playing, une forme de transe qui ne pouvait émaner que des collines du Mississippi…
De son véritable nom Vanja Krbavcic, cette jeune artiste croate a tapé dans l’oreille de Thomas Ruf, le patron du label allemand Ru. Il lui a permis d'enregistrer son premier opus dans le Tennessee chez Jim Gaines, le célèbre producteur. Paru en 2018, cet elpee, baptisé "Bad Penny", avait reçu également le concours du redoutable Mike Zito. Ce dernier et Bernard Allison l’avaient alors invitée à participer à la tournée européenne de la "Blues Caravan"…
Deux ans plus tard, elle a changé de look. Elle n'est plus blonde ; ses cheveux ont aujourd’hui la couleur de braise… Lors des sessions de ce "Woman named trouble », elle s’est entourée de son backing group impliquant un guitariste, un bassiste et un drummer. Notamment. Elle et son gratteur Robert Wendt signent onze des quatorze plages. Trois reprises classieuses complètent le track listing.
Le long playing s’ouvre par "Rock'n'roll a train". Judicieusement intitulé, ce morceau se distingue par un riff rythmique très ‘rollingstonien’, mais dans l’esprit de "Brown Sugar". Imprimée sur un mid tempo, "Hard times" est une ballade country roots, également réminiscente des Stones. Rauque, la voix de Vanja est bien mise en exergue. La conjugaison entre cordes acoustiques et électrifiées sied parfaitement aux ballades. A l’instar des solides "Turn it on" et "What's going on" que Robert attaque au dobro, mais également du tendrement country "Call me if you need me". Rockabilly, "Let's get wild" adopte le rythme du chemin de fer. Bien qu’efficaces et dynamiques les covers du "Oh well" de Peter Green et du "Shadow play" de Rory Gallagher" manquent quand même d’originalité. A contrario, elle parvient à injecter du funk au "Life Is A Bitch" de Luther Allison. Point d’orgue de cet LP, "Voodoo Mama" baigne au sein d’une atmosphère étrange et lugubre, que les artistes issus du sud des USA aiment cultiver en secret…
Deux ans après avoir gravé « Halftime for holidays », le trio de Seattle nous propose son quatrième elpee ; un disque publié sur le label Hardly Art Records, filiale de Sub Pop.
Après avoir écouté « Falling », une constatation s’’impose : Peter Richards (chant, guitare) et Claire England (chant, basse) ainsi qu’Andrew Hall (batterie) reprennent les choses là où ils les avaient laissées. Seul changement, les deux premiers cités se partagent l’écriture. Sculptés dans la power pop, les treize plages de cet opus sont toujours aussi énergiques, même s’ils s’éloignent du format punk adopté à l’origine. D’ailleurs, si Claire est responsable des pistes les plus percutantes (NDR : un peu dans l’esprit de Weezer), Peter nous réserve des morceaux davantage psyché. Enfin, côté lyrics, nostalgiques, les compos évoquent leur jeunesse…
Bref, si Dude York n’a pas inventé la poudre, son dernier long playing permet de passer un bon moment, et de sortir quelque peu du climat anxiogène au sein duquel nous vivons pour l’instant…
Début des nineties, le Phantom Blues Band servait de backing group à Taj Mahal. La formation avait ainsi participé aux sessions d’enregistrement de l’album "Dancin' the blues", gravé en 1993. Le line up impliquait des musicos qui avaient collaboré avec des bluesmen confirmés comme BB King, Buddy Guy, Bonnie Raitt ou Robert Cray. Notamment. Malgré le temps, le combo n’a guère subi de bouleversement marquant. Il continue d’ailleurs de réunir la crème des musiciens de studio issus de Los Angeles ; en l’occurrence le batteur Tony Braunagel, le claviériste Mike Finnigan, le guitariste Johnny Lee Schell, le bassiste Larry Fulcher ainsi que Joe Sublett et Les Lovitt, préposés aux cuivres. Le précédent opus, "Inside out", remonte déjà à 2011.
Particulièrement homogène, "Still cookin'" est le fruit d’une nouvelle rencontre entre musiciens talentueux qui partagent le même plaisir de jouer ensemble. L’elpee s’ouvre par l’excellent "Don't fight it", un hit r&b du regretté Wilson Pickett, décroché en 1965. L’adaptation oscille entre blues et rock'n'roll, une compo que chante les trois vocalistes, Mike, Larry et Johnny, alors que Smokin' Jo Sublett s’autorise un envol au saxophone. Le PBB reprend aussi deux titres signés par feu le chanteur/pianiste louisianais David Egan. Tout d’abord, "Blues how they linger". Mike se consacre au micro tout au long de ce slow blues. Puis "Fess on up". Focalisé sur la slide de Schell, "Wingin' my way" est sculpté dans un funk réminiscent du Little Feat. Mike est toujours au lead vocal sur "Just in case", une plage imprimée sur un tempo allègre. En outre, il double piano et orgue face aux deux cuivres en effervescence. "Better but not good" baigne au sein d’un climat jazzy bien néo-orléanais, une piste caractérisée par la sortie à la trompette de Lovitt, mais qui surtout met en exergue la voix chaleureuse de Finnigan et la sortie à la trompette de Lovitt. On épinglera encore le “I’m Just Your Fool” du pianiste de jump blues, Buddy Johnson, une compo qui remonte à 1954. Johnny Lee Schell en profite pour sortir une dernière fois de sa réserve…
L’illustre saxophoniste Manu Dibango est décédé ce mardi 24 mars, à l'âge de 86 ans, du coronavirus. Il s’est éteint dans un hôpital de la région parisienne. Premier musicien international à perdre la vie des suites d'une contamination au COVID 19, il était le responsable d'un des plus grands tubes planétaires de la musique world, "Soul Makossa" (NDR : certains médias le considèrent cependant comme le premier morceau disco), un morceau gravé en 1972 (NDR : il avait été immortalisé lors d’une session TV et on peut le voir ou le revoir ici). Ce n'était au départ que la face B d'un 45 tours, dont le titre-phare servait d’hymne à l'équipe nationale de football camerounaise, enregistré dans le cadre de la Coupe d'Afrique des Nations. Repérée par le DJ new-yorkais David Mancuso, la compo a connu une multitude de variations et de recyclages. Manu Dibango avait même entamé une procédure judiciaire contre Michael Jackson pour s’en être un peu trop servi pour alimenter son « Wanna be startin'somethin' », une plage qui figure sur son elpee, "Thriller". Finalement, un accord financier sera conclu. Rihanna dans « Don’t Stop the Music » (2007) et Jennifer Lopez pour « Feelin’ So Good » (2012) se sont également largement inspirées de la chanson.
Né le 12 décembre 1933 à Douala, au Cameroun, ce musicien formé au jazz et aux rythmes tropicaux était l’un des grands ambassadeurs de la musique africaine, à travers le monde. Il est même considéré comme l’Instigateur de ce qui allait devenir la ‘World music’…
Il a côtoyé des tas de meusiens réputés en compagnie desquels il a, pour la plupart, joué. Comme Herbie Hancock, Bill Laswell, Peter Gabriel, Sinéad O’Connor, Jacques Higelin, CharlElie Couture, Tom Novembre, Dick Rivers, Nino Ferrer, Papa Wemba, Bob Marley, Stevie Wonder ou Carlos Santana ; et la liste est loin d’être exhaustive. Sa musique a été samplée comme aucun autre artiste ne l’a jamais été, et tout particulièrement dans l’univers du funk et de l’acid jazz. Il a touché à la soul (of course) au reggae, à la musique cubaine, aux sonorité urbaines contemporaines (hip-hop, électro), sans jamais oublier le jazz, fil rouge de ses 60 longues années de carrière.
Surnommé ‘Papa manu’ par ses fans ou encore ’Papa groove’, ce multi-instrumentiste (outre le saxophone, il était aussi capable de jouer du piano, du vibraphone, du marimba, de la mandoline et du balafon) était également chanteur, arrangeur et chef-d’orchestre
Enfin, on n’en oubliera pas son investissement pour plusieurs associations philanthropiques.
R.I.P.
Jason Isbell vient de dévoiler « What’ve I Done to Help », le second extrait de son futur album « Reunions ». Le long playing a été enregistré en compagnie de son groupe de longue date, le 400 Unit. Ce prochain opus a été une fois de plus produit par Dave Cobb, collaborateur récurrent depuis 2013.
D’une durée de près de sept minutes, ce morceau propose une approche sonore différente de ses précédentes productions. Ancrée par une ligne de basse proéminente signée Jimbo Hart du 400 Unit, la chanson traite de l’impuissance et de l’inaction lors de troubles sociaux. La sortie de « Reunions » est prévue pour le 15 mai.
« What’ve I Done To Help » est en écoute ici
Après avoir accompagné Emily Loizeau, Bertrand Belin et bientôt Sanseverino, François Puyalto a retrouvé sa plus fidèle alliée, sa basse, pour enregistrer ce disque en solitaire.
Entre chansons originales et revisitées (Ferré, Brel, Leprest, Higelin et Barbara), il nous livre un disque épuré, simplement éclairé par les chœurs solaires de Katel.
Replongez-vous ici dans l’univers de cet artiste à travers « Demain », un titre issu de l’album « 44 », là
Avec "Sometimes I Wanna Fight", Caesaria se rebelle contre une industrie musicale en plein renouveau.
C'en est fini pour eux des histoires d'espoir et de désillusion : le quatuor réaffirme ici son attitude rock, sans concession.
Entre moments espiègles et complices, Caesaria nous plonge dans ses archives qui l'ont conduit à pousser les portes du studio du producteur londonien Brett Shaw (Foals) afin d'y enregistrer son nouvel EP.
Ces instants volés révèlent tous ces moments qui ont forgé la forte personnalité de ces gosses de l’Est ; des assoiffés de scènes et de festivals !
Découvrez le clip ici
La formation baptisée Mauvais sort vaille que vaille son album ce premier avril.
Parce que tout doit aller mieux, tout doit aller bien, le plus vite possible… car la vie culturelle doit suivre son cours.
Envie de vous replonger dans l’univers sulfureux de ce groupe ? Alors, cliquez ici
Voici le retour très attendu de Big Funk Brass. Après 10 années d’existence, plusieurs centaines de concerts, deux albums ainsi que des collaborations avec des artistes de renom comme Gaël Faye, Thomas de Pourquery et Anne Paceo, Big Funk Brass sort son nouvel album le 30 avril 2020.
Son titre, « Higher », illustre l’esprit et la dynamique du groupe : chercher à aller toujours plus loin. C’est une démarche spirituelle et physique, la volonté de se surpasser et de donner toujours le meilleur, que ce soit en concert ou en studio. Sur ce nouvel elpee, on retrouve deux invités Ben l’Oncle Soul et FP de ASM - A State of Mind.
Réputé pour ses compositions riches et innovantes, Big Funk Brass électrise les foules à travers la France depuis 2010.
Le projet est habité par des influences hip-hop et New Orleans, avec le Jazz comme point de départ. Empreint d’évolutions, l’objectif de Big Funk Brass est de ne jamais se reposer sur ses acquis et de surprendre son public par des improvisations effrénées.
Réalisé par Thomas Baronnet, le clip de « Rock The Stage » rend hommage au cinéma de Quentin Tarantino (« Reservoir Dogs ») et de David Fincher (« Fight Club ») avant de nous entrainer dans ses rythmes pimentés.
Pour découvrir le clip de « Rock The Stage », extrait de cet LP, c’est ici
Sous la houlette de Da Silva, Nirman n’a pas cherché ici à courir derrière les modes.
Intemporel, aux teintes nuancées et dans lequel les mélodies s’insinuent en douceur et avec élégance, le nouvel opus de Nirman bénéficie du concours de quelques invités investis et de renom : Thomas de Pourquery au saxophone, Nicolas Fiszman le fidèle bassiste de Benjamin Biolay et Cali pour un duo autour de l’engrenage des errances nocturnes (« Compagnon de lune », à découvrir ici) ; le tout sous la houlette de Da Silva.
Il y a la voix feutrée, très en avant, proche de celle d’un Alex Beaupain. Il y a aussi une délicate offrande à son fils (« Je te dirai »), une mue féminine et féministe (« Quand je ne serai plus belle »), l’apprivoisement de l’isolement créatif (« Ma solitude »), une pièce amoureuse en plusieurs actes (« C’est déjà du passé ») et une déclaration frontale « (Mon amour »).
Il y a là encore une percée dans les eaux plus sombres de la nostalgie (« Elles me rappellent ») et de la tristesse profonde. Celle de l’absence du père, disparu pendant la conception du disque (« Sur le balcon de mon cœur », « Où es-tu »).
Des mots ordinaires, touchants de justesse et de simplicité. Comme son interprète…
Qui se cache derrière l’étrange patronyme W.H. Lung ? Un groupe très talentueux issu de Manchester tout simplement ! Drivé par Joseph E., ce trio a décidé de frapper fort en publiant un premier album plutôt jouissif. « Incidental Music » puise son inspiration dans une marmite sonore qui grouille de claviers 80’s à la New Order, de saveurs psyché et d’émanations Krautrock. La plupart des plages sont dominées par les claviers, à l’instar du bluffant et survolté « Simpatico People », morceau de 10’ qui ouvre la plaque. Et tout au long des « Inspiration ! » et « Nothing Is », compos particulièrement habitées et nerveuses, on a parfois l’impression de vivre une rencontre improbable entre David Byrne et New Order. Que de promesses sur ce magnifique premier essai !
Casey Hensley est chanteuse. Elle signe la majorité de son répertoire qu’elle consacre au blues, à la soul, au swing et au rock'n'roll. Cette authentique jeune Californienne vit non loin de la frontière mexicaine, à San Diego très exactement. Elle n'a pas encore trente ans. Ses débuts discographiques remontent à 2017, année au cours de laquelle elle avait déjà gravé "Casey Hensley Live", sur le label notoire Vizztone. Elle est toujours soutenue par un backing group impliquant d’excellents musicos, parmi lesquels figure la guitariste Laura Chavez, ex-gratteuse de feu Candye Kane, qu’elle a côtoyé au cours des dernières années de son existence. Et comme le monde est petit, Evan Caleb Yearsley se charge des drums. Il s’agit, en fait du fils de Tommy Yeartsley, le bassiste des Paladins, et de… Candye Kane. Le line up implique également un autre musicien issu de San Diego, en l’occurrence, le vétéran Jonny Viau. IL se charge des saxophones. Le second elpee de Casey Hensley est découpé en neuf pistes.
La plage éponyme met rapidement en exergue la voix imposante et autoritaire de Casey. Quand elle passe au tempo boogie, c’est pour autoriser la première sortie fulgurante de Laura sur les cordes. Et c'est bien ce schéma de l'union entre les deux femmes qui va s'imposer sur toutes les pistes. Le charisme de Miss Hensley s’impose naturellement sur les titres lents, et notamment lors des ballades aux accents R&B, comme "Love will break your heart" ou "Don't want it to stop", mais encore lorsqu’on est plongé dans l'ambiance du Chicago Westside chère à Magic Sam, comme sur "You should be so lucky". Et puis, l'ombre de Candy Kane se met à planer sur les jumps californiens, "Be my baby" et 'All in", des morceaux au cours desquels Laura Chavez peut laisser éclater son énorme potentiel. Un excellent album !
Land of Kush est une forme d’ovni musical qui sied bien au mythique label montréalais Constellation. Derrière cet étrange patronyme se cache Sam Shaladi, un musicien canadien d’origine égyptienne. On lui doit quelques albums signés Shaladi Effect. Il y a une dizaine d’années, il s’est lancé dans l’aventure Land of Kush. Pour mener à bien ce projet, ce musicien avant-gardiste dirige un orchestre d’une trentaine de musiciens.
Sur ce troisième opus intitulé « Sand Enigma », Sam Shaladi agrège les musiques classiques arabes, les rythmes traditionnels égyptiens et le jazz, tout en y injectant un soupçon de musique électronique. Cet album réunit quatorze morceaux, s’étalant entre 1 minute et 10 minutes. Mais nonobstant sa grande richesse instrumentale (cuivres, cordes, percussions, claviers, tout y passe…), il faut reconnaître que pour apprécier sa musique, il faut s’accrocher. Tour à tour brutiste ou bucolique, notamment lorsque les compos sont traversées par les interventions d’une flûte, mais encore arabisante, climat accentué par les interventions de la chanteuse Nadah El Shazly, l’expression sonore n’est pas facile à assimiler. Et franchement, votre serviteur vous déconseille vivement d’écouter ce « Sand Enigma » après une soirée bien arrosée ou après une journée difficile. Vous risquez de ne pas apprécier du tout. Mais, si vous êtes bien disposé et que vous êtes ouvert aux musiques sans structures et aux improvisations, alors, « Sand Enigma » pourrait vous plaire…
Actif depuis 1985, Wide Mouth Mason est un duo canadien qui pratique du blues/rock. Issu de Saskatchewan, il réunit le chanteur/guitariste Schaun Verreault et le percussionniste Safwan Javed. "Wide Mouth Mason" constitue déjà son 8ème opus. Originale et rafraîchissante, sa musique puise ses racines dans le blues originel.
"Bodies in motion" ouvre l’elpee, un morceau dépouillé qui baigne dans le delta. La voix est excellente et la mise en forme impeccable. Subtiles, les interventions à la slide ne demandent qu’à se mettre au service du répertoire. Très clean, la voix apporte une coloration pop à "Every red light", un blues très proche de ses origines. Un petit joyau ! Plus pop encore et particulièrement mélodieux, "Anywhere" est enrichi des cordes et de chœurs ! Parmi les titres qui adoptent un profil country/blues plutôt classique, "You get used to it" est marqué du sceau de la beauté et de la pureté. C’est la piste qui clôt cet opus. De cet LP, on épinglera cependant encore deux compos : "Erase any trace" et "Only child". Imprimées sur un tempo boogie, elles permettent à Verreault d’y étaler sa technique à la trislide lap steeling. Imparable !
Tom Gilberts est aujourd’hui établi au nord-ouest des States, quelque part dans l’Oregon. Tout comme lui, la plupart des membres de sa famille sont musiciens. Il joue de la guitare, de la basse et même du violoncelle. Et pourtant, dans la vie, Roberts est avant tout, médecin. So dernier elpee, "Grit", avait été fort bien reçu par la critique. Il a pris des cours de guitare auprès d’un des maîtres de la scène issue de Portland, Terry Robb. C’est d’ailleurs lui qui produit cet "Old school". Roberts signe toutes les plages. Lors des sessions, il a reçu le concours de musicos locaux ; en l’occurrence le bassiste Dave Captein et le drummer Brian Foxworth. On suppose que vu sa profession, entre les consultations de ses patients, il se met à gratter une six cordes. Ce qui explique, sans doute pourquoi, parmi les douze pistes du long playing, sept sont instrumentales.
Eclectique, l’opus oscille entre le picking swing (« Zoot suit shuffle »), le traitement des sonorités à la Jeff Beck (« Sun Vibe »), les accents manouche (« Dark clouds »), le jazz blues mélodique (« The North Fork ») et la distorsion hendrixienne (« The Fuzz ») lorsqu’il ne frôle pas la beauté sensuelle du Peter Green originel (« Brown's Camp »). Lorsque Dr Roberts chante, il privilégie les tempos lents, à l’instar du jazzyfiant et dépouillé "Lady Luck", un morceau au cours duquel la ligne de basse souligne parfaitement la voix et la guitare, une guitare responsable de tonalités particulièrement fluides. La voix est empreinte de mélancolie tout au long du slow blues "Nighttime", une compo qui s'étire lascivement au sein d’un climat de western spaghetti. Superbe ! Caractérisé par son bottleneck aux sonorités métalliques, le titre maître baigne dans le delta du Mississippi. La fin de cet elpee est certainement la plus intéressante ; et en tout cas, un créneau que Tom devrait approfondir. Tout d’abord le shuffle subtil "You missed me", une plage ponctuée d’une intervention de cordes particulièrement inventive. Puis l’élégant et dépouillé "Ass, gas or grass", une piste bien balisée par la section rythmique au cours de laquelle, l’envol sur les cordes est parfaitement maîtrisé…
Née en Angleterre d'une mère britannique et d'un père français (NDR : en l’occurrence Albert Jordan), Sass est chanteuse. Elle est à peine âgée de 3 ans quand sa famille s'établit au Canada, du côté de Montréal. Très jeune, elle s’intéresse à la musique. Son premier opus, "Tell somebody", est paru en 1988, sur le label Atlantic. En 1992, elle forme un duo avec Joe Cocker pour chanter "Trust in me", un morceau qui a servi de B.O. pour le film "Bodyguard". En 2002, elle interprète le rôle de Janis Joplin dans la comédie musicale "Love, Janis". Si jusqu’alors, elle pratiquait du rock, à 57 ans, elle a décidé d’enregistrer un album de blues. L'enregistrement et la production sont signés Jeremy Darby, un Anglais qui a bossé, dans le passé, notamment pour Caravan, Joe Jackson et… Lou Reed. Lors des sessions, elle a reçu le concours de son backing group, The Champagne Hookers.
Le long playing s’ouvre par une superbe reprise du "Leaving trunk de "Sleepy John Estes. La voix de Sass est éraillée, rauque même ; mais elle dispose d’une fameuse réserve de puissance. Sur ce morceau, elle est épaulée par le brillant harmoniciste Steve Marriner (NDR : ce musicien qui a décroché à 6 reprises l'oscar du meilleur souffleur au pays de l'érable milite au sein du band canadien Monkeyjunk). Il est toujours au poste sur la seconde plage, "My babe", un canon de Willie Dixon, traduit en hit, dès 1955, par le légendaire Little Walter. En outre Chris Caddell s’y distingue sur son dobro. Excellent ! "One way out" est une compo écrite 60 ans plus tôt par Elmore James et Sonny Boy Williamson II. Elle figurait au répertoire de l’Allman Brothers Band. La nouvelle version s'inspire manifestement du jam band floridien, les deux gratteurs et le pétillant harmoniciste Marriner conjuguant leurs efforts à l’unisson. L’adaptation du r&b "Palace of the King" de Leon Russell et Don Nix est respectueuse du titre originel. Autre cover, le "Too much alcohol" de J.B Hutto. Une parenthèse roots exceptionnelle, poignante, magnifiée par la slide de Caddell. Et c’est la reprise du classique "Still got the blues" de Gary Moore qui clôt cet excellent opus…
Blues Band issu de la région de Tampa, en Floride, le BBB roule sa bosse depuis 1980. "Your baby has left" constitue son 7ème opus ! Le combo pratique un blues électrique qui emprunte les courants traditionnels de Chicago et du Texas. Deux solistes tirent leur épingle du jeu : le chanteur/harmoniciste Sonny Charles et le chanteur/guitariste Kid Royal. La prise de son a été opérée chez eux en Floride. Au menu, six plages écrites par Sonny Charles, deux par Kid Royal et une reprise.
Blues rock classique, amusant et séduisant, "Best friend's grave (Joy, Joy, Joy)" ouvre les hostilités. Promulgué ‘Vainqueur du Coolest Blues song of the year’, ce titre se distingue par son refrain accrocheur et de très belles sorties des solistes. La voix de Sonny Charles est autoritaire. Elle colle parfaitement aux plages énergiques, à l’instar de "Your baby has left", étonnement proche du "Boom boom" de John Lee Hooker. Le groupe déménage pas mal sur "Dixie grill", bénéficiant du renfort de cuivres et du piano de Bruce Katz (de Boston). Une seule reprise, le "Natural born lover" de Jimmy Reed, une piste attaquée comme un shuffle et dynamisée par la rythmique caractéristique de Reed. Très bien ficelés, les deux derniers titres sont issus de la plume de Kid Royal. Tout d’abord, le très rock’n’roll "She might get mad", révélant un Charles très saignant à l'harmonica. Et puis la finale "Time is hard", un blues lent qui s'étire longuement et libère au passage quelques éclairs instrumentaux.
Originaire du Michigan, Jan James est une chanteuse de blues rock qui jouit d’une solide réputation. Elle rencontre à l'université celui qui deviendra, jusqu'à ce jour, son partenaire : le chanteur et compositeur Craig Calvert. Le duo émigre vers Chicago. Il se produit dans les meilleurs clubs de la grande cité du blues, et tout particulièrement au Buddy Guy's Legends ainsi qu’au House of Blues. Son premier LP, "Last train", sort en 1994 chez Provogue, écurie sur laquelle, elle va graver plusieurs elpees. En 2005, le couple a fondé son propre label, Blue Palace. La prise de son a été réalisée à Chicago. Onze des douze plages sont signées par le duo ; et bien sûr, Craig est chargé de la mise en forme.
Funky blues, "I'm always coming back" ouvre la plaque, une compo mélodieuse dont le refrain est repris en chœur… par les chœurs féminins. Face à l’orgue Hammond de Bob Long, Craig brille déjà sur ses cordes. Il semble hanté par Jimi Hendrix tout au long du titre maître. Il écrase frénétiquement sa pédale wahwah, alors que la voix de Jan emprunte un tour subtilement tragique. A cet instant, elle est vraiment dans son élément. C’est d’ailleurs sur les ballades indolentes qu’elle est au sommet de son art. Et elle peut ainsi étaler toute la puissance de sa voix. "Try", "Where you gonna run to" et "Never in the game" en sont certainement les meilleures illustrations. Calvert est intenable tout au long du rock'n'roll sémillant "Lucky U R ". Le reste du long playing est partagé entre plages de blues/rock sans grande surprise et une reprise du "Honky Tonk woman" des Rolling Stones quelconque.
Il y a une dizaine d’années, la jazzwoman Matana Roberts s’est lancée dans un projet particulier qui lui tenait à cœur. Elle l’avait baptisé Coin Coin Project. A travers les douze chapitres annoncés, la native de Chicago revient sur l’histoire sombre de l’esclavage aux Etats-Unis en utilisant l’outil qu’elle maîtrise le mieux : le saxophone. Sur les treize morceaux de « Coin Coin Chapter Four : Memphis », elle relate les mémoires d’une jeune femme dont les parents ont été assassinés par le Klux Klux Klan. Cette histoire se déroule à Memphis, lieu de naissance de sa grand-mère. Comme sur les précédents chapitres, elle a invité des collaborateurs pour apporter davantage de substance à l’ensemble. Si auparavant on a déjà eu l’opportunité de croiser des musiciens du label Constellation (qui sort l’album) ou encore Prefuse 73, pour cet opus, elle convie un autre habitué du label montréalais, Sam Shalabi (que l’on a récemment croisé au sein de Land of Kush). Sur ce quatrième LP, Matana Roberts réalise un cocktail entre free jazz déstructuré et folk spirituel. Alternant passages plus ambiants sur lesquels viennent se poser une voix et d’autres qui laissent place aux impros dont elle a le secret. Et il fallait s’en douter, le gospel a également voix au chapitre sur cet opus...
Attention, si vous n’êtes pas réceptifs au free-jazz (NDR : ce qui est le cas de votre serviteur), l’écoute de ce disque risque de vous donner du fil à retordre ; mais au fil du temps, pourrait vous réserver quelques moments de satisfaction.
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