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Auteure-compositrice engagée, Jewly est investie d’une mission : celle qui la pousse à écrire pour ouvrir les consciences et les libérer grâce à des vibrations rock salvatrices pour les uns ou salutaires pour les autres. « Rébellion » est un concept album…

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L’ostréiculture de Quivers…

La formation australienne Quivers sortira son troisième long playing, « Oyster cuts », ce 9 août 2024. Ses deux premier elpees ont été salués par les musicos de R.E.M. ! Faut dire que sa jangle pop rêveuse et délavée par le soleil est parfois susceptible de…

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Shades of Violette

Tropics/Hush (single)

Shades of Violette est une formation originaire de Washington DC. Son patronyme (Nuances de Violette) colle parfaitement à sa musique qui baigne au sein d’une forme de shoegaze onirique, bien structurée, aux sonorités de guitare brumeuses, aux drumming souple, aux paroles engageantes et poétiques, soulmignées par de superbes harmonies vocales éthérées et cinématographiques…

Après avoir gravé un premier elpee –un éponyme– il vient de sortir un nouveau single, « Tropics »/« Hush ».  

La vidéo de « Tropics » est à découvrir

Podcast # 49 émission Inaudible (cliquez sur le logo ci-dessous)

Central Pacific State Beach

Real friends / Feel yr aura (demo) (single)

Musicien chicano-américain, Rey Montano est originaire de Fresno, en Californie. Il est à la tête de la formation américaine Central Pacific State Beach, qui répondait auparavant au patronyme Infinite Vacation. Il a également aussi bossé sous différents pseudos, dont ROSE et Miles Ontario

Le combo a publié son premier elpee –un éponyme– en juillet de l’an dernier.

Il vient d’en extraire un single, « Real friends », dont la flip side, « Feel yr aura » est restée à l’état de démo.   

Caractérisée par son ambiance douce et ses paroles introspectives, la musique de Central Pacific State Beach combine des éléments de shoegazing, de punk, d'emo, de screamo et de post-rock, afin de réaliser des expérimentations sonores cool mais recherchées…

La vidéo de « Real friends » est à voir et écouter ici 

Podcast # 49 émission Inaudible (cliquez sur le logo ci-dessous)

Mental Map

Snow in June (single)

« Snow in June », c’est le titre du troisième album du groupe canadien The Nothern Pikes, paru en 1990, mais c’est également celui du nouveau single gravé par Mental Map, un quatuor originaire de la région de Saint Petersbourg qui ne compte que quelques singles et Eps à son actif.

Sur ce morceau, la formation raconte qu’à la mi-juin, des flocons de tremble tourbillonnent et ressemblent à des flocons de neige, un phénomène qui s'accompagne de changements de température soudains et se termine par une puissante tempête…

Et la musique proposée correspond parfaitement à l’ambiance rêveuse, atmosphérique, mélancolique et romantique du shoegaze et de la dream pop qui mêlent souvent sonorités éthérées et paroles introspectives.

« Snow in June » est en écoute ici 

Podcast # 49 émission Inaudible (cliquez sur le logo ci-dessous)

Août en Eclats 2024 : samedi 31 août

Écrit par

Août en Eclat est LE rendez-vous incontournable de fin d’été. Gratuit, familial et pluridisciplinaire, ce festival accueille, depuis 2005, une vingtaine de spectacles, un village des enfants, un marché du monde et des saveurs ainsi que des animations de rue. Arts circassiens et concerts en tous genres trouvent un magnifique écrin sur les places Verte et Van Zeeland, en plein centre historique de Soignies.

Une journée fort attendue par petits et grands, d’autant plus que l’ensemble des activités et des concerts ne coûtent que dalle. Et gratuité ne rime pas avec facilité, puisque d’année en année, l’affiche se veut de plus en plus alléchante. La preuve, cette année, les Négresses Vertes et Stephan Eicher, qui se chargera de présenter une rétrospective d’une carrière longue de 40 ans, vont clore la journée.

Le soleil est généreux, tout comme d’ailleurs l’ensemble du staff qui ne ménage pas ses efforts pour que les festivités puissent se dérouler sans accroc. Bravo à eux !

Côté musique, deux scènes se côtoient, la grande pour les artistes confirmés et la plus petite pour celles et ceux, qui pourraient le devenir.

Sur le coup de 13h30, CestCalvin ouvre les hostilités sur la petite scène. Il s’agit d’un tout jeune gaillard d’à peine 24 berges. Auteur, compositeur, réalisateur et interprète hip-hop, il est carolo d’origine. Sa particularité ? Il s’est construit à la seule force de ses vibes.

Fils d'un bassiste de jazz, il baigne dans la musique et la culture afro-brésilienne depuis son plus jeune âge. Fort de ces influences, mais également de celles d'artistes comme Daft Punk, Outkast ou encore de la scène rap issue de la côte Ouest américaine, son premier morceau posté sur Instagram, « Ignorance », a été enregistré sur son téléphone, dans sa chambre. Osé, non ?

Le jeunot est accompagné d’un comparse qui lui procure un support musical à l’aide de sa platine (NDR : rares sont ceux qui, en effet, dans ce style, sont épaulés par des musicos). Gageons dès lors qu’il parviendra à remplir l’espace scénique. Il est vêtu d’un polo, capuche sur la tête ; et de grosses lunettes de soleil sont vissées sur son front.

Timide, sa voix tremblote un peu. Ses textes sont largement inspirés d’expériences qu’il a vécues. Il y brosse l’amour, les sentiments ou encore les ex, à l’instar de cette compo légère, mais profondément sincère : « Gros bisous ». Il sait aussi se montrer perspicace lorsqu’il s’agit de décrire son quotidien à l’instar de « All-in », qui vient malheureusement rappeler que la période des congés est un souvenir lointain pour la majorité des festivaliers présents sur le site. Qu’importe, Carpe Diem !

Il s’affranchit. On apprend qu’il a coopéré avec d’autres artistes de renom comme JeanJass, principalement connu pour ses multiples collaborations en compagnie du rappeur belge Caballero. Malheureusement, il n’a pu être présent. Mais que les fans se rassurent, CestCalvin a plus d’un tour dans son sac. Ni une, ni deux, un pote surgit des coulisses. C’est Nicki. Ensemble, ils partagent le projet Tempo. Le jeu du rappeur prend alors une dimension plus professionnelle à travers sa flopée de compos tantôt incisives, tantôt amusantes, à l’instar de « No stress ».

Le set, dans son ensemble, manque encore de cohésion et de profondeur, mais CestCalvin s’en tire globalement bien. Seul bémol, les trop nombreux effets sur la voix, obtenus à l'aide de l’autotune, utilisé à l’origine pour corriger les notes aiguës ou plates de la voix.

The Rackers opère un virage à 180°. Fondé en 2016, ce trio réunit des amis de longue date : Allan Tombeur (basse), Yohan Pisella (batterie) et Jimmy Morais Rosa (guitare, chant).

The Rackers, c’est la tradition du bon vieux rock des 90’s aux influences UK puisées chez Royal Blood, The Strokes, The Rapture, Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Blur, The Libertines et bien d'autres....

Le groupe rôde ses compos en concert, remporte plusieurs concours et se produit sur de belles scènes, comme au Bota ou dans le cadre du Ronquières Festival. Le succès prenant de l’ampleur et l’envie de partager un univers bien à eux l’incite à enregistrer un premier album. Prometteur, il s’intitule « Lovaria », un nom emblématique dans la Cité des loups. Pas étonnant donc que les lascars arborent des vestes en jeans noires à l’effigie distinctive d’un grand loup.

Après une brève intro, le combo grimpe sur les planches et attaque immédiatement « Melany ». Une compo énergique aux riffs de guitare et dont les coups sur la caisse claire déchirent.

Le son punchy pousse le public à se presser en masse pour découvrir ce groupe à la vitalité débordante.

Le power trio s’en donne à cœur joie tout au long d’’un « Doctor » au sonorités post-industrielles mancuniennes voire liverpuldiennes.

L’investissement est réel alors que dehors, la chaleur devient tropicale. La sueur perle sur le front de Yohan, tandis qu’Allan garde la bouche ouverte ; sans doute la seule alternative pour diminuer sa température corporelle.

Les chansons s’enchaînent à grande vitesse. Les références britanniques sautent aux oreilles tout au long de « Fabulous », « You think » ou encore « Quiet drink ».

Le public danse frénétiquement. Des festivaliers lambdas ont même retiré leurs godasses, dans une communion folle. « Hey Honey » provoque une exaltation des grands jours.

Caractérisé par ses contre-temps temps à la basse et à la batterie, le tonitruant « Lolly’s Wood » clôt un set au cours duquel les portugaises en ont pris un sacré coup.

Une découverte à suivre de très près, c’est une certitude.

Nouveau changement de cap puisque Benni est responsable d’un folk doux et léger.

Le destin de cette jeune demoiselle hors du commun s’est écrit alors qu’elle n’avait que 18 printemps, en Nouvelle-Zélande. Elle y croise fortuitement un gars qui joue de la gratte en rue. Une rencontre qui va orienter son parcours.

Si la musique fait partie de son ADN, elle a d’abord fréquenté une académie à partir de 8 ans, pour y apprendre à jouer de la guitare classique. Elle a participé à la chorale de son village pendant un peu plus d’une décennie. Ensuite, elle a achevé sa formation musicale à la SAE de Bruxelles, en 2020. Elle a également participé au ‘Concours-circuit’ la même année ; ce qui lui a permis d’assurer des premières parties d’artistes confirmés comme Sharko, Roscoe ou encore Cœur de Pirate.

S’il lui arrive de se produire seule, Benni est aujourd’hui soutenue par un backing group. La demoiselle semble intimidée par la foule qui est déjà conséquente en ce début d’après-midi.

Elle entame sa prestation par un magistral « You ». Maîtrisée, sa voix possède un grain voilé, lui conférant une fragilité singulière.

Son univers musical rencontrerait davantage d’écho au sein d’un environnement beaucoup plus feutré. Se produire au cours d’un tel festival pourrait constituer une mise en danger, notamment parce que le public ne s’est pas nécessairement déplacé pour elle. Mais, elle s’en sort formidablement bien. Des spectateurs se sont assis sur le sol écoutant religieusement cette artiste au grand cœur et au talent indéniable.

Le féérique « September 20 » (NDR : il a été produit par Thomas Médard de Dan San et mixé par Tommy Desmet, mieux connu pour son travail auprès de Girls In Hawaii, entre autres), signe le deuil d’une première histoire d’amour. Benni, soudainement abandonnée, écrit les lignes d’une lettre d’excuses qu’elle aurait aimé recevoir. Dès lors, pourquoi ne pas prendre la plume à la place de l’autre ? La chanson a-t-elle provoqué une réponse chez la personne dont le message était destiné ? Nul le saura !

D’une voix envoûtante, elle entreprend ensuite un « Come » destiné à toutes ces âmes perdues. Ses musiciens ont quitté l’estrade et Benni, seule, interpelle. Sa prestation est plus que convaincante. D’une passion, elle dessine aujourd’hui les traits d’une future carrière musicale jalonnée d’excellentes critiques. Comme quoi, il faut croire en ses rêves. Si sa vie était une histoire, cette fable en serait-elle la morale ?

Proche de son public, l’artiste ne manque pas d’humour lorsqu’elle lui demande de mimer la tristesse juste avant d’interpréter un faux dernier titre, prétexte au rappel, sous la forme d’un « Queen of cactus cove » épatant.

Petite, Benni adorait dessiner des baleines. Symbolisent-elles la protection et la sagesse ? Communiquent-elles par la musique de leurs ultrasons pour prendre soin des unes et des autres ou pour naviguer entre la profondeur des océans et la surface ? La question reste posée, au terme d’un set vraiment trop court.

Si les festivals prônent souvent l’éclectisme et le mélange des genres, ici, le choix de cette artiste à fleur de peau s’est avéré gagnant.

Sur la main stage, les préparatifs qui précèdent le concert de Fùgù Mango (prononcez Fou-Gou-Mang-Ô) s’activent. Pendant ce temps-là, le soleil frappe dur sur la caboche.

Formé en 2013, à Bruxelles, le combo implique les frangins Lontie, Jean-Yves (guitare) et Vincent (chant et percus), tous les deux issus de feu Bikinians. Ils partagent une même passion pour le groove, les rythmes africains et l’indie pop… Deux Eps, publiés respectivement en 2008 et 2009 leur procureront d’ailleurs une critique impressionnante dans les pages d’un célèbre magazine français, qui les compare alors à Oasis et Supergrass. Rien que ça !

Les deux frangins fondent Fùgù Mango en 2013. L’un est situé à front de scène, tandis que l’autre reste en retrait. Le line up inclut également Anne. Elle se réserve les backing vocaux, les claviers et la basse. Et elle se plante au centre du podium. Deux blacks corpulentes se placent de part et d’autre. Elles sont vêtues de blanc. A l’arrière, le batteur et un percussionniste sont chargés d’imprimer le rythme.

L’estrade est relativement bien achalandée d’instruments divers et variés. Les classiques guitare, basse et batterie, évidemment. Mais aussi, des percussions, de maracas, ainsi qu’un xylophone.

C’est par son dernier né, « Toposphère », que FM débute son set, profitant de multiples reflets ensoleillés et chaleureux qui entretiennent un certain sentiment d’allégresse. Une compo dans la langue de Voltaire svp. Un exercice de style qui colle bien à la formation. Une ode à l’envie de liberté et d’évasion.

Le combo était déjà parvenu à mettre sa culture métissée au service de « Mango Chicks », un premier Ep fort prometteur paru en 2016 qui lui avait permis d’écumer pas mal de scènes et festivals (Eurosonic, Printemps de Bourges, Europavox, Paléo, etc.) et même de partir en tournée dans les Balkans…

Très vite, le concert offre une large palette de sons exotiques, rythmes afro et indie pop, tout en privilégiant le groove. La culture de Fùgù Mango en quelque sorte. Malgré les températures élevées, les chansons provoquent un élan dansant. Même les plus timides s’y adonnent.

La conjugaison des voix opérées entre Vince et Anne rappelle, de manière incantatoire, le binôme de The XX, groupe de rock britannique en vogue. Le rôle des choristes va bien au-delà de la simple représentation. Elles s’investissent franchement et apportent même une raison d’être à l’ensemble.

Intemporel, « Blue Sunrise », tiré de « Alien Love », rappelle l’aspect tropical et métissé de la pop concoctée par FùGù Mango. Les percus apportent elles aussi pas mal de rondeur. Ça sent le sable chaud et la mer turquoise. De même, « Willy Wonka », issu d’un dernier essai baptisé « La Maquina » permet de savourer pleinement les fragrances exotiques grâce à son rythme afrobeat, tout comme « Subugu », prétexte parfait pour un collé/serré endiablé, sublimé par ses enveloppes plus électroniques à base de xylophone.

Et lors du titre maître aux accents hispaniques, « La Maquina », les paroles sont hurlées et reprises en chœur par un public décidément fort réceptif…

Véritables hommes du monde, les frangins absorbent les cultures issues de leurs périples. Ces guitares langoureuses, ces nappes de synthé luxuriantes et ce plaisir de produire de belles mélodies illustrent parfaitement ces desseins.

Résumer FùGù Mango à quelques synthétiseurs chauds, des accords de guitares, et une basse qui ondule au gré des chansons, serait faire offense à une formation qui cherche depuis ses débuts à produire une musique du monde dominée par un courant exotique. Un courant dont on se sent inexorablement attiré.

Le show tire doucement vers la fin. Mais avant de baisser le rideau, le combo s’essaie à la cover d’un titre de la dance des 90’s, « It’s gonna be alright » de Deep Zone, un de leurs plus gros succès. Une franche réussite ! Vraiment surprenant ! Il y a quelques années, c’était « Golden Brown » des Stranglers que le band s’était réapproprié.  

Retour sur la petite scène pour le set de Thomas Frank Hopper. Né à Bruges, son parcours musical a débuté en Afrique, où le chanteur-compositeur a passé une grande partie de sa vie. De retour en Belgique à 17 ans, il rejoint Cheeky Jack, une formation pop-rock groovy au sein de laquelle il milite durant quelques années, histoire de se faire les dents.

Il décide ensuite de créer son projet solo. Il enregistre un premier Ep baptisé « No man's land », en 2015. Et l’année suivante, un premier elpee intitulé « Searching Lights », qu’il considère davantage comme un essai qu’un véritable album.

L’artiste est épaulé par trois compères. Un batteur installé en retrait, un claviériste et un bassiste, qui de temps à autre troque son instrument contre une six cordes.

Le set débute par un « Back to the wild », qui suinte le blues/rock, une chanson issue d’un dernier opus plébiscité par les critiques. Le gars pince les codes de sa gratte avec une facilité déconcertante. Pas de doute, Hopper compte bien prêcher le blues aux plus récalcitrants.

Très vite, « Paradize city » prend le relais, une chanson plus rock plus pêchue, avec un petit côté vintage obtenu grâce à l’utilisation d’une tête d’ampli ‘Orange’.

Frank alterne également avec une steel guitar qu’il joue assis. L'instrumentiste utilise alors un bottleneck qui lui permet de faire varier la hauteur des notes produites, alors que « Bloodstone » fait apparaître des sons plus contemporains avec en filigrane ses guitares poisseuses ainsi que le gimmick entêtant du clavier. Quoiqu’il en soit, un mélange très réussi de blues et de rock. Bref, ça décoiffe !

Le leader possède un timbre de voix puissant, notamment lorsqu’il monte dans les aigus. Généreux également, ses interactions avec le public sont nombreuses. Et il le lui rend bien par des signes fédérateurs.

Alors que le concert bat son plein, le gars se saisit d’un étrange instrument. A s’y méprendre, on dirait une planche de skateboard. Mais, en réalité, il s’agit d’une Weissenborn (une marque hawaïenne de guitares en bois de koa, un bois originaire d’Hawaï), qui s’apparente à une lapsteel. L’artiste connaît bien cet instrument pour avoir séjourné au Pays de Galles. Les sonorités qui en découlent sont très particulières. Un animal mystérieux qu’il maîtrise parfaitement.

Frank empoigne ensuite une sèche alors que ses musiciens se retirent. Il entame un « Tomb of the giant » génial où la voix du crooner est particulièrement mise en exergue. Un régal !

Alors que le concert prend des allures de départ, « Till the day I die » souligne l’authenticité d’un musicien aux mille facettes, bercé autant par des rythmes africains que par des mélodies anglo-saxonnes dans lesquelles il puise toute son inspiration.

Thomas Frank Hopper a livré ici une prestation qui sonne décidément très roots !

Morpho va-t-il pouvoir rivaliser ? Un inconnu aux yeux et aux oreilles de votre serviteur.

A l’état-civil, Mathias De Vleeschouwer, est un produit de la téléréalité. Un de plus ! Un de trop ? A vérifier !

Après sa participation à la saison 9 de ‘The Voice Belgique’, Mathias a été repéré par Alex Germys, producteur notoire, avec qui il a mis en forme son premier Ep.

Pas étonnant que des jeunes demoiselles se soient soudainement immiscées dans le public. Faut dire que le gars possède aussi un physique qui ne passe pas inaperçu.

Il est accompagné d’un batteur, d’un claviériste, d’un guitariste et d’une bassiste. Ex-Coline et Toitoine, cette dernière milite également au sein de Colt.

Influencée par Coldplay, London Grammar, Inhaler ou encore Charles, sa musique oscille entre pop sucrée, rock un tantinet rebelle et électro endiablé, à l’instar de « Higher », un premier single sorti il y a un an déjà ou encore d’« Over again ». On peut remettre en cause la crédibilité des jeunes issus d’émissions télé, mais force est de constater que l’univers sonore de cet artiste est bien personnel.

Peu puissante, sa voix est plutôt atmosphérique.

Parfaitement maîtrisée, sa version du « Coming Home » de The Haunted Youth (NDR : un groupe belge drivé par Joachim Liebens) est une vraie tuerie !

Pour terminer, Morpho livre une compo en français, brillamment interprétée et qui risque de devenir son nouveau cheval de bataille.

Si le set de cet artiste émergent manque encore de maturité et de relief, il faut reconnaître que son charisme et sa performance vocale lui ouvrent les portes d’une future belle carrière. A suivre donc !

Après une pause bien méritée, votre serviteur s’installe à nouveau devant la main stage. Des vieux de la vieille s’apprêtent à y grimper : Les Négresses Vertes (NDR : le patronyme aurait été choisi à la suite de l'invective d'un vigile dans un bar, qui se serait exclamé ‘Sortez les négresses vertes !’, en voyant leurs cheveux teints). Au sein du collectif formé en 1987, figuraient des musicos issus de la scène punk rock.

Alors que François ‘Cizzko’ Tousch se pointe doucement accordéon en bandoulière pour entamer « La valse », il est vite rejoint par ses comparses Stéfane Mellino (guitare, chant), Jean-Marie ‘Paulo’ Paulus (basse, chant, guitare, ukulele), Isabelle ‘Iza’ Mellino (percussion, chœurs), Michel ‘Ochowiak’ Estrade (trompette), Gwen Badoux (trombone) et Matthieu Rabaté (batterie). Une sacrée bande !

Si la musique est toujours aussi pétillante, les visages des membres du groupe sont burinés par le temps qui passe. A vrai dire, ont dirait des papys qui font de la résistance !

Après avoir accueilli les ados prépubères de Morpho, l’auditoire est maintenant essentiellement constitué de quinquas.

Plus de trente ans après le succès de leur premier opus « Mlah », Les Négresses Vertes opèrent un retour remarqué ! « Voilà l’été » ravit les aficionados, heureux de (re)faire connaissance avec une tranche de vie, qui, semble-t-il, les a bien marqués. Une compo tout en couleur qui sent bon le soleil et l’herbe fraîche (NDR : pas celle que l’on fume ; d’ailleurs, elle ne l’est pas vraiment…)

Grâce à des titres comme « L’homme des marais » ou encore « La danse des Négresses », la musique de cette formation légendaire allie joyeusement la guinguette et le folklore méditerranéen.

Le concert se mue en fête paillardes tout au long de l’incontournable « Zobi la mouche », qui symbolise une putain d’histoire de la chanson française de la fin des années 80 et du début des années 90. Une compo qui, en fin de parcours, dérive dans l’impro. Alors, la foule ne peut s’empêcher de reprendre le refrain en chœur, comme s’il venait de nulle part.

Ces vieux briscards est parvenue à agréger l'impertinence du rock, les rythmes latins (dont le raï), l’aspect le plus gouailleur, truculent et festif de la chanson française (cabaret, java, etc.) et même la fanfare (trombone, trompette), tout en véhiculant des textes graves avec un humour féroce.

Le décalé « Famille nombreuse » aux accents italiens et le percutant « Les yeux de ton père » mettent littéralement une ambiance de feu tout en se remémorant la décadence des années folles.

Sur un rythme endiablé tout en célébrant la rencontre entre la guitare et l’accordéon, « Sous le soleil de Bodega » s’enfonce alors dans la pénombre de notre matière grise et il est probable que, quelques jours plus tard encore, il continue de résonner dans la tête de milliers de festivaliers qui ont vécu ce concert.

Ces trublions de la chanson francophone ont conservé leur énergie originelle et durant une heure, tout en s’amusant à dispenser un répertoire qui tient toujours la route, ont entraîné un public à faire la fête…

Il n’y manquait, sans doute, que le grain de folie d'Helno, chanteur emblématique du groupe, décédé en 1993 d'une overdose...

Enfin, le prochain et dernier grand artiste à se produire est Monsieur Stephan Eicher. La place est noire de monde. Votre serviteur est bien placé, à front du crash, et préfère y rester, quitte à faire le pied de grue durant une heure.

A 22h30 précises, Eicher débarque. Il prend place sur un siège que le staff a posé sur l’estrade quelques minutes auparavant.

Il ne pète pas un mot, se saisit de sa gratte et entame quelques accords, mais s’arrête presque instantanément agacé par le bruit (‘boum boum’) d’une activité voisine qui pollue son interprétation.

Il interroge l’assemblée. Est-ce quelqu’un qui roule en BMW, fenêtre ouverte, à écouter Plastic Bertrand ? Quoiqu’il en soit, il lui est impossible de poursuivre dans de telles conditions ! Il quitte le podium, mais y revient quelques instants plus tard. Et bien décidé de prendre le contre-pied de la situation, empoigne sa gratte électrique et attaque « Pas d’ami comme toi », un morceau issu d’« Engelberg », paru en 1991. L’interprétation est percutante. Le ton est donné ! Tout cela n’était donc qu’une mise en scène !

Et comme, le public présent est fin connaisseur, autant rester dans ce qui fonctionne le mieux en embrayant par « Combien de temps », dont les accents nostalgiques nous ramènent à la fin des eighties. La mémoire d’Eicher flanche. Il en oublie les paroles. Qu’importe, pour pallier ce trouble mnésique, le public lui vient en aide et chantonne en chœur ce hit impérissable. Jouant le jeu jusqu’au bout, les musiciens exécutent leur partition, alors à pas de loup.

L’homme se souvient être venu dans le passé et s’inquiète du sort du cheval de bronze qui trônait non loin. A-t-il été mangé durant la période hivernale, demande-t-il, sous les rires des aficionados ? Il n’y a pas à dire, c’est un vrai showman !

De toute beauté, « Le plus léger au monde » est propice au rêve. Un titre qu’il interprète d’une voix grave, chaude et éraillée. Reconnaissable entre mille, elle lui permet de se mettre à nu en revenant aux fondamentaux, célébrant, en quelque sorte, la chanson renaissance, après avoir essuyé l'un ou l'autre échec commercial.

Superbe ballade, la « Prisonnière » constitue un des points d’orgue de sa prestation. Tout comme « Riviere » (NDR : sans accent !), morceau au cours duquel il invite les milliers de spectateurs à taper un index afin de reproduire le bruit d’une goutte d’eau qui vient s’échouer sur le sol. Et franchement, le résultat est convaincant.

Alors que le show bat son plein, une bagarre éclate. Eicher, en gentleman avisé, intervient et demande de cesser immédiatement ce vacarme, invective les fouteurs de trouble tout en tentant de trouver une pseudo raison à ce bordel : la musique rend-elle fou ou la consommation d’alcool a-t-elle dépassé des limites raisonnables ? Histoire de se calmer, Eicher, leur conseille d’aller bouffer des frites à la baraque du coin. Un connaisseur cet artiste !

Et comme la musique adoucit les mœurs, le Suisse joue successivement quelques notes de la gamme afin de savoir qu’elle est celle qui apaise le plus. Ce sera finalement le ‘mi mineur’ qui obtiendra le plus de succès, à tel point que les musiciens se sont soudainement couchés à l’écoute de cette note inspirante.

Stephan évoque ensuite le séparatisme à la Belge et se questionne sur l’existence des conflits politiques du plat pays. En réalité, il s’agit d’un subterfuge, de manière à introniser le tube « Eisbär », un titre puissant de Grauzone, groupe suisse éphémère fondé à Berne au début des années 1980 par Martin Eicher, Marco Repetto et G.T. (Christian Trüssel) et qu’a rejoint circonstanciellement Stephan, pour les sessions et lors des concerts (NDR : un seul elpee à son actif, un éponyme et suivant les rumeurs, un second serait en préparation… Wait and see !)

En évoquant ce morceau, il s’épanche en tout cas longuement sur sa conception et ses paroles. Une époque où Philippe Djian, romancier, nouvelliste, parolier et scénariste français, mais également parolier du chanteur dès 1989, était encore très jeune.

On sent que le set tire doucement vers la fin. Le chanteur a chaud. Si manifestement, il apprécie la bière –à le voir déglutir comme un goret, il déteste cependant les rappels ainsi que la nage synchronisée. Ne cherchez pas de lien de cause à effet, il n’y en a simplement pas. Simple diversion ? Peut-être…

Alors que les très jolis « Si tu veux que je chante » et « Tu ne me dois rien » viennent apaiser les esprits, il nous réserve un vrai/faux rappel. Il s’agit de « Déjeuner en paix », une chanson qui décrit le quotidien et les scènes de la vie conjugale d'un couple sur fond d'actualités internationales. Un énorme succès datant de 1991 qui signe le début d’une revanche de la musique acoustique sur la musique électronique.

Mais les surprises ne sont pas terminées. Alors que le batteur vient de fêter son anniversaire, il y a trois jours, il est invité à exécuter un gage. Muni de balais (accessoire de percussion composé d’un faisceau de brins, le plus souvent métalliques et utilisé de façon similaire à une baguette pour frapper les instruments de percussion), le drummer est chargé de produire un solo de deux heures sur « Hemmige ». Et devinez quoi, il accepte le défi tout en caressant avec insistance la peau de sa caisse claire durant de longue minutes, le souffle haletant. Un chouette moment de complicité et d’improvisation.

Il est 23h30, ce concert magistral vient de s’achever. Dans une forme olympique, Stephan Eicher s’est montré généreux, communicatif et altruiste. Et il n’a rien perdu de son éclat.

La plupart des festivaliers regagnent leur pénates. Les plus résistants et ceux qui sont encore en vacances s’attardent encore aux bars entourant le site.

Il faut admettre qu’Août en Eclats n’a plus rien à envier aux festivals de grande envergure. L’équipe pluridisciplinaire du Centre culturel, pourtant réduite à sa simple expression, démontre qu’aujourd’hui, quand on a des idées, de la persévérance et de la bonne volonté, il est possible d’y arriver.

Merci à eux pour cette journée magnifique et ses nombreuses activités.

(Organisation : Août en Eclats)

Les Nuits Weekender: un nouveau festival éclectique et international à Bruxelles

Ca bouge pas mal du côté du Bota! Le nouveau directeur, Frédéric Maréchal, a présenté hier avec fierté son nouveau bébé, “Les Nuits Weekender”. “Ce festival”, a-t-il déclaré, “se distingue par son éclectisme, son intérêt pour les musiques émergentes et sa modernité”. Il se tiendra du 1er au 3 novembre et, fait nouveau pour le Bota, ce sera un festival “all-access”, le ticket unique permettant de voir une cinquantaine de concerts.

On y retrouvera l'esprit de découverte qui est dans l'ADN du centre culturel, grâce à une programmation audacieuse et résolument 'crossover', qui accordera une large place aux formations belges.

Le vendredi, on épinglera: Kelly Lee Owens (UK) et sa pop-electro orientée 'dancefloor'; Niels Orens, le Jon Hopkins belge, trip intersidéral garanti; The Body (UK), associé pour l'occasion à Dis Fig (DE) pour un mariage décapant entre métal et expérimentation électronique; le projet solo de Geordie Greep (UK) et New Age Doom (Can.) et leur avant-prog psychédélique.

Le samedi, place aux Bruxellois de Tramhaus, et leur postpunk ultramoderne; à Lucy (Cooper B. Handy) (US), l'incarnation de l'indie-sleeze revival, qui a sorti un track avec Boy Harsher (“Autonomy”); à Shoko Igarashi (BE-JAP), une artiste jazz-electro couvée par le Bota et déjà découverte aux Nuits; à Another Dancer (BE), un “weirdo Belgian band” proche de Stereolab et à Fabiana Palladino (UK), l'artiste pop-R&B-retro encensée par The Guardian.

Citons aussi Landrose (BE), le nouveau projet solo du Bruxellois David Temprano, un batteur-percussionniste qui envoie vraiment du lourd, comme on a pu le constater de visu lors du showcase accordé dans le Museum après la conférence de presse.

Enfin, pour le dimanche, Olivier Vanhalst et Thomas Konings, les deux programmateurs, sont heureux d'annoncer English Teacher (UK), un des groupes de l'année en Angleterre, qui a fait sensation à Pukkelpop; Channel Beads (US), et leur Hypnagogic Pop (“l'album de l'année”, selon Olivier V.); Mabe Fratti, violoncelliste guatémaltèque qui mèle sons analogiques et samples hypnotiques et Untitled (US), une découverte indie-rock shoegaze aux accents trip-hop.

Ajoutons également le Belge Basile3, qui a impressionné hier lors du showcase, grâce à sa musique instrumentale électronique, sidérale et cinématographique.

A noter que “Les Nuits Weekender” s'adressera en priorité aux fidèles du Bota, bien sûr, mais aussi et surtout, à un nouveau public, venu des régions plus éloignées de notre pays ainsi qu'aux touristes internationaux tentés par un week-end musical dans la capitale de l'Europe.

Toutes les infos ici: https://www.lesnuitsweekender.be/

Pour clôturer sa présentation, Fred Maréchal a également présenté un autre nouveau bébé, le festival “Tough Enough”, qui porte, lui, clairement la marque de son créateur. Passionné de musiques “roots” et blues, le directeur s'est mué en co-programmateur pour imaginer un lineup de rêve dans les styles “inspirés du blues mais pas estampillés blues”. On parle ici de stoner, garage, psyché, americana, new-folk, postpunk, etc. En vedettes: Giant Sand, Black Mirrors, Chuck Prophet, Pokey Lafarge, Siena Root, Jim Jones All Stars, etc. Le “Tough Enough” se tiendra les 29 et 30 novembre prochains.

Plus d'infos ici: https://www.toughenough.be/

Seul bémol dans ces programmations “éclectiques”, l'absence flagrante du style “dark electronic”, et ses sous-genres “darkwave”, “synthwave”, “EBM”, “dark ambient” et “dark techno”, des styles qui sont pourtant en pleine explosion en Belgique et dans le monde, avec un foisonnement de projets novateurs. Il suffit de voir l'énorme succès remporté récemment par Boy Harsher, Kavinsky et Daan+Glints. Pour une prochaine fois, peut-être?

Indigo Dream

Indigo dream (Ep)

Écrit par

Fondée en 2024, Indigo Dream est une formation cosmopolite puisqu’elle réunit un Anglais, un Hongkongais et deux Finlandais. C’est d’ailleurs en Finlande, à Helsinki très exactement, qu’elle s’est établie.

Eponyme, son premier Ep se nourrit de shoegaze classique et contemporain, mais également de dreampop pour nous proposer une solution sonore alternative, nostalgique et rafraîchissante dominée par des sonorités de guitares rêveuses et chatoyantes entrelacées de fuzz et de distorsion.

Extrait de cet Ep, « Waterfall » est en écoute ici

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MILLY

Your own becoming

Si on ne tient pas compte de la compilation « Our First Four Songs + Wish Goes On », « Your own becoming » constitue le second elpee de MILLY, une formation californienne (NDR : issue de Los Angeles très exactement) drivée par le multi-instrumentiste et chanteur Brendan Dyer. A l’origine, il s’agissait d’ailleurs de son projet personnel.

En général, MILLY surfe sur la vague noisy-rock américaine des 90’s. Tour à tour on pense à Pavement, Swell, Weezer ou Guided By Voices. Les riffs de guitare aux accroches efficaces se révèlent même parfois fiévreux, sulfureux, quasiment grunge, mais toujours en prenant soin du sens mélodique.

Le travail sur cet album a commencé grâce à une révélation qui ne peut survenir que lors d'une période de crise personnelle.

Dyer a souffert d'anxiété pendant la majeure partie de sa vie. Face à la peur et au doute, il a donc décidé d’effectuer de longues promenades tous les matins afin de maîtriser ses émotions, se vider l'esprit et… sortir de chez lui.

Au cours de ses balades quotidiennes, Dyer prenait des notes qui ont inspiré l’écriture des chansons de ce nouvel opus.

Seconde thérapie : exercer une activité artistique et se réunir avec ses amis les plus proches.

En gravant ce long playing, Dyer est parvenu à canaliser ses pensées les plus sombres pour les convertir en énergie galvanisante et créatrice…

Issu de « Los Angeles Filte » est en écoute ici

Si on ne tient pas compte de la compilation « Our First Four Songs + Wish Goes On », « Your own becoming » constitue le second elpee de MILLY, une formation californienne (NDR : issue de Los Angeles très exactement) drivée par le multi-instrumentiste et chanteur Brendan Dyer. A l’origine, il s’agissait d’ailleurs de son projet personnel.

En général, MILLY surfe sur la vague noisy-rock américaine des 90’s. Tour à tour on pense à Pavement, Swell, Weezer ou Guided By Voices. Les riffs de guitare aux accroches efficaces se révèlent même parfois fiévreux, sulfureux, quasiment grunge, mais toujours en prenant soin du sens mélodique.

Le travail sur cet album a commencé grâce à une révélation qui ne peut survenir que lors d'une période de crise personnelle.

Dyer a souffert d'anxiété pendant la majeure partie de sa vie. Face à la peur et au doute, il a donc décidé d’effectuer de longues promenades tous les matins afin de maîtriser ses émotions, se vider l'esprit et… sortir de chez lui.

Au cours de ses balades quotidiennes, Dyer prenait des notes qui ont inspiré l’écriture des chansons de ce nouvel opus.

Seconde thérapie : exercer une activité artistique et se réunir avec ses amis les plus proches.

En gravant ce long playing, Dyer est parvenu à canaliser ses pensées les plus sombres pour les convertir en énergie galvanisante et créatrice…

Issu de « Los Angeles Filte » est en écoute ici

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Swiss Portrait

Photobooth (single)

Écrit par

Swiss Portrait, c’est le projet de Michael Kay Terence. Etabli à Édimbourg, il adopte une approche DIY pour enregistrer, filmer et produire ses créations musicales et visuelles.

Imprimée sur un tempo jangle pop, son expression sonore embrasse la nostalgie de la dream pop. Empreinte de douceur, l’atmosphère est chaleureuse. Un dialogue s’établit entre la voix éthérée et la guitare contemplative mais lumineuse, alors que la basse et les percussions sont rythmées comme deux battements de cœur. Enfin, simples mais poétiques, les paroles reflètent l’inquiétude profonde de Michael.

Il s’explique :

‘J'étais un artiste contemporain en activité.

Quelques grandes expositions ont été annulées à cause de la pandémie.

En fait, je m'ennuyais à la maison et je cherchais à m’occuper.

J’aspirais à composer de la musique, mais je n'avais tout simplement pas le temps, ce qui explique pourquoi, lorsque la pandémie a éclaté, j'ai décidé d'essayer…’

La vidéo du single » Photobooth » est disponible ici

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A Forest Mighty Black (Italy)

The Gambler (single)

Écrit par

Il existe deux groupes qui répondent au patronyme A Forest Mighty Black. Une situation qui est quand même étonnante, vu la complexité du nom. Le plus ancien est allemand et a été fondé à Fribourg, début des nineties. Sa musique baigne dans une forme de musique électronique aux accents trip hop, funk soul, jazz et world.

Le second est italien, et nous vient de Vincence, dans le nord de l’Italie. Il est né 2013. Un quintet dont l’expression sonore lorgne plutôt vers le stoner rock et le grunge, tout en véhiculant des accents psychédéliques.

Et pourtant, le single, « The gambler », qui annonce la sortie d’un second elpee, intitulé « The hedonist », prévue pour ce 6 septembre, ne manque pas de charme, dans un style qui marche allègrement sur les traces d’un Pearl Jam voire d’un Screaming Trees. D’ailleurs, la voix du chanteur, Costin Emilian Bursuc, est très susceptible de rappeler celle feu de Mark Lanegan.

La ‘lyric’ vidéo de « The gambler » est disponible ici.

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Isobel Campbell

J’ai encore parfois du mal à croire que Mark Lanegan ne soit plus de ce monde…

Écrit par

Ex-chanteuse de Belle and Sebastian, Isobel Campbell poursuit une carrière en solitaire et a sorti un nouvel opus. Intitulé "Bow To Love", elle y exprime des considérations autant intimes qu'universelles sur la domination masculine. Notamment !

La native de Glasgow, plus connue pour sa voix éthérée que ses talents indéniables de violoncelliste (NDR : son instrument de référence), revient quatre ans après avoir gravé "There Is No Another", paru en pleine pandémie, qui faisait suite à une décennie de silence forcé consécutif à des litiges avec son ancien label. 

Ce "Bow To Love" se révèle toujours aussi intimiste, aérien, porté par sa voix d'ange, laquelle adopte cependant une attitude de révolte face à la domination du patriarcat, les agressions sexuelles ou la phallocratie toujours bien vivante.

L’Ecossaise s'insurge d'une voix suave, sans éclats, mais pas sans éclat, s'en explique et évoque également la disparition de Mark Lanegan, en compagnie duquel elle a publié trois magnifiques long playings au cours de ce millénaire.

Touchée par la grâce et la spontanéité, Isobel Campbell l'est aussi par l'humour...

Pourquoi ne pas avoir intitulé “Everything Falls apart”, le morceau d’ouverture, "Son of a Bitch", insulte que vous proférez sans arrêt ?

Dans mon esprit, il s'est toujours appelé "Everything Falls Apart". Cette phrase s'est imposée, sans que je sache pourquoi. Un peu comme si tout s'effondrait dans mon cerveau également... (elle rit).

J'ai trouvé cette situation plutôt drôle… et qu’elle correspondait à ma vision des choses…

Cette invective n’est donc destinée à personne ?

En fait, si... mais elle pourrait s'adresser à beaucoup d'hommes et à quelques-uns en particulier (elle rit). Mais, rétrospectivement, et plus sérieusement, je me suis rendu compte à quel point dans la langue anglaise, conçue par le patriarcat, il existait énormément de mots et d'expressions afin d'exprimer des propos désobligeants à l'égard des femmes. Si vous cherchez l'équivalent en insultes concernant les hommes, une telle ‘diversité’ n'existe pas. J’estimais cette disproportion injuste, d'où cette répétition... (elle sourit)

Vous évoquiez le patriarcat. Cet elpee se veut-il féministe ?

Il y a de cela ; même si la société progresse, parfois il m'arrive encore de me retrouver face à un véritable dinosaure misogyne (rires). Je suis quelqu’un de très patiente, mais parfois je pète un câble et je me dis : ‘Waouh, on en est encore là !’ Mais pour le moment, grâce au mouvement #MeToo, la situation est très polarisante. C'est un véritable champ de mines ! Entamer une conversation à ce sujet au travers d'une chanson, me semble une bonne façon de procéder pour aborder le sujet...

Vous évoquez la perversité narcissique dans "Spider To The Fly". Correspond-t-elle également à certains types d'hommes ?

Je ne m'en suis rendu compte qu'après l'avoir enregistrée et écoutée ; mais j'ai fait l'expérience de ce genre de personnes dans ma vie.

Ma musique se veut personnelle. Il serait donc étonnant que ce qui constitue ma passion, mon travail et mon domaine de créativité, ne se révèle pas intime.

En fait, c'est comme si j'avais fait un doctorat sur le narcissisme (elle rit) ! Mais tout est un traumatisme... même si ce mot est parfois un peu galvaudé. Cependant, à ce stade, je pourrais en effet probablement donner une conférence sur le sujet (rires).

D'ailleurs, je connais pas mal de choses dans le domaine de la psychiatrie comme le DSM 5 (NDR : manuel diagnostique et statistique des troubles mentaux, et des troubles psychiatriques de l'Association américaine de psychiatrie).

Désormais, j'essaie de faire preuve de sagesse en étant consciente de ce qui arrive… J'aime à penser que je suis née existentialiste (elle rit).

Quelle est l'importance du violoncelle dans vos compositions au moment de l'écriture ?

Parce que je suis violoncelliste, certaines lignes mélodiques peuvent fonctionner ou attirer mon attention. Lorsque j'écrivais pour Mark Lanegan, je l’adaptais pour un baryton, en tenant compte de la fréquence de sa voix et celle de mon violoncelle. Car lorsque je joue d'un instrument à cordes, il existe certains types d'arrangements et de lignes auxquels je me réfère. Mais je suis avant tout une auteure-compositrice qui compose d'ailleurs aussi au piano. L'influence du violoncelle se limite à environ 20% au sein de ce processus.

Avez-vous pensé à Mark Lanegan, disparu l'an dernier, lorsque vous avez enregistré et composé ces chansons pour cet opus ?

J'étais occupée d'écrire “You”, le jour où Mark est disparu. Une journée très étrange. J'avais passé toute la journée à bosser sur cette compo et à écouter “Anthem” de Leonard Cohen. Les paroles racontent : ‘There is a crack in everything’ (Trad : Il y a une fissure dans tout...)

J'ai appris qu'il était décédé vers 19 h 30 ce soir-là, alors que j'avais passé ce morceau toute la journée. J’avais la chair de poule. Il était probablement à l’article de la mort au moment où je l'écoutais.

Certains jours, j'ai encore du mal à croire qu'il ne soit plus de ce monde. C'est comme si c'était un chapitre de ma vie s'était clos ce soir-là. Mais, de temps en temps, je reçois de petits signes de sa part, et je souris…

Isobel Campbell : Bow to Love (V2) 14/06/2024

 

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