On ne va pas y aller par quatre chemins : Whispering Sons est tout simplement le groupe le plus important apparu sur la scène alternative belge depuis fort longtemps. Les 5 jeunes musiciens sont originaires du Limbourg, de Houthalen-Helchteren pour être précis, et c'est à la fin de 2015 qu'ils ont été remarqués par Dimitri Cauveren (du label Wool-e-Tapes), Dirk Ivens (Minimal Maximal) et Michael Thiel (Weyrd Son Records) ; et ce, grâce à un premier Ep époustouflant, “Endless Party”. Ce qui a frappé dès le début, c'est la voix atypique, envoûtante de Fenne Kuppens et la présence, autour d'elle, de musiciens particulièrement doués : Kobe Lijnen, Sander Hermans, Sander Pelsmaekers et plus tard, Tuur Vandeborne.
Autre jalon important : l’édition 2016 du ‘Rock rally’ organisé par le magazine Humo, qu'ils ont remportée. C'était la première fois depuis belle lurette qu'un groupe post-punk associé à la 'wave' gagnait ce concours assez orienté 'mainstream'. Puis, tout est allé très vite : deux singles, une multitude de concerts en Belgique et à l'étranger et en apothéose, la signature d'un contrat chez [PIAS], le label belge légendaire, qui renouait ainsi avec ses premières amours obscures. Le premier elpee, “Image”, sorti en 2018, est venu apporter la confirmation d'un talent de niveau international.
Le 18 juin dernier, le groupe a sorti son deuxième opus, “Several Others“. Il négocie ainsi avec succès le virage dangereux de l'album sophomore. Musiczine a rencontré Fenne Kuppens et Kobe Lijnen, il y a quelques semaines, dans les locaux de [PIAS], à Bruxelles.
Comment décririez-vous l'évolution entre “Image“ et ce nouvel album ?
Kobe Lijnen (KL) : Nous souhaitions sonner moins 'grotesque', moins 'grandiloquent'. Nous voulions un son plus direct, plus brut, moins réverbéré et moins basé sur les riffs de guitare. On a opté pour des arrangements plus dépouillés et on a mis la voix de Fenne plus en avant.
Dans un descriptif, j’avais noté dépouillé, 'in your face', sans réverbération, sauf pour les guitares et la voix très proche de l'oreille...
KL : Oui, on voulait un son plus 'live' car sur scène, quand on utilise trop d'effets, on perd en intensité, en présence. Et pour la voix, ça provoque du larsen, du feedback.
Fenne Kuppens (FK) : Heureusement, nous avons un très bon 'ingé-son' pour les concerts, capable de faire des miracles.
Il existe une autre évolution marquante : votre musique a perdu son côté 'gothique'. Les références à Sisters of Mercy semblent avoir disparu. Est-ce une bonne nouvelle ?
KL : Oh que oui ! (rires) On y est arrivé ! Bien sûr, on ne regrette pas notre première période mais on a en quelque sorte acquis une certaine maturité. On a évolué en tant que groupe, à la recherche d'une certaine excellence. “Several Others” représente une nouvelle version de Whispering Sons, la version actuelle. Il est possible que le prochain album soit complètement différent.
Vous continuez également à progresser dans votre maîtrise musicale. Les harmonies et les arrangements sont plus riches. Vous utilisez même des mesures ('time signatures') plus complexes.
KL : Oui, “Dead End”, par exemple, débute en 5/4 ; “Satantango” est en 7/4 et 4/4, et il y a du 5/4 dans le refrain de “Surface”. “Flood” est en 6/8 mais c'est normal vu qu’il s’agit d’un rythme de valse.
“Flood” est précisément mon morceau préféré du disque. De par sa rythmique quasi-tribale et la superbe séquence ('arpeggio') au synthé. Quel est le thème des paroles ?
FK : La chanson parle de la saturation sensorielle que l'on peut ressentir en écoutant ce flux musical qui vous submerge. Elle symbolise ces moments où on est entouré(e) de tellement d'impulsions qu'on ne peut plus fonctionner et qu'on doit se replier sur soi.
“Screens” révèle une touche de Portishead dans la rythmique et un côté Nine Inch Nails dans la mélodie au piano. Une analyse correcte ?
KL : C'est marrant parce que le précédent journaliste, il y a une demi-heure, a également fait référence à NIN pour “Screen” (rires).
Et le thème de la chanson ?
FK : Ce sont les premières paroles que j'ai écrites pour le nouvel album. Je ressentais le besoin urgent de parler du succès obtenu grâce au premier opus et le côté un peu excessif de tout cela. Ça parle du fait d'être sur scène et de la manière dont les gens te regardent, avec leurs attentes et leurs projections.
Quant à “Aftermath”, c'est un peu le correspondant de “No Image”?
KL : Oui, c'est grâce à des titres comme “No Image” que je me suis senti suffisamment sûr de moi pour articuler une chanson autour d'un motif au piano. En fait, “Aftermath” était une 'démo' datant de 2017 et on ne savait pas quoi en faire. On se considérait comme un 'guitar band', donc on n'aurait jamais osé sortir une chanson limitée au piano et à la voix. C'est Fenne qui, plus tard, a proposé d'alléger la chanson en la dépouillant de ses caractéristiques inutiles.
Dans les paroles, on décèle, caché, le titre de l'album, “Several Others”. Il est à supposer qu’on y traite de l’identité ?
FK : Lorsqu’on on essaie de devenir quelqu'un qu'on n'est pas, quelqu'un de meilleur ; c’est le sujet. La chanson décrit le processus qui se développe quand on essaie de devenir cette personne.
Lors de notre première interview, en 2016, Kobe avait défini Whispering Sons comme étant ‘une jeune femme qui exorcise ses démons sur de la musique post-punk’. Lors de notre deuxième entrevue, Fenne, tu m'as confié que ‘ça devenait de pire en pire’. Qu'en est-il aujourd'hui ?
FK : Aujourd'hui, je me suis calmée ! (rires) Tout ça est beaucoup plus intériorisé.
KL : Oui, mais dès qu'elle retournera sur scène, je suis sûr que Fenne libérera à nouveau ‘la bête’ ! (rires)
Quelles images retenez-vous de votre carrière jusqu'à présent ? Pour ma part, c’est le final de “Waste” à l'AB Club, en 2018. Un moment magique !
KL : Oui, chaque fois que nous avons interprété “Waste”, nous avons recueilli des réactions très fortes du public, une émotion très puissante. Même tout au début, quand le public ne connaissait pas encore la compo.
FK : Je retiens pour ma part le moment où, il y a quelques jours, nous avons découvert notre nouvel disque, le vinyle et sa pochette. C'était important car nous avions investi beaucoup de temps et d'énergie dans le design du disque.
Avant de clôturer, pourriez-vous sélectionner deux coups de cœur ? Pour rappel, en 2016, vous aviez cité “Second Skin” des Chameleons et “Insides” par The Soft Moon et, en 2018, “Brean Down” de Beak> et “Superior State” de Rendez-vous.
KL : Je vais choisir un track de FACS, la formation de Chicago emmenée par l'ancien chanteur de Dissapears. Elle vient de sortir un nouvel album, “Present Tense” et j'aime beaucoup le titre “Strawberry Cough”.
FK : Quant à moi, mon choix se pose sur “The Holding Hand” d’Iceage, le premier single de leur dernier album “Seek Shelter”.
Merci!
Pour écouter le podcast de l'interview, rendez-vous sur la page Mixcloud de l'émission de radio WAVES (radio Vibration à Bruxelles), c’est là
Pour commander le nouvel album, “Several Others”, c'est ici
Les prochains concerts de Whispering Sons :
24/07 | Werchter Parklife, Werchter
02/09 | OLT Rivierenhof, Anvers | SOLD OUT
01/10 | C-Mine, Genk | SOLD OUT
09/11 | Democrazy, Gand
16/12 | Ancienne Belgique, Bruxelles
Dave Clarke, DJ et producteur anglais, est devenu célèbre dans le monde entier grâce à la techno. Mais peu de monde sait qu'il s'intéresse à de nombreux courants musicaux, avouant une affinité particulière pour les styles wave, new-wave, post-punk, minimal wave, dark electronica, dark ambient, etc. Son dernier album, “The Desecretion of Desire”, sorti en 2017, reflète cet éclectisme musical. Lors de l'interview qu'il a accordée à Musiczine, Dave a expliqué les origines de cette passion pour le 'côté obscur' de la musique alternative.
Dave, d'où te vient cet intérêt pour les musiques dites 'dark alternative' ?
Souvent, la presse essaie de m'emprisonner dans la case 'techno' alors qu'en réalité, j'aime dire que je suis un être humain, pas un genre musical. Quand j'étais jeune et que je vivais à Brighton, l'Angleterre constituait une sorte de passerelle entre les USA et l'Europe; une sorte de 'melting pot', au sein duquel on trouvait aussi les musiques issues du Commonwealth; et notamment celles des Caraïbes et de la Jamaïque. J'ai grandi au cours d’une période intéressante, qui a vu l'émergence du disco, du punk, de la new-wave et du ska. Ensuite le hip-hop s’est révélé grâce à Grandmaster Flash mais aussi à Tackhead. Il y avait aussi une conscience politique, qui n’émanait pas de l'école mais de la musique. J'ai également travaillé dans un magasin de disques classiques pendant 2 ans. Mes goûts musicaux sont très larges !
Comment as-tu évolué de la musique techno au style plus 'indie' qui te caractérise aujourd'hui ?
J’étais conscient que, lorsque la technologie le permettrait, je pourrais faire évoluer ma musique. N'oubliez pas que je ne sais pas jouer d'instrument. Quand on coupe l'électricité, ma seule alternative en live, c'est de siffler (rires). Donc, dès que l'informatique musicale s'est développée, j'ai commencé à étendre le spectre de ma musique. Sur mon deuxième album, on trouvait déjà des touches de hip-hop. Le troisième est particulièrement varié et le prochain recèlera encore davantage de surprises ! En fait, j'écoute beaucoup de musique mais pas tellement de techno sauf, bien sûr, quand je bosse ! Ce n'est pas parce je n'aime plus la techno mais simplement parce qu’il y a 30 ans que je baigne dedans. Donc, j'en joue uniquement lors d’un DJ set ou à la radio. J'écoute aussi un peu d'électro en salle de fitness.
Qu’est-ce qui t’a poussé à écouter de la musique 'wave', lorsque tu étais jeune ?
A cette époque, je disposais d’un lecteur de disques vinyles et, en prenant mon bain, j'écoutais des albums comme “Metamatic”, le premier LP de John Foxx, “Freedom of Choice” de DEVO et “Me I disconnect from you”, le 12 pouces de Gary Numan. Bien sûr, avec le recul, cette attitude peut paraître branchée; mais il ne faut pas oublier qu'à l'époque, on écoutait aussi des trucs comme “The Devil went down to Georgia” de Charlie Daniels ! Mais oui, mes premiers coups de cœur new-wave furent pour John Foxx, Gary Numan et DEVO ; même si je ne considère pas John Foxx comme représentatif de la new-wave. Il pratiquait un style bien à lui. C'est un artiste intemporel !
Et le punk ?
Mon premier coup de cœur punk, je l’ai connu grâce à The Damned. La plupart des gens citent The Clash mais pour moi, c'est du psychobilly. Sauf, bien sûr, “London Calling”, qui est une merveille de post-punk. Mais donc oui, l'album “Machine Gun Etiquette” de The Damned a exercé une forte influence sur moi. C'est probablement celui que j'ai le plus écouté dans ma vie.
Et Kraftwerk ?
Je dois avouer que je serais passé totalement à côté de cette formation, si je n’avais pas vu le film “Breakdance” et tout particulièrement la scène où le personnage Turbo dance avec un balai sur la musique du “Tour de France” de Kraftwerk. Evidemment, je connaissais le single “The Model”. Mais, en fait, je préférais de loin la musique de John Foxx. John incarnait une forme d'affranchissement. A cause de l’aspect monochromatique et très anglais de son style. Son hit “Underpass”, que les enfants transformaient en “Underpants” (Trad : sous-vêtements), était un titre très urbain, comme si l'architecture urbaine explosait à l'intérieur de votre cerveau. Il y exprimait son point de vue, très subtil, sur la seconde guerre mondiale ; surtout les effets secondaires sociaux, apparus 20 ou 30 ans plus tard. C'était beaucoup plus intéressant pour moi, à l'âge de 10 ans, d'écouter ces paroles, de ne pas les comprendre complètement, mais de résonner avec elles. Kraftwerk a évidemment développé une influence énorme, notamment sur le hip-hop ; mais je n’étais pas réceptif à cette musique. John Foxx était mon Kraftwerk à moi.
A l’instar de The Hacker, Amélie Lens et la scène berlinoise, la techno semble de plus en plus influencée par la musique électronique des années 80. C’est également ton impression ?
The Hacker, de son vrai nom Michel Amato, a toujours réalisé ce type d'hybridation, tout comme Arnaud Rebotini. Ces artistes français comprennent qu'il faut respecter l'héritage culturel. Dans le Nord de la France, autour de Nantes et de Rennes, on rencontre beaucoup d'artistes qui évoluent dans ce genre de 'crossover'.
Et la Belgique ?
La Belgique évoluait au sein de cette mouvance auparavant. Je citerai d'abord Front 242 et Neon Judgement, sans oublier la new-beat. La new-beat était d'ailleurs, d'une certaine manière, une adaptation de la new-wave. “Flesh” du groupe A Split Second constitue un bon exemple de new-wave, mais instrumentale… Aujourd'hui, je retiendrais peut-être Radical G. Mais, dans l'ensemble, la Belgique a un peu oublié son passé. Elle s'est intéressée davantage à la techno pure et aux projets plus commerciaux. Bien sûr, il existe des exceptions qui confirment la règle. Comme le Fuse, à Bruxelles, mon club préféré dans le monde ! Dans son histoire, le Fuse a toujours voué un grand respect pour la musique. A Anvers, l’Ampere excelle également dans le genre. La personne qui gère ce club est également très orientée 'wave'. Mais trop de clubs belges ont poussé la techno en direction du style Ibiza. Et c'est dommage car, dans les années 80, la Belgique était un berceau de musique wave novatrice, toujours pointue, sur le fil du rasoir. Prenez “TV Treated”, par exemple, le single de Neon Judgement. En face B, figurait “Fashion Party”, un morceau prophétique, car il annonçait, 20 ans à l'avance, la folie Instagram qui touche le monde du clubbing et des DJ. L'idée 'je fais l'amour avec moi-même', comme le conçoivent les DJ instagrammeurs.
Lors de l’enregistrement de ton dernier opus, tu as reçu le concours de Mark Lanegan, Gazelle Twin, Anika, Mount Sims et Louisahhh. Comment se sont déroulées ces collaborations ?
J’'ai composé les paroles de “Charcoal Eyes” pour Mark Lanegan. C'était la première fois que j'écrivais le texte d'une chanson et je lui ai transmis. Puis, j’ai commencé à appréhender sa réaction. Il a quand même fait partie des Queens of the Stone Age et de The Gutter Twins, sans oublier sa carrière solo. J'ai donc attendu 24 heures, en imaginant que s’il ne répondait pas, c’était parce que mon travail était de la merde. Mais finalement, il m'a contacté pour me dire qu'il aimait beaucoup les paroles. C'est par contre lui qui s’est chargé des paroles de “Monochrome Sun”, notre seconde collaboration. Matthew, alias Mount Sims, chante sur un titre dont il a rédigé 85% des lyrics. J'ai simplement un peu adapté le texte et ajouté une référence à l'écrivain français Rabelais. Et on entend ma voix tout à la fin du morceau. De quoi d'ailleurs faire le lien avec “Thunder”, un morceau plus ancien, dans lequel je fais également référence à l’écrivain français. Je voulais absolument travailler avec Matthew, parce j'avais adoré son dernier album. C’est un génie de l'univers 'leftfield', du monde alternatif. Sa pensée philosophique est très puissante. “Cover Up My Eyes" a été conçu en collaboration avec Gazelle Twin, qui a écrit les paroles et chanté.
Le morceau réalisé en compagnie de Mount Sims, “Frisson”, se réfère bien au mot en français ?
Oui, il se traduit par 'goosebumps' ou 'chicken skin' (chair de poule). Il exprime ce que je ressens quand je suis touché par la musique.
‘Un mix entre wave, power electronics, EBM, Industrial, dark ambient ou une rencontre entre Front 242, Nine Inch Nails et Nick Cave’. Que penses-tu de cette description pour ton elpee ?
Je suis assez d'accord ; par contre, au risque de déplaire à pas mal de monde, je ne suis pas un grand fan de NIN. Quand j'entends la voix de Trent Reznor, dans “Copy of A”, par exemple, j’ai l’impression de retrouver le chanteur Seal. Ils ont tous les deux cette tonalité 'midrange' hyper compressée. En plus, on n'a jamais vu les deux hommes dans la même pièce en même temps ; donc il est possible qu'il s'agisse en fait d’une seule et même personne (rires) !
Quels sont tes projets ?
J'ai pris pas mal de photos destinées, entre autres, à un magazine chinois et en vue d'une exposition, en France. J'ai réalisé une interview de John Foxx pour Sound on Sound. Dans le domaine de la musique, je bosse en compagnie de la violoniste française Mathilde Marsall. Ensemble, nous avions élaboré ‘Variations’, une création autour de la pièce “Les Planètes” de Gustav Holz. Mais également une adaptation de “Carmina Burrata” destinée à l'émission ‘Le Grand Echiquier’. Nous travaillons maintenant sur de nouvelles compositions. Il y en a déjà quatre. J’ignore ce qu’on va en penser, mais ce n’est pas la raison pour laquelle on fait de la musique, pas vrai ? Ce désir doit venir de quelque part à l'intérieur de soi. Quelques DJ sets se dérouleront sans doute, cette année, mais je ne tiens pas à aller trop vite en besogne. Je me concentre surtout sur 2022.
Et pour le prochain album ?
Une certitude, le prochain ne sera pas une suite de “The Desecretion of Desire”. Quand je disposerai de 5 ou 6 compositions, j'aurai une vue plus claire de la direction à prendre. Pour être complet, j'ai également réalisé des remixes, notamment pour un titre de Fontaines DC…
Le site de Dave Clarke : http://www.daveclarke.com/
Podcast sur la page de l'émission WAVES (Radio Vibration, à Bruxelles)
Pour écouter la première partie de l'interview c’est ici en français et là, en anglais. Et la seconde partie, ici en français et là en anglais
Merci à Dave Clarke, Ade Fenton, Radio Vibration et WAVES Radio Show.
22 for Silicon Alone, c’est un projet drivé par Alexis Pfrimmer. Auteur, compositeur, interprète, producteur et réalisateur, il vit à Bruxelles. Ce 21 mai 2021, il a sorti son premier elpee, "Only Dark Matters". Tout au long de cet album, Alexis nous entraîne dans un voyage plein de rebondissements. Chaque chanson possède sa propre combinaison atypique de styles et pourtant rien ne semble décousu. Ce patchwork magistral et original, largement influencé par le rock, se permet d'étonnantes digressions : du heavy metal au jazz léger, en passant par le drum&bass et même l'EDM. Et finalement, on a l'impression de participer à la bande-son d'un film sans images.
Apparemment le patronyme de ton projet, tu l’aurais déniché en surfant sur le site officiel de la NASA. Tu confirmes ?
Effectivement, je suis très intéressé par les sciences et les questions qu’elles soulèvent. Toute l’activité de l’humanité est basée sur la recherche de moyens de plus en plus efficaces pour essayer de faire perdurer l’espèce. Hier, elle a su dompter le feu et aujourd’hui elle cherche à conquérir l’espace. Pour que l’humanité continue de grandir, nous sommes obligés de dépasser nos convictions. Le feu brûle mais on peut aussi s’en servir pour cuisiner. J’avoue que la conquête spatiale me fascine. Elle nous confronte à nos propres limites… En surfant sur la toile, afin de chercher un nom pour ce projet, je suis atterri sur le site de la NASA. Et j’y ai lu un article où figuraient ces quelques mots. Il décrivait la composition d’une combinaison de cosmonaute pour laquelle il était estimé qu’il faudrait une couche de 22mm de silicone pour être complètement protégé des rayons cosmiques. L’idée m’a parue intéressante, car elle me rappelait notamment les concepts développés par Hundertwasser, le peintre-roi aux 5 peaux. Je me suis alors demandé comment nous, sur terre, on se protégeait et surtout que risquerait-il de nous arriver, si nous enlevions cette combinaison?
Comment est née l'idée de ce projet, par ailleurs intéressant ?
Merci pour le compliment. J’ai toujours rêvé de me lancer dans la musique ou le cinéma. Mes parents m’ont toujours encouragé à réaliser mes objectifs. C’est grâce à eux et ma famille que j’y suis parvenu, donc. Ils ont cru en mon potentiel et m’ont ouvert à la culture et aux arts. Même s’ils ne comprenaient pas toujours pourquoi je m’intéressais à certains secteurs et pas à d’autres, ils m’ont toujours laissé libre de choisir. La liberté, même si elle peut effrayer, est très stimulante. Dans le passé, d’autres que moi y sont parvenus et donc j’estimais que j’en étais également capable. Ce projet s’inscrit dans la continuité. Ce n’est pas le premier et de nombreux sont similaires, mais toutes ces expériences m’ont permis de passer un palier… Dans mes notes, j’avais mentionné la phrase ‘Only Dark Matters’. Puis un jour, par hasard, j’ai l’ai retrouvée. Je me suis levé et une idée m’a traversé l’esprit : ‘C’est un titre d’album !’ Mais après, comment la concrétiser ? Entre le rêve et la réalité, il n’y a pourtant qu’un pas. Alors il faut oser. Puis je me suis rappelé la réflexion de Godard : ‘Faire un film c’est trouver l’argent’. J’ai donc réuni la somme nécessaire pour entrer en studio et je l’ai booké. Je n’avais donc plus d’autre solution que de m’y rendre pour enregistrer et de dénicher des musiciens. Et bien sûr, de composer de la musique…
Vous avez reçu le concours de toute une série de musiciens chevronnés. Où et comment les avez-vous recrutés ?
Comme un réalisateur. J’avais leurs profils en tête, car je ne voulais pas me servir de samples, comme matière première. J’avais composé pour les instruments que je souhaitais ; et afin de mettre en œuvre ces intentions, je fréquentais les salles de concerts et scrutais régulièrement les réseaux sociaux. Un exemple : le choix de Joachim, le violoniste. Pendant que je scrollais machinalement sur Facebook, j’ai vu défiler le lien vers une vidéo de Magma qu’un ami avait postée. Or, j’adore ce groupe. Je clique dessus. Dans cette vidéo, annonçant la date d’un concert évènement pour célébrer les 45 ans d’existence du groupe, Joachim, élève de Didier Lockwood, était interviewé. J’ai énormément apprécié son discours et son attitude. J’ai mis la vidéo sur pause et j’ai contacté ce musicien. Il s’est montré immédiatement ouvert à l’expérience. Je me suis déplacé à Paris pour le rencontrer. Le courant est bien passé. Et il a accepté de participer à l’aventure…
Quel public espérez-vous atteindre à travers ce projet ?
J’essaye de ne pas espérer trop d’attentes. Il s’agit avant tout d’un échange. Je réalise. Je me place là où je pense devoir être. J’en parle… Mon âme se nourrit de ces rencontres, c’est ça l’essentiel. Ce qui me conforte ce sont les retours. Très souvent les gens sont enthousiastes, même si ce n’est pas ce qu’ils écoutent habituellement. La musique leur parle d’une manière ou d’une autre. J’espère que ce disque fera vibrer les gens. Quel que soit leur avis et leurs retours, qu’ils aiment ou qu’ils détestent, je serais heureux de le savoir. Mais surtout, si cet album leur permet de voyager, de s’évader, alors j’aurai tout gagné. Si j’ai conservé l’une ou l’autre séquence sur ce disque, c’est avant tout parce qu’elles m’incitaient à chanter, me mettaient en mouvement ou me communiquaient des frissons. Alors si le public a la même réaction, c’est formidable.
A première écoute, il y a quelque chose de mystérieux et de légèrement sombre dans ta musique, pas d’une gravité effrayante, mais plutôt de mystique et de mélancolique. Était-ce un choix délibéré d’entretenir un tel climat ?
Si c’est ton ressenti, alors il est forcément vrai. Mais je reconnais ma démarche dans ces mots, oui. J’apprécie la nuance ‘légèrement’ car dans mon approche j’essaye, dans la mesure du possible, de rester stable sur le fil, à la recherche de cet équilibre. Ce sont les contrastes qui créent la richesse. Comme je le disais tantôt, j’ai imaginé le titre « Only Dark Matters » avant même de commencer à composer. Avec un titre pareil, le ton était donné. Mystérieux, mystique et mélancolique, oui c’est sûr. Encore une fois, mes influences sont variées et dépassent largement le cadre musical. Poe, Kafka en font partie, par exemple. J’aime également le cinéma de Tarkovsky, Lynch ou encore Maya Deren, car leurs œuvres invitent à un voyage intérieur, et c’est clairement cette démarche d’introspection qui a motivé l’écriture. Cette envie de questionner le monde à partir de mes propres contradictions.
Vu ton intérêt conjoint pour la musique et le cinéma, les références cinématographiques ne sont donc pas surprenantes…
Il existe mille et une manières d’exprimer une émotion mais personnellement j’estime que les images et les sons sont indissociables. J’entends une porte qui claque, je vois cette porte claquer, je sursaute. 22 for Silicon Alone est un projet audiovisuel. On vient d’ailleurs de tourner un clip que j’ai réalisé en compagnie d’une équipe formidable. Il sortira en juin. L’an dernier, j’ai monté et animé celui consacré au premier single, « 0+1=2 »...
Au fil des écoutes de cet elpee, les compos semblent de plus en plus riches. Cette invitation à la découverte était-elle également un processus conscient ?
Perso, j’aime les œuvres qui demandent d’y revenir plus d’une fois. J’ai choisi de travailler avec François, car on était sur la même longueur d’onde. Ma musique comptait déjà plusieurs niveaux de lecture, aussi nous nous sommes donc amusés à en développer d’autres au travers des paroles.
Il existe également une approche poétique et théâtrale dans les compositions. Poétique, certainement, à travers les paroles chantées en français. Et théâtrale, surtout derrière la musique et les voix. Une explication ?
L’Art est le miroir inversé de la vie. Dans cet album, j’ai mis tout ce que j’avais dans les tripes. Tout a toujours été un prétexte pour me donner en spectacle. J’ai toujours adoré fouler les planches. Très jeune déjà, que ce soit pour ma famille, mes voisins ou à l’école, je n’ai jamais pu m’empêcher de me mettre en scène. C’est mon exutoire…
Quand tu chantes dans ta langue natale, est-ce pour apporter une touche de chanson française à tes compositions ?
Mes principales influences sont anglo-saxonnes. Je ne me suis réellement intéressé à la chanson française que très tard. Mais comme je suis de nationalité française, forcément, j’ai voulu approfondir ma relation avec cette langue. Donc oui, il y a une touche et même un peu plus…
La pandémie a-t-elle boosté ta productivité ? Cette période a incité, par exemple, certains musiciens à composer davantage…
Les confinements m’ont permis de prendre le temps pour finir l’album (NDR : il a été mixé et masterisé courant de l’été 2020). J’ai beaucoup écrit, oui, et pas que de la musique. Comme pour beaucoup, c’était avant tout un retour à l’essentiel et clairement pour moi une période de productivité intense.
Que penses-tu du streaming en direct ? Bien que le terme ‘direct’ soit devenu un euphémisme…
La crise nous a poussés à se remettre en question et à se réinventer. Je suis heureux de voir que même si nous ne pouvons pas jouer devant un public, il est quand même possible de se produire, et ainsi de conserver un lien avec lui. Espérons que l’on puisse bientôt se remettre au stage diving car, il faut le rappeler, nous sommes quand même des êtres non-virtuels, à la base…
Quel regard portes-tu sur le futur du groupe ? Penses-tu partir en tournée, à la conquête du monde, par exemple ?
Je ne m’avance pas trop sur le sujet, car on dépense beaucoup d’énergie à se justifier, surtout quand on annonce un événement et qu’il ne se produit pas. Je préfère ne décevoir personne. J’espère que suite à la sortie de l’album, du clip et de l’enregistrement ‘live’ prévu en septembre, lors de notre résidence à la Maison des Cultures de Molenbeek-Saint-Jean, nombreux seront ceux qui s’intéresseront au projet. J’ai bon espoir que l’équipe s’agrandisse et que nous puissions partir en tournée dès que c’est possible, dans une forme de conquête du monde. Que l’album soit découvert par un maximum de personnes et qu’on nous appelle pour venir se produire en concert !
On suppose également que tu as toujours des projets dans le domaine du cinéma ? As-tu un film en préparation ?
Yesss. Des infos bientôt…
Antoine Pierre est un batteur de jazz exceptionnel. Il ne fait qu'un avec son instrument. Pour son dernier projet solo, VAAGUE, il a décidé de mettre l’accent sur un drumming varié et coloré. En outre, il n’est pas rétif à l'expérimentation. Ainsi, ce virtuose a recours aux effets électroniques spéciaux pour transformer un concert en set dansant. Et le chant constitue une valeur ajoutée. Ce qui confère à VAGUEE un concept unique en son genre. L'artiste est un touche-à-tout, comme il l'a déjà prouvé au sein de son autre projet, Antoine Pierre URBEX. De bonnes raisons pour lui poser quelques questions sur son passé, son présent et ses ambitions futures...
Antoine, tu es entré dans le monde de la musique très jeune. Comment tout a commencé, et pourquoi avoir choisi la batterie ?
Mon père est musicien de jazz et ma mère grande mélomane. On écoutait toujours du jazz à la maison : Keith Jarrett, Pat Metheny, Jan Garbarek, … J’étais fan d’une VHS de Pat Metheny avec Paul Wertico. Je jouais ce que j’entendais sur des tonneaux de ‘Dixan’ ! Puis j’ai assisté à un concert de Pat Metheny, en 2002. Cependant, lorsqu’il a débuté, quelle a été ma déception de ne pas voir Paul Wertico derrière ses fûts. Mais dès que le batteur a commencé à jouer j’ai été littéralement soufflé. C’était Antonio Sanchez. Ce qui explique pourquoi, j’ai ensuite absolument voulu jouer de la batterie.
Quelle importance la musique a-t-elle eue au cours de ton enfance ? Penses-tu qu’avoir des parents musiciens ou qui aiment, tout au moins, la musique, constitue un tremplin pour embrasser une carrière de musicien ?
Ça dépend ! Dans mon cas, cette filiation a été bénéfique car il y avait la place et le temps pour écouter et faire de la musique. Mes parents m’ont fait confiance et ont accepté que je fasse ce choix dans la vie. Mais si je prends l’exemple de Jean-Paul Estiévenart, qui est un musicien incroyablement talentueux et cultivé, il est né au sein d’un milieu où la musique n’était pas très présente, hormis à travers les fanfares et les harmonies de village. Tout le monde peut faire de la musique, et à n’importe quel âge…
Quels sont les drummers qui t’ont le plus influencés, à ce jour ?
Au départ, j’étais un grand fan d’Antonio Sanchez et de Stéphane Galland. Adolescent, j’écoutais énormément Aka Moon et Pat Metheny. Puis j’ai découvert Jack Dejohnnette, Tony Williams, Elvin Jones et Roy Haynes… Il y en a tellement ! Et les influences changent en fonction des époques… Pour l’instant, je suis surtout intéressé par Louis Hays, Art Blakey et Marcus Gilmore.
Rencontrer Philip Catherine a été une étape importante dans ton parcours. Par quel hasard, cette rencontre a pu se produire ?
On s’est rencontré lors de deux jams sessions qui se sont déroulées à deux semaines d’intervalle. Une à Liège et l’autre à Dinant. On a interprété quelques morceaux ensemble pendant la seconde et puis on a participé à un premier concert de Greg Houben, au Jacques Pelzer Club de Liège. C’était vraiment génial ! Je n’étais âgé que de 18 ans et j’avais l’impression de connaître super bien sa musique. Faut dire que mon père est guitariste et bien évidemment, j’ai écouté les disques de Philip, chez moi, dès ma plus tendre enfance… Le lendemain de ce concert, j’ai reçu un e-mail me proposant de le rejoindre au sein de son trio. Le reste s’est vite enchaîné. On a accordé des tas de concerts et j’ai beaucoup appris de son expérience ainsi que de sa conception de la musique. La meilleure école !
Je suppose que tu as quand même vécu des hauts et des bas, dans ta carrière…
Le vrai topper jusqu’à ce jour, je le dois à ma carte blanche dans le cadre du Brussels Jazz Festival, en 2020, à Flagey, où j’ai aligné 3 concerts. Un quartet avec Joshua Redman, Eric Legnini et Or Bareket ; mon groupe Urbex dans une formation spéciale pour l’enregistrement de notre disque « Suspended », en hommage à la musique de Bitches Brew ; et une session de batterie improvisée, sous la forme d’un trio, en compagnie de Mark Schilders et Lander Gyselinck… Le plus difficile c’est cette époque que nous sommes occupés de vivre, une période au cours de laquelle la culture est en switch off. On dispose bien de quelques opportunités grâce au streaming, mais cette alternative ne remplace pas le lien réel qui s’établit entre le public et l’artiste. Le jazz est une musique de partage ; il est donc difficile de la faire vivre à travers des écrans…
Ta contribution au groupe Taxiwars t’a-t-elle permis de t’ouvrir à d’autres horizons ?
Effectivement. C’était une belle expérience de jouer dans des salles et festivals plus ‘rock’. Et elle le reste. J’ai découvert un public qui réagit à d’autres perspectives de la musique, comme l’énergie et la ‘vibe’. Ce qui m’a permis de découvrir une autre partie de moi-même, et appris à explorer d’autres zones de la musique.
L’Antoine Pierre Urbex a réservé au Bijloke de Gand, un concert au cours duquel les frontières de l'improvisation ont été abolies. Une révélation ! Comment la coordination entre les différents musicos s'est-elle mise en place ?
Urbex existe depuis 6 ans déjà et au fil du temps et des concerts on a dû remplacer des musiciens. Dans ce contexte, j’avais eu envie d’inviter tout ce beau monde afin de réaliser un live en stéréo, en dédoublant le claviériste et le guitariste, par exemple… Naturellement, au fur et à mesure, on s’est forgé une manière d’improviser différente de celle du jazz traditionnel. Tout le monde a la liberté de s’exprimer et d’échanger avec un ou plusieurs autres musiciens. Le but est de créer des flux de sons et d’en changer les formes…
Malheureusement, pour l’instant, je n’ai pu assister à l’une ou l’autre de vos prestations qu’en streaming. Que ressens-tu quand tu joues devant une salle vide ?
Au début, c’était vraiment très étrange. Pas d’applaudissements, bien évidemment, mais surtout, pas de ‘vibe’ à partager avec le public. Souvent, un concert commence sous une certaine configuration, puis nous entraîne au sein d’un climat inconnu en fonction de l’intervention du public ou de son implication.
Que penses-tu du streaming, en général, en espérant qu’il ne devienne pas la nouvelle norme ?
Au début, se produire devant des caméras constituait un vrai challenge. Aujourd’hui, on commence à s’habituer à la situation et c’est ce qui me fait peur. Je ne veux pas qu’elle devienne la nouvelle norme. La musique, ce n’est pas ça ! Certes, cette alternative a permis aux musiciens et au public de rester en contact et c’est important. Mais maintenant, je crois qu’il est nécessaire de passer à autre chose. Raison pour laquelle j’ai décidé de ne plus me produire en streaming.
La deuxième fois que j’ai pu te voir en concert, c’était dans le cadre du festival de jazz à Louvain. J’avais écrit alors à ce sujet : ‘D'un côté, c'est un virtuose de la batterie, mais les effets électroniques spéciaux rendent le set dansant. Et le chant constitue une valeur ajoutée. Ce qui confère à VAGUEE un concept unique en son genre’. Ton avis sur la question ? Comment l’idée d’un tel projet est née dans ton esprit ?
Il y a déjà quelques années que je souhaitais réaliser un set en solo. Mais je ne voulais pas qu’il soit limité à de la batterie et des loops. Alors, suite à des recherches, j’ai découvert cette technologie américaine baptisée ‘Sensory Percussion’ qui permet d’assigner des samples à différents endroits du kit de batterie. J’ai donc créé de la musique en me servant de cette technologie pour improviser. Ce qui permet de changer les formes si j’en ai envie ou de me laisser surprendre par le programme. Alors, la musique a adopté un profil plus dansant, car je suis convaincu qu’on en a tous besoin.
Comptes-tu concrétiser ces projets lors de sessions d’enregistrement ? En as-tu d’autres ?
Un disque est en cours de réalisation. Il devrait paraître l’an prochain ! Un autre également pour Next.Ape, un groupe expérimental davantage trip hop. On a tout enregistré et on va s’attaquer à la post prod !
Quels sont tes projets et tes ambitions à court et à moyen terme ? Et caresses-tu un objectif ultime dans ta carrière ?
J’ai encore plein de projets et de désirs à réaliser ! Que ce soit dans la pratique de mon instrument ou en matière de composition… Je voudrais rencontrer à nouveau du monde et dans le futur, créer de nouvelles collaborations…
Merci pour cet agréable entretien, en espérant te rencontrer bientôt, en chair et en os…
Après avoir pris soin, au cours des dernières années, de faire évoluer sa musique, son style et ses performances, Anwynn a décidé de changer de patronyme afin de devenir un groupe percutant, sombre et ambitieux. Et il a choisi celui de InHuman. En gravant des titres comme "Keratin", "Shrine" ou encore une version symphonique du "Now I Lay Thee Down" de Machine Head, une nouvelle orientation semblait aussi naturelle qu'inévitable. Eponyme, le premier elpee s’attaque à de nouveaux thèmes lyriques et embrasse une dimension orchestrale, tout en s’ancrant plus profondément dans le death metal. En revenir aux airs folkloriques antérieurs n’était plus tellement opportun. Inspiré par la condition humaine, depuis ses moments de splendeur absolue aux regrets les plus profonds, cet elpee constitue un nouveau départ et augure d’un un avenir passionnant…
Le long playing a été enregistré et mixé au Nomad Studio par Julien Huyssens et les voix au Vamacara Studio, en France. Lors de sessions, le band a également reçu le concours du Chœur de l'Université de Gand. Enfin, les orchestrations ont été réalisées par Eerik Maurage. C’est Astrid, la claviériste, qui a accepté de répondre aux questions de Musiczine…
Tant chez Anwynn qu’InHuman tu as marqué et marques encore, de ton empreinte, la musique de ces formations. Mais quelles sont tes sources d’inspiration majeures ?
C'est partiellement exact. Mais pour ce nouvel album, l’influence des autres membres du groupe a également été très importante. Mes sources d’inspiration sont multiples. Et puis j’écoute aussi bien des bands de métal progressif, comme Devin Townsend, que hard tel que Machine Head qui est l'un de mes groupes préférés. Mais j’aime également la pop comme celle de Beyoncé. La plupart des autres musiciens apprécient le métal symphonique mais dans des styles très différents. Eerik, qui s’est chargé de nos orchestrations, est plutôt influencé par Dimmu Borgir, mais perso, je préfère SepticFlesh…
Votre musique est sombre, à la limite macabre. Vous vous y complaisez ?
Tu penses que notre musique est sombre ? (rires) Si tu penses à la partie la plus émotionnelle de l'obscurité, j’admets. Mais elle peut se révéler joyeuse et inciter les gens à danser, à s’amuser et à faire bien d'autres choses. Elle libère énormément d’énergie et lors de nos concerts, de nombreux spectateurs sautent et chantent les refrains. Tout dépend de l'humeur du jour… ou de la personne.
En fait, c’est surtout l’intensité sombre de votre musique que j'aime… Et puis, on se sent à l’aise au sein du côté obscur de la musique.
Oui, mais on peut la percevoir de différentes manières. Si l’intensité permet aux émotions de s’exprimer, alors je pense que nous avons atteint notre objectif… Je partage ton impression (rires). Elle est pertinente…
InHuman, c’est quand même un peu une réincarnation d’Anwynn ?
Anwynn a entamé son aventure, il y a pas mal de temps. En 2010, on a vécu de nombreux changements de line up. Par conséquent, notre musique s’est également transformée. L’arrivée de nouveaux membres a inévitablement entraîné de nouvelles influences, et plus nécessairement issues du folk. Entre-temps, j'ai eu l'impression de vivre une époque complètement différente, et je suis aussi devenu une personne totalement différente. Donc ce concept 'InHuman' est fondamentalement distinct et prend une direction complètement différente de celle d'Anwynn. Les influences symphoniques y sont davantage marquées. Au fil du temps, je me suis rendu compte que non seulement nous avions changé de style, mais qu'il était également temps de changer de nom. C'est donc devenu un nouveau projet, avec un nouveau nom et un nouveau line up.
Mais pourquoi Inhuman ? Y a-t-il une vision derrière ce choix ? Et que reste-t-il des références folk ?
Nous nous sommes éloignés du folk metal et des paroles celtiques. Et même si on en retrouve parmi nos nombreuses influences, ce n'est plus du tout sous cet angle que nous allons aborder notre musique, maintenant. Nous étions libres de faire ce que nous voulions de la musique et des paroles. En fait, c'est plutôt psychologique et émotionnel. C'est donc une métaphore de l'évolution que nous vivons. Le tout a commencé sur ce que c'est d'être humain, et ce que c'est d'aimer l'humain. Et c'est précisément ce que nous voulions tous dire dans "InHuman" ; il dit ce qu'il veut dire…
Quelles sont les réactions, en général, face à ce changement de direction ?
Nous n'avons pu nous produire que trois fois sous le nouveau nom. C'était très amusant et les réactions étaient plutôt bonnes. Malgré la transformation, les fans étaient toujours aussi enthousiastes, à cause de la bonne dynamique et puis grâce à Kelly Thaans qui a pris le relais au chant aux côtés d'Eline.
Comme tu bosses dans la sphère de la psychiatrie, tu dois certainement être confrontée au comportement des gens ? Cette situation constitue-t-elle une source d’inspiration pour la composition, les textes et a-t-elle influé sur le patronyme de la formation ? Es-tu également inspirée par le cours de la vie quotidienne ?
Oui, sans aucun doute. Tout en pensant à la santé de mes patients, je me soucie de ce qu'ils ressentent. Et c'est, en grande partie, ce qu’on retrouve dans les paroles et la musique.
Qu’est-ce que vous attendez du nouvel elpee ? Quels sont vos projets et vos ambitions à court et à moyen terme ? Et caressez-vous un objectif ultime pour le groupe ?
Vu la crise que nous traversons, il est difficile de répondre à cette question. Parce que pour l’instant, on ne sait pas de quoi demain sera fait. J'essaie de ne pas y penser. Pour ne pas me projeter dans le futur. Des dates de concerts sont prévues en mai, j’espère simplement qu’on pourra nous y produire. En live ou en streaming ? Personne ne le sait. Donc, pas la peine de faire des projets, vu la période que nous vivons… Nous en avons certainement, mais je ne sais pas comment nous allons pouvoir les réaliser. Nous voulons cependant continuer à faire de la musique… Et en matière d’objectif, il se résume à un processus évolutif sans fin. Si vous en avez atteint un premier, vous voulez en atteindre un autre. Et ainsi de suite. L’ambition, c’est de poursuivre dans cette voie et de persévérer dans ce processus.
Alors, où te vois-tu (et vois-tu le groupe) dans 10 ans ?
Personnellement, je me vois dans un tas de genres musicaux différents, dans des styles différents. Métal ou pas métal. Pour InHuman, j'espère que nous pourrons toujours faire de la musique avec le groupe, et enregistrer de la musique. Et, comme je l'ai dit, que le processus dans lequel nous sommes engagés continue. Dans le style au sein duquel nous travaillons maintenant.
Malheureusement, je crains que vous ne puissiez jouer devant du public. Sauf en streaming, concerts auxquels j’assiste pour l’instant, parce qu’il n’y a pas d’autre alternative. Vous y êtes-vous préparés ? Que pensez-vous de ce concept ? Ce n’est pas la même chose, mais bon, il faudra peut-être y consentir…
Comme tu le dis, ce n'est pas du tout la même chose. Notre musique est très cinématographique et vous ne pouvez la ressentir que lorsqu’on la joue sur scène face à la foule. Pas devant un écran ou autre système similaire. Bien sûr, il faudra bien s’en contenter, s’il n’y a pas d’autre solution, mais nous préférons nous produire devant des spectateurs en chair et en os… Maintenant, oui je le reconnais, c’est le seul moyen de mettre le groupe en vitrine…
Les conséquences de la pandémie que nous éprouvons encore exercent un impact énorme sur la population. Comment as-tu traversé cette période comme musicien (et être humain) ?
Certaines répercussions sont positives, d’autre négatives. J'ai dû m’accorder une pause au sein du groupe, mais cette interruption m’a permis de prendre le temps de me remettre à jouer du piano. Ce qui est finalement bénéfique, car je ne pouvais plus y consacrer beaucoup de temps auparavant…
Et cette époque que nous traversons vous a-t-elle inspirée pour composer les morceaux de votre nouvel LP ?
Non, parce que tout était déjà enregistré et mixé avant le lockdown…
Penses-tu que la musique et la culture (mais aussi d'autres secteurs touchés comme l'horeca) vont survivre à cette crise ?
C'est une question difficile. Je pense qu'elle va se réinventer. Dans le bon ou le mauvais sens, je ne sais pas. Mais elles se régénéreront tôt ou tard, car l’histoire est faite de changements. La musique elle-même doit se réinventer de toute façon, comme elle l'a toujours fait. Peut-être que cette crise pourrait permettre à l’industrie musicale de se remettre en question et de repartir sur de nouvelles bases. Qui sait ? Est-ce un bien ou un mal ? Je n’en sais rien ! La suite sera aussi peut-être moins favorable qu'avant. Mais je pense que nous survivrons à cette crise, simplement parce que, dans le passé, la musique est toujours parvenue à surmonter les épreuves…
Si vous vous produisez dans le cadre d’un streaming, faites-moi signe et je rédigerai un compte-rendu à ce sujet. En espérant qu’on puisse vous applaudir bientôt sur les planches. Même dans un environnement corona proof.
Marquis de Sade s’est reformé en 2017. C’est lors d’une exposition destinée à célébrer son quarantième anniversaire que le groupe accepte de se reformer. Dans la foulée, en 2018, il entreprend une tournée, pour quelques dates de concerts. Et comme la flamme semble rallumée, il décide de sortir un troisième opus. Mais alors que le projet est bien avancé, Philippe Pascal, le chanteur charismatique, se donne la mort le 12 septembre 2019. Beaucoup auraient jeté l’éponge, mais deux mois après avoir encaissé le choc, Éric Morinière, Thierry Alexandre et Frank Darcel reprennent le collier, afin de sortir cet album… sous le patronyme de Marquis…
Fondé en 1977, Marquis de Sade n’a gravé que deux long playings, ‘Dantzig Twist’ en 1979 et ‘Rue de Siam’ en 1981. Considéré comme le chef de file de la new wave française et influencé par le Velvet Underground et Television, mais également Joy Division, les Stranglers et Talking Heads, il se sépare après la sortie du second elpee, en gravant dans la mémoire du punk/rock, des morceaux devenus classiques comme « Conrad Veidt », « Set in Motion Memories » et « Walls », mais également « Cancer et drogues » ainsi que « Brouillard définitif ». Philippe Pascal et Anzia, présent sur le premier LP de MDS, fondent alors Marc Seberg (1981 - 1992, période au cours de laquelle il réalise 4 albums) et Frank Darcel, Thierry Alexandre et Eric Morinière, Octobre (1981-1986, un album). Puis, malgré quelques projets éphémères, ces musiciens disparaissent des radars… Frank Darcel, le guitariste, part même vivre au Portugal. Il s’y consacre alors à la production, avant de revenir au bercail pour y former Republik, dès 2015…
‘Aurora’, l’album de Marquis est finalement paru ce 5 février 2021. A travers une longue interview accordée par Skype, Frank a accepté de nous parler de toutes les péripéties –parfois dramatiques– rencontrées lors de l’enregistrement de cet LP. Mais aussi de son profil de romancier. De Marquis de Sade, bien sûr. Et puis de la construction de l’Europe, dessein qui lui tient particulièrement à cœur…
Il a fallu trois longues années avant qu’‘Aurora’ ne soit achevé. Vu les événements tragiques affrontés, des moments de découragement sont inévitables. Des circonstances qui auraient pu inciter les musicos de tout plaquer. Frank réagit : « Non, mais nous les trois anciens du groupe, on a toujours eu envie d’aller jusqu’au bout. Je ne dis pas qu’il n’y a pas eu des moments difficiles, mais je ne sais pas pourquoi, j’ai toujours cru que ce disque irait à son terme. Après la disparition de Philippe, on a pris du recul, le temps de reprendre nos esprits. Et, immédiatement, j’ai pensé que l’école belge de rock pouvait nous correspondre. Avant qu’Adriano Cominotto ne me mette en contact avec Simon, je connaissais Ghinzu, dEUS et Balthazar. Et je me disais, mince, ces gens-là, comme en Bretagne, ils ont continué à faire du rock, en anglais avec leur son propre. J’en ai donc déduit que le salut viendrait de Belgique. Je le jure c’est vrai (rires). Et quand Adriano m’a parlé de Simon, on a été intéressé tout de suite. Mais je ne m’imaginais pas que les circonstances allaient prendre une tournure, finalement favorable. Et puis que les critiques des médias à l’égard de cet album seraient aussi positives. D’ailleurs, beaucoup de concerts sont annoncés pour septembre. Bref, s’il s’intitule « Aurora », ce n’est pas par hasard, car il se lève sur un jour nouveau. Et si c’est un album hommage, il tourne aussi la page… »
Philippe Pascal disparu, il fallait que le trio déniche un chanteur. La première solution que Frank ait envisagée était d’inviter un interprète par titre. Frank explique : « On a d’abord contacté Etienne Daho, puis Dominic Sonic et Christian Dargelos qui avait fondé Marquis de Sade avec moi, il y a très longtemps. Mais entre-temps, on a rencontré Simon Mahieu, et là on s’est rendu compte qu’avec lui, on pouvait remonter un groupe. Mais on avait déjà reçu l’accord de plusieurs invités. On ne pouvait donc plus faire marche arrière. On avait aussi pris langue avec Dirk Polak, car on voulait absolument qu’il interprète une des compos… »
Et ce sera ‘Soulève l’horizon’. Une superbe chanson qui véhicule un message d’espoir. Frank partage cet avis : « C’est une des plus belles chansons de l’album. Elle traduit effectivement un message d’espoir. J’ai écrit ce texte-là en pensant à des êtres très chers disparus et en me demandant ce qui se passerait s’ils revenaient sur terre. Parce que l’album est né au cours d’une période sombre. Et que personnellement, je crois à la réincarnation. Je le confesse. C’est une chanson qui parle d’ailleurs de la réincarnation… Lorsque Dirk a envoyé sa maquette, je l’ai écoutée en présence d’une amie. La version n’était pas mixée. Et en l’écoutant, elle a fondu en larmes. Le morceau dégage vraiment quelque chose et on le remercie vraiment pour sa participation. Enfin, on espère que si on accorde un concert dans son coin, on pourra l’inviter sur scène, évidemment… »
Le nombre de guests justifie sans doute le manque d’homogénéité d’un LP complexe, mais qui tient la route. Frank concède : « Il a un côté un peu foutraque, mais il affirme une identité à travers la musique. On avait besoin de cette catharsis pour remonter la pente. De tout ce monde qui vienne nous donner un coup de main. Parce que le départ de Philippe nous avait laissé sans voix. On bossait sur cet album depuis tellement longtemps quand Philippe a disparu et puis on revenait de New York. Le projet a failli ne jamais voir le jour. Heureusement, la rencontre de Simon a permis de reconsidérer nos plans. Mais il est vrai que ce disque manque un peu d’homogénéité. Sans doute parce qu’il implique des interprètes différents ; mais l’accueil réservé par les médias est bon et il est évident que sur le deuxième album –qu’on ne va pas trop traîner à mettre en route– l’identité de Marquis sera plus palpable… »
Etienne Daho rend hommage à Philippe Pascal sur ‘Je n’écrirais plus souvent’. Ce qui l’entraîne à (re)chanter sur une composition bien plus alternative que celles qui figurent dans son répertoire devenu mainstream. Frank raconte : « On a proposé deux titres à Etienne, et il a choisi celui-là. Au fur et à mesure qu’il nous a envoyé les parties vocales, on a eu l’impression qu’elles sonnaient comme lorsqu’il avait 25 ans ; comme ce qu’on avait réalisé en sa compagnie, 35 années plus tôt. En fait, tout l’album est très étonnant, vu le déroulement des événements. Non je crois que pour Etienne, c’est aussi une sorte de retour aux sources. Détail amusant, on vient d’apprendre aujourd’hui que ce titre rentrait en playlist sur France Inter. C’est comme une aventure qui recommence. Ce disque s’est nourri de cycles. C’est la raison pour laquelle, à première écoute, il peut dérouter ; mais il s’inscrit dans plusieurs histoires. Dont la fascination que New York exerçait sur nous quand on a démarré la musique. Et maintenant, une partie de ce New York-là joue avec nous. Oui, c’est une drôle d’histoire, cet album… »
Episode particulier, le retour d’anciens membres du groupe comme Christian Dargelos et Sergeï Papail pour participer aux sessions. Ils interprètent ‘Holodomor’, une chanson inspirée de la famine organisée par le régime stalinien, dont ont souffert les Ukrainiens, dans les années 30. Un comeback quand même inattendu, vu les circonstances de leur éviction. Surtout pour Christian. Frank justifie leur présence : « Il est toujours resté un ami, même si c’est moi qui l’ai viré du groupe en 78. Donc, il subsistait une petite douleur, à cause de cette décision. Dès lors, pour lui, ce n’était pas une revanche, mais aussi un cycle qui s’achevait. Il remettait un pied dans Marquis de Sade. D’une manière un peu détournée, mais bon… Non, non, ils étaient très heureux d’être associés au projet. On ne voulait pas, non plus, d’une réunion d’‘Anciens combattants’, car on savait qu’il y avait 40 ans de punk rock qui nous regardaient… Pour en revenir à la chanson, Marquis de Sade l’interprétait déjà, lors de la deuxième tournée, après la sortie de ‘Rue de Siam’. Mais on ne l’avait jamais enregistrée. Et quand Philippe était encore vivant, il m’a confié avoir envie de reprendre ce morceau. Mais on n’avait pas la maquette. Finalement, on a retrouvé la bande d’un concert accordé à Strasbourg. Et on l’a rejouée. Musicalement, ce n’était pas trop compliqué. Car elle est identique à ce qu’on proposait en 80, sur les planches. On l’a simplement adaptée aux nouvelles technologies de studio. J’ai donc travaillé sur le thème de l’Holodomor, pour écrire le texte. Et dans cet esprit, on a ajouté le discours de Tymochenko au Maïdan, en 2014. Ce qui communique un aspect politique qu’on aimait bien chez Marquis de Sade, au morceau. C’est aussi un message de soutien aux Ukrainiens… »
Richard Hell (Voidoids), Richard Lloyd (Television) et James Chance, véritables légendes du punk américain, ont participé aux sessions. Peter Katis, producteur, ingénieur du son et mixeur régulièrement sollicité dans l’univers du rock alternatif (Kurt Vile, The National, Sharon Van Etten, Shearwater, et la liste et très, très loin d’être exhaustive), a même été approché pour tout mettre en forme… Frank clarifie la situation : « J’ai rencontré Peter lors des secondes sessions new-yorkaises. C’est le voisin des ex-Talking Heads, Tina Weymouth et Chris Frantz. Et ce sont des amis. Ils vivent dans le Connecticut. Mais je les vois régulièrement, quand ils reviennent en Bretagne, car Tina a des origines bretonnes, par sa mère. Et puis, ils avaient aussi assuré une section rythmique sur un disque de Republik. Inutile de dire que lorsque j’avais reçu la session, j’étais comme un enfant au bas du sapin de Noël. Cependant, je n’avais pas l’intention de leur demander de collaborer à l’album de Marquis. Simplement, j’ai informé Tina, qu’on cherchait des guitaristes. Ivan Julian (NDR : Richard Hell & The Voidoids), un pote également, était déjà partant. Elle m’a répondu qu’elle allait me mettre en contact avec Richard Lloyd, parce qu’il n’est pas toujours facile de l’atteindre. D’autant plus qu’il ne vit plus à New York. Et elle a tenu parole. Tina et Chris m’ont aussi hébergé quand je suis allé voir Peter Katis. Et c’est Chris qui m’a emmené chez Peter pour visiter son studio. Ils sont toujours bienveillants. Tina, c’est en quelque sorte la marraine du projet. Quand j’ai rencontré Peter, Philippe était encore là. On souhaitait que ce nouvel album soit distribué aux Etats-Unis. La présence de ces prestigieux invités était un atout, mais bénéficier du concours d’un mixeur de renom comme Peter aurait pu s’avérer déterminant. Et Peter était d’accord sur le principe. On a commencé à échanger les fichiers par Internet. Mais Philippe est décédé et quelque temps plus tard, le Covid a démarré. Dès lors, cette collaboration était devenue improbable. Finalement, on a confié le boulot à notre mixeur maison Sébastien ainsi qu’à Dan Lacksman. Et on est très content du résultat. On ne regrette pas ce choix, mais Peter ça a failli se faire, mais ça ne s’est pas fait… »
Un fameux boulot en perspective, vu le nombre d’invités et les différentes sessions réalisées à des endroits différents. Frank confirme : « Heureusement qu’on ne se sert plus de bandes à l’ancienne. La ‘production executive’ a dû tenir compte des séjours à Bruxelles, Paris et New York, outre ce qu’on avait accompli en Bretagne. Sans oublier que Dirk Polak a réalisé sa session à Amsterdam. C’est l’avantage de la technologie. Avec des bandes, on serait encore occupés de remixer l’album. Un disque dur est très pratique. Il ne pèse que quelques centaines de grammes, et on peut l’emporter avec soi, pour aller aux Etats-Unis, par exemple… »
Sur l’opus, figure une compo interprétée partiellement en allemand, une en portugais, une en néerlandais et les autres en français ou en anglais. Le groupe aurait peut-être pu en prévoir une en breton. D’autant plus que Frank a été impliqué dans l'autonomisme de cette région et est un ancien membre du Parti breton. Et qu’en outre, en 2000, il a produit l’album d’Alan Stivell, ‘Back to Breizh’. Frank n’y avait pas pensé : « On avait travaillé sur son album au SynSound, aussi chez Dan Lacksman, en Belgique. J’aime beaucoup Alan, c’est un ami. Mais je parle mieux le portugais que le breton. J’ai travaillé au Portugal un bon bout de temps ; et quand on produit des disques là-bas, il est exclu de ne pas apprendre la langue. Et il est toujours préférable de parler celle du pays. C’est pourquoi, j’approfondis le breton, en ce moment... » Et d’ajouter : « J’ai insisté pour que Simon interprète une chanson en flamand. Parce qu’au départ, il était parti sur un texte en anglais. Et je lui ai dit que ce serait quand même sympa de l’interpréter dans sa langue natale. J’ai chanté en portugais, tu pourrais en chanter une en flamand ! On a vraiment cette appétence européenne, et l’envie de tourner en Europe, mais pas seulement. Au cours de notre jeunesse, on ne voulait déjà plus de frontières à l’intérieur de l’Europe, et à fortiori du mur de Berlin, qui nous séparait du bloc de l’Est. D’ailleurs on espère que les frontières en Europe seront définitivement effacées dans quelque temps. C’est un peu le message qu’on veut faire passer, en chantant dans plusieurs langues européennes… »
Frank est un Européen convaincu, mais il regrette que l’Europe sociale ne soit pas encore réalisée. Finalement, n’est-elle pas allée trop vite, en ouvrant les frontières aux pays sis plus à l’Est ? La question méritait d’être posée… « Oui, bien sûr, on peut débattre du sujet, car ce qu’on appelle le noyau dur européen n’a pas pris la peine d’harmoniser le processus d’intégration. Mais je pense qu’il n’existe pas de volonté pour y parvenir. Si l’Europe se réalise, ce sera par celle des citoyens européens. Les députés européens sont aujourd’hui élus au suffrage universel. Ce qui n’était pas le cas au départ. Des habitants de villages italiens ont pétitionné et obtenu suffisamment de signatures pour qu’on force le parlement européen à devenir démocratique. La décision remonte à bien longtemps (NDR : en 1979 !). L’Europe dispose des boîtes à outils pour devenir plus efficace, et malgré sa réglementation, elle n’est pas si mal faite. Mais c’est aux citoyens de s’en servir, car les élus considèrent leur mandat comme leur gagne-pain. Et dans ces conditions, l’Europe n’est pas près de se réaliser. Pourtant, je crois beaucoup au passeport européen. J’aimerais qu’il ne mentionne que le nom, le prénom, le lieu de naissance et le domicile. Et rien d’autre que ‘Communauté européenne’ et pas de référence à un pays. Ce serait un pas en avant extraordinaire dans la construction de l’Europe… »
‘European psycho’ se réfère au film ‘American psycho’ de Mary Harron et par conséquent au livre de Bret Easton Ellis du même nom. Apparemment, c’est un thriller qui a marqué Frank. Il confirme : « Oui, c’est un livre que j’ai beaucoup aimé. Il y a ce moment dans le film où le gars qui a commis les pires atrocités se rend compte que la police ne s’intéresse pas vraiment à lui. Ce raccourci sur le monde dans lequel on vit est vraiment fascinant. A l’époque, quand le film est sorti, il a été plutôt décrié, mais personnellement, je l’ai apprécié tout de suite. J’avais aussi découvert Christian Bale, un acteur qui n’était pas totalement débutant, mais que je trouvais extraordinaire dans son rôle. Donc cette histoire m’a influencé. En extrapolant, il faut admettre que le monde a été confié, depuis quelque temps, à des personnages aussi controversés que Trump, Bolsonaro ou Poutine. On se demande alors où se trouve la normalité ? Et finalement, le personnage central de cette chanson estime qu’il commence à être en accord avec la réalité. C'est-à-dire que le monde est devenu aussi dingue que lui. Et ça lui va bien. Mais nous, ça nous inquiète, évidemment… »
Frank écrit aussi des romans. « Depuis une quinzaine d’années. Du roman noir. « J’en ai publié deux chez Flamarion. J’ai participé à des concours dans le domaine du polar. Le prochain bouquin, ‘L’armée des hommes libres’, est en cours de gestation et de correction. Il ne sera publié que l’année prochaine. Mais je n’ai pas encore choisi l’éditeur… C’est une dystopie qui se déroule en 2030. En Finlande. A Helsinki. Une ville que j’ai découverte il y a 2 ans, que j’ai beaucoup aimée. Et j’ai commencé à écrire ce roman dans la foulée. Le scénario repose sur l’histoire d’un soldat portugais qui s’est perdu dans cette ville, suite à la 3ème guerre mondiale, et après avoir survécu à de tas d’épidémies. Le monde a explosé. Et j’y décris ma version de la post-apocalypse… »
‘Le voyage d’Andrea’, c’est le titre du livre de Manuela Varrasso, mais ce serait un autre hommage à Philippe Pascal. Or c’est un instrumental… Frank s’épanche : « J’ignorais que c’était le titre d’un roman, mais ça m’intéresse. En fait, l’album ‘Rue de Siam’ s’achève par un morceau intitulé ‘Submarines and Icebergs’. Et lors des obsèques de Philippe, c’est ce titre qui a été joué. Ce qui nous a fortement émus. Aussi, en quittant les funérailles, j’ai dit à Thierry et Alexandre, qu’il fallait qu’on lui donne une suite. Qu’on refasse un instrumental en hommage à Philippe et qu’on l’intègre à la fin du nouvel album. Ce fameux disque qu’on n’arrivait pas à terminer. Et finalement, on l’a intitulé ‘Le voyage d’Andréa’, parce que Philippe est parti en voyage. Et Andréa, c’est le surnom qu’il avait choisi à une époque de l’existence de Marquis de Sade. Je pense, par ailleurs, qu’il s’agissait d’un clin d’œil adressé à la bande à Baader. Bien que ce soit Andreas Baader, je crois… »
Etonnant quand même que Dominique A n’ait pas été sollicité pour composer ou interpréter une chanson. Frank réagit : « Il figurait dans la liste des invités potentiels. Mais après avoir rencontré Simon, ceux qu’on pensait contacter ne l’ont pas été… » Dominique a quand même intégré une reprise de ‘L’éclaircie’ (NDR : signée Philippe Pascal, elle figure sur l’elpee de Marc Seberg, ‘Le chant des terres’) sur son dernier opus, ‘Vie étrange’. Frank l’encense : « Cette adaptation est dépouillée, mais elle est magnifique… »
Autre moment émouvant, la reprise d’‘Ocean’ du Velvet Underground, chantée par Dominic Sonic. Il est décédé peu de temps après l’avoir interprétée. Votre serviteur avait eu l’occasion d’assister à un concert de cet artiste, au cours des années 90, à l’Aéronef de Lille. Une affiche dont la première partie était assurée par un groupe constitué de personnes handicapées lors d’un set consacré à la musique, mais également à la poésie. Et pour lequel Dominic était impliqué... Mais à partir de 1997, il se fait de plus en plus discret. Début du millénaire, il se produit encore lors de festivals prestigieux et participe à différents projets. Il grave un cinquième elpee en 2007, fonde AK47 Blues Rendez-vous en 2010 et dans la foulée, repart en tournée. Il publie un dernier LP en 2015. Puis, on perd sa trace. Frank restitue quelque peu son parcours réalisé au cours de ces dernières années : « Il se produisait encore un peu en ‘live’. Il a apporté sa collaboration à plein de gens. Avant de remonter Marquis de Sade, il était venu assurer un duo, lors de sessions de mon dernier groupe, Republik. Il était toujours disponible, mais entre deux disques, il assurait le rôle de roadie pour d’autres formations. Et même pour Marquis de Sade, lors de la tournée de reformation. C’était drôle ! Il aimait tellement la musique et la scène. C’est quelqu’un qui voulait être le plus proche de cette scène. Proche de l’action, en quelque sorte. Un type adorable et tellement chouette ! Et pour nous, il était vraiment naturel qu’il vienne chanter sur le disque aussi… » Et d’ajouter : « Il a toujours été impliqué dans des actions caritatives. La formule peut paraître bizarre, mais pour ceux qui l’ont connu et se souviennent de lui, ils te diront qu’il était impossible de se fâcher avec lui. C’était une sorte de Saint. Comme on en a beaucoup en Bretagne. Et on est vraiment heureux qu’il ait chanté sur le disque. Malheureusement, il nous a quittés, trois semaines après sa participation. Le titre est d’autant plus touchant, évidemment… »
Lorsqu’il est né, Marquis de Sade rêvait de sonner différemment de ce que les groupes français proposaient à la fin des 70’s. Pourtant la musique de Magma et d’Ange sonnait différemment… Frank réplique : « Ange, c’était pas du tout ma tasse de thé. Ce sont des groupes qui n’ont pas du tout été concernés par le mouvement punk. C’était un autre monde. Et d’une certaine manière, c’était un monde que nous voulions voir disparaître. Ils n’ont jamais servi de référence pour moi. J’avais assisté à des concerts de Magma à Rennes, et je reconnais que les prestations étaient impressionnantes. Mais le mouvement punk se foutait royalement des prouesses techniques. Ce qui n’était pas le cas de Magma. Le mouvement punk voulait faire table rase du passé. Ce qui nous intéressait beaucoup. Et cet état d’esprit m’a incité à me lancer dans la musique. J’ai cessé les études à cause du mouvement punk. Sans quoi, je ne serais pas devenu musicien. Après, j’ai appris à jouer de la guitare… »
A ses débuts, Marquis de Sade accordait également une grande importance à l’image. Mais est-ce encore le cas aujourd’hui ? Une question qui méritait également d’être posée. Frank nuance : « Peut-être pas de la même manière. Je pense que l’esthétique sur scène restera importante. Un aspect qu’on retrouve également dans le soin et la sobriété apportés aux pochettes de disques qu’on a essayé de réaliser dans le contexte européen. Peu de couleurs. Une forme d’épure, de retenue. En poursuivant cette espèce de ligne sombre en terme esthétique. Bien sûr, je pense que cette caractéristique est devenue à la fois moins déterminante, tout en demeurant très pertinente, notamment en matière de circulation des images, de réalisation de clips, etc. Richard Dumas, notre photographe pour les séances officielles y est attentif, mais il n’existe plus de code aussi strict qu’aux débuts de Marquis de Sade. Je porte même une chemise à rayures sur la photo de session officielle. Ce que je ne me serais pas permis (rires), il y a 40 ans. On garde cette norme en tête, mais elle est évidemment moins rigide… »
En cherchant sur la toile, on découvre l’existence d’une chanson intitulée ‘Aurora’, signée par un groupe néo-zélandais baptisé Marquis & The Vanguard, une compo qui figure sur l’Ep ‘My skinny bones’. Drôle de coïncidence ! Frank l’a aussi constaté et il ajoute : « Il y a mieux encore. Marquis c’est également une marque de cheminée produite dans le Nebraska, aux Etats-Unis, dont un des modèles s’appelle Aurora. On pourra bientôt faire leur pub. Sur les moteurs de recherche, les associations de mots incompatibles débouchent rarement sur un résultat. Mais ces deux termes sont un peu sexy. Ce qui explique, forcément, que c’était déjà imprimé quelque part. Je n’ai pas écouté la compo du groupe néo-zélandais. C’est peut-être un groupe issu des années 60 voire 70… » Reconnaissant ne pas avoir approfondi l’info lors de la recherche, je ne puis lui répondre que le titre tient la route (NDR : en fait, il s’agit d’un combo récent qui pratique du néo-folk et dont le morceau en question remonte à 2015). Frank prévient d’un ton amusé : « On diffusera le morceau, avant de monter sur scène. Et on y installera une petite cheminée, aussi (rires)… »
Lors des sessions, deux morceaux avaient été enregistrés en compagnie Philippe Pascal. Ils figureront sur la future intégrale, actuellement en préparation. Mais pourquoi alors avoir intégré sur le long playing la chanson de Dominic Sonic, et pas celles de leur chanteur emblématique, puisqu’ils sont décédés tous les deux ? Serait-ce pour booster la vente de cette intégrale ? Frank justifie cette option : « Non, pas du tout. Au départ, c’était par respect pour la famille de Philippe. Et puis, ce choix nous paraissait plus cohérent. Le travail sur l’intégrale, il a commencé bien avant le décès de Philippe. La démarche juridique nécessaire pour redevenir propriétaire des premiers albums de Marquis de Sade, a pris 2 ans, une procédure à laquelle Philippe a participé. La récupération de certaines bandes démo était un processus entamé depuis longtemps. Je me suis rendu chez Dan Lacksman, à Bruxelles, il y a 4 ans maintenant, pour nettoyer des bandes, les passer au four, etc. ; car il est aussi spécialiste dans ce domaine. Finalement, on était beaucoup plus à l’aise d’insérer les morceaux interprétés par Philippe, dans l’intégrale, parce que c’est du Marquis de Sade, et le groupe a quand même choisi maintenant le nom Marquis. J’estime que c’est plus honnête. Maintenant, si la maison de disques en profite pour faire de cette exclusivité du markéting, ce n’est pas notre problème. Les compos n’ont même pas encore été mixées. Donc, elles ne pouvaient pas figurer sur « Aurora ». En outre, ce sont des extraits qui comportent une forte charge émotionnelle. On n’a pas eu le cœur à ça et donc… Cette intégrale devrait paraître fin de cette année, mais ce n’est pas certain non plus. Certains chaînons sont encore manquants et on veut vraiment faire un chouette truc… »
Photo : Richard Dumas
« Amour colère » constitue le tout nouvel LP de Nicolas Michaux. Il fait suite à « A la vie à la mort », paru en 2016. Hormis les drums, l’artiste se charge de toute l’instrumentation. Il y chante tour à tour en anglais ou en français, des textes qui s’inspirent de sa vie familiale, mais surtout traduisent sa colère face au monde politique qu’il juge responsable de l’état du monde dans lequel il nous a conduit. C’est ce qui explique, bien sûr, le titre de cet elpee. C’est notre collaborateur néerlandophone, Erik Vandamme, qui s’est chargé de réaliser cet entretien par e-mail ; et pour la forme, votre rédac’ chef s’est chargé de la traduction et de l’adaptation dans la langue de Voltaire...
Avant de te lancer en solo, tu as milité chez Eté 67. Peux-tu nous rafraîchir la mémoire ?
Tout a commencé vers 2004. J’étais encore adolescent lors du début de cette aventure. Nous étions tous liégeois et nous produisons souvent dans la région, à l'époque. Il était agréable de sillonner les routes en compagnie de mes copains et très instructif d'être confronté si jeune au business de la musique, aux studios, aux tournées etc. Cette période m'a vraiment permis d'apprendre mon métier. Puis le groupe s'est séparé ; et après une petite pause, j'ai entamé une carrière solo. En 2014, j’ai alors sorti mes deux premiers singles : « Nouveau Départ » et « A la vie à la mort ».
Quelle est ton ambition, aujourd’hui, dans l’univers de la musique ?
Je ne me projette pas exactement sous cet angle. J'essaie de me concentrer sur mon travail, de l’accomplir honnêtement en y apportant tout mon engagement et ma concentration. Mais vous ne pouvez qu’y focaliser tous vos efforts. Vous ne pouvez pas anticiper le résultat et vous devez prendre du recul. Vous ne savez jamais si un projet va réussir ou pas. Il y a tellement de paramètres. J’ai passé de bons moments dans ma carrière, mais paradoxalement, ils n’étaient pas liés au succès commercial, etc. Pour ma part, la découverte constitue ce qui est le plus passionnant. Dévoiler une chanson ou même juste une belle partie musicale est toujours une source de grande joie.
Tu partages, d'après ce que j’ai lu, ton temps entre le Danemark et Bruxelles. Tes chansons sont interprétées tour à tour en anglais ou en français. Tu empruntes ainsi une trajectoire internationale. As-tu délibérément choisi cette approche ? Et pourquoi ?
C'est exact ! Je vis en partie à Bruxelles, car je suis impliqué chez Capitane Records, et en partie sur l’île de Samsø où résident ma petite amie et notre fille. J’ignore si j’ai opéré ce choix consciemment. Je ne crois pas que nous décidions de notre destin. Et certainement pas de qui nous tombons amoureux. Mais il est vrai qu’en quelque sorte j’ai adapté mon mode d’existence sans trop prêter attention aux frontières. J'ai toujours rêvé de cette sorte de liberté des déterminismes hérités. Je veux dire vivre à l'étranger une grande partie de l'année et être en relation avec quelqu'un d'une autre culture ; ce qui m'a sûrement éloigné quelque peu de mon environnement naturel et de ma zone de confort. De quoi vous inciter à réfléchir et à relativiser les événements. Et vous rappeler qu’ils peuvent être différents de ce à quoi vous êtes habitués et que très peu de choses sont vraiment naturelles ; la plupart d'entre eux étant socialement et culturellement construits.
Dans le communiqué de presse, on peut lire à ton sujet : ‘sa musique navigue au carrefour de différentes traditions : la grande époque de la chanson française, les auteurs-compositeurs américains, le rock britannique des années 60 et les débuts de la nouvelle vague’. Cette description est-t-elle fidèle à la réalité ?
C’est toujours difficile de répondre à une telle question. Je ne suis pas à l’aise quand il faut catégoriser, et tout particulièrement les genres musicaux. Alors, tu penses, ma propre musique… Elle réunit des éléments que je ne peux pas décrire dans la vraie vie. Mes paroles aussi. Cependant, il est sans doute exact qu’elle évolue quelque part entre l'indie rock et l'indie pop et qu'elle est influencée par le son des années 60 et 70.
Quels artistes constituent ta plus grande source d'inspiration ? Et pourquoi ?
D’abord, les grands auteurs-compositeurs américains comme Bob Dylan, Leonard Cohen, Hank Williams, Lou Reed et Townes Van Zandt… parce qu’ils sont tous très cool et qu’ils ont juste écrit toutes ces chansons incroyables. Puis ceux issus des 50’s et 60’s. Notamment les Beatles, les Rolling Stones, les Kinks, le Who, Pink Floyd, … le rock, c’est ce qui m’a incité à jouer quand j'étais adolescent et instinctivement, j’ai conservé une grande passion pour ces artistes-là. Et puis la chanson française traditionnelle, dont Léo Ferré, Barbara, Charles Trenet, Serge Gainsbourg, Georges Brassens, Jacques Brel, Jeanne Moreau… Pour moi, ces artistes sont immortels. C’est la musique que mes parents écoutaient à la maison. Mais j'aime aussi Moondog, le Clash ou encore les Beach Boys, entre autres... Et puis des mouvements tels que la scène CBGB, le highlife ghanéen et ses dérivés, la rumba congolaise, le jazz éthiopien, le country-blues… Mes goûts sont très éclectiques. En fait, j’apprécie les artistes, tant qu’ils ont quelque chose à dire et appartiennent à ce que Greil Marcus appelait autrefois la ‘république invisible’.
Tu as publié ton premier elpee solo, « A la vie à la mort », en 2016. Quelles ont été les réactions du public et des médias, à cette époque. Et ce disque t’a-t-il ouvert certaines portes ?
L'album était principalement interprété en français et il est paru sur un label parisien, Tôt ou tard. Il a récolté de très bonnes critiques dans de nombreux journaux et magazines. Nous avons effectué de nombreuses tournées après sa sortie, accordant plus d'une centaine de spectacles en Belgique, France, Italie, Suisse, Allemagne, au Canada et même quelques-uns en Chine.
Mea culpa, mais je n'ai pas encore écouté ton dernier album « Amour Colère ». A quoi faut-il s'attendre ? Peux-tu avancer une bonne raison de l’acheter ?
Ecoute-le alors, et tu me diras ton avis ! Je ne suis pas un bon agent de marketing….
Le titre de cet LP a-t-il une signification particulière ? Tu y parles d’amour et de colère, mais encore…
Ouais. Le titre se traduit en anglais par « Love Anger ». Mais un de mes amis utilise l'expression en français comme équivalent à ‘make-up sex’. C’est ainsi que j’ai déniché le titre. Plus sérieusement, au cours de ces dernières années, j’ai été déchiré entre des sentiments d’amour et de colère. Et puis j'ai pensé que ce qui était vrai pour moi était peut-être vrai pour beaucoup d’autres. Quand je débarque dans une ville, je me promène dans les rues autant que je peux et j’y constate qu’elles sont remplies d’amour et de colère, exactement comme dans mon cœur…
Qu’attends-tu personnellement de la sortie de cet opus ?
Ce n’est pas ce qui me tracasse. Je pense déjà au prochain album et aux autres projets du label. J'ai appris à ne pas trop attendre d’événements que je ne contrôle pas. Cependant, je serais très heureux si les gens l'écoutaient pour ce que c'est. Je suis conscient qu’il est ‘difficile’ et assez ‘sombre’. Je sais que ma musique est parfois malaisée à cataloguer et à synthétiser à cause de mes origines et influences multiples et du bilinguisme de mes œuvres. Je voulais donner aux gens une vue d'ensemble et ne pas me limiter pour quelque raison que ce soit. Je voulais que le disque parle pour moi et c'est le cas. J'en suis fier, sans aucun doute…
Nous vivons toujours une crise corona, qui ne disparaîtra pas encore cette année. Comment gères-tu cette pandémie comme être humain, musicien et compositeur ?
De toute évidence, le coronavirus est fâcheux pour de nombreuses raisons. Mais j’essaie de voir dans cette situation préoccupante une alarme et un encouragement à vraiment changer les choses. Nous courons vers de grandes catastrophes, si nous continuons à agir comme des bâtards qui ne respectent pas la nature et les autres espèces. Le coronavirus est un problème écologique, comme les incendies de forêt autour des globes, la perte de biodiversité, la pollution de la mer, etc. Le monde est sur le point de s'enflammer et avant la Corona, j'avais l'impression que la plupart des gens s’enfonçaient la tête dans le bac à sable, plutôt que de s’impliquer dans le processus politique. Mais maintenant, les choses évoluent et j'ai le sentiment que les êtres humains veulent récupérer le pouvoir. Je pense que c’est une bonne réaction, car c’est cela aussi la démocratie. Il ne s’agit pas simplement de se rendre au bureau de vote. La démocratie ne peut fonctionner que si le peuple est conscient de ce qui se passe et est prêt à participer au processus politique.
Cette pandémie a entravé tous tes plans ?
Ouais, certains concerts ont été reportés, d'autres ont été annulés. Mais nous avons décidé de nous concentrer sur la production et l'écriture. En tant que label et collectif de travail, Capitane Records dispose désormais de son propre studio et d'un bureau dans une vieille maison au milieu d'un parc au sud-est de Bruxelles. Et c’est formidable de savoir que nous disposons d’un tel endroit pour se concentrer sur notre travail. Si des spectacles peuvent être organisés, nous serons ravis de jouer les concerts. Sinon, nous produirons et enregistrerons de la musique pour les prochains mois. Under The reefs Orchestra et Turner Cody qui figurent tous les deux sur notre label bossent sur de nouveaux morceaux. Comme producteur musical, je suis également impliqué dans ces projets.
Penses-tu que la culture, qui a été particulièrement touchée au cours de derniers mois, pourra survivre à cette crise ?
Ouais, la culture est durement frappée, c’est vrai. Mais de nombreux autres secteurs également. De manière générale, le monde devient de plus en plus inégalitaire et irrespectueux envers les besoins de la Terre-Mère. Je pense personnellement que le capitalisme, tel qu'il s'est déroulé au cours des dernières décennies, est une menace dangereuse pour l'humanité et la terre. Mais comme je l'ai dit, au moins maintenant, il est assez évident que la classe dirigeante nous a conduit à la catastrophe. Donc, la situation pourrait enfin changer pour un mieux ; mais si seulement nous empruntons une autre direction, quand on reprendra le volant… Le 7 octobre, Capitane Records et le FACIR organisent une conférence du sociologue français Bernard Friot. Cet historien de la sécurité sociale viendra plaider pour un monde qui tourne progressivement le dos au capitalisme en étendant la sécurité sociale à de nouveaux secteurs d'activité parmi lesquels figurent le logement, l’alimentation, la presse, la culture etc. Il prône également l’instauration d’un ‘salaire à vie’ qui serait considéré comme un droit inconditionnel de l'homme…
Quand comptes-tu te produire en ‘live’ ?
Malgré la crise du Corona, quelques dates ont été fixées. Tout d’abord dans le cadre des Nuits Botanique. Ce sera le 1er octobre, lors de la soirée spéciale label Capitane Records, au cours de laquelle l’affiche impliquera également Under The Reefs Orchestra et Great Mountain Fire. Mais c’est sold out. Et puis, le même projet est programmé au Trefpunt à Gand, le 13 novembre. Ce n’est pas encore complet.
Quel est ton objectif ultime ?
Je ne suis pas sûr de bien comprendre ta question. Un objectif final pour quoi faire ? Changer le monde pour qu’il soit meilleur ? Vivre d’amour, de colère légitime et de musique, peut-être…
L’actualité des concerts réduite comme peau de chagrin, c’est par le biais de Skype que votre serviteur s’invite à pénétrer dans l’univers particulier de Kosmos. Son frontman, Tom, se livre entre actualité brûlante, confinement et un amour inconditionné des mots. Naviguant quelque part entre Michel Berger, -M- et les Rita Mitsouko, sa musique s’ouvre et risque de surprendre, grâce à une palette de compos à la fois légères et énigmatiques qui flirtent autant avec la pop, le funk que la ballade bossa. Après avoir publié “Je connais un guerrier Maasaï”, un single remarqué, le groupe français sort un premier Ep baptisé « Des Kollages ». Un second Ep tout aussi solennel est déjà en préparation et devrait ravir (encore une fois) les amateurs du genre.
Derrière Kosmos se cachent cinq personnes aux influences musicales plutôt variées : jazz, funk, métal, techno, etc.
Quel est le point commun entre les membres de la formation et comment s’est déroulée votre première rencontre ?
Je vais commencer par la rencontre parce qu’elle constitue la base de pas mal de choses… Durant plusieurs mois, j’ai écrit et composé des chansons que j’avais par ailleurs maquettées. Je voulais dénicher des musiciens susceptibles de transposer le projet sur scène. Ce qui nous lie, c’est l’envie de s’ouvrir à des univers qui ne sont pas les nôtres, tout en évoluant en dehors de notre zone de confort. A titre d’exemple, Adrien vient du monde de l’électronique alors que Cyprien, de celui du jazz. Ce dernier amène l’harmonique des morceaux. Au départ, je cherchais de jeunes musiciens qui souhaitaient bosser ensemble sur le long terme. Habitant Pigalle, j’ai effectué le tour des écoles de mon quartier. C’est ainsi que j’ai rencontré, par le biais d’un contact, un bassiste. De fil en aiguille, nous nous sommes retrouvés à cinq. Tout le monde se connaissait au moins un peu ou avait déjà travaillé avec les autres. Il existe cette volonté chez chacun d’atteindre un équilibre qui à l’origine n’est pas le sien. Nous restons persuadés que si nous avions choisi de se consacrer à la musique individuellement, nous ne serions jamais parvenus à ce résultat. La dynamique de groupe l’a emporté !
Un Ep qui résume à lui seul le côté créatif du combo. Les sonorités partent dans tous les sens : il y a de la pop, du funk, une ballade bossa. On ne peut pas dire que les compos soient cadenassées dans un style particulier… Était-ce une volonté commune ou les choses se sont-elles déroulées naturellement ?
Les paroles et les structures harmoniques étaient déjà écrites. Il y avait effectivement une volonté de créer une ossature autour de ces éléments. Puisque la base de travail était existante, j’envoyais simplement les maquettes à mes comparses. Généralement, lorsqu’un groupe débute, ça prend du temps parce qu’en amont, tout un processus créatif est à mettre en place, de la composition à l’écriture. Nous avions donc un gros avantage à ce niveau. On pourrait penser que c’est moi qui décide, mais pas vraiment. On essaie de se remettre en question tout le temps. Il existe cette volonté d’aller toujours plus loin. D’ici quelque temps, on va enregistrer un nouvel Ep. Nous sommes au stade de la réalisation des maquettes et des arrangements de dernière minute. Cette après-midi encore, nous répétions. La manière dont nous allons aborder ce disque reste cohérente ; à vrai dire, nous refusons la facilité. Aune sortie physique n’est prévue. On aimerait bien sortir un vinyle ou un CD commun, une fois le second Ep finalisé.
Cette approche stylistique constitue un pari osé, l’auditeur pourrait penser qu’on veut l’induire en erreur et le surprendre trop fréquemment...
C’est clair ! Il s’agit probablement d’un reproche que les auditeurs pourraient formuler à l’égard du groupe. C’est une des raisons pour lesquelles l’Ep s’intitule « Des Kollages », une manière de brouiller les pistes, de dérouter le mélomane. Nous sommes conscients que cette démarche ne s’inscrit pas dans l’air du temps. Aujourd’hui, tout doit être identifiable et cloisonné. Les points de friction constituent justement une démarche artistique en tant que telle. Pour être tout à fait honnête, la première écoute est souvent saisissante. Il faut du temps pour s’imprégner des morceaux et en pénétrer toutes les couches. Nous souhaitions obtenir un produit fini assez ‘riche’. Je n’aime pas trop ce terme parce que parfois la simplicité rime avec grande richesse. Oui, effectivement, la manière dont nous concevons les choses peut être déroutante, mais l’univers dans lequel nous baignons l’exige. Quoi qu’il en soit, il existe une grande sincérité dans nos actes.
Pour certains, confinement a rimé avec productivité en termes de créativité musicale. As-tu profité de cette parenthèse obligée pour laisser exprimer tes idées soit individuellement, soit collectivement ?
Spontanément, la réponse est non ! Parfois, tu as l’impression de perdre ton temps et de ne rien faire alors qu’en réalité il y a tout un tas de processus qui se met en place. En ce qui nous concerne, nous avons été confinés à des endroits géographiquement différents. Les sessions en commun sont très précieuses en termes d’échange d’idées. Se réunir au sein d’une seule et même pièce est important. Cette période Covid a effectivement eu un effet dévastateur : les concerts et la sortie de l’Ep ont été suspendus. Les maquettes du prochain étaient prêtes. Nous voulions, lors du déconfinement, proposer un produit fini et, dans la foulée, commencer à enregistrer. La réalité a été un peu plus compliquée qu’on ne l’imaginait, parce que vu la distance, nous devions transmettre des fichiers qu’il fallait ensuite centraliser. Résultat, un travail qui aurait dû nécessiter une seule après-midi en temps normal, nécessitait parfois presque une semaine. Heureusement, nous avons respecté une certaine discipline. A titre tout à fait personnel, d’un point de vue musical, je n’ai pas l’impression d’avoir été particulièrement créatif. Nous avons traversé une période pour le moins anxiogène. Paradoxalement, lorsque tu es musicien ou artiste, en général, tu aspires à disposer de temps pour laisser exprimer cette créativité latente. J’étais confiné chez moi, entouré de mes instruments et de mon matériel. Faire de la musique était quasi la seule occupation qui m’était permise. Je me suis remis au piano classique. Ce qui m’a, cependant, fait un bien fou. Cette parenthèse inattendue m’a démontré, qu’au final, ce n’est pas de temps dont on a besoin, mais de l’équilibre de la vie et des gens qui t’entourent pour trouver l’inspiration. Il est peut-être un peu tôt pour prendre le recul nécessaire, mais je n’affirmerai pas que cette période ait été totalement inspirée. Pareil pour mes comparses, je crois. Entre les conditions de confinement pas évidentes et l’absence d’activité du groupe, je dois avouer que ce n’était pas facile tous les jours. Nous pensions qu’en se servant des réseaux sociaux, nous serions plus inventifs, mais c’était une erreur. La virtualité ne remplacera jamais la réalité ! Être musicien, c’est partager ! Confiner un musicien, c’est à contre-courant de sa nature profonde. Ce n’est pas comme si le gars partait durant trois semaines dans son coin pour se réaliser. Non, ici les conditions étaient totalement surréalistes. Je suis donc mitigé par rapport à cette situation, mais l’avenir nous dira si je me suis trompé…
Tom, tu as écrit les morceaux au revenir d’un voyage d’un an autour du monde. Qu’en as-tu retiré sur un plan tant musical que personnel ?
Ce voyage a marqué un tournant dans ma vie tout simplement. Je n’avais pas l’intention de me lancer dans la musique de manière professionnelle. Si je l’ai toujours pratiquée, notamment en jouant du piano et en militant dans pas mal de groupes, j’ai aussi suivi un cursus scolaire dans une école de commerce. J’ai monté un projet en compagnie de trois amis. Notre job consistait à mesurer l’impact social de pays en voie de développement. On a travaillé dans des endroits d’une violence extrême en matière d’environnement, de pauvreté, etc. J’ai vite commencé à prendre du recul et me suis rendu compte que nous avions de la chance de vivre dans une région comme celle-ci. Pourtant, nous sommes vite préoccupés par nos petites contrariétés qui peuvent aussi rapidement prendre des proportions sidérales. Un jour, au Madagascar, je discutais avec un étudiant de mon âge. Un traducteur qui me rappelait la chance d’être français. Nous sommes entourés de magasins de musique. On se paye ce que l’on veut. Là-bas, si un autochtone veut s’acheter un ampli guitare, c’est quasi-mission impossible. Cette expérience a changé mes objectifs. J’en ai conclu que voulais vraiment me lancer dans la musique. C’est ce qui me passionne. C’est la raison pour laquelle je me lève le matin. Ce vécu a marqué au fer rouge mon existence et je crois qu’il se ressent dans les paroles des compos de cet Ep. J’aime prendre du recul par rapport à un quotidien qui a parfois tendance à nous ensorceler et nous emporter dans un tourbillon chaotique.
« Des Kollages » c’est un peu l’histoire d’un gars qui se cherche pour se (re)trouver. Une histoire autobiographique ?
Bien évidemment. On y décèle des fragments de ma vie personnelle. Cet écho est d’ailleurs bien plus subtil dans d’autres morceaux. J’ai essayé d’imaginer une suite logique a posteriori, mais lorsque j’écris des textes, j’aime l’idée que l’on ne puisse pas vraiment comprendre ce qui se passe immédiatement, mais qu’ils laissent une impression. Je suis un fan inconditionnel de Bashung, par exemple. Lui et son parolier ont réalisé un travail formidable. Cet artiste joue et triture les mots quitte à les travailler syllabes par syllabes. Si tu prêtes une oreille attentive à certaines de ses compositions, tu te rendras compte qu’il y a des mots qu’on entend, mais pas prononcés. Dans « La nuit je mens », il cite : ‘J’ai fait la cour à des murènes’. Pourtant, je perçois ‘J’ai fait l’amour à des sirènes’. Le sens est à construire en permanence. N’est évidemment pas Bergman qui veut, mais j’apprécie l’idée de fourvoyer l’auditeur et de le forcer à réfléchir pour le rendre partie prenante de l’écoute. Cette approche renforce aussi la cohésion du groupe, car nous n’accordons aucune concession. Je suis bien conscient que cette attitude ne facilite pas une diffusion sur les radios généralistes. Nous n’essayons pas d’aller au plus efficace. Notre réalisateur est aussi là pour nous cadrer parce que si nos chansons restent de la pop, il ne faut pas le perdre de vue, le but n’est pas davantage de composer des morceaux de jazz qui s’étalent sur quinze minutes.
Dans le titre « Dé-Pense », tu dis ‘Je mène la résistance contre ceux qui pensent, qui calculent, qui font des plans pour gagner du temps’. Pourtant aujourd’hui, nos vies sont définies par des algorithmes en tout genre jusqu’à même prendre le pas sur notre libre arbitre…
Oui, complètement. C’est sans doute le morceau le plus autobiographique de l’Ep. Lorsque je fréquentais l’école de commerce, on nous enseignait l’efficacité, le gain de temps, comment produire plus avec moins de ressources, etc... Je me suis rendu compte que dans nos vies, tout est formaté jusqu’au moindre désir. Les réseaux sociaux modélisent nos rapports à l’amitié, les applications de dating ou encore les GPS qui indiquent le chemin le plus court. Aujourd’hui, il faut gagner du temps à tout prix en supprimant les obstacles comme si nous devions agir comme des ordinateurs. L’optimisation est profondément inhumaine. Les rencontres imprévues et les chemins de traverse demeurent réjouissants. Tout comme perdre son temps permet d’exercer son imagination. Les plus belles fêtes sont celles que l’on n’a pas prévues. Je réfute l’idée de devenir une machine. J’habite Paris. Ici, le matin, les gens ressemblent à des zombies. Ils courent sans cesse pour essayer de rattraper le temps. Parfois, moi aussi, il m’arrive de rater le métro et de râler. C’est ridicule parce que le prochain arrive dans quatre minutes. Cette pression constante devient pesante même. Il faut pouvoir prendre du recul parce qu’au fond que perd-t-on lorsqu’on perd du temps ? Je terminerai en affirmant que c’est sans doute le morceau le plus engagé.
L’enregistrement de l’Ep a été réalisé à l’aide de matériel exclusivement analogique. Pour accentuer l’émotion ?
Je ne suis pas ingénieur du son, mais je pense que oui. Il y a une chaleur et une humanité dans le matériel analogique. On sent les résistances qui chauffent et ce grain particulier, même si je reconnais qu’on peut obtenir un résultat quasi-équivalent par le biais de procédés modernes. Il ne faut pas tomber dans l’excès inverse et devenir anti-digital ! Nous souhaitions quelque chose de très organique dans le projet et nous préférions capturer l’énergie du moment plutôt que de passer des mois à mixer. On préférait, dès le départ, un résultat tranché quitte à réduire le champ des possibles. Perso, en tous cas, ce à quoi je suis sensible, c’est la sincérité, peu importe d’ailleurs le genre et l’histoire à raconter.
Pour beaucoup, la musique est souvent juste un produit de consommation marketing qui n’existe que pour satisfaire un besoin immédiat. Vu votre style si particulier, crois-tu que Kosmos puisse traverser les âges et les générations ?
J’aimerais bien. Aujourd’hui, il faut pouvoir plaire à tout le monde. Quel est l’individu qui prend encore le temps de se poser dans le salon pour écouter un album entier ? C’est devenu tellement rare ! Et pourtant, c’est un vrai plaisir. La musique est de nos jours écoutée dans les transports ou en toile de fond, à peine perceptible. Plus jeune, lorsque j’écoutais des CD, le rapport à la musique était beaucoup plus lié à l’objet. Attention, il ne faut pas non plus tomber dans le discours rétrograde, ce n’était pas forcément mieux avant. Par exemple, grâce à Spotify, j’ai pu écouter des centaines de chansons que jamais je n’aurais découvertes autrement. Je crois encore une fois, qu’il il faut être autothétique dans la démarche et conter de belles histoires à l’auditeur, car il y est sensible. Si effectivement, il y a une kyrielle de morceaux qui sont cadrés pour le succès, un tas d’artistes ont encore cette ambition de vouloir raconter quelque chose à l’auditeur et lui permettre d’être partie prenante de cette démarche. Je cite souvent Flavien Berger qui reste tellement libre dans ses démarches et sincère dans ses propos. Il réalise parfois des morceaux de douze minutes et ils fonctionnent ! Ce n’est peut-être pas les plus gros succès, mais il a foulé les planches de l’Olympia. Si nous arrivions ne serait-ce qu’à sa cheville, nous serions déjà contents. Il est aujourd’hui navrant de constater dans les statistiques de Youtube que les gens décrochent parfois juste après quelques secondes d’écoute. J’ignore s’il s’agit de l’air du temps. Nous les jeunes, nous consommons pas mal de streaming, c’est une histoire de génération. Les plus âgés sont moins réceptif à ce mode d’écoute. La génération actuelle deviendra plus mature dans vingt ans, les mentalités aussi sans doute. Mais, comment prédire l’avenir ? Tout change tellement vite. C’est un vrai sujet de fond. Comme je te signalais tantôt, la formation ne fait aucune concession dans sa démarche artistique. A tort, peut être…
Les textes sont ciselés. Ils ont du coffre et de la puissance. Souvent, on aime revivre les compositions à travers les paroles. Est-ce votre cas ?
J’affectionne écrire les textes et sortir le meilleur jus des mots. Presque plus encore que d’écrire les musiques. Ma mère est anglaise, ma plume s’exerçait dans un premier temps dans la langue de Shakespeare. Pour ce projet précis, l’envie de coucher les mots sur le papier en français était grande. J’aime le pouvoir et le poids des mots. J’avoue que la prise de risque est plus importante car les gens dressent une oreille plus attentive en français alors que pour l’anglais ils s’attachent plus à la mélodie. J’apprécie l’idée que l’auditeur puisse jouer un rôle à part entière dans cette dynamique. Comme expliqué avant, il est aussi intéressant parfois de ne pas saisir le sens des mots, mais juste être bercé par les paroles. Une manière de sensibiliser sans proposer quelque chose de manichéen…
A contrario un texte, quand il est écrit, est parfois plus difficile à accepter que chanté…
Oui, tout-à-fait ! C’est la philosophie que nous épousons ! Sur « Dé-Pense » par exemple, j’ai fait le choix, à la fin de la compo, de ne faire que des jeux sur les syllabes. Sur le prochain Ep, il y aura beaucoup d’homonymes. Je ne suis pas convaincu que les paroles doivent être lues, mais juste entendues. Par analogie, au collège ou au lycée, on demande aux élèves de lire des pièces de théâtre ; c’est contre-productif ! Une pièce existe pour être entendue et interprétée, pas nécessairement pour être analysée.
Quand on écoute, « Je Connais un Guerrier Maasaï », on se dit qu’au fond, la recette de Kosmos pour faire plus facilement passer un message, c’est un texte bien écrit et un groove. Ces deux éléments se suffisent-ils à eux-mêmes ?
C’est tout à fait exact ! Nous sommes à la recherche d’un groove, mais au sens large du terme. Pour chaque morceau, nous essayons d’adopter une rythmique qui se suffit à elle-même tout en balançant son lot de paroles qui sonne bien. Nous aimons maquiller le très sérieux et le très lourd avec un soupçon de futilité. L’idée est encore une fois de rendre l’auditeur actif dans l’imaginaire. Ce qui me tient à cœur, c’est l’histoire qui est racontée, pas une succession de mots alignés les uns derrière les autres…
Quel(s) est (sont) le(s) artiste(s) qui t’a (ont) le plus marqué(s) ou influencé(s)
Lorsque j’étais adolescent, j’ai découvert les Beatles. Comme eux, j’écris une musique mélodique à fredonner. Il y a quelque chose d’immédiat. J’étais aussi fan de la musique anglo-saxonne des années 60-70 ; ma mère étant anglaise, j’ai baigné dans cette culture. Mais aussi, tout ce qui est rock progressif et pop-rock de cette époque. Sans oublier la chanson française, évidemment. Il est difficile de cibler précisément un artiste précis. Je citerai quand même Michel Berger, France Gall, Serge Gainsbourg. Dans la musique plus contemporaine par contre, j’apprécie l’Impératrice. Il s’agit d’un groupe de pop/disco français, fondé à Paris en 2012. Il est parvenu à créer un univers ambitieux, mêlant des genres musicaux iconoclastes lui permettant de s’auréoler d’une identité réelle. Je crois qu’il est parvenu à marquer un tournant dans la chanson française. J’aime aussi l’univers de Flavien Berger. Je suis aussi fan de Philippe Katerine depuis ses débuts. La sincérité dont il fait preuve dans sa folie m’émeut complètement. En matière de musique internationale, j’adore Parcels, groupe originaire de Byron Bay en Australie, formé en 2014. Je suis allé les voir au Botanique et j’ai été bluffé par la légèreté et leur groove.
Avant de nous quitter, peux-tu dévoiler quelques petites news pour les lecteurs de Musiczine ?
Oui, le prochain Ep sur lequel nous travaillons s’intitulera « Dé Ménage ». Il contiendra cinq titres, des chansons d’amour. Il ne s’agira pas d’une suite, mais plutôt d’un pendant au premier volet. Le réalisateur sera le même. Je pense que ce disque sera plus homogène en termes de style, mais je ne m’avance pas trop, on verra bien… Nous sortons d’ici quelques semaines un nouveau single qui s’intitulera « Petit Suisse ». Il sera assez proche du « Guerrier Maasaï » dans le côté décalé. Nous devrions jouer en live en septembre, mais les dates ne sont pas encore confirmées. Les salles parisiennes sont en effet un peu plus frileuses à l’égard des petits groupes comme les nôtres et prennent davantage de précautions vu cette crise sanitaire. Nous espérions pouvoir participer à quelques festivals cet été… Se produire en Belgique serait une opportunité à saisir, il y a chez vous une proximité et une accessibilité que l’on ne retrouve nulle part ailleurs.
Groupe de métal symphonique franco-belge, Elfika est basé en région Ile-de-France. Fondé par Manu (bassiste, auteur et compositeur), il produit une musique puissante et mélodique, fruit d’un cocktail entre heavy métal, hard rock, musique électronique et symphonique. Soutenue par une section rythmique très inspirée par les pontes du heavy métal, elle est emmenée par la magnifique voix lyrique de sa chanteuse et frontwoman, Laure Ali-Khodja. Fondée en 2014, la formation a publié son premier elpee, « Secretum Secretorum », en janvier dernier. De quoi alimenter une interview à laquelle s’est plié de bonne grâce, Manu BasseKiller…
Plusieurs étapes entre l’idée originelle d’Elfika et le groupe tel qu’il existe actuellement ont été nécessaires. J’ai eu cette idée, conceptuelle à l’époque, en découvrant l’album de Nightwish, « Wishmaters », lors de sa sortie. Pour le fan de métal et passionné de musique classique que j’étais, et suis toujours, il était évident, qu’un jour, je pratiquerai ce genre de musique. C’est à cette époque que j’ai trouvé le nom de ce projet. Outre la musique, je suis également passionné par la littérature au travers de très nombreux genres et courants ; et notamment l’héroic fantasy. En référence directe à l’univers de JRR TOLKIEN, en perticulier des elfes, je suis parti de la langue crée par TOLKIEN, l’elfique, pour imaginer Elfika. Le groupe a pris forme pour la toute première fois en 2009 à l’occasion d’un spectacle accordé en soutien à un enfant atteint de la maladie des enfants de la lune. Ce soir-là, nous avons interprété un unique titre entièrement composé pour l’occasion et qui revient sous une toute autre forme sur notre dernier album, « Enfant de la lune ». Il a fallu encore plusieurs années de travail pour asseoir un line-up et surtout, dénicher une chanteuse capable de porter nos projets. Et c’est en 2013, après l’arrivée de Laure, que tout a pu vraiment démarrer.
Les médias vous collent une étiquette de death metal symphonique. Mais, il me semble que l’étiquette est réductrice. J’y décèle du power metal, par exemple, des sonorités folkloriques, et même parfois des références occultes. Qu’en penses-tu ?
Si parfois il n’existe aucune ambiguïté, dans notre cas, effectivement, le seul terme ‘métal symphonique’ ne suffit pas à couvrir l’ensemble des influences que nous explorons dans notre musique. Mais en partant du principe que nous évoluons sur des mélodies que nous souhaitons les plus accessibles possible, un chant exclusivement féminin, des orchestrations très présentes, alors le terme ‘métal symphonique’ reste le plus simple à comprendre pour tout le monde. Mais lorsque nous composons, c’est une notion que nous n’avons pas en tête. Si nous traçons une ligne directrice pour nos morceaux et plus globalement les albums, nous aimons explorer d’autres courants musicaux et couleurs artistiques qui ne sont pas issues stricto sensu du métal symphonique. Comme tu l’as précisé, on peut y rencontrer du power métal, heavy métal, hard rock ou métal progressif, mais aussi des musiques de films, symphoniques ou sacrées… Il existe des profils musicaux et artistiques très différents au sein d’Elfika. Et nous tenons à tirer parti du talent de chaque musicien pour enrichir notre musique. La terminologie ‘métal symphonique’ a au moins l’avantage de couvrir un univers tellement vaste que nous pouvons nous y promener sans trop se soucier du tiroir dans lequel nous allons être rangés. Mais il y a fort à parier que le prochain album sur lequel nous travaillons actuellement soulèvera à nouveau cette question (mini spoil…)
Manifestement, votre panel d’influences est particulièrement ample, mais quelles en sont les principales, et puis quels sont les artiste ou groupes qui vous ont le plus marqués ?
A l’origine, les principaux groupes qui nous ont inspirés sont Nightwish, Epica, Delain, Amaranthe, Therion, Kamelot… mais également d’autres qui ne sont pas issus de l’univers du métal symphonique, car ils appartiennent à celui des membres d’Elfika. Pour ma part, je citerai Iron Maiden, Helloween, Metallica, Judas Priest, Stratovarius, Sonata Arctica, Pretty Maids, mais également quelques autres… Sur « Secretum Secretorum », les références d’Anthony Parker, qui a réalisé toutes les parties de guitares, sont aussi très claires, puisqu’elles sont puisées chez Symphony-X ou un guitariste comme Yngwie Malmsteen… La première démo est parue en 2015, sous forme numérique. À la demande générale, une version est sortie en 2016, sous la forme d’un cd. Et puis l’année suivante, on est parti en tournée…
Cette démo avait reçu des éloges de la part de la critique. Vous a-t-elle ouvert certaines portes ?
Oui, bien sûr ! Cette démo a été pour nous un test à bien des égards. Elle nous a permis d’évaluer notre capacité à travailler nos titres en studio, les enregistrer et les produire, afin d’en obtenir un produit fini. Elle nous a aussi permis de connaître l’avis du public et des chroniqueurs. Et, fait important, c’est cette démo qui a suscité l’attention de notre label actuel Valkyrie Rising. C’était une première étape très importante. Elle peut paraître insignifiante aujourd’hui vu la production maison des 5 titres ; mais elle a en fait a vraiment joué un rôle clé dans notre progression et notre construction en tant que groupe.
Vous avez gravé votre premier elpee, « Secretum Secretorum », début de cette année. En général, quels retours en avez-vous récoltés ?
Nous avons la chance d’avoir de bons, voire même de très bons retours sur cet album. A ce jour, même les chroniqueurs les plus ‘durs’ avec ce style, assez ‘stéréotypé’ pour reprendre le terme de certains, nous ont accordé des avis très positifs et les médias nous ont réservé d’excellentes analyses que nous avons toujours autant de plaisir à lire. Mais au-delà du monde des chroniqueurs de magazines ou webzines, l’accueil du public a été, et reste très bon lui aussi. Nous enregistrons des performances excellentes en streaming sur des plateformes comme Spotify. Nous recevons très régulièrement des messages d’encouragement mais aussi des demandes pour acheter notre CD à travers le monde. Lors de la ‘release party’ française, opérée au Petit Bain à Paris, le 10 janvier, de très nombreuses personnes ont bravé les difficultés liées aux grèves des transports, qui étaient toujours en cours à cette époque, pour venir découvrir « Secretum Secretorum » et nous soutenir. Nous sommes très attentifs à toutes les réactions, commentaires, chroniques ou avis nous concernant car tout ceci constitue une source presqu’inépuisable d’informations, si on veut s’améliorer et se projeter dans le futur…
Vos balbutiements ont été longs. Ils ont duré plusieurs années. Pourquoi ?
Comme je l’ai un peu évoqué précédemment, le plus difficile a été de stabiliser le line-up du groupe. Nous avions une idée bien précise de ce que nous voulions obtenir, mais repérer les musiciens qui avaient à la fois la passion et la technique pour travailler dans ce style, et la motivation pour intégrer un groupe en développement, n’est pas une tâche facile. Il y a beaucoup de candidats, mais à l’arrivée, bien peu réunissent toutes les conditions. Le plus dur a été de dénicher une voix. Le processus de recrutement de notre chanteuse a duré très longtemps. Et puis un jour, Laure Ali-Khodja s’est présentée à une audition… Nous aurions pu malgré tout tenter de griller certaines étapes en proposant nos premiers titres sans line-up complet. Mais à l’époque il nous a paru plus logique et plus sain de prendre le temps de monter un line-up solide pour nous lancer dans l’aventure. Dès que Laure a intégré le groupe, la situation s’est éclaircie ; mais là aussi, il était hors de question de bâcler le travail à réaliser pour rattraper le temps perdu. Nous avons donc pris le temps nécessaire pour travailler sur la qualité de nos morceaux en priorité. En mettant tous ces événements bout à bout, on comprend mieux pourquoi les débuts ont traîné en longueur.
« Enfant De La Lune » constitue certainement un des morceaux-phares de l’opus ? Ali-Khodja la chante sobrement en français, en s’accompagnant uniquement au piano. Et le résultat est très réussi. Comment cette idée vous est-elle venue ?
Merci pour le ‘très réussi’… « Enfant de la lune », c’est le tout premier titre écrit pour Elfika. Son texte se réfère aux enfants atteints de la maladie des enfants de la lune, une maladie génétique rare qui les empêche de s’exposer au soleil. La chanson a beaucoup évolué depuis sa création initiale en 2009. Nous avions réécrit une version plus moderne en 2015 pour l’intégrer sur la démo, mais nous avons manqué de temps et surtout de moyens pour l’enregistrer. Avec Laure, lorsque nous avons cherché des morceaux à placer en titre bonus sur la version limitée de « Secretum Secretorum », nous avons cherché à communiquer un caractère vraiment particulier à ces compos. Surtout, nous voulions éviter d’ajouter des plages pour faire du remplissage. Si « Enfant de la lune » n’a pu figurer sur la démo, il a en revanche été joué à plusieurs reprises en live lors de la tournée qui a suivi. Laure maitrisait donc parfaitement ce titre, et nous avons pensé que c’était l’occasion de l’enregistrer. Le choix d’en réaliser une version piano a été opéré afin de sublimer le côté particulier de ce morceau, de son texte, et de le plonger au sein d’une ambiance plus intimiste, plus chaleureuse afin d’en réaliser un vrai bonus track. Différent, mais qui préserve toujours l’empreinte d’Elfika. Nous avons bien évidemment voulu conserver les paroles en français pour ne rien ôter de l’essence même du morceau et permettre la pleine expression du titre. Une autre facette de notre univers musical que nous avons souhaité offrir à notre public.
Parfois on a l’impression que les morceaux s’assemblent comme un puzzle, dont les pièces s’emboîtent parfaitement, mais de manière surprenante ; un peu comme si vous aviez imaginé un scénario. Cette perception de l’album tient-elle la route ?
Effectivement, s’il ne s’agit pas d’un concept album à proprement parler, mais il y a bien une trame sous-jacente qui lui donne une certaine cohésion. Cette cohésion a été recherchée entre le titre de l’album, son univers visuel et l’ensemble des morceaux. Chaque compo peut être interprété de différentes manières. Si à premier abord il ne semble pas y avoir de lien entre « So human », qui parle essentiellement du rapport entre l’homme et sa planète, et « Dark virgin », qui aborde le thème de la femme et des violences conjugales au travers de plusieurs tableaux et d’une approche mystique et ésotérique, le lien est pourtant bien présent. « So human » dénonce cette incohérence inhérente à l’espèce humaine, capable du meilleur comme du pire, de détruire sa propre planète et de s’auto-détruire dans des guerres toutes pires les unes que les autres. « Dark virgin » fait écho à cette thématique au travers des violences conjugales, phénomènes tout aussi incompréhensibles que représentatifs de cette folie des hommes. Les plages peuvent ainsi se relier les uns aux autres, mais aussi se répondre. Ainsi « Dark Virgin » constitue une suite à « Inferno » qui s’inspire du texte de l’enfer de Dante. Mais là aussi, plusieurs lectures sont possibles, et lors de la mise en image du titre via un clip vidéo réalisé en 2016 par Vincent Zafra (Illusion Story), la thématique « Inferno » a été scénarisée par l’écrivaine Olivia Sunway qui a transposé cette vision de l’enfer dans celui des violences conjugales. La mise en scène et la gestion des décors (réalisés par Stéfanie Tambone – Atelier Tambone), ont permis de donner une dimension très réaliste à ce clip mais aussi d’y réinjecter la thématique de l’enfer d’une manière plus concrète. « Dark Virgin » reprend cette histoire, là où elle s’arrête à la fin du clip. Comme « Inferno » a été intégré à l’album, les deux morceaux se complètent malgré des approches artistiques et musicales très différentes. En résumé, je ne me suis pas basé sur un scénario préétabli pour écrire « Secretum Secretorum », mais à l’instar du traité éponyme d’Aristote, j’ai abordé de nombreux sujets susceptibles de conduire à de nombreuses interprétations qui relient les morceaux entre eux. Un petit jeu de piste qui se prolonge aussi à travers la pochette de l’album.
Vu la crise du corona, vous avez certainement dû abandonner pas mal de vos projets. Comment gérez-vous cette situation ?
Comme tous les artistes, nous avons dû abandonner les premières dates de la tournée qui devait débuter en Belgique au mois d’avril. Nous savons désormais qu’il nous sera très difficile, voire impossible de reprendre la route avant 2021 tant la crise a ébranlé le monde de l’événementiel et du spectacle. Nous avions aussi l’intention de tourner un clip. Le projet a été ajourné et sera relancé lorsque les conditions seront vraiment redevenues propices pour le concrétiser Et enfin, la sortie physique en France de notre cd prévue fin février a été entravée par les événements qui se sont précipités et nous allons devoir la reprogrammer quand la situation se normalisera…
Comment gérez-vous cette crise, comme groupe et puis, individuellement ?
La crise n’a pas vraiment laissé le choix à qui que ce soit. En tant que groupe il était bien évidemment hors de question que nous fassions courir le moindre risque à nos familles et à notre public. Les décisions prises par les organisateurs des concerts et festivals pour lesquels nous étions programmés ont été courageuses et raisonnées. Mais je me dis qu’à notre niveau, les conséquences ne sont pas catastrophiques au regard de la situation dans laquelle de très nombreux groupes, artistes, professionnels de l’événementiel, du spectacle, intermittents se retrouvent actuellement. Nous avons appris à relativiser et surtout, nous nous sommes projetés vers l’avenir. Dans un premier temps, chacun a pris le temps nécessaire pour faire face à cette crise au sein de sa famille. Puis nous avons recommencé à discuter, prendre des nouvelles les uns des autres, échanger sur ce qui se passait et comment nous allions gérer les événements. Dans de telles circonstances, on a tous besoin d’un espoir, d’une route à suivre, d’une lumière au bout du tunnel… Nous avons alors décidé de reprendre la composition et de commencer à travailler sur notre prochain album. Cet objectif commun nous a permis de nous projeter bien au-delà de cette crise et de renouer concrètement avec notre passion pour la musique. Nous avons aussi développé des méthodes de travail différentes imposées par le confinement. Nous sommes conscients que cette pandémie laissera des traces concrètes pour notre groupe aussi, mais nous voulons vraiment surmonter cette épreuve et construire le jour d’après. A titre personnel j’essaie d’adopter une attitude pragmatique et surtout de prendre beaucoup de recul. Comme je le disais, nous sommes impactés, comme tous les groupes, tous les artistes, mais pas le plus durement et surtout, nous avons encore la possibilité d’élaborer des projets d’avenir, même si nous ne savons pas quand cet avenir deviendra réalisable.
Vous n’envisagez pas de diffuser des performances ‘live’ en direct via les réseaux sociaux ? De nombreux groupes ou artistes les proposent aujourd’hui…
A ce jour, franchement, non. Il faut remettre les choses dans leur contexte. A notre niveau, je ne vois pas de réelle plus-value à réaliser des sessions en direct, d’autant plus que pour parvenir à monter ce type de projet, tout en conservant un niveau de qualité correct, une grosse organisation technique est nécessaire. Ce qui ne veut pas dire que nous nous sommes déconnectés de notre public, bien au contraire. Nous sommes restés présents sur les réseaux sociaux au travers de nombreuses communications, nous avons eu de nombreux échanges avec des fans du monde entier par mail et même continué à vendre des cds… Nous avons bien publié une petite vidéo très amusante réalisée par Laure et Vincent Zafra pour accompagner une communication relative au tremplin Metal Head Convention. Et elle a été bien accueillie. Mais il y avait un but très précis à cette publication. En outre, je pense que nous n’avons pas suffisamment de notoriété pour se permettre de lancer une vidéo en live session qui aurait un réel intérêt pour le public. L’idée n’est pas de faire les choses pour faire comme tout le monde, mais de les réaliser pour répondre à une demande du public et de les accomplir dans les meilleures conditions possibles pour que les gens soient vraiment satisfaits. C’est pourquoi nous avons décidé, comme je l’ai expliqué dans la question précédente, de préparer l’avenir à moyen et long terme, afin d’offrir des choses encore plus belles à notre public dès que nous aurons la possibilité de le retrouver.
Quels seront vos projets, lorsque la crise sera terminée ?
Le problème sera de définir quand cette crise prendra fin. Nous savons qu’elle sera longue avant que la situation ne redevienne normale. Notre premier objectif sera de remonter la tournée ‘Secretum Secretorum’. Nous travaillons actuellement sur ce projet. Nous envisageons de monter un show de grande qualité et de parcourir le plus de régions et pays possibles. Mais il reste encore de très nombreuses zones d’incertitudes à éclaircir avant de pouvoir communiquer concrètement à ce sujet. Nous étudions aussi avec notre label Valkyrie Rising les conditions d’une remise en rayon en France du cd « Secretum Secretorum » dont la sortie physique initiale a souffert de cette période de crise. Mais là aussi, la situation est délicate et pleine d’incertitudes.
Quel est l’objectif ultime d’Elfika ? Que voulez-vous absolument réaliser en tant que groupe, artiste ou personne ?
Difficile de répondre pour toute la formation ; mais il y a bien un projet qui me tient vraiment à cœur, et je ne pense pas trop m’avancer en affirmant que les autres membres d’Elfika seront de cet avis. J’aimerais avoir l’occasion, un jour, de pouvoir rejouer les titres d’Elfika en compagnie d’un orchestre symphonique. C’est particulièrement ambitieux et complexe, mais je pense que pour un groupe de ‘métal symphonique’, concrétiser ce dessein constitue un aboutissement presqu’ultime. En tout cas, après une telle expérience, hormis partir en tournée avec Nigthwish, je ne vois pas ce que je pourrais imaginer de plus beau… (rires)
Vu l’absence de concerts, comment le public peut-il faire pour acheter des produits dérivés et autres ?
Pour nos amis et fans français, ils peuvent acquérir l’ensemble de nos produits (téléchargement, CD, Merchandising…), via notre Bandcamp ici. Tous les produits disponibles y sont en vente et les transactions sont parfaitement sécurisées. Seuls les délais de livraison sont plus longs vu les difficultés de fonctionnement des services postaux. Nos amis du Benelux peuvent se procurer l’album via leurs distributeurs habituels (ici ou là)
Merci pour cet entretien, j’espère pouvoir renouveler l’expérience, en tête à tête. Avez-vous quelques commentaires à ajouter, et tout particulièrement à l’intention de nos lecteurs ?
Merci à vous de nous avoir donné l’occasion de nous exprimer sur tant de sujets. Un petit mot pour vos lecteurs, si vous ne nous connaissez pas, n’hésitez pas à venir jeter un œil pour nous découvrir, nous sommes présents sur Facebook, Instagram, BandCamp et de très nombreux autres sites, dont Youtube. Plus que jamais votre soutien nous est précieux et nous permet d’avancer. Nous avons pour habitude de dire au sein d’Elfika ‘seuls nous sommes inaudibles, avec vous nous sommes tout’. Une petite maxime qui a toujours eu beaucoup de sens pour nous et qui en a encore plus en ce moment. Nous faisons tout notre possible pour pouvoir revenir à votre rencontre dès que les circonstances le permettront, en attendant, prenez bien soin de vous et de vos proches, et continuez à écouter du métal symphonique (et pourquoi pas Elfika ? Hein ? Elle n’est pas mauvaise cette idée…).
(Adaptation BD)
Les médias vous collent une étiquette death metal. En général, les artistes n’aiment pas trop ces classifications ; mais les mélomanes, bien. Pourriez-vous, quand même, attribuer une définition à votre style musical ?
Rémy : Bleedskin est un groupe de death metal typé old-school. Tous les musiciens du groupe ont des goûts divers et variés. Que ce soit pour du metal ‘modern’ ou ‘old-school’. Mais aussi de la pop, du jazz, du funk et du classique…
Céline : Les riffs que nous jouons sont contemporains, mais le son que nous essayons de capter aussi bien en live qu’en studio tirent vers l’old-school.
De quand date les prémices du groupe ? Le line up est-il toujours le même depuis ses débuts ?
R : Nous sommes les membre fondateurs (Céline Mazay, guitare rythmique) et Rémy Asma, chant, guitare). Fin 2016, Tom (Massart, batterie) et Logan (Dykens, chant/guitare) nous ont rejoints. Sous ce line up on a enregistré un premier Ep, en 2018. Mais en 2019, ces deux derniers nous ont quittés. Ils ont été remplacés par Benjamin (Lefèvre, guitare) et Anouk (Debecq, chant).
La sortie de cet Ep, « The Rotten One », en 2018 vous a-t-elle permis d’ouvrir les portes des organisations de concerts et des promoteurs ? Et quel accueil a-t-il eu auprès du public et des médias ?
C : Je ne m’attendais pas à ce que l’Ep nous ouvre autant de portes et que le public soit aussi réceptif ! C’est d’ailleurs grâce à cette sortie que nous avons connu Renald (NDR : le booker) …
R : Il faut reconnaitre que la qualité de cet Ep est loin d’être exceptionnelle. Par contre j’ai été surpris du nombre de réactions positives. Ce qui a sans doute incité les organisateurs/promoteurs à nous programmer…
Il est étrange que dans un petit pays comme la Belgique les groupes wallons éprouvent énormément de difficultés à percer en Flandre, mais également l’inverse. Enfin, c’est une impression. Est-ce dû à une sensibilité différente entre les publics de ces deux régions linguistiques ?
C : C’est exact ! Peu d’artistes wallons se produisent en Flandre, et flamands, en Wallonie. Les accès semblent bouchés, d’un côté comme de l’autre. Serait-ce dû à la barrière de la langue ? C’est à méditer. Enfin, on a la chance de pouvoir compter sur Renald pour booker toutes nos dates en Flandre…
R : En Flandre, le public remue beaucoup plus qu’en Wallonie. Il est ainsi très agréable de jouer chez eux…
Récemment, vous avez publié des titres issus du ‘Live at Heretic Metal Fest 2020’, sur votre Bandcamp (en écoute ici). Une raison ?
R : On a sorti ce live 3 titres en réponse au confinement (coronavirus). A défaut de concerts, nous voulions quand même proposer des chansons à nos fans. C’était également l’occasion de proposer du contenu enregistré en compagnie du nouveau line up.
Vu la pandémie, votre tournée a été fortement réduite. Comment gérez-vous cette situation ?
C : Tous nos concerts jusque septembre sont tombés à l’eau. Et malheureusement il y en avait quelques-uns… Certains ont été reportés plus tard dans l’année, mais d’autres ont tout simplement été annulés…
R : Nous venions de terminer l’enregistrement de notre nouvel album lorsque le confinement a été décrété. La parution du CD était prévue pour le mois de juin. Tout est malheureusement postposé… Mixage, pressage du digipack, tournage du clip, etc. Nous devrons patienter jusqu’au retour à la normale des activités économiques en Europe. Nous espérons le sortir en septembre ou octobre.
Comment gérez-vous cette crise, comme groupe et puis, individuellement ?
C : Humainement, l’épreuve est assez difficile. Nous nous réunissions plusieurs fois par semaine. Outre le groupe, nous sommes tous des amis…
Vous n’envisagez pas de diffuser des performances ‘live’ en direct via les réseaux sociaux ? De nombreux groupes ou artistes les proposent aujourd’hui…
C : Non. C’est très compliqué. Même sur Facebook. Parce que nous n’avons pas accès à l’ensemble de nos instruments. Et tout particulièrement la batterie…
Quels seront vos projets, lorsque la crise sera terminée ?
R : Sortir l’album, tourner un clip, reprendre les répétitions et se produire en concert…
Le métal véhicule pas mal de clichés, comme celui d’un univers où on picole pas mal. Dans une de vos interviews, vous avez déclaré que votre environnement familial était compréhensif à votre égard. Quelles sont les réactions de vos proches, aujourd’hui, après plusieurs années de parcours ?
C : Dans ma famille tout se passe très bien. Le monde du métal ne leur est pas inconnu. D’ailleurs mon père est un grand fan d’Iron Maiden…
R : D’un point de vue professionnel, j’évite d’en parler. Le cliché est toujours d’actualité. C’est un débat qu’on pourrait porter dans les réseaux sociaux…
Vous avez également été invité à participer au Metalworks, suite à un concours auquel vous avez participé ? Qu’attendez-vous de ce festival, quand on sait que l’affiche est quand même impressionnante ?
C : Se produire devant du public et, si possible, présenter des titres du futur album…
R : On ne vient pas jouer pour gagner, mais pour prendre du plaisir. Ce sera notre premier concert post-confinement…
Quel est l’objectif ultime de Bleedskin ? Que voulez-vous absolument réaliser en tant que groupe, artiste ou personne ?
C : Je n’ai pas spécialement d’objectifs finaux au sein du groupe. On verra bien où l’aventure nous mène. Si notre musique plait au public, tant mieux : alors nous continuerons à composer et sortir des albums…
R : Jouer dans un festival majeur d’Europe serait un rêve…
Vu l’absence de concerts, comment le public peut-il faire pour acheter des produits dérivés et autres ?
R : Via notre page Bandcamp ! (voir ici) Ou alors en suivant notre actualité sur Facebook (voir là), mais encore notre Instagram (voir encore ici)
Que préférez-vous ? Spotify ou Bandcamp, et pourquoi ?
C : Spotify. Il draine le plus d’internautes. Mais Bandcamp permet de vendre un peu de merchandising.
Merci pour cet entretien, en espérant pouvoir renouveler l’expérience, en tête à tête. Mais en anglais, alors.
Céline et Rémy : Merci beaucoup pour l’interview ! Au plaisir de se parler de vive voix…
(Adaptation B.D.)
Photo : Djinn Photography
Antoine Flipo (synthés) et Martin Grégoire (batterie) ont fondé Glass Museum en 2016, un duo qui a, quelque part, osé bousculer les codes du jazz. Depuis, le tandem a décroché plusieurs prix, s’est produit à Dour, à l’Ancienne Belgique et même dans le cadre de festivals renommés à l'étranger. En 2018, il a gravé “Deux”, un tout bon premier elpee. Et le second, “Reykjavik” paraîtra ce 24 avril 2020. Un disque dont la musique mêle jazz et musique électronique. Mais pas seulement. L’occasion était donc belle de poser quelques questions à la paire. Un questionnaire soumis par e-mail.
Quelle est l’origine du patronyme Glass Museum ? Et d’où vient le groupe ?
Notre duo batterie-synthé est établi à Bruxelles et notre style oscille entre jazz, électronique et néoclassique. Le nom est issu d’un morceau du groupe Tortoise. Il évoque la fragilité et la puissance du verre, qu’on peut ressentir dans notre musique.
De nombreux événements se sont produits pour vous, depuis 2016 : performances à Dour et à l’Ancienne Belgique outre les récompenses que vous avez remportées. Comment avez-vous vécu ces moments intenses ?
La première année nous a réservé de nombreuses surprises. On venait de lancer le projet et notre deuxième concert s’était déroulé à Dour. Nous étions en 2016. Il s’en est suivi la finale du concours circuit, et des moments mémorables comme ceux vécus l’AB, la sortie de notre premier album, “Deux”, et des concerts accordés en Suisse, en Allemagne et aux Pays-Bas….
Cette période mouvementée vous a-t-elle rendu plus fort, quand on sait que pour de nombreux artistes, elle est souvent considérée comme préjudiciable à l’équilibre d’un groupe ?
On s’est toujours bien entendu, et les rôles ont toujours été bien répartis entre nous deux, tant pour la composition que l’organisation… Nous n’avons pas vécu de tensions majeures au cours des premières années, car je pense qu’on est toujours parvenu à bien communiquer… Maintenant, il faut reconnaître qu’au cours des derniers mois, on a accumulé beaucoup de fatigue et de stress, afin de préparer l’enregistrement du deuxième album, mais c’est finalement une bonne expérience qui s’est révélée gratifiante…
Après avoir écouté votre nouvel opus, « Reykjavik », à plusieurs reprises, il semble que vous ayez réalisé un mariage parfait entre le jazz et la musique électronique, mais dans un large contexte. Qu’en pensez-vous ?
On a attaqué les compos de cet album, directement après la sortie du premier, « Deux » en mai 2018. Ce dernier constituait une synthèse de nos deux premières années de tournée. Pour « Reykjavik » on a voulu davantage se concentrer sur la recherche de sonorités, entre morceaux acoustiques et arrangements électroniques. Contrairement au premier, celui-ci a été composé pour le studio.
Au fait, quelle est la signification exacte de ce titre ?
Lorsque le disque est sorti, nous avons posé une réflexion autour de l’ambiance générale au sein de laquelle baigne la musique. L’Islande, où nous nous sommes produits, en novembre 2019, nous rappelait le climat froid de l’album, les grands espaces, les éléments, et cet univers collait assez bien aux sonorités très aériennes de nos morceaux. C’est pourquoi on l’a intitulé « Reykjavik » …
En laissant libre cours à son imagination, le décor devient rapidement cinématographique. Des images très apaisantes qui conduisent parfois au big bang. Qu’en pensez-vous ?
Notre musique est, en effet, assez cinématographique, elle dépeint également des paysages, des cadres naturels… C’est à cause de son aspect néoclassique, de la structure de base des compos très mélodiques au piano. La batterie est destinée à imprimer un rythme à ces fresques, et les ambiances électroniques/synthé apportent une texture, une couleur en plus.
Parfois on a aussi l’impression de vivre un beau duel entre percussions et piano. Et le résultat est superbe. Qu’en pensez-vous ?
Quand on a commencé le projet, nous rêvions effectivement d’un combat entre le piano et la batterie, parce que l’impro jouissait encore d’une place de choix lors des concerts, et que les compositions étaient issues de jams. Aujourd’hui, on pense davantage à une alliance, face à face, sur scène comme lors des répétitions.
Avez-vous l’impression d’être devenus plus proches, depuis ?
Entre les concerts, le studio, les répètes, le temps nécessaire à la composition et la fête, on passe quasiment la moitié de notre temps ensemble depuis 4 ans ! Donc oui, en évoluant ensemble pour ce projet, nous nous sommes rapprochés !
Outre le jazz et la musique électronique, votre musique laisse transparaitre subtilement des traces de post rock.
Effectivement ! On apprécie des formations comme Godspeed You! Black Emperor, Slint, Mono, Mogwai, Sigur Ros, Mùm… Je le précisais en début d’interview, le nom du groupe est directement inspiré d’un titre du groupe de post rock, Tortoise ! Il existe aussi un duo de post rock piano-batterie qui s’appelle Nordic Giants.
Et justement, quelles sont vos influences majeures ?
Nos principales influences ont toujours été puisées au sein du catalogue Gondwana Records : Gogo Penguin, Portico Quartet, Mammal Hands… On aime également les artistes du label électro Erased Tapes, et tout particulièrement Nils Frahm, Ólafur Arnalds, Rival Consoles ou des projets plus classiques du label WARP tels que Battles, Boards of Canada ou encore des producteurs comme Floating Points et Four Tet. Mais il y en a aussi d’autres…
La manière dont vous entraînez le mélomane sur un chemin de traverse à travers des mouvements ondulatoires est de nature à combler l’aventurier que je suis. Cette approche est-elle délibérée ?
On compose parfois des ballades, comme « Colophane » ou des morceaux plus progressifs tel « Abyss », mais on affectionne les structures afin qu’elles puissent surprendre le mélomane et l’emmener sur des terrains inattendus, un peu comme si l’écoute intégrale de l’album ressemblait à un voyage…
De nombreux jeunes s’intéressent aujourd’hui au jazz. A Gand la scène est florissante ; mais il me semble également que Bruxelles n’est pas en reste….
Il se passe effectivement quelque chose dans l’univers du jazz ‘hybride’, en Belgique. En Flandre, ce mouvement a été baptisé la ‘new wave of Belgian jazz’. On y retrouve des groupes qui nous ont inspirés à nos débuts, comme STUFF. ou Black Flower… En région Wallonie-Bruxelles, c’est moins perceptible, mais dernièrement, des excellents bands de jazz y sont nés ; et on pense à Commander Spoon, Echt ! ESINAM ou The Brums !
Près de l’AB, il existe un club de jazz qui est en plein boom. Pourquoi le jazz est-t-il redevenu aussi populaire auprès des jeunes ?
A mon avis, le phénomène vient des Etats-Unis. Des artistes comme Kamasi Washington, Thundercat ou BadBadNotGood sont parvenus à mêler jazz et hip hop, en collaborant avec des Kendrick Lamar, Tyler The Creator ou des producteurs électroniques comme Flying Lotus. Une situation qui a nourri le genre, apporté une influence éclectique importante en Europe sur les nouveaux projets de jazz moderne. On peut aussi citer le label Brownswood, sur lequel on retrouve Kokoroko, Nubya Garcia, Comet is Coming. Une scène londonienne en plein essor et hyper hype pour le moment !
Alors le créneau de Glass Museum, il est jazz ou va-t-il au-delà de cette définition ?
Il est difficile de catégoriser notre musique dans un style… Je crois que le terme ‘jazz’ est un mot générique assez large du terme qui inclut de nombreuses recherches sonores associées à la musique acoustique. Dans notre cas, on a plutôt tendance à dire qu’on est influencés par le jazz, mais nous ne maitrisons pas vraiment les codes du jazz classique.
Lors de certains concerts, le public est souvent beaucoup plus âgé que vous. A moins que ce ne soit une fausse idée, dans le cas de Glass Museum…
Tout dépend des contextes… Les statistiques youtube et spotify attribuent une moyenne d’âge entre 25 et 35 ans à notre public. La réalité aux concerts est un peu différente : dans des salles plus classiques ou festivals un peu spécialisés en jazz, comme c’est majoritairement le cas pour nous, il est vrai qu’on rencontre un public un peu plus âgé que lors des festivals, comme celui de Dour par exemple.
Vu les règles actuelles relatives au confinement, votre planning en matière de concerts est plutôt aléatoire. Comment gérez-vous cette situation ? Quand espérez-vous reprendre votre tournée ?
Actuellement, nous sommes occupés de reprogrammer un maximum de dates vers septembre/octobre, dans la mesure du possible. D’autres sont malheureusement annulées… La release party au Botanique, est reportée au 7 octobre ! Ce sera un moment important pour nous.
En peu de temps, vous avez réussi à réaliser pas mal de vos projets. Mais y en a-t-il un qui vous tient encore le plus particulièrement à cœur ? En d’autres termes, quelle est votre ambition ultime ?
Notre rêve serait d’être reconnus à l’étranger, de remplir des salles de taille moyennes partout en Europe. Et aussi, pouvoir vivre de la musique car actuellement ce n’est pas le cas !
Avez-vous un message à transmettre à nos lecteurs ?
Oui, on espère vous voir lors de notre release party qui se déroulera le 7 octobre à Bruxelles ? ! Ce sera l’occasion de fêter la sortie de l’album dans le cadre d’une des rares dates accordées en Belgique…
Photo : Barthélemy Decobecq
Adaptation : B.D.
Last Train fait un véritable tabac en France et bon nombre de médias lui prédit un avenir retentissant. Faut dire que ses prestations ‘live’ sont tout bonnement épatantes. Pour preuve, les deux concerts auxquels votre serviteur a assisté, l’an dernier, respectivement à l’Aéronef (compte-rendu ici) et à la Rotonde du Botanique (compte-rendu là). La formation a également publié son deuxième elpee, « The big picture », en septembre dernier. Avant le concert programmé à la Rotonde du Botanique, ce 19 décembre 2019, Julien Peultier, le guitariste, et Antoine Bashung, le drummer, ont accordé une interview à Musiczine. Le quatuor est en fin de tournée et Jean-Noël Scherrer, le chanteur/guitariste, se repose. Vu la conversation à bâtons rompus, difficile de démêler les propos des deux Alsaciens. Dans ces conditions, et pour une meilleure compréhension, cet entretien accordé dans une ambiance bien décontractée a été restitué sous une forme plus libre…
Quand on comptabilise le nombre de concerts –et il est impressionnant– accordés en 2019 par le band, on se demande où les musicos vont chercher leur énergie pour tenir le coup. La réponse fuse : « Dans la sieste. Et pour l’instant, Jean-Noël la fait, la sieste ! Mais là on est en fin de tournée et on ne pique pas nécessairement des roupillons d’une heure et demie. Cette énergie, on la trouve dans ce qu’on aime, ce qu’on a envie, en se produisant sur scène, tous les quatre. Et on y prend du plaisir. Même quand on enchaîne les dates. Pour tenir le coup, t’essaie parfois des trucs. Tu bois du Red Bull, par exemple. Mais à partir du moment où tu aimes ce que tu fais, tu y puises ton énergie… »
Non content de partir pour de longs périples, le groupe a également lancé un festival à Lyon, qu’il a baptisé ‘La Messe de minuit’. Quelques jours avant Noël. Donc, pour bientôt. Une réflexion qui a bien fait bien rire nos deux interlocuteurs. Une règle pour les formations ou artistes programmés : pas de samples ni de PC. Et peut-être bientôt, l’interdiction des smartphones comme lors des concerts des Raconteurs… La réponse est nuancée : « On y a réfléchi. C’est une démarche intéressante. En même temps, elle est aussi compliquée, car si les gens te photographient ou te filment, ça te fait de la pub gratuitement, surtout lorsque les prises ou les clichés sont diffusés sur les réseaux sociaux. Ce qui n’est pas à négliger. Et en même temps, nous sommes les premiers à déplorer ce comportement. Quand tu es sur les planches et que tu vois plein de smartphones partout, ça devient chiant. Eh, oh, on est là quoi ! Pour l’anecdote, parfois, ceux qui filment depuis 2 ou 3 chansons, je baisse leur téléphone, dans la bonne humeur. Il est aussi arrivé que Jean-Noël fasse monter un mec sur le podium, parce qu’il filmait depuis au moins 5 minutes. Il l’a même encouragé à continuer et lui a demandé s’il était content de pouvoir ainsi disposer d’une vidéo (NDR : dans la situation, le type devait vraiment être mal à l’aise) … » L’option Yonder (NDR : cette boîte américaine a fait son business d’u système qui édicte en règle une philosophie sans téléphone portable lors des concerts et spectacles), le band a pu la tester et en discuter avec son créateur. Explications : « Il te file une housse. Qui te cache l’appareil photo et te bloque les ondes. Pendant tout le concert, tu es en mode avion, en fait. Et tu ne sais pas prendre de photos. C’est intéressant, mais il faut y réfléchir… »
Quand on assure la première partie de groupes comme Placebo ou Muse, on finit inévitablement et inconsciemment par être influencés par ces groupes. Il est régulier que les artistes interviewés s’en défendent, mais cet impact semble inéluctable. A savoir si maintenant ces influences-là sont bénéfiques ou nocives… La parole est à la défense : « Pour le coup, Placebo, ouais, on comprend ce que tu veux dire. En fait les gros shows qui se déroulent dans des grandes salles, on n’aime pas trop. T’es très vite noyé dans le truc. Mais Placebo, c’est un de ces groupes où même dans un endroit plus vaste, tu sens qu’il se passe quelque chose en ‘live’. La carrière et le propos sont super intéressants. Johnny nous a peut-être moins inspirés (rires). Tout comme Rival Sons. On y est moins ouverts, moins sensibles. Et puis notre but, c’est de proposer le meilleur show possible. En analysant ceux des autres, t’essaie de prendre ce qu’il y a de meilleur. Que ce soit artistiquement ou techniquement, parce qu’en ‘live’, la technique est aussi importante. Quelque part on se comporte comme des gosses, mais qui ne se focalisent pas exclusivement sur le guitariste. On essaie de s’instruire en regardant ; et forcément, sur plein de trucs là, ça peut influencer. A contrario, il arrive que lors d’un concert qui te plaît moins, après quelques chansons, tu décroches… »
Les membres de Last Train sont originaires d’Altkirsh, en Alsace. Un patelin pas tellement éloigné de la Suisse, dont la scène rock est en pleine ébullition. Ils retournent épisodiquement dans leur famille. Une fois par mois pour le batteur. Le guitariste, quand c’est possible. Cette situation est due à leur emploi du temps particulièrement chargé. Mais bientôt, ils vont retourner voir leur proches, dans le cadre des fêtes de fin d’année. Car les musiciens se sont installés à Lyon. Et pourquoi pas à Paris ? La raison est finalement toute simple… « En 2014, on a organisé notre propre première tournée. Elle était européenne. Personne ne nous connaissait. On avait 19 ans. On a accordé 15 concerts en deux semaines. A travers 8 pays. On a tout planifié seuls. On est parti de zéro. On a acheté notre propre van. On a ensuite eu l’idée de monter notre boîte, mais en y impliquant d’autres groupes. Et puis on voulait s’installer dans une ville. A l’époque on sortait de notre BTS, de nos études supérieures, si tu préfères. Et puis tout est arrivé assez naturellement. Nos petites amies partaient à Lyon pour y vivre. Et puis, on avait envie de rejoindre Holy Tool, le premier groupe avec lequel on voulait travailler. Une collaboration qui nous tenait vraiment à cœur. On savait que c’était en bonne voie et on voulait se rapprocher d’eux, tout simplement. Et puis Paris, on n’y a jamais songé, car c’est une ville beaucoup trop grande. Trop chère. A cause des loyers. On n’a jamais trop aimé la capitale. Lyon nous correspondait mieux. Tu es à 1h30 de Paris, en TGV. Et puis quand tu dis Paris, tu n’y habites pas vraiment. Tu vis en banlieue. Tu prends le RER et t’as le même temps de parcours. On n’avait pas de thunes et les loyers sont exorbitants. Rien qu’à lire toutes les annonces sur Facebook de celles et ceux qui cherchent un appartement, ça te donne une idée de la difficulté d’y dénicher un logement à prix abordable… »
C’est à Lyon que les musiciens ont créé leur propre structure ‘Cold Fame’, qui inclut un label indépendant, une agence de diffusion, de production et de concerts. La formation a signé des groupes français pour lesquels ils ont ressenti de bonnes vibrations. C’est dans leurs propos. Mais les invitent-ils régulièrement en supporting act de leurs concerts ? « Oui, ben ça arrive régulièrement. Regarde sur les dernières dates de la tournée française. On a joué 7 ou 8 fois en compagnie de Thé Vanille. Maintenant, c’est plutôt du domaine de la production de spectacles. Et justement Thé Vanille en fait partie. On a joué pas mal avec eux. On a lié nos deux tournées et au final on est dans le même bureau, donc on se connaît bien. Et puis pareil pour les petits nouveaux qui viennent d’arriver, Bandit Bandit. Ils se sont aussi installés à Lyon, et on a partagé plusieurs concerts avec eux. Demain, on clôture notre tournée en leur compagnie. Ils ont ouvert pour nous au Trianon. Ils accordent une grande importance à l’ambiance familiale. On est super potes et super proches, comme pour Holy Two. Et dès qu’on part en tournée, on les invite ou du moins on essaie de bloquer une date ensemble… » Mais suggèrent-ils également aux organisateurs de les engager ? « Ouais, ouais. Mais ce sont des deals qui sont plus techniques. On essaie d’être le plus possible avec nos potes, mais on noue aussi des relations auprès d’autres groupes. Parfois locaux ou internationaux. On a aussi partagé des tas de dates avec Théo, une formation qui ne relève pas de ‘Cold Fame’… »
Le groupe a signé un deal chez Barclay, lors de la sortie du premier album, ‘Weathering’. N’a-t-il pas eu l’impression de vendre son âme, à ce moment-là ? Mise au point ! « Non. On a travaillé avec Barclay ; on n’a pas signé chez eux ! C’était un contrat de licence. C’est-à-dire qu’on n’était pas un artiste Barclay. On était producteurs de nos propres disques, via Cold Fame, un label qu’on a créé en 2014. Nous gérions absolument tout, de A à Z. L’artistique, le financier… on payait même le studio. Pour le premier album, on a fait absolument ce qu’on voulait. On ne s’est rien refusé. La licence, c’est juste une exploitation du disque en France et même en périphérie. C’est de la diffusion quoi. Là où Barclay avait, à cette époque, une force de pénétration qu’on ne pourrait jamais avoir. Ce qui nous a permis d’être distribué plus largement et notamment dans les FNAC. Quand tu sors un album, tu as pour objectif de toucher le plus de monde possible. Humainement, l’entente était parfaite. Personne n’a été manipulé. On met un point d’honneur de toujours bien s‘entendre avec les gens en compagnie desquels on travaille. Et on les rencontre encore. On ne s’est pas brouillés ; d’ailleurs, on se rencontre encore. Mais voilà, pour le deuxième album, il a été décidé que la collaboration prendrait fin. De commun accord, car Barclay, c’est quand même une division d’Universal. On n’a pas vendu assez de disques à leur goût. Et on est reparti sur notre propre structure via Deaf Rock qui est celle du manager. On est aussi moins perdus dans une masse d’artistes. C’est juste une expérience formatrice qu’on a eue et on ne regrette absolument pas cette période. C’était super cool. Et on n’a pas eu l’impression de vendre notre âme… non. C’est nous qui étions maître du produit… »
Le groupe a déclaré qu’il puisait essentiellement ses influences au sein des 60’s et des 70’s. Peut-être ont-ils beaucoup écouté les vinyles de leurs parents… « Quand on a raconté cette histoire, c’était juste après la sortie du premier album. On a beaucoup pompé cette période. Depuis, on a évolué. Et puis, on n’a pas tout écouté ce qui était sorti à cette époque. Il y a trop de trucs. Aujourd’hui on est réceptif à davantage de musique contemporaine. On le ressent davantage sur notre second album. Nos parents n’étaient pas trop vinylophiles. Ils avaient des cds. Cette époque, on l’a découverte nous-mêmes, ensemble, au collège. On a matché ensemble. On y a découvert les sixties et les seventies. Les Beatles, notamment. Et pas seulement. Puis au fil des écoutes on en a conclu que ces groupes dont nos vieux parlaient, étaient vraiment trop bien. Aujourd’hui on n’écoute pas que de la musique issue des sixties et des seventies. On est ouvert à tout ce qui se passe. On n’est pas vraiment des rockers qui n’écoutent que du rock. Ça nous arrive d’écouter des trucs comme PNL ou Vald. Le dernier album de Vald, je l’aime bien, pas trop l’avant-dernier… » Pourtant la musique de Last Train est basiquement, fondamentalement rock, quand même… « Oui, oui. Mais quand tu fais du rock et que tu n’écoutes que du rock, tu te prives de sources d’inspiration. C’est judicieux de te nourrir d’autres courants musicaux. Lorsqu’on a entamé notre aventure vers 12/13 ans, on a fait du rock naturellement ensemble. C’est notre moyen d’expression et c’est ce qui explique pourquoi on continue à pratiquer ce style. Mais on essaie d’y intégrer plein de choses, plein d’influences. Même classiques. Un orchestre symphonique a d’ailleurs participé à l’enregistrement de notre dernier album et le disque recèle une chanson qui se limite au piano… » Engager un orchestre symphonique a dû coûter un point ! « Non, c’était une forme de partenariat, en fait. L’orchestre symphonique est composé de fonctionnaires de l’Etat. En tant que citoyen français, c’est dans le deal (rires)… »
Le groupe a déclaré qu’il n’existait plus beaucoup de groupes rock, aujourd’hui, de type guitare/basse/batterie/chant. Or, en Angleterre, une nouvelle scène, bien rock, underground, est occupée de s’imposer. Fat White Family et Girl Band ont ouvert la voie à des formations comme IDLES, Fontaines D.C., Squid, Shame ou encore The Murder Capital. Les musicos ne seraient-ils pas convaincus de ce retour en grâce ? Réaction : « Le phénomène se produit un peu partout, en France aussi. Deux ou trois ans plus tôt, on se sentait un peu seuls. Et puis plein de nouveaux groupes bien cool ont percé en même temps que nous. En France, il y a MNNQNS. On a joué pas mal avec Mankind sur cette tournée. Il y a Decibelles, aussi. Et The Psychotic Monks. Il existe une toute nouvelle scène et je me réjouis de voir que « Dogrel », l’album de Fontaines D.C. fait un carton partout en Europe et aux Etats-Unis. C’est un groupe irlandais, je crois. Du rock anglo-saxon très basique avec un accent pété et des guitares qui partent dans tous les sens, à fond… » Maintenant, les labels majors voient-ils ce retour du rock, d’un bon œil ou plus exactement d’une bonne oreille ? « On ne sait pas s’ils le voient sous cet angle et on ne croit pas qu’ils soient fermés au rock ; d’ailleurs si le mouvement vient du public, t’inquiète, ils seront là (rires)… » On peut toujours rêver, car on a parfois l’impression que le grand public ne fait plus tellement d’efforts pour découvrir autre chose que le mainstream. Une situation attribuée, selon les avis, aux médias, aux réseaux sociaux, à l’industrie musicale ou aux labels. La question mérite cependant d’être posée…
L’univers en noir et blanc semble fasciner Last Train. Mais est-ce celui de la photo, du cinéma ou de la BD classique ou des mangas. Du style Maroto, par exemple, même s’il joue sur les deux tableaux, couleur et noir et blanc… C’est Julien qui s’exprime : « Je commence à découvrir ce type de BD de temps en temps, ouais, c’est assez ‘abusé’. Je ne me souviens plus du nom du mec dont j’ai découvert des mangas. Il sort une planche tous les trois mois. Et il se demande s’il va finir sa BD, parce que le gars est vieux. Il a des problèmes de dos et parfois quand il sort une planche, c’est une véritable fresque. Comme si c’était une idylle. Tout est dans le détail. C’est super impressionnant. Mais je ne me rappelle plus très bien, car cet épisode date d’au moins 3 mois. Et je ne sais plus si c’était en noir et blanc, mais j’ai accroché de suite. Et tout cas, c‘est une découverte… Ce qui nous intéresse, c’est surtout la sobriété. Cet aspect intemporel qui nous tient à cœur et ce côté analogique pour le son et argentique pour la photo. Parce que quand tu captures, tu ne peux pas retoucher après. En fait, c’est moins noir et blanc côté intemporel, mais plus dans le côté essentiel de l’argentique et de l’analogique. Et dans la manière de travailler, Dan Levy (NDR : cinéaste, producteur et membre fondateur de The Dø), qui a aussi conçu la pochette, travaille beaucoup dans cet esprit. Ce qui au départ nous a un peu frustrés. Enfin, pas frustrés, mais plutôt effarés de voir sa manière de bosser en studio. Comme par exemple quand il ne réserve que 3 micros à la batterie. Ou quand il se consacre à une bande analogique sur laquelle tu retrouves cette batterie sur une tranche sans pouvoir la retoucher. Et tu te dis, wouaw, c’est assez trash quand même. On a eu du mérite, car comme je fais de la vidéo, la méthode est différente, quand même. Parfois, on se dit que ce truc-là, on ne va jamais pouvoir le modifier. Il met du delay sur une voix, et puis c’est terminé. Le numérique, en studio, c’est l’inverse et il peut te rendre cinglé. Tu ne finis jamais ton album, parce que tu peux toujours ajouter un truc. L’analogique, c’est fixe, c’est comme ça. Et puis comme on est perfectionniste, on essaie toujours de corriger le tir. Si tu travailles en numérique, l’album mettra plus d’un an avant de sortir (rires). Et finalement, ce qui est intéressant, c’est que la méthode analogique te permet de fixer plus rapidement tes idées. Les photographes célèbres qui travaillent en argentique ont souvent des résultats vraiment fantastiques. Un peu comme les images réalisées par les reporters de guerre… » Richard Bellia cherche à figer le moment, à travers l’argentique. Il shootait lors du concert de l’Epée, tout comme Ludo, notre photographe. Il s’occupe principalement de ce projet, ainsi que des Liminanas… « On pensait justement à lui. On l’avait rencontré. Il avait publié un bouquin de je ne sais plus combien de pages, réunissant tous les groupes qu’il avait immortalisé sur pellicule. Et nous, il nous a pris en photo, au moment où il éditait le bouquin. Dans le style, Hans Ruedi Giger aussi, fait des trucs de dingue… » Laurent, l’attaché de presse, intervient dans la conversation : « Richard, j’ai fait un shoot avec lui, pour un groupe belge. Il est venu de Lyon. On l’a chopé à la sortie du Thalys à Liège. Il est venu et il l’a quasiment fait pour rien. Mais quand il a débarqué, il pensait avoir emmené ses deux appareils avec lui, mais il en avait oublié un à Lyon. Aussi, on est allé en louer un… » Et le duo de poursuivre : « Et nous justement quand on l’a rencontré dans les loges, c’était en présence d’Anthony Doncque, le parrain d’un festival pour lequel il assurait un dj set en clôture... »
Le clip consacré à « The Big Picture » retrace sous forme de flashes, le parcours des musiciens, depuis leur enfance. On les y voit d’ailleurs, tout gosses. C’est Alain Baschung qui prend le crachoir : « C’est Julien qui a réalisé le clip, ouais. Cette vidéo est assez narcissique. D’ailleurs, on se voit beaucoup dedans. Très voyeur aussi. Notre dernier single, c’est ce titre qu’on dévoilait avant de sortir l’album. Et on avait envie de marquer le coup, de retour après une année et demie d’absence au cours desquelles plus personne n’avait entendu parler de nous. On a sorti deux titres. Dont ‘The big picture’, deux semaines avant l’album. La vidéo constitue, en effet, un gros condensé de notre parcours. De ce qui s’est passé et de ce qu’on est devenus. On y relève de grands écarts, aussi. On nous voit sous une tente, à l’époque où nous avions plus ou moins 14 ans. On était dans une colonie de vacances. Et juste après tu as une image de Laurent Joux, dans les arènes de nuit. C’est cette espèce de grand écart-là qui est marrant à voir. C’est comme une fresque. J’avais aussi bien aimé une des premières versions, dans laquelle il y a avait un message. C’est à la fois beau et angoissant regarder ces 4 gamins sous la tente et puis, peu de temps après, de les voir sur une putain de scène. C’est un peu comme dire à ses enfants, regarde ce qui va se produire, par la suite… »
En général, les paroles sont plutôt introspectives. Elles parlent d’amour déçu, de rupture et de douleur difficile à effacer. Serait-ce une projection imaginaire ou le fuit d’un vécu ? Dans un bel ensemble : « Beaucoup de vécu, ouais. Cet album là est vachement bien introspectif. Tout ne nous est pas tombé forcément sur la gueule entre le premier et le second album. Lors du premier on apprivoisait l’anglais. On a appris à rédiger des paroles. Ce qu’on ne savait pas forcément faire. Depuis on a écrit beaucoup de fictions ; ce qui met un peu de distance entre toi et ce que tu dis. Et sur le deuxième album, c’est beaucoup plus introspectif.
En lisant l’article consacré à l’album ‘The big picture’ sur Musiczine (voir ici), les deux musiciens hochent la tête, en guise d’approbation ; puis soudain, ils éclatent de rire. En cause, le terme outre-Quiévrain glissé dans le texte. Ils ne connaissaient pas du tout son sens étymologie et ont simplement ajouté qu’ils en toucheraient un mot à leur sponsor…
(Photographie : Ludovic Vandenweghe)
Depuis le 20 novembre dernier, l'ADAM (Brussels Design Museum) présente ‘PUNK GRAPHICS’, une exposition explorant le langage visuel singulier enfanté par le mouvement Punk, au cours des années '70 et identifié jusqu’au milieu des années '80. Pour être plus précis, on devrait parler de ‘Punk, Post punk et New-Wave Graphics’, car cette esthétique a également servi de véhicule visuel pour les mouvements apparus dans le sillage du ‘No Future’ de 1977. À travers des centaines d’images iconiques, le visiteur peut découvrir l’influence durable du mouvement punk sur le graphisme mainstream. Organisée par thème plutôt que par artiste, cette exposition quadrille l’histoire du punk pour explorer diverses techniques graphiques, comme le rôle des images appropriées ou empruntées, l’utilisation du collage et du montage ou encore les méthodes DIY des flyers et des zines. Musiczine a rencontré David Vermeiren, curateur de l'expo belge.
David, merci pour cette interview. Cette exposition est, à l'origine, bien américaine ?
David Vermeiren : Oui, elle a été présentée d'abord au Cranbrook Art Museum, près de Detroit et ensuite au Museum of Arts and Design (MAD) de New York. Elle s’appuie sur la collection d’Andrew Krivine, un banquier d’affaires new-yorkais qui a été le témoin privilégié de la naissance du mouvement punk. C'est Andrew Blauvelt, directeur du Cranbrook Art Museum, qui a sélectionné 500 pièces pour créer l'exposition. Pour ma part, j'en ai ajouté une série provenant de collectionneurs belges.
Comment peut-on caractériser cette esthétique Punk ?
D.V. : C'est une esthétique qui reflète l’attitude 'anti-système' de la culture Punk. Elle privilégiait une pratique DIY (‘débrouille’) et ‘artisanale’ alors même que le secteur graphique professionnel s’ouvrait aux outils informatiques. Les musiciens créaient leurs propres affiches et pochettes de disques, tandis que les fans confectionnaient flyers et fanzines à l’aide de machines à écrire, mais aussi en découpant des lettres dans les journaux et magazines.
L'esthétique Punk était aussi coutumière d'une une forme de plagiat, d'appropriation ?
D.V. : Oui, il existait une grande liberté d’inspiration. Elle puisait dans toutes les formes d’art ; la culture pop, la BD, les romans populaires, la science-fiction, les films d’horreur... Le collage était la technique de référence.
Comme, par exemple, sur la pochette de « Anarchy in The UK » des Sex Pistols...
D.V. : Oui, c'est une pochette réalisée par Jamie Reid, en 1976. L’image empruntée reste parfois telle quelle. C’est le cas du diagramme des ondes sonores d’un pulsar repéré dans un manuel d’astronomie et utilisé par Peter Saville pour l’album « Unknown Pleasures » de Joy Division ou de nombreux portraits de célébrités utilisés sur les pochettes des Smiths.
Les artistes Punk reprenaient également des images de la propagande communiste, comme par exemple sur la pochette de l'album « Sandinista ! », de The Clash...
D.V. : Oui, l'objectif était de montrer une image choquante pour susciter une réflexion. Des images de guerre ou de films d'horreur étaient également employées. Pour le mouvement ‘Rock Against Racism’, lancé après les déclarations racistes d'Eric Clapton, en 1976, le groupe s’est servi de l'étoile à 5 pointes, créée à l'origine par un graphiste russe, Lazar Lissitzky, dans les années 30.
Plus tard, ces techniques DIY se sont professionnalisées pour se transformer en un style largement diffusé...
D.V. : Oui, au début des années '80, on l’observe sur les pochettes d'OMD ou de New Order. Ici, l'influence vient surtout du Constructivisme, avec ses formes géométriques radicales.
Abordons la partie belge de l'exposition. Vous avez pu avoir accès à la collection d'Annick Honoré, je crois ?
D.V. : Oui, pour ceux qui ne la connaissent pas, Annick était journaliste et elle s'occupait de la programmation des concerts du Plan K, la salle de concert mythique située à Molenbeek. C'est elle qui a permis à Joy Division d’y jouer, en octobre 1979 et en janvier 1980. Elle a aussi co-fondé les Disques du Crépuscule et Factory Benelux. Elle est malheureusement décédée il y a 5 ans. Tout au long de sa carrière, elle a accumulé des archives, auxquelles nous avons eu accès grâce à la précieuse collaboration de sa fille, Sasha Vernaeve.
Annick était une femme extraordinaire. J'ai eu la chance de la connaître un petit peu. Elle nous a quittés beaucoup trop tôt. Quels sont les autres contributeurs pour la partie belge de l'expo ?
D.V : A côté d'Annick, il y a Arno Arnouts, Lieven De Ridder, qui a livré les pochettes de disques...
C'est Lieven de Ridder, du label Walhalla Records ?
D.V. : Exactement. Il y a aussi Touki, de Belgian Waffles Records, Etienne Vernaeve, le père de Sasha, Ruud Martens, Patrick Lemin, Christophe Malfliet et, enfin, Kloot Per W, qui a fourni les fanzines. A l’époque, il avait participé à l’aventure de Polyphonic Size.
Quelle est la caractéristique du graphisme Punk en Belgique ?
D.V. : Le Punk était une petite scène en Belgique. Le mouvement a véritablement commencé au festival Jazz Bilzen en 1977, quand The Damned et Elvis Costello s’y sont produits. Soit l’année au cours de laquelle est paru le premier album de Hubble Bubble, avec Plastic Bertrand dans le line up. A la même époque, l'Ep de Chainsaw, « See Saw », est également sorti. Et l'année suivante, le premier elpee –éponyme– des Kids. On expose d'ailleurs une photo de leur concert immortalisée au festival Jazz Bilzen, en 1978.
A cette époque, la Belgique était, je crois, à la pointe de l'avant-garde grâce, entre autres, à la proximité géographique et culturelle avec l'Angleterre.
D.V. : Oui, le fait d'être un petit pays nous a donné une plus grande capacité d'ouverture. Le Plan K, par exemple, était un lieu culturel unique en Europe. Nous exposons d’ailleurs de nombreux posters du Plan K, mais aussi de l'Ancienne Belgique, du Beursschouwburg, etc. Il y a également des flyers DIY en noir et blanc, parfois écrits à la main. Les posters du Plan K sont, eux, plus professionnels. Ils présentent bien souvent des créations d'artistes renommés, comme celles de Jean-François Octave, qui utilisait, lui aussi, l'esthétique constructiviste.
Pour clôturer, quel est la pièce que vous préférez dans l'exposition ?
D.V. : C'est un poster de Peter Saville, réalisé pour New Order.
Merci !
L'exposition ‘Punk Graphics’ est ouverte jusqu’au 26 avril 2020, à l'ADAM Museum de Bruxelles (Heysel).
Merci à David Vermeiren, ADAM Museum et BE CULTURE.
Véritable révélation sur la scène pop synthétique francophone, la Suissesse Sandor aime cultiver l'ambiguïté. D'abord, son nom est emprunté à une comtesse hongroise du XIXème siècle qui a adopté le genre masculin ; une pionnière transgenre, en somme. Et le côté androgyne est bien sûr présent dans le personnage de la chanteuse valaisanne. Ainsi, dans le très explicite « Tu Disais », elle adopte tour à tour les points de vue narratifs masculins et féminins, avec un réalisme étonnant et des mots très crus. Autre ambiguïté : le mélange du sombre et du lumineux. Il y a quelque chose de la froideur 'new-wave' dans le premier opus de l'artiste valaisanne. Les synthés sont omniprésents et les arrangements font écho à Eurythmics, Rita Mitsuko, Niagara ou Mylène Farmer. Ce côté 'dark' constitue un exutoire pour cette institutrice de formation qui incarne Virginie le jour et Sandor, la nuit (NDR : pardon pour le jeu de mots).
Musiczine a rencontré la chanteuse lors d'une journée 'promo' organisée à Bruxelles. L'occasion de boire un thé maison sur la terrasse ensoleillée du Belga, en sa compagnie...
Comment définirais-tu ta musique ?
Perso, je n'aime pas définir le style de musique qui me correspond. Je laisse ce soin aux autres…
Tu accepterais le terme 'Pop synthétique' ?
Oui, bien sûr !
En y ajoutant un côté plus sombre, un peu 'new-wave', combiné à une tradition de la chanson française ? Dans l’esprit de Niagara, Eurythmics voire même Mylène Farmer ?
Effectivement. J'ai pas mal écouté de la chanson française au cours de mon enfance. Mes parents appréciaient Gainsbourg, Barbara, etc. Mon père s’intéressait plutôt au jazz et ma mère était plutôt branchée par la musique des années 'hippie', comme Melanie... Mais quand j'ai entendu Mylène Farmer, au début, j'ai été fascinée par les arrangements, surtout par les intros des morceaux, parce qu’elles étaient truffées de bruitages, de pleurs de bébés, de cris...
Vous partagez aussi un côté sensuel et même carrément sexuel...
Oui, ses textes étaient souvent provocants. J'aime ce côté direct, tout sauf réconfortant. Et c'est pourquoi je préfère les sonorités chaleureuses, dans le mastering, afin de contrebalancer les plus froides...
Le son de l'album est d'ailleurs très bon, ample et profond. Et les arrangements sont superbes.
Pour la plupart, ils sont signés par Jérémie Durciel.
Ils révèlent une richesse et une subtilité remarquables. Tu lui as dicté des consignes ?
Oui. C'est très facile de travailler avec lui parce que notre entente est parfaite. Je lui suggérais des ébauches et ensuite, il me renvoyait ses démos afin que j’exprime mon opinion. On a tenté de nombreuses versions avant d’obtenir le bon 'son'.
Tu as rencontré des problèmes pour « Tu Disais » ?
Oui. La chanson a été censurée sur les ondes radiophoniques, en Suisse. Quand elle a été diffusée la première fois, des plaintes ont été enregistrées. C'est étonnant parce qu'en fait, c'est simplement une chanson d'amour.
Ce sont les mots, très crus, qui choquent certaines personnes. Tu as envisagé de sortir une version édulcorée ?
On y a pensé mais finalement, j’ai abandonné l’idée. Ce serait dommage de dénaturer le propos. 30 ans plus tôt, des artistes comme Gainsbourg, Rita Mitsuko ou même Desproges jouissaient d’une totale liberté de ton. Aujourd'hui, on est soumis à davantage de contrôle. D'un côté, c'est judicieux, car le système permet de combattre les propos racistes ou homophobes mais d'un autre côté, on assiste à une radicalisation par rapport à la sexualité. Pourtant, on peut parler de sexe sans que le sujet soit obscène.
Ce côté explicite, un peu 'in your face' est familier au rap, surtout dans « Ange Gardien ».
Oui, surtout à cause du rythme. Le tempo est lent. Libé a baptisé « Tu Disais » de chanson 'rappeuse'.
Intéressant, tu incarnes parfois le rôle d'un homme dans tes chansons.
J'aime jouer sur cette ambivalence. Les chansons ont pour objectif de s’adresser à tout le monde. C'est aussi la raison pour laquelle j'ai opté pour ce nom, Sandor. Il me permet d'exprimer mon profil masculin.
As-tu l’impression de surfer sur cette vague de chanteuses francophones très féminines et un peu androgynes, impliquant, par exemple, Jeanne Added, Fishbach ou Clara Luciani ?
Oui. On relève de la même génération. On nous a inculqué les mêmes références au cours de notre enfance. Et on se laisse porter par elles sans avoir peur, sans complexes.
Tu connais bien la Belgique ?
Je me suis déjà produite dans le cadre des Nuits Botanique et ensuite, je suis revenue à la Rotonde et au Reflektor, à Liège, en compagnie de Juliette Armanet.
Tu retravailles tes morceaux pour le 'live' ?
Oui. Pour les rendre plus énergiques qu'en studio. Je me consacre à la guitare électrique pour que le son soit plus rock. On y intègre même des solos de guitares.
Y compris le son disto et tout ?
Bien sûr ! J'adore le rock des années '70 façon Led Zeppelin ou Deep Purple.
Et tu parles au public entre les morceaux ?
Au départ, cette démarche était difficile pour moi. Comme je suis d’un naturel très timide, j'ai écrit « Je ne sais pas parler », justement pour évoquer ce malaise. Quand je m’exprime entre les titres, j'ai l'impression de quitter le personnage de Sandor.
Il faudrait peut-être écrire des petites saynètes théâtrales, qui mettraient Sandor en scène.
Oui, ce serait une bonne idée. J’incarne déjà un personnage spécifique, grâce à un look androgyne et une coupe de cheveux particulière. Sandor constitue mon alter-ego intérieur qui se dévoile sur scène.
Là, ce n'est plus l'institutrice ! (rires)
Non ! Sur les planches, je lâche les chiens ! Et cette dualité dans la vie m’équilibre...
On attend impatiemment le prochain concert de Sandor en Belgique. Peut-être à la Rotonde du Botanique, en octobre. A confirmer ! En attendant, l'univers fascinant de la chanteuse sur son album éponyme est à découvrir ici
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