On ne pèse pas grand-chose dans ce bas monde, à voir le peuple qui vous submerge de tous côtés, sous un soleil de plomb, sur une plaine perdue près de Leuven, à regarder Brian Molko chanter ses simagrées. Il en faut du courage pour braver la fatigue, la déshydratation, les décibels, la file d'attente pour boire une douche, et 1h30 de Muse. Oui, se taper quatre jours de Rock Werchter s'avère un sacré challenge. Météo : 30 degrés en moyenne. Et 80000 personnes par jour, assises, couchées, debout, partout. Ajoutez à cela la somme d'argent exorbitante à dépenser pour y participer, et 'l'événement rock de l'année' ressemble de plus en plus à un élevage en batterie de poules pondeuses. Heureusement, il n'y a pas eu de morts à Werchter, et ce grâce à la générosité des organisateurs qui ont bien voulu mettre cinq (…) robinets d'eau à disposition de leur très cher public. 'Eat your money and die !' : voilà qui ferait un bon T-shirt de festival, en taille « Girly », XS, S, M, L, XL et XXL. Espérons que Live Nation y pense pour l'année prochaine, et d'ici là…
… Bon vent à toi, le vent ! Nous te remercions pour tes brefs allers et venues. Tu as sans doute sauvé des vies de la combustion instantanée. Le soleil ? Tout le monde croyait qu'il allait un jour s'en aller, nous foutre la paix pour de bon, mais non : à peine quelques mètres carrés d'ombre de 12h00 à 16h00, près des toilettes et face à la Main Stage, bref dans des endroits où se tenir debout tient quasiment de l'impossible. Merci le soleil ! Et c'est là qu'on ne pige pas Mister E., alias Eels, qui porte une combi de plombier, un bonnet et une grosse barbe, alors qu'il fait (au moins !) 40 degrés. Entouré d'un bassiste burineur, d'un batteur à l'air hagard et d'un faux garde du corps à la moustache velue, Mark Everett enchaîne vieux tubes (« My Beloved Monster », « Mother Mary »), covers (Tom Waits, Screaming Jay Hawkins et Sinatra) et boogies frelatés sans avoir l'air de souffrir de la température. Etrange 'rock show' (la cover de Peaches) d'un type qui se fout du business, face à des gens qui cuisent comme des cocottes-minute.
… Bon vent à toi, funk soul brother ! Kanye West s'en plaignait : où est le hip hop à Werchter ? Nulle part, ou presque (The Streets ? Damian Marley ? Atmosphere ? Sean Paul ? Matisyahu ?), et l'on ne parle pas de la black music en général… La bonne nouvelle en ce dimanche de feu (le soleil, pas l'affiche), c'est qu'il y a Bettye Lavette et Leela James qui se succèdent sous la Pyramide. Ce qui est une deuxième bonne nouvelle en ces heures de zénith (Pyramide = ombre). Deux chouettes prestations, pleine de bonne humeur et de groove, qui nous feraient presque oublier l'annulation en dernière minute de Kelis… Si Bettye Lavette n'est plus toute jeune (la cinquantaine bien frappée), elle a le 'soul power' et dans la voix une tendresse éternelle que l'âge ne saurait faire mentir. Quand elle chante 'He made a woman out of me', on frémit malgré sa ménopause, d'autant que l'écrin musical au sein duquel elle se love rappelle les belles heures de Motown et de Stax. Un concert tout en volupté, à l'heure de la digestion et de la crème solaire. Leela James, elle, pourrait être sa fille, et forcément son funk soul transpire davantage sous les aisselles : sur le mode Aretha Franklin (alors Bettye serait Billie), la jeune Américaine balance la sauce avec l'élan de celle qui a tout à gagner, puisqu'en Europe peu de gens pour l'instant la connaisse. Et d'inviter tout le monde sur scène pendant le festif « Rain », dans l'espoir qu'une petite nuée réponde elle aussi à l'appel et nous épargne l'insolation forcée. 'I'll be back next year, you're amazing !', criera-t-elle à la fin de son show, impressionnée par l'accueil du public. L'ambiance, comme au concert de Vitalic, aura certes pris le dessus sur la musique elle-même (du soul funk sans grande surprise), mais c'est déjà ça de gagné à voir les tronches des gens couchés dehors, sous le soleil exactement.
… Bon vent à toi, l'électro de salon ! Sauf que là on est à Werchter, et il n'y a toujours pas d'air conditionné ni de frigo à l'horizon, mais un type au crâné rasé (Bugge Wesseltoft), un Français bien connu (Laurent Garnier) et un saxophoniste en chemise (Philippe Nadaud). Connu d'abord pour ses tubes (« Crispy Bacon », comme tout le monde après quatre jours de festival) et ses mixes techno, Laurent Garnier tente depuis « Unreasonable Behaviour » de prouver qu'il n'est pas qu'un as du BPM. D'où le trip néo-jazz, les morceaux sans gros kick qui ne démarrent jamais, et l'ennui qui s'installe si l'on attend le climax. Pour remuer des jambes, fallait donc repasser… A part pendant le final : un « The Man With the Red Face » libérateur, quoique encore mou du genou.
… Bon vent à toi, la « Sunday Night Fever » ! A croire que les gens avaient besoin de se lâcher, une fois la soirée entamée, pour évacuer ce sentiment de torpeur dont la seule cause est un astre jaune, énorme, et qui nous donne la vie en même temps qu'il la plombe. A croire que les Scissor Sisters étaient là au bon endroit au bon moment, et qu'ils écoutent encore les Bee Gees (comme John Frusciante !) et Elton John. A cinq, ils ont donné le meilleur concert de ce festival. D'excellents musiciens. Au chant un duo mirifique (Ana Matronic/Jake Shears) et des tubes qui fédèrent l'homme et la femme qui sont en chacun de nous. « Take Your Mama » en ouverture donne le ton : un truc de ouf, une ambiance géniale, le plaisir sans œillères. Sur « Laura » c'est encore mieux, et on ne parle pas de « Comfortably Numb ». 'You're the best crowd we've ever seen !', dira même la plantureuse Matronic, pas peu fière de l'extase collective dont elle est la maîtresse. Mieux encore : même les nouveaux titres, d'un album (« Ta-Dah ! ») dont la sortie est prévue pour septembre, s'avèrent déjà des hymnes. A l'applaudimètre les New-yorkais ont fait péter tous les records de ces quatre jours (en même temps c'était pas difficile), comme quoi le disco, celui de Bobby O et d'Orlando, respire encore. Quelle fête !
… Bon vent à vous !
A la fin, il y avait Depeche Mode. Un peu empâtés. Un Gahan en petite forme, un Gore un peu mièvre (« Home » et ses violons synthétiques), et puis le mystère Fletcher (joue-t-il vraiment ou fait-il semblant ?). Quant au son, lui aussi manquait de corps et de puissance : un déficit qui plombera des titres comme « I Feel You », « Question of Time » et « Walking in My Shoes », pour le coup d'une mollesse affligeante. On sauvera du lot le refrain de « Personal Jesus » scandé par des milliers de personnes, un vieux truc rare en live (« Photograph ») et le grandiose « Never Let Me Down Again » en clôture. Sinon c'était soirée karaoké, sauf que personne chantait. Pas glop. The End.
Le premier jour, il y eut beaucoup d'appelés, mais peu d'élus...
Fort d'une première expérience, vécue l'an dernier, au cours de laquelle il a rencontré de multiples problèmes d'organisation, l'Octopus avait tous les atouts en main pour que cette seconde édition soit une réussite : une équipe bien préparée et une promo bien réussie faisaient même souffler un vent d'optimisme sur cet événement. Malheureusement, on ne peut pas dire qu'il se soit soldé par un succès de foule. Et il faut admettre qu'on ne s'est pas bousculé devant les scènes. Une explication ? Le festival est programmé après ceux de Werchter et de Dour ; et avant celui du Pukkelpop. Trois rendez-vous devenus incontournables en Belgique, dans le domaine de la pop et du rock. Les bourses ne sont pas sans fond. Mais si les poches des festivaliers sont presque vides fin juillet, il faut aussi reconnaître que l'Octopus manquait cruellement d'une grosse tête d'affiche... En outre, une bonne partie des artistes ou groupes invités s'était déjà produite lors des premiers festivals d'été. Et pourtant, c'est une des seules manifestations du style qui permet d'assister à l'ensemble de la programmation...
L'Octopus privilégie le rock. Il s'est donc ouvert par une formation très représentative de ce style : The Arrs. Très peu connue chez nous, elle pratique un néo-métal particulièrement redoutable. Nonobstant un site quasi désert, elle a accordé un set d'une bonne demi-heure, de très bonne facture, parvenant même à déclencher un petit 'pogo' au sein du maigre public. De quoi se réchauffer...
Pendant tout le festival, les spectateurs sont arrivés au compte-gouttes. Place à Curtiss, ensuite, qui avait investi la deuxième scène. Un combo issu du Sud de la France qui signait ici son seul passage en Belgique. Responsable d'un premier EP assez surprenant, dont ils ont d'ailleurs interprété l'intégralité, ils ont été accueillis avec enthousiasme par jeune public nivellois. D'ores et déjà, on peut affirmer qu'il s'agit d'une des découvertes de l'année 2006 !
Grand National était un des groupes les plus attendus du week-end. Sa présence était même plus qu'incertaine. Il n'était pas libre le samedi et avait décidé d'annuler sa prestation pour finalement accepter de se produire le vendredi. Malheureusement l'information semble être mal passée. Ou beaucoup trop tard. Uniquement trois guitares de front. La formation va passer ses tubes en revue : de « Playing the distance » à « Cherry Tree » en passant par « Peanut dream ». Sans oublier la cover du « Message in a bottle » de Police. Et manifestement la voix de Rupert Lyddon est très proche de celle de Sting. La formation londonienne y a démontré toute l'étendue de son talent...
Le soleil est encore au rendez-vous lorsque Vegastar monte sur le podium. Ces rockers de salon attirent surtout les jeunes adolescentes. Chez Vegastar, tout est étudié : depuis le look jusque la musique. Et les règles du marketing y sont scrupuleusement respectées. Ils ont donc joué toutes les plages de leur album. Sans oublier leur morceau phare « Au centième étage ». Et leur prestation alors ? Ni mauvaise, ni bonne. Tirez-en donc les conclusions qui s'imposent.
La pluie fait son apparition lorsque Pierpoljack ouvre son set. Il est en constante interaction avec le public. Impossible de rester de marbre lorsque, les pieds dans le sable, des airs de reggae aussi contagieux vous invitent à la fête. Le chanteur avait promis que la pluie cesserait à la fin de sa prestation. Sa prédiction s'est révélée exacte...
Toujours pas fatigué, nonobstant sa participation aux Francofolies de Spa, Mass Hysteria a célébré le retour de l'astre solaire. Et ils ont mis le feu !!! Pour leur dernier concert de l'année, ils ont embrasé l'audience qui s'est littéralement déchaînée. Et le groupe ne l'était pas moins. Ils ont aligné la quintessence de leur répertoire : « Respect to the dance floor », « L'effet Papillon » et surtout le fameux « Donnez-vous la peine ». Un morceau qui prend toute sa dimension en 'live'. Une véritable bombe sonore au cours de laquelle tous le musiciens bondissaient en même temps. Ce qui n'empêche pas Mouss d'injecter dans les chansons des textes engagés. Des lyrics qu'il interprète avec grande conviction. Une chose est sûre, le public semblait ravi. C'est d'ailleurs au cours de leur show qu'il a le plus déménagé. Un regret, leur set-list est quasi identique à celle de l'album « Live at Montréal ».
Et puis direction l'autre scène pour aller applaudir Nashville Pussy. Des applaudissements amplement mérités pour ces Ricains dont la musique semble directement inspirée par Motörhead. Ils ont une pêche d'enfer. Et leur show est explosif. En outre, tous les regards des mâles convergent vers la guitariste. Particulièrement sexy, elle arbore un décolleté profond. Et l'engouement suscité par la rockeuse auprès des photographes masculins en est la plus belle démonstration...
Therapy ? s'était fait plutôt discret depuis la fin des nineties. Il vient cependant de commettre - enfin - un nouvel album, « One cure fits all », une œuvre qui n'a sans doute pas retrouvé toute l'intensité de leurs débuts, mais dont le niveau est quand même plus qu'honorable. Nonobstant cette petite parenthèse, ouverte dans leur carrière, le combo irlandais n'a pas perdu la forme. Il est parvenu, en deux temps trois mouvements, à mettre le public dans sa poche. Un public qui chante, crie et se trémousse. Impossible de rester en place à l'écoute de « Church of noise » ou « Die laughing ». Et surtout de « Nowhere » morceau qui a clôturé un set, ma foi, fort agréable ... Toujours aussi allumé Andy Cairns, est même parvenu à entrer en complète interaction avec les plus jeunes spectateurs. Et je dois avouer avoir été heureux de le revoir aussi pétillant, après autant d'années d'absence...
Nostalgie, nostalgie : Front 242 et Louis Bertignac étaient les têtes d'affiches de ce vendredi. L'ex-leader du groupe Téléphone a déçu. Par sa prestation d'abord. Pas exceptionnelle pour un sou. Fatigante, même. Et qui a commencé avec plus de 30 minutes de retard. Motif ? Il exigeait d'être payé avant de monter sur les planches. Non seulement ce Monsieur a le gros cou, mais en outre, tout au long de son spectacle, il s'est contenté de se dorer la pilule. La honte ! Et la foule lui a bien rendu ce manque de respect.
Les papys font de la résistance. Front 242 par exemple. Qui apparemment en a encore sous le coude. Comme par enchantement, le public avait vieilli de 20 ans pour suivre l'unique date du mythique groupe belge. Malgré le poids des années, il continue d'assumer. Même les plus jeunes ont été emballés par leur prestation. Un set accordé dans la pure tradition hybride, au cours duquel on a eu droit aux inévitables « Rhythm of time » ou encore « Animal ».
Ezekiel et Joshua ont conjugué leurs talents de guitaristes pour clore la première journée. Mais plutôt las, le public avait plutôt envie d'aller roupiller...
Le deuxième jour, l'Octopus s'est réveillé sous les rayons du soleil…
Bien plus de monde, ce samedi. A la même heure que la veille, on dénombrait plusieurs milliers de festivaliers en sus !
Il revenait à Marvin Marvin de donner le coup d'envoi de cette deuxième journée. La formation parisienne en était à sa troisième apparition en Belgique. Et il faut reconnaître que leur set de 30', constitué des meilleurs fragments de leur opus, a fait mouche. Essentiellement inspirée par Blur et Radiohead, leur musique ne maque pas de charme. Et le public leur a réservé un accueil chaleureux.
La musique de Sidilarsen (NDR : un ensemble issu de Perpignan !) agrège néo-métal, reggae et electro. Et sur scène, la formation pyrénéenne pète littéralement des flammes. De leur répertoire, des morceaux comme « Fluidité », « Surhomme » ou encore « De temps à autre » passent vraiment bien la rampe. Un moment très apprécié par le public, il faut le souligner...
Le ska-reggae des 100 gr de têtes (NDR : encore des Perpignanais !) met de l'ambiance sur le site et du soleil dans le cœur des festivaliers. Une passion que le combo est parvenu à communiquer à la foule. Et pour cause, au fil de leur concert, le public est devenu chaud, puis fiévreux et enfin bouillant. Résultat des courses : il bougeait dans tous les sens.
Une ambiance qui est encore montée d'un cran lors du passage de Kill The Young. Très pro, le trio anglais a fait un tabac. Leur prestation a incité les festivaliers - de plus en plus nombreux - à danser. Notamment devant la scène. Les frères Gorman on le vent en poupe dans l'Albion ; mais après avoir envahi nos ondes radiophoniques, ils ont décidé de se produire le plus souvent possible sur notre territoire. Et il faut reconnaître que leur rock endiablé fait recette. En particulier lors de titres tels que « Addiction », « Origin of illness », « Fragile » ou encore « Radio ».
Véritable chouchou du public lors de cette deuxième journée, Montevideo est responsable d'une solution sonore essentiellement préparée à base de rock. 2006 est leur année : un album et puis la participation à la majorité des festivals estivaux du pays. Originale, leur musique est épisodiquement traversée, tantôt d'un clavier electro élégant, tantôt d'une trompette fugitive. Et puis les musiciens manifestent une sympathie contagieuse.
Aqme s'était déjà produit lors de la première édition de l'Octopus. La formation était donc très attendue par les Nivellois. Et elle n'a pas déçu ses fidèles aficionados. En particulier les jeunes ados, particulièrement sensibles à ce style de musique… très accessible, pour ne pas dire commerciale. N'empêche, tout au long de leur set, ce public était vraiment déchaîné...
La Ruda a signé la prestation la plus festive de tout le week-end. Le public était véritablement survolté. Un moment privilégié au cours duquel le public a chanté, s'est défoulé, a pris du bon temps, a fait la fête. Comme quoi, le ska a encore de beaux jours devant lui...
Entre rap, rock et techno, Enhancer est un véritable cauchemar pour les photographes. On ne parvient même pas à déterminer leur nombre. Ils ont plus d'une dizaine, c'est sûr. Dont trois chanteurs qui bondissent dans tous les sens et des danseuses. Encore une fois, c'est la frange la plus jeune du public qui s'est montré la plus réceptive. En vérité, ce set m'a paru plutôt brouillon ; et il fallait vraiment être fan pour accrocher...
Keaton Simons est américain. Agé de 26 ans, c'est également un ami de Ben Harper. Pas étonnant que son style soit proche du Californien. Au cours de ce remarquable concert, il a interprété quelques titres de son premier opus, dont les excellents « Exes & whys » et « Nobody knows ». Sa prestation cinq étoiles a séduit l'ensemble du public. Toutes générations confondues. Ce virtuose de la guitare est à l'aube d'une très belle carrière internationale. Ceux qui ont eu le bonheur de le découvrir à l'Octopus peuvent en attester...
La suffisance de Sinsemilia agace. Peu convaincants, il se sont quand même rappelés à notre bon souvenir en interprétant leur compo la plus notoire : « Tout le bonheur du monde ». Une grosse déception !
Stupeur et effroi : Punish Yourself a achevé le journée du samedi en accordant une show aussi théâtral que celui d'un Rammstein. Leur musique brûle d'ailleurs dans le même enfer sonore que celui des Allemands. Une différence ; mais elle est de taille : il n'ont pas le même talent ! Ce qui n'a pas empêché le public d'ovationner leur spectacle particulièrement coloré. Et puis le groupe de marquer les esprits.
Le troisième jour, l'Octopus a embrassé une affiche presque exclusivement belgo-belge…
Et la foule d'affluer lors de cette journée de clôture. De doubler même ! Une mauvaise nouvelle quand même : le désistement d'Ozark Henry. En coulisses (NDR : pardon, en backstage), filtrait une info par laquelle son cachet n'avait pas été honoré dans les délais impartis. Raison pour laquelle, il avait décidé de ne pas se déplacer. Il a donc fallu déchanter…
Vainqueurs du dernier concours 'Inc'rock', Ravenne a entamé les réjouissances du dimanche. Un groupe local, puisque tous ses membres sont issus de la région de Nivelles. Leur rock allie puissance, élégance et précision. Raffinés, rédigés dans la langue de Molière, leurs textes libèrent une fameuse dose d'émotion. Pour l'instant, le band est occupé de terminer l'enregistrement de son deuxième album, dont il interprète déjà une bonne partie en 'live'. A revoir absolument !
Pornorama est un ensemble issu du nord du pays. Les mélodies sont limpides. Leur rock séduisant. Et leur set, s'est avéré, ma foi, de bonne facture.
Une bonne surprise : Elvis Ghettoblaster. Des Bruxellois drivés par un chanteur complètement déjanté. Un personnage capable de mettre une ambiance pas possible. Cependant, les spectateurs sont restés sur leur faim. Motif ? La régie a coupé unilatéralement le courant avant la fin des hostilités. Pas très cool, même si on comprend que le planning doit être respecté...
Encore une révélation du rock noir jaune rouge : The Tellers. Leur line up réunit également les musiciens les plus jeunes du festival. Ce qui ne les empêche pas d'afficher un très grand professionnalisme, pour leur âge. Sculptées dans le pop rock, leur compos sont d'ailleurs fignolées à l'extrême. A l'instar des titres de leur premier EP qu'ils ont, bien sûr, exécutés. Et en particulier « More », « I lie » et surtout le fameux « Jacknife » que vous avez certainement déjà eu l'occasion d'écouter ou d'entendre sur l'une ou l'autre station radiophonique. Honnêtement, il faut admettre que ce combo est promis à un bel avenir...
Originaire du Brabant flamand, Elysian figurait également parmi les découvertes du festival. Pourtant ils ont déjà commis deux albums dont le dernier, « Blend » est paru début de cette année. Tout en subtilité et sophistication, leur pop/rock ne maque pas d'allure. Et la conversion en 'live' est tout aussi soignée. D'ailleurs des morceaux comme « Confidential information » et « Nothing's changed » dévoilent alors toute leur splendeur. Une prestation de toute bonne facture.
Auteur d'un nouvel album, voici quelques semaines, Yel a également enregistré l'arrivée d'un nouveau bassiste. Les Hutois sont doués, c'est manifeste. Ecrits dans la langue de Voltaire, les lyrics dégagent énormément de puissance et d'émotion. Des morceaux comme « Sans idéaux » ou « Est-ce que tu l'entends » en sont les plus beaux exemples Malheureusement, le chanteur est en petite forme et n'a pas le rayonnement habituel. Quelques fausse notes vont même ternir un set à oublier au plus vite. Car Yel est capable de beaucoup mieux. Ce n'est sans doute que partie remise...
Sur les planches, Malibu Stacy est particulièrement percutant. Bien plus que sur disque. Et il l'a une nouvelle fois démontré lors de son passage à l'Octopus. Un show énergique, au cours duquel on a bien sûr eu le plaisir de savourer leurs incontournables tubes «LosAngeles » et bien sûr « Sh sh » !!!
Chapeau bas à Janez Detd. Non seulement il a accordé un concert mémorable en parvenant à faire 'jumper' la foule, nonobstant la drache nationale qui s'était mise à tomber et la bagatelle de quatre coupures de courant. Mais en plus, à l'issue de chaque interruption, la formation est remontée sur les planches le sourire aux lèvres et en pleine forme. Et pourtant, vu les circonstances, il était en droit de se plaindre voire de râler. Leur punk-rock énergique frise parfois le délire. Les covers sont nombreuses. Une chose est sûre, le public vibre. Et a applaudi et salué comme il se doit la performance de ce groupe...
Eté 67 sillonne les festivals belges et du sud de la France depuis plusieurs mois. Aussi, on les sent fatigués et leur prestation en pâtit. Mais le romantisme a ses raisons que la raison ne connaît pas. Ce qui explique pourquoi de jeunes demoiselles n'ont eu de cesse d'acclamer le chanteur. Mais était-ce pour sa voix suave ou son joli minois ? La question reste posée...
Les sonorités électro de Daan sont habituellement destinées à entretenir une certaine ambiance. Complètement trempés, les festivaliers on pu découvrir, chez cette formation, de nouvelles spécificités. Et notamment celle du séchoir. Complètement trempés, ils ont pu éliminer cette 'aquasité' en se tordant dans tous les sens. Et en particulier lorsque le combo s'est attaqué à « Housewife », son meilleur titre...
Millionnaire a déçu. Le band a pourtant interprété la plupart des compos issues de son dernier opus. Mais sans y mettre l'expression. Un set plat et sans surprise qui contraste avec le potentiel du groupe. Franchement, vu l'expérience de Tim on était en droit d'attendre beaucoup mieux.
Auteur d'une prestation digne des Inconnus, les Wampas ont rempli leur contrat : c'est-à-dire mettre de l'ambiance. Car, il faut le reconnaître, la musique de cet ensemble français légendaire a mal vieilli. En outre, Mister Didier chante comme une casserole. Ce qui ne l'a pas empêché d'enflammer la foule, de ses frasques. Se jetant dans le public ou grimpant sur le toit des chapiteaux réservés au 'merchandising'.
Flanquée du White Velvet, An Pierlé a accordé un set remarquable. Sa beauté et son talent lui permettent de rayonner autour d'elle. D'envoûter le public. Et sa voix fait le reste. Bien soutenue par son backing group, elle est tout simplement parvenue à enchanter son public. Un véritable plaisir pour les yeux et les oreilles. Que du bonheur !
Archive clôturait la deuxième édition du festival Octopus. La formation britannique n'a pas confirmé son set accordé lors du festival de Dour. En méforme ? Fatiguée ? Pas assez concentrée sur son sujet ? A mon humble avis, une majorité du public avait déjà assisté à leur prestation accordée le 15 juillet dernier. Et au fil du concert, il a commencé à vider les lieux. Dans ces conditions, difficile de rester motivé. Aussi bien du côté des spectateurs que du groupe. Résultat des courses : Archive n'a jamais été dans le coup...
Plus de mille personnes avaient rallié la Maison de la Culture pour assister à la première journée de cette cinquième édition du D'Hiver Rock. Un festival placé sous le thème de l'aéroport. Plusieurs plasticiens avaient ainsi été invités à structurer les espaces publics du festival, histoire de faire le lien entre la musique, l'image et le lieu, à travers le thème générique… Tout comme l'an dernier, le vendredi a attiré de très très jeunes festivalie(è)r(e)s.
Il revenait à Wash Out Test la délicate mission d'ouvrir les hostilités. Une formation lessinoise au sein de laquelle on retrouve exactement les mêmes musiciens que chez Poulyroc. Mais le W.O.T teinte son punk de ska plutôt que de rock. En s'inspirant davantage de groupes comme Less Than Jake, No Use For a Name, Reel Big Fish, NOFX ou encore Mad Caddies. Ce qui explique le rôle plus important des deux cuivres communiquant une ambiance assez chaleureuse aux compos. En résumé si leur set fut correct, il ne m'a pas laissé un souvenir impérissable…
Les Fils De Sammy adorent mélanger les styles. Dans leur musique on retrouve ainsi, à des degrés divers, du reggae-dub, du jazz, de la musique mizrahi, flamenco et slave ainsi que de la chanson française et du cabaret. Les textes sont d'ailleurs interprétés dans la langue de Molière, des textes à l'humour décalé, susceptibles de passer de la bonne humeur à l'engagement social. Le chanteur se réserve également la clarinette accentuant cette impression d'éclectisme à tout crin. On a d'ailleurs ainsi l'impression, même furtive, de retrouver des traces des Fils de Teuhpu, de Gainsbourg, de la Mano Negra et même des Négresses Vertes, dans leur expression sonore. Outre-Quiévrain ce style doit certainement attirer des adeptes. Malheureusement, le résultat est un peu trop franchouillard à mon goût…
Premier moment fort de la soirée lorsque La Réplik monte sur les planches. La présence d'un joueur de banjo et d'un violoniste donne immédiatement le ton. Tout comme celle d'une drummeuse/percussionniste. Pas parce qu'elle est particulièrement svelte, mais parce qu'elle joue debout ; ce qui lui permet de muscler ses mollets tout au long du set. Rustre comme un marin, le guitariste partage les vocaux (son timbre rappelle le Renaud des débuts) avec Vigie, une punkette au look pas possible : imaginez un croisement entre Siouxsie Sioux, Poison Ivy et Nina Hagen. En outre, elle ne tient pas en place une seule seconde. Et puis possède une superbe voix. Bien que leur accent trahisse leurs origines du Sud-ouest de la France (Bordeaux), La Réplik va nous plonger dans une ambiance celtique digne des pubs irlandais ou nous inciter au pas de danse sur un air de polka. Le jeu de scène n'est pas sans rappeler un plus vieux groupe hexagonal : les Rosemary's Babys. Tout au long de leur show, les références vers les anciennes formations de rock alternatif français, de façon anecdotique ou explicite, vont se bousculer. Le groupe va d'ailleurs reprendre un standard de Bérurier Noir, en fin de parcours. Les moins jeunes chantent même en chœur et auront, l'espace de 45 minutes, l'impression de revenir 15 ans en arrière, lorsque le mariage entre le punk français et les sonorités festives était monnaie courante.
Mouvement de foule vers 21h30 : les aficionados s'entassent dans la première salle pour ce qui reste le plus grand succès d'audience de cette journée de festival : le set de Skarbone 14. Les régionaux de l'étape peuvent compter sur un public conquis d'avance et rapidement la salle s'enflamme. Leur ska/punk bénéficie du concours d'une solide section de cuivres. Et puis il y a le chanteur, Sim, toujours très à l'aise pour assumer le show, une recette qui plait particulièrement aux ados, aux boy-scouts, mais également à un public de plus en plus large. Depuis son premier concert en 2001, accordé dans le cadre de la fête de la musique à Tournai, Skarbone 14 s'est nettement amélioré, raffinant son jeu de scène, et enchaînant les concerts en Belgique et à l'étranger ; se produisant même en première partie de leurs propres références, comme La Ruda ou les 100 Grammes de Tête. Enregistré au sein du prestigieux studio bruxellois Rising Sun (le repaire de Mud Flow), leur nouvel opus sortira le 6 avril et sera inauguré lors d'un showcase programmé au foyer Saint-Brice, rue Duquesnoy, à Tournai (qu'on se le dise…)
Les Blaireaux réunit sans doute le line up le plus professionnel de la soirée. Leur prestation est théâtrale. Rappelant parfois l'attitude des Frères Jacques, les différents musiciens semblent beaucoup apprécier le music-hall des années 50. Un côté décalé parfaitement géré par la bande qui occupe bien la scène. Paradoxalement, malgré la qualité de la prestation, la sauce prend difficilement et de nombreux spectateurs (dont vos rédacteurs) finissent par se lasser et quitter la salle. Sans doute Les Blaireaux parviendraient mieux à faire apprécier l'étendue de leur talent dans d'autres conditions scéniques ou lors d'un festival de musique de rue…
La présence de René Binamé était manifestement bien plus en phase avec la première journée de ce d'Hiver Rock. Après avoir vécu de nombreux changements de line up, dont le plus dommageable reste bien évidemment le départ du claviériste et boute-en-train, Es Gibt, le groupe est plus que jamais dépendant de son fidèle batteur/chanteur, Olivier Binam'. J'avoue assister, pour la 15ème fois, en autant d'années, à un concert des René Binamé (S.L.) ; et si leurs fans sont moins nombreux qu'au cours des nineties, le band est demeuré intègre et fidèle à ses convictions. Autoproduit, auto-distribué, le groupe prône le DYI. Ainsi, avant le concert, Olivier se charge personnellement du stand réservé à son groupe. Pourtant, leur musique a évolué. Et la plus belle démonstration procède de la remise au goût du jour de sa cover du « Le courage des oiseaux » de Dominique A, rebaptisée depuis cinq années en « Le courage des avions… qui rentrent dans les Tours glacées ! » La provocation et les revendications font toujours partie de l'univers de René Binamé qui n'a jamais pratiqué la langue de bois. « Le pape immobile », le chant traditionnel « La chanson du Père Duchesne », concédé sur fond de guitare saturée et minimaliste et dans une ambiance punk/trash, provoquent de nombreux pogos : tel est le décor destroy que nous réserve le trio. Mais à une époque où les groupes de rock belge mielleux pullulent, et où la pop aseptisée occupe une large place sur nos radios, les lyrics engagés de René (en wallon, en flamand ou en français) constituent un excellent antidote à cette déprime créative. La sortie toute proche de leur nouvel opus, « Le temps payé ne revient plus », relancera-t-il la machine ? On leur souhaite ; d'autant plus qu'à l'instar de leurs amis les Wampas, ils possèdent suffisamment de talent pour rester sur le devant de la scène, belge ou du moins wallonne.
Kaophonic Tribu clôturait donc la partie concerts du festival. Huit musiciens issus de l'Hexagone (Nièvre) qui pratiquent une sorte de drum'n bass tribale : des tas de percus (dont un djembé), de la flûte, une basse (of course !) et un digeridoo (joué par un véritable virtuose !). Sans oublier les machines et les harmonies vocales célestes. En quelque sorte une rencontre entre sonorités ethniques et électroniques propice à la transe et à l'envoûtement. Leur set est irréprochable, mais il devient rapidement ennuyeux. Si bien qu'après vingt minutes, on a déjà envie de s'éclipser. Manque un instrument comme le violon, la harpe ou pourquoi pas un xylophone pour donner du relief à l'expression sonore.
La longue soirée ne peut s'achever que par un dernier passage… au bar, qui contribue à la bonne ambiance du festival. Tout au long de la soirée le millier de spectateurs s'est d'ailleurs dispersé entre cet endroit stratégique, les deux scènes et le hall d'entrée illuminé de différents jeux de lumières ; mais malheureusement envahi par un DJ set un peu trop bruyant (interférant par ailleurs régulièrement sur les autres concerts !). Anecdote : à l'extérieur de la Maison de la Culture, les nombreux fumeurs étaient priés de suivre la nouvelle réglementation. En l'occurrence s'oxygéner à la belle étoile. Les oreilles et l'estomac bien remplis, il est temps de battre en retraite pour mieux remettre le couvert le lendemain.
18 groupes presque d'affilée, il y a de quoi friser l'indigestion. Surtout que mon collègue Sébastien avait déclaré forfait. Ce qui explique que votre rapporteur, s'est limité à un zapping photo, lorsque l'une ou l'autre prestation lui est parue moins intéressante ou quand la fatigue a commencé à se faire sentir. Un regret ? Oui, la bière. Pas de blanche, mais des pintes (ça donne mal à la tête le lendemain !) ou de la Troll (excellent breuvage, mais après 3 verres, tu peux aller dormir). Ce qui n'a pas empêché les organisateurs de vendre 37 fûts en deux jours. C'est quand la fête de la bière ?
Tout comme l'an dernier, la deuxième journée s'est ouverte par la prestation du dernier lauréat de l'Open stage de Mouscron, c'est-à-dire Crisis Crew. Une formation française qui pratique de la fusion dans l'esprit de Senser. Pas de basse ni de batterie, mais deux gratteurs, un Dj (plutôt habile aux scratches) et un MC. Ce dernier rappe tantôt en français, tantôt en anglais pendant que l'un des deux guitaristes lui répond d'un timbre aussi mélodique que remarquable. Leur mix entre hip hop et metal sur fond de samples tient très bien la route, mais d'une part on a l'impression que le crew se prend un peu trop au sérieux et puis j'avoue ne pas être trop réceptif à ce type de musique. Dommage quand même que ce quatuor s'est produit à 15h30 devant 40 personnes ; car face à un public nombreux et réceptif, il aurait pu mettre le feu.
Trio tournaisien, Sour Puss implique deux Fuckin' Canaries (Gonz aux drums et Troma à la guitare), formation locale anarcho-punk surtout notoire pour son lancer de graines pour volaille, ainsi qu'Erik, également impliqué chez Opao et Koffee. La fantaisie figurative des Fuckin' Canaries laisse ici place à une musique noisy proche de la no wave des débuts de Sonic Youth. Instrumentalement, le set passe bien la rampe et le groupe possède une pêche d'enfer. On est même agréablement surpris des progrès accomplis par les deux F.C.. Un regret : les vocaux. Ben oui, il n'y a pas de Kim Gordon pour contrebalancer l'âpreté du son ; et malgré le recours de deux micros dont un astatique, la permanence de l'intensité électrique finit par nuire à l'intensité de la musique.
Chez Al Dente, on retrouve un certain Joseph Petolillo, un chanteur/compositeur qui a sévi au sein de différents groupes comme Slam to Slam ou Treefoil. Particularité de ce vocaliste, il possède un timbre et même des inflexions très proches de Peter Hammill. Et musicalement, l'univers expérimental, décalé et imaginatif de ce combo ressemble à celui d'un Vandergraaf Generator récréatif s'intéressant au funk robotique de Talking Heads. Le tout traversé d'accès de jazz, de fanfare, de cirque et autres délires en tous genres. Une prog insolite qui n'a pas eu l'heur d'attirer la foule ; mais qui pourtant mérite une attention toute particulière. Parce que non seulement les musiciens sont très talentueux (un bassiste, un drummer, un claviériste et deux cuivres qui jouent un peu le rôle de Dave Jackson), mais parce que leur musique est à la fois élaborée et séduisante. Une écharpe faite de plumes roses autour du cou, Joseph gratte un peu de guitare ; mais surtout drive un groupe qui devrait faire le bonheur de tous les nostalgiques de la prog. Qu'ils se le disent !
Ils portent les cheveux longs comme Black Sabbath, mais s'inspirent davantage de Neurosis. La musique est aussi lourde qu'indigeste. Le chanteur utilise un pupitre pour trafiquer, sampler ou réverbérer sa voix. Un quatuor qui répond au nom d'Ultraphallus. Se sont trompés de patronyme. Ils auraient dû choisir celui d'Ultradyspepsie.
Le post rock de Pillow est de plus en plus sophistiqué. Un peu comme si la formation voulait rendre son expression sonore clinique. La musique est de plus en plus propre, de plus en plus fignolé, notamment au niveau des arrangements et des harmonies. Pas vocales, puisqu'il n'y a toujours pas de chanteur. Pourtant, j'adore leur manière d'enrichir leurs lignes musicales de couches successives, même si parfois le côté répétitif de certains thèmes peut devenir lassant. En fait, à contrario de Mogwai ou d'Explosions in The Sky, leurs compos n'atteignent que trop rarement les pics d'intensité frénétique de leurs maîtres. On a ainsi parfois l'impression que le groupe refuse de se lâcher et en garde sous la pédale. Je l'ai déjà dit et je le répète, l'apport d'une vocaliste leur permettrait sans doute de se démarquer du courant post rock au sein duquel ils semblent vouloir s'enfermer. Mais apparemment, ils préfèrent conserver cette ligne de conduite, quitte à demeurer dans la zone crépusculaire de l'underground. C'est tout à leur honneur. Enfin, dernière remarque, la projection d'images voire de courts métrages sur un écran placé derrière les musiciens, leur permettraient de susciter une dimension avantageusement visionnaire…
Rocket From the Crypt, Blues Explosion et les Cramps constituent probablement les influences majeures de Driving Dead Girl, un quatuor originaire de Mons dont le mélange de garage, de psychobilly et de stoner se révèle bigrement efficace. Le look et l'attitude fifties (au cours de leur jeunesse, il devaient tapisser leurs chambres de posters d'Elvis Presley ou d'Eddie Cochran), cette formation libère une énergie incroyable sur les planches. Leur set speedé, énergique, survitaminé par des riffs de guitare(s)aussi tranchants que poisseux, balisé par une section rythmique implacable et tapissé par ce vocal légèrement reverb, m'a tout à fait convaincu. Rien de révolutionnaire dans leur démarche rock'n rollesque, mais une bonne tranche de groove servie sur un bon lit d'électricité jouissive.
C'est sous la forme d'un quintet que Monsoon monte sur le podium devant un parterre de spectateurs de plus en plus fourni. Apparemment, la violoniste a quitté le groupe, ne laissant plus, pour toute représentation féminine au sein du line up, que la chanteuse Delphine Gardin. Et quelle présence, puisque tout au long du set, tous les regards se focalisent sur elle. Svelte, sexy, jolie, moulée dans une longue robe rouge fendue (laissant apparaître un décolleté profond, lorsqu'elle se débarrassera de son écharpe), les cheveux noirs relevés en chignon, de grands anneaux plantés dans le lobe des oreilles, elle me fait penser à une danseuse de flamenco. Elle tournoie même régulièrement sur elle-même au cours du show. Et puis elle possède une très belle voix, tour à tour angélique ou satanique, saturée ou rageuse, atmosphérique ou glapissante, dont le timbre oscille de PJ Harvey à An Pierlé en passant par Beth Gibbons. Un chant bien mis en valeur par le groupe qui allie efficacité et sobriété. Si les passages électriques libèrent une puissance étonnante, les retombées romantico-tragiques sont de toute beauté. Leur pop/rock écorché, teinté de jazz, n'est d'ailleurs pas dénué de mélodies vaporeuses. Une chouette prestation, même si un meilleur mixing aurait permis de mettre davantage leur chansons en valeur.
Après un moment pareil difficile d'encaisser la musique du duo PHC. Fruit d'un mélange de hard-core, de post-rock, d'expérimental-noisy et d'indus, agité par une boîte à rythmes épileptique, elle répond aux aspirations bruitistes des aficionados de Godflesh, Treponem Pal ou encore de Napalm Death. J'ai tenu la distance un peu moins de cinq minutes. Le temps de prendre deux photos… et puis aux abris !
La salle Jean Notté était bien sûr comble pour accueillir The Tellers. C'est-à-dire Ben Baillieux-Beynon au chant et à la sèche et puis Charles Blistin à la guitare électrique. Un duo soutenu par une section rythmique dont le drummer, souvent caché derrière un écran de fumée, était coiffé d'un superbe melon et arborait un tee-shirt à la gloire des Ramones. Il aurait pu jouer dans « Mary Poppins » ! Mais revenons-en à nos conteurs et leurs compos contagieuses et rafraîchissantes : le single « More », « I lie » et « Jacknife », on n'y a pas échappé. Comme dirait Karine, spontanées, leurs chansons possèdent toute la fraîcheur du groupe débutant passionné. Les rythmes sont soutenus, parfois interrompus, pour reprendre de plus belle, comme sur le disque. Ben présente ses chansons, mais on a parfois l'impression qu'il ne veut pas déranger ; et il parle si vite, qu'on ne comprend pas grand-chose à ce qu'il raconte. Heureusement, il se montre beaucoup plus convainquant au chant et à la six cordes. Qu'importe, l'ambiance est chaleureuse, le set bien ficelé et le public apparemment ravi. Que demander de plus ? Surtout de la part jeunes qui ont à peine 20 ans !
La palme de l'humour reviendra à Interlude (Sans avenir), un trio tournaisien qui se produisait en public pour la deuxième fois. Vêtus d'habits de moine, hyper maquillés, ils arrivent et repartent en agitant des crécelles comme des lépreux. Et sur scène, ils reprennent des standards du punk (« God save the queen », « Should I stay or should I go? » et j'en passe, même dans la langue de Voltaire) à l'aide d'un sousaphone, d'un ukulélé (mais aussi de toute une série de guitares ou de mandolines miniature) et d'une batterie électronique ; le tout entrecoupé d'interludes ( ?!?!?) théâtraux et surtout caricaturaux (une messe, de la cuisine, une dégustation de bières trappistes, etc.). Ah oui, et puis il y a Pierre qui chante avec un accent truculent du terroir. Le nom du groupe est sans équivoque, mais en programmant cet intermède au bar, les organisateurs avaient fait le bon choix…
Bien qu'affichant un look de cow-boys (le drummer est coiffé d'un chapeau semblable à celui que portait Artemus Gordon, dans la série les « Mystères de l'Ouest »), My Little Cheap Dictaphone n'émarge pas du tout à la musique country. Ou alors du bout des orteils, et dans l'esprit d'un Sparklehorse. Drivé par Redboy (il est également impliqué chez Holywood P$$$ Stars), le groupe compte déjà deux albums à son actif. Tour à tour vivifiante et électrique, subtile et lustrée, sa musique évolue entre rage et mélodie, entre allégresse (le single « Upside down ») et tragédie, entre rêve et rage, au sein d'un univers qui aurait pu naître d'une rencontre entre At The Drive In et Bright Eyes. Ou si vous préférez entre de la folk-pop soigneusement orchestrée et un indie rock décapant. Tout a long de son set, MLCD étonne par la maîtrise de son sujet. Sa musique est authentique, belle et envoûtante. Elle engendre même une multitude d'images et de sensations. En fin de parcours, Redboy passe au piano électrique, pour interpréter une compo majestueuse, dans un style me rappelant curieusement un certain Procol Harum (pas celui de « Whiter shade of pale », rassurez-vous !) Le meilleur concert du festival, il fallait s'en douter…
Trio strasbourgeois, The Astro Zombies pratique un psychobilly particulièrement nerveux. Un chanteur guitariste, un contrebassiste et un drummer. Les deux premiers déménagent littéralement sur les planches (et le mot est faible !) Leur look un peu rétro est accentué par le port de casquettes dignes des premiers films de Gabin. En outre, leur patronyme rappelle une vieille série B des 50's. Ils passent tous les styles et toutes leurs influences à la moulinette, même les rares qu'ils reconnaissent : les Meteors et Guanabat. La démarche est assez originale et plutôt sympa, mais après quelques titres on a la sensation qu'en appliquant une même recette aux différentes compos, elles finissent par souffrir d'une uniformité certaine. Dommage, car les musiciens ne manquent pas de talent…
Kofeee est une formation locale impliquant quatre musiciens dont les goûts (même vestimentaires !) sont diamétralement différents. Ce qui explique d'ailleurs pourquoi ils développent des projets parallèles. Le plus étonnant, c'est que la rencontre de toutes leurs influences (qui oscillent du hardcore au folk en passant par le jazz, la no wave, le métal, la prog, le psychédélisme, le post et le math rock, etc.) tient parfaitement la route. Et ne dérape jamais dans l'univers cérébral ou expérimental. Balaise (au propre comme au figuré), Seb joue de la guitare d'une manière très instinctive. Mais manifestement, c'est lui qui donne la voie à suivre, même si les autres musiciens n'hésitent pas à apporter leur coloration personnelle aux compos. Des compos plutôt bien construites, susceptibles de se complaire dans l'introspection avant de prendre du rythme, puis de s'abandonner dans une certaine violence sonore. Ah oui, Kofeee signifie 'Kilometers Of Electric Eclectic Elipses'. Tout un programme !
Bon, ben après ce concert, je me suis éclipsé. La fatigue et l'heure avancée ne me permettant plus de me concentrer, j'ai donc délégué le compte-rendu à Jean-Philippe (que je remercie vivement par ailleurs) pour la prestation de Crooner Mic Action. Et je m'en félicite. Pas pour la prestation du duo, mais simplement parce que l'un des deux était cagoulé. Une situation qui me révulse. A l'instar de toute personne atteinte d'un PTSD. Sans quoi, ces deux types se produisent debout, en costard/cravate et jouent de la guitare, le plus souvent en distorsion. Imprimée sur des rythmes syncopés produits par une boîte à rythmes, leur musique ressemble à une sorte de roots music revue et corrigée dans l'esprit de Bob Log III. Evidemment si leur humour est d'aussi mauvais goût, pas la peine de s'attarder sur leur sort.
En résumé, on peut affirmer que cette 5ème édition du d'Hiver Rock a été un franc succès. Et félicitations aux organisateurs pour ce qu'ils réalisent avec aussi peu de moyens financiers. A l'année prochaine !
RESET, c’est revenir sur ses pas. Signer un nouveau départ. Voilà trois ans qu’à l’exception de quelque Sonic Youth et autres, la programmation des Halles de Schaerbeek laisse perplexe. Récemment passée dans les mains de Marc Jacobs (Recyclart), la renaissance est espérée pour ce printemps 2007. Pas étonnant de trouver ainsi à l’affiche du RESET Festival, une programmation percutante, à l’image de la métamorphose tant attendue.
La salle s’emplit rapidement, malgré les débuts hésitants et chaotiques de The Eternals, dont la molle performance disco-punk fait regretter la fraîcheur et l’efficacité du disque ; regards sceptiques et déçus sont échangés, avec plus ou moins de discrétion chez ceux qui huent sans réserve une prestation ne décollant guère.
Encore à froid, l’entrée gargantuesque de Detroit Grand Pubahs tombe comme un cheveu dans la soupe. L’allure bûcheronne de « Paris The Black Fu » et l’imprévisible bouillonnement de funk, techno, cabaret et dark dancefloor fait sourire. Musique hybride déversée sans complexe par quatre énergumènes en perruque ou masqués. Les réserves tombent, on rit sous cape. L’effort de mise en scène est apprécié ; mais, l’effet de surprise dépassé, l’assemblage difforme n’augure rien de bien convainquant. Las, on aspire à un son plus entier, engagé dans des formes obtuses et entêtées plutôt qu’éclectiques et essayistes.
Le Dieu rockeur a entendu nos prières ; l’entrée de Dj Rob Hall canalise d’emblée les énergies dispersées, et quelques beats simples et efficaces suffisent à l’engouement. C’est puissant, inattendu de la part d’un nom discret et feutré, souvent aperçu en tournée à l’ombre d’Autechre –en compagnie duquel il a par ailleurs fondé le label ‘Skam’. Rob Hall, en DJ old-school et acid, fait évoluer sans heurts un set volontaire et charismatique. Impossible de résister à ces beats bruts et dansants ; et la moitié de Skam démontre qu’il peut aussi exceller dans la promotion d’une électronique basique exempte de tortueuses bizarreries.
Parfaite dépense d’énergie pour accueillir, temporairement exténués, l’électronica déconstruite d’Autechre (Warp). La salle est à fleur de peau, les yeux brillants et toute en sueur ; il en faut peu pour tomber dans la jouissance lorsque s’élève une première nappe délicieusement psychédélique. Beaucoup sont venus avant tout pour plonger dans cette étrange expérience musicale toujours en quête du décalage, de l'accident, du choc sonore saisi au creux d’un savant calcul mathématique. Plus conciliant que d’habitude, c’est, à l’exception de quelques reliefs ingrats, un set accessible même pour les néophytes ; presque fluide, et en tout cas dansant. Inattendu de la part d’un groupe pour qui les prestations live ne sont pas toujours l’idéale mise en valeur d’un son déconstruit. Si Autechre est passé maître dans l’art de s’échapper à mille lieues de l’album pour un live imprévisible -parfois difficile à pénétrer-, la formation a néanmoins réussi la gageure de captiver sans jamais s’enraciner. Ultra expérimentale, cette électro en mode free-jazz nous offre un moment hors du temps, nichée au creux de ces aléatoires sonores, tantôt indigestes tantôt transcendés de crescendos jouissifs. Jamais indemnes, les fans tombent, en transe, dans une nouvelle addiction.
Après telle émotion, l’ambiance ne peut en aucun cas retomber, et, aussi instantanément que s’évanouit l’univers tortueux et fascinant d’Autechre, on perçoit les premiers beats du brillant James Holden. Véritable génie, inclassable, avant-gardiste, le jeune Anglais n’hésite pas à rapprocher acid house, techno, trance et électro. Reconnu pour ses nombreuses collaborations, en signant notamment sur son propre label (Border Community) les Nathan Fake, Petter, The MFA et Lazy fat people, il se pose en figure incontournable pour un festival électro qui se veut varié, prometteur et explosif. James Holden étonne par ses beats inattendus, mais toujours sophistiqués et livrés avec franchise. On savoure tant les morceaux glissant directement vers le dance-floor, que les plus introspectifs dans la lignée de Boards of Canada. Oui, l’électro expérimentale fait encore danser.
Le set s’achève sur une poussée d’adrénaline, et, sans avoir le temps de figer son enthousiasme, Dj Darko –renommé pour ses Statik Dancing au Recyclart– lance un set rapidement sur les rails, malgré un public qui s’effiloche. Pas de regrets, et l’envie d’appuyer à nouveau sur la touche RESET. Rendez-vous à la seconde édition, prévue fin avril.
Organisation : Vaartkapoen Bruxelles en collaboration avec les Halles de Schaarbeek
Pour la deuxième fois, l'association Tournai Prog Event a préféré l'audace au confort. En effet, son affiche regroupait à nouveau trois groupes quasi sans notoriété. Comme l'année dernière, sous l'enseigne 'An Italian Prog Night', l'événement s’est déroulé au Foyer Culturel d 'Antoing. Un site qui a déjà hébergé plusieurs concerts de l'association, et dont l'équipe s'avère toujours enthousiaste et efficace. Un peu froide d'aspect, cette salle s'avère d'une excellente acoustique.
Je ne m'étendrai pas sur Sad Siberia qui ouvrait la soirée. Ce jeune groupe wallon pratique un metal-sympho gothique caractérisé par la présence d’une voix féminine. Et bien qu'on ne puisse lui adresser aucun reproche majeur, Sad Siberia n'apporte pas de plus-value à un genre désormais fort encombré.
AmAndA ensuite. Et a mis le feu. Son show repose essentiellement sur son deuxième CD, largement inconnu du public, puisqu'il paraîtra seulement le 2 mai. En quelques années, AmAndA a acquis une maturité impressionnante sur scène. Chanté en français, son rock progressif mêle habilement lyrisme, metal, audace, espièglerie et séduction délibérée. Il se pose maintenant comme l'un des plus prometteurs du Royaume. Le show est bien sûr dominé par le chanteur Thibaut de Halleux, véritable bête de scène, volontiers cabotin, qui ce soir s'est complètement lâché, offrant une prestation très physique et pleine d'emphase. Séquences d'humour, masques et accessoires inclus. Sans oublier sa très bonne voix, tour à tour chaude et claire ou haut-perchée. Mais à vrai dire, personne dans le groupe n'est en reste. Claude (basse) et Greg (batterie), les plus discrets, assurent une rythmique sereine et redoutable, tandis que Mik3 se démène sur ses claviers au point d'être difficile à photographier. Reste les deux guitaristes, Saaam et Xavier, aux jeux très complémentaires et à la complicité palpable. Malgré le son et l'éclairage perfectibles, ce groupe en pleine forme a accordé un concert ébouriffant et très convaincant.
After a eu la tâche difficile de passer tard un dimanche et après la tornade AmAndA. Dans un style très différent. Le groupe polonais nous a pourtant offert un concert fort agréable. Sa musique, servie par une excellente voix, est très atmosphérique et peut évoquer Pink Floyd aussi bien que le compatriote Quidam. Le set adopte un lent crescendo. Et quand les musicos s'agitent, on approche aussi l'incandescent Riverside. Les nouvelles compositions annoncent d'ailleurs un durcissement de ton. Certes la communication avec le public est assez limitée, vu la barrière de la langue. Et ni musiciens ni chanteur ne sont très extravertis sur scène. Malgré ces réserves, cette prestation s’est révélée séduisante, et méritait vraiment plus de peuple.
Dernier détail: ce genre de concert permet à chaque fois de dialoguer avec les musiciens autour d'une bière. Et c'est toujours un réel bonheur, qui se prolonge parfois tard dans la nuit…
Organisation : Tournai Prog Event / Foyer Culturel Antoing / Auberge de Jeunesse Tournai
Coincé entre plusieurs retours et quelques instruments laissés à l’abandon par les Montréalais de Silver Mt. Zion, The Strange Death of Liberal England tente fébrilement de happer l’attention d’un public dispersé. On les comparerait déjà à GY!BE, et bien sûr la référence s’avère paresseuse : ici les guitares et même l’élan collectif (une fille, quatre types) ne pèsent pas lourd dans le calcul, il manque à ces jeunots des titres forts et de la carrure sonore.
Pour le déluge sonique tant espéré, Christian Fennesz s’occupe de tout, et tant pis s’il fait 27° sur les trottoirs du Boulevard Anspach. Bien planqué derrière sa guitare électrique et son laptop riche en textures malignes, l’Autrichien fait patiemment monter la sauce : après une demi-heure de soundscapes bourdonnants dont les effets sur le cortex valent bien une grosse bronchite, notre homme appuie sur la touche ‘stop’ et disparaît tel un spectre de notre champ de vision. Nos oreilles, elles, n’ont pas encore conscience du silence qui trop soudainement a repris l’avantage : ce barnum ambient-noise, qui s’insinue en nous tel un reptile en mue, n’a pas complètement disparu de notre environnement intime. Il y dort, s’y tapit, et resurgit parfois dans le fracas urbain de nos vies esseulées : « Endless Summer » vient d’être réédité et recèle deux tracks supplémentaires ? Nous ne sommes qu’au mois d’avril et déjà c’est l’été : décidément Fennesz est bien un artiste d’avant-garde.
Avant Constellation on ne parlait pas tellement du Canada dans l’atlas des musiques qui comptent, et encore moins de post-rock, une étiquette qu’Efrim, ce soir, piétinera avec emphase (‘Et y a ‘core des gens qui osent dire qu’on fait du post-rock !!!’). Même si Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra & Tra-La-La Band se compose (en gros) des mêmes zigues à la base du label et de Godspeed (Efrim donc, mais aussi Sophie, Thierry, Beckie, Ian, Jessica et Scott : évitons les noms de famille, puisque Constellation est une grande famille), il s’agit ici de faire la distinction. Silver Mt Zion est avant tout un groupe vocal, du moins depuis deux ou trois ans : choral même, incantatoire à sa manière, empruntant ses gimmicks aux chants liturgiques et à la musique klezmer. ‘Nous allons vous jouer surtout des nouveaux morceaux’, déclare d’entrée de jeu Efrim, de profil face à l’un des cinq microphones qui tracent un cercle au milieu de la scène. C’est parti pour une longue rêverie quasiment inédite, comme au Botanique il y a deux ans, dont ressortira l’immense « One Million Died To Make This Sound », la chanson, le refrain, scandé en chœur pendant de longues minutes cathartiques, au-delà de la patience de certains spectateurs (surtout un seul, interpellé d’ailleurs par le groupe lors du rappel). En guise de classiques aux envolées magiques, les fantastiques « Mountains Made of Steam » et « Take These Hands and Throw Them in the River », sans parler de ce « BlindBlindBlind » encore non disponible sur disque mais qu’on avait entendu, bouche bée, l’année dernière au Cirque Royal. ‘Imagiiiine the vuuuue…’ : une heure de pure lévitation électrique et tendue, vers un ailleurs utopique mais tellement rassurant, mélancolique et politique. Vivement l’été, le vrai, que sorte enfin ce cd live !
Org : AB Brussel – Dominofestival
Durant ces Nuits du Botanique, certains choix étaient draconiens comme celui de ce vendredi 4 mai. Il fallait en effet choisir entre les stars montantes Cold War Kids, qui avaient mis le feu quelques mois plus tôt à l’AB en première partie de Clap Your Hands Say Yeah (volant même un peu la vedette à ces derniers), et soirée 100% chanson française au Cirque Royal. Finalement c’est pour ce deuxième choix que j’ai opté. Impossible de se tromper de salle, le public est bel et bien typique à l’entrée : plutôt BCBG, jeune et branché. On y croise même certains artistes (Jeff Bodart entre autres).
Vers 20h, Jacques Duvall entre en scène. Plus connu comme parolier (il est l’auteur du tube « Banana Split », immortalisé par Lio et collabore à l’écriture de chansons pour Marc Lavoine, Alain Chamfort ou encore Jane Birkin) que comme chanteur, il célèbre son retour, après 15 ans d’absence… Soutenu par un bon band, impliquant notamment le leader de Miam Monster Miam à la guitare, Duvall balance tant bien que mal ses textes. Il est en effet contraint de faire usage d’un pupitre pour lire ses paroles, et ne s’en cache pas. Il en profite pour remercier les organisateurs pour sa qualité. Les ballades et l’humour au second degré trahissent toutefois une sensibilité bien belge. Mais elle n’est pas du tout désagréable à partager, même si certains textes prêtent à sourire (comme celui consacré à Jean-Claude Van Damme).
Autre artiste, autre style. Valérie Leulliot s’est lancée dans une expérience solo, après avoir vécu une belle aventure au sein d’Autour de Lucie. Elle interprète quelques titres intimistes en s’accompagnant au clavier et tourne presque le dos à la foule. Puis la svelte blonde réveille son public en l’entraîne au cœur de ballades plus folk, dynamisées par ses nouveaux musiciens. Certains titres nous replongent bien sûr dans l’univers d’Autour de Lucie mais nous rappellent aussi Karine Clercq, même si Valérie Leulliot est bien moins jolie que notre Karine nationale, il faut bien l’avouer…
Quelques bons verres consommés au bar plus tard, sur le coup de 22 heures, la foule s’anime. On attend le Breton. Dès l’entame de « La facture d’électricité », le public s’enthousiasme. Bon nombre de jeunes se lèvent et s’empressent de trouver un coin standing, sur les côtés du parterre central, pour pousser un petit pas de danse. Christophe Miossec éprouve cependant des difficultés à trouver sa voix, et plusieurs titres lui sont nécessaires avant qu’il ne puisse la maîtriser. Franchement, j’avoue éprouver toutes les peines à entrer vraiment dans ce concert. Et à l’instar de nombreux autres fans de ses débuts, je pense qu’après la magie du premier album et des premiers concerts, sa situation s’est dégradée. Un peu comme sa voix semble de plus en plus cassée. Cependant, si ce concert n’est pas aussi catastrophique que celui, pathétique, accordé à l’AB en 2002 ou lors du premier passage à Dour, il ne figurera certainement pas dans mes souvenirs impérissables. Seuls les musiciens du Breton donnent de l’intensité aux compos, souvent caractérisées par leur construction en crescendo. Quant au Breton lui-même, on se lasse vite de sa façon toujours identique d’empoigner son pied de micro, de se tenir penché en avant, et de dissimuler difficilement une timidité qui l’empêche de s’exprimer correctement entre les titres…
Pour les invétérés de Miossec, sachez toutefois qu’il reviendra à Bruxelles (enfin, plus exactement qu’il se produira à nouveau en Belgique, car il habite notre capitale), vers le 21 juin, dans le cadre des Fêtes de la Musique.
Miossec + Jacques Duvall + Valérie Leulliot (Cirque Royal)
S.L.
L’ouverture officielle a pris place le 30 avril mais ce n’est que le 4 mai qu’ont été lancées les festivités sur le site du Botanique. Lors de ce premier soir, la Rotonde accueillait Me & My Machines, un DJ set (mémorable) de CSS et la new-rave de Shy Child.
Me & My Machines, formation electro-rock signée chez Anorak Supersport, a ouvert le bal sur un set peu convaincant qui se sera d’ailleurs terminé par quelques accrocs techniques. Heureusement pour eux, il n’y avait pas grand monde pour assister à ce spectacle ( !?!?)…
La soirée s’est enchaînée par un fameux DJ/VJ set de CSS. La formation brésilienne s’est ici limitée à deux membres : l’une des guitaristes ainsi que… le Tour Manager. La bonne blague. Quant au set, n’en parlons pas. D’un amateurisme intégral, les soi-disant DJs à la mine déconfite se sont contentés de faire tourner les disques en tentant ici et là quelques enchaînements des plus exécrables. Heureusement pour ces usurpateurs, il n’y avait pas grand-monde pour assister à ce spectacle ( !?!?!). Quand on pense qu’ils sont ensuite partis l’infliger au pauvre public de The Jai-Alai Savant, à l’AB…
Le nouvel arrivage de la scène new-rave britonne, Shy Child, a ensuite pris possession de la scène. Au grand soulagement d’un public clairsemé, le duo balança un set court mais efficace tiré essentiellement de leur album « Noise Won’t Stop » qui paraîtra fin mai. On regrettera cependant l’oubli des excellents « Technicrats » et « Break Your Neck » extraits de l’EP « One With the Sun ». Mais on ne s’en plaindra pas trop, après avoir subi les deux premières parties de la soirée. Dommage pour ces deux petits gars, il n’y avait pas grand monde pour assister à ce spectacle… Séance de rattrapage au festival de Dour cet été.
Shy Child + CSS DJ/VJ Set + Me & My Machines (Rotonde)
R.S.
Pour cette sixième édition, tous les ingrédients nécessaires au déroulement d’un bon festival étaient à nouveau réunis. Après le lapin à la tournaisienne, le menu proposait donc un festival rock à la sauce locale. Prenez une bonne dose de groupes hétéroclites. Ajoutez-y un public tout aussi diversifié. Mais en sélectionnant principalement la tranche 15-25 ans. Complétez par quelques vieux rockers fidèles de la région. Arrosez copieusement le tout de bonnes bières régionales. Et la touche finale : disposez le tout dans les salles agréables de la Maison de la Culture. La décoration et les accessoires avaient été particulièrement soignés. Ainsi, dans le hall principal, un jeu de son et lumière plongeait les spectateurs dans un univers surprenant. Et la musique alors dans le jeu de quille nous rétorquerez-vous ?
Pas eu le loisir d’assister au concert d’ouverture accordé par la formation locale Sioban. Dommage, car apparemment depuis le changement de line up, leur musique aurait évolué vers un style plus contemporain. Ce n’est que partie remise…
On connaissait Delavega, maintenant il y a Z. A croire que les aventures de Zorro constituent une nouvelle source d’inspiration pour choisir un patronyme. Auteur, compositeur et chanteur, Jean-Michel Distexhe est le leader de cette formation bruxelloise dont on a vu la fin du show. Tout d’abord en compagnie de son groupe incluant notamment section de cuivres et contrebasse ; et puis en solitaire. Manifestement l’univers très chanson française de Z est susceptible d’inviter une multitude d’autres styles : depuis le blues au rock en passant par le jazz et le r&b. La démarche est plutôt originale, mais manque encore de précision dans les arrangements. Cependant, lorsque Jean-Mi décide de chanter a cappella en portugais, on est franchement impressionné. Pas étonnant qu’il reconnaisse pour influence majeure Joao Gilberto. En outre, il a enregistré un album (« Chaos et fantaisie Z ») sous la houlette de Rudy Coclet. Mais allez comprendre pourquoi pratiquement personne n’en a parlé…
Responsable d’un excellent album en 2006 (NDR : « We Are Electric », et c’était leur quatrième !) Hitch est issu de la région de Courtrai. Un trio guitare/basse/batterie qui doit puiser ses influences chez At The Drive In, les Pixies, mais aussi et surtout chez une des plus célèbres formations de funk blanc ayant sévi au cours des seventies : Gang of Four. Ils jouissent déjà d’une solide réputation de l’autre côté de la frontière linguistique. Certains ‘west-flandriens’ se sont d’ailleurs déplacés pour les applaudir. La voix du chanteur est savoureusement déchirée, la section rythmique particulièrement solide, l’intensité électrique tour à tour contenue, aride, spasmodique ou décapante. Un des meilleurs moments du festival…
Changement de salle et de style en compagnie de Mr Roux. Contrairement à ce que pourrait laisser supposer son patronyme, il ne s’agit pas d’un one-man show, mais d’un trio. Et aucun de nos 3 hommes n’affiche la coupe de Tom Sawyer. ‘Mais il est où le roux ?’ hurle à leur arrivée, une personne déjà déchaînée dans le public. Côté tendance, nous baignons plutôt dans l’univers de la chanson française voire de rue à la Trio ; à moins qu’il ne s’agisse de cabaret, renforcé par la présence d’une contrebasse tenace (NDR : ça rime !) Côté influences, on décèle des traces de Bénabar et de Mano Solo. Leur dernier opus « Ah si j'étais grand et beau » décrit différent profils (« Petit Rasta », « L’homme ordinaire », « Ta femme »…) où chaque texte raconte une petite histoire ou décrit un personnage. L’ambiance est plutôt bon enfant dans la foule. Les plus jeunes déclenchent d’ailleurs une farandole qui s’allonge progressivement pour finir par envahir près de la moitié de la salle. Mais manifestement, Mr. Roux gagnerait à se produire dans un petit café-théâtre ou chapiteau de taille réduite.
Bon vent nous prenne, nous ne traînons pas (encore du moins) au bar, et nous dirigeons sans transition vers l’une des belles surprises de la soirée. Vingt années que Grimskunk roule sa bosse. A ce jour, il compte d’ailleurs huit elpees à son actif. Cet ensemble montréalais est devenu culte au Canada. A cause de sa capacité à mélanger les genres (NDR : et notamment le punk, la prog, le métal, le reggae, le hip hop et la world, parmi d’autres), tout en n’hésitant pas à utiliser différentes langues pour interpréter ses chansons (français, anglais, espagnol, grec et même arabe). Mais à l’issue du show, Sébastien et Bernard ne partageaient pas la même impression. Sébastien estime que ces Canadiens nous ont asséné une véritable claque. Imaginant un mirage rencontré en plein désert au cours duquel une danseuse du ventre ultra-sexy serait admirée sous toutes les coutures. Un spectacle à lui seul ! On passe sans problème de Beastie Boys à Yes. La plupart des spectateurs ont du mal à apprécier ces variations sur la longueur et quittent peu à peu la salle. Mais la cinquantaine de fidèles qui restent jusqu’au bout applaudissent chaleureusement ce qui est indéniablement la révélation de ce vendredi. Au cours de leur set, les compos ont été uniquement interprétés dans la langue de Voltaire et de Shakespeare. Chanteur principal, mais également guitariste (il joue assis), Franz Schuller possède une superbe voix. Claire, pure, profonde, bien timbrée. A tomber sur le cul ! Et second chanteur, le claviériste est le complément idéal de son partenaire. En outre, le duo est bien soutenu par les backing vocaux des autres musiciens. L’équilibre entre tous les instruments frise même la perfection. Mais pour Bernard, la solution sonore est beaucoup trop contaminée par la prog des seventies pour revendiquer un quelconque espace sur la scène contemporaine.
On vous parlait de bar et de bières régionales. La convivialité nous pousse inévitablement à nous enliser de plus en plus au sein du hall central et à délaisser quelque peu les derniers concerts. Mais un rapide (et dernier) coup d’œil s’impose quand même aux Blérots de Ravel. Ils constituent, il ne faut pas le nier, une tête d’affiche, même si ce D’hiver Rock ne défend pas une politique de vedettariat. Déjà présents deux ans plus tôt dans la grande salle de la Maison de la Culture, les Blérots semblent cette fois-ci plus à l’étroit sur le podium. Il faut dire que compter une petite dizaine d’artistes (musiciens, chanteurs, danseurs confondus) prend de la place. Le show en tant que tel n’a pas trop changé. On reste proche de l’univers des Ogres de Barback. Un spectacle qui fait encore recette ; car sur les 400 spectateurs recensés ce vendredi, la plupart sont venus applaudir les Français. La plupart, sauf vos serviteurs mais vous leur pardonnerez bien cette petite liberté.
Lors du dernier festival de Dour, Les Anges s’était fendu d’une excellente prestation. La ravissante, féline, excentrique et toujours aussi sexy Sandra Hagenaar focalise toujours tous les regards. A cause des accès de claviers rognés (le hammond of course !), qu’elle inocule dans la musique. De ses poses excentriques. Puis de sa longue robe noire au dos nu. Et plus on la regarde, plus elle nous fait penser à Uma Thurman, qui avait marqué de son empreinte le film ‘Pulp Fiction’… Elle se sert aujourd’hui d’un theremin, comme chez le John Spencer Blues Explosion. Les trois autres musiciens continuent d’entretenir un rock crade, nerveux, tendu, boosté aux amphétamines, proche de Queens Of The Stone Age, souligné par la voix tour à tour tendre ou rageuse de Renaud Mayeur et balayé de ses riffs de guitare ravageurs. Un véritable ouragan ! Un reproche, si c’en est un : le son était quand même un peu fort…
On n’est pas resté longtemps pour regarder et écouter Amsterdam Klezmer Band. Une formation batave. Un sextet pour cuivres, accordéon, basse et percussions rehaussé, pour la circonstance, par la présence d’une chanteuse. Leur musique juive d’Europe de l’Est est manifestement influencée par le Gipsy et la musique des Balkans et évoque tantôt Emir Kusturica flanqué de son No Smoke Orchestra ou l’Orchestre International du Vetex. Cependant, seule une partie du répertoire du groupe est constituée de morceaux traditionnels. L’essentiel est issu de la plume des membres du groupe. Mais bon, c’était le groupe de trop et on avait plutôt envie d’aller rejoindre les bras de Morphée plutôt que de se farcir un collectif qui aurait pu faire un malheur lors des défuntes danses folkloriques de Tournai.
Là où le bât blesse, quand on apprécie les deux albums de Jérôme Deuson alias aMute, c'est d'avoir l'impression, à chacun de ses concerts, de s'être trompé de salle. Mais où est donc passée l'élégante tension qui habite ses disques, remplacée sur scène par un magma sonique plus proche des Smashing Pumpkins période « Gish » (notre homme est fan) que de Tim Hecker ou de Intr_Version ? Epaulé en concert par le Sea Horse Band, Jérôme Deuson préfère appuyer fort sur nos certitudes rock'n'roll qu'opter pour l'émotion à fleur de peau (cette putain !) Et ce n'est ni son batteur à la poigne trop véloce ni son bassiste sans cesse tournicotant (un transfuge de Major Deluxe) qui changeront la donne : aMute en concert déçoit parce qu'il veut trop séduire, alors que sur album tout est dans le non-dit et la quiétude introspective.
S'ils sont huit sur scène, les Canadiens de Do Make Say Think se révèlent a contrario plus condensés dans leurs manies post-rock. Deux batteurs, deux trompettistes, un saxophoniste/claviériste, un guitariste, un bassiste et une violoniste : le barnum, pourtant, n'est ici pas une menace? Qu'on se le dise : après plusieurs années d'absence en nos contrées la clique de Montréal (parmi elle, des membres de Broken Social Scene) n'avait pas intérêt à décevoir ses fans. Promo oblige, le set était centré sur les compos de « You, You're a History in Rust », dernier album sorti il y a quelques semaines. Au rayon des classiques, « Horns of a Rabbit », « Classic Noodlanding » ou encore « The Landlord is Dead », bref du post-rock mâtiné de cuivres vaporeux, mais moins accidenté que celui de leurs potes de Godspeed. `J'espère qu'on est meilleurs que la dernière fois, parce qu'à l'époque on avait dû se taper 20h de voyage pour venir jusqu'ici !' Les `Ouh ouuuuh !!!' du public à chaque nouvelle embardée les auront sans aucun doute rassurés : après quasi deux heures d'un live incandescent malgré quelques temps morts, Do Make Say Think quitte la scène avec un grand sourire. Tabernac' quel panache !
G.E.
aMUTE + Do Make Say Think (Botanique)
C'est devant un Cirque Royal entièrement conquis à sa cause que Saule et les Pleureurs ont enchaîné titres intimistes et rythmés, parfois dans des versions inédites, passant du free style au reggae. Les Pleureurs, tout à tour fanfare, troupe de saltimbanques, et véritable groupe, sont décidément les compléments naturels et indispensables de Saule, qui deux ans après leur premier passage aux Nuits Botanique, y reviennent en tête d'affiche, superbement mis en valeur par le décor et les éclairages signés Dragone. Alternant intelligemment chansons lentes et enlevées, Saule a réussi son pari de faire monter l'assistance sur la scène du Cirque Royal, le temps d'une chanson.
De l'émotion, du rythme, un contact toujours sympathique avec son public : Saule, s'il parvient à poursuivre dans cette voie, risque bien de devenir une nouvelle coqueluche des scènes francophones.
B.H.
Saule et le Pleureurs (Cirque Royal)
Les spectateurs sont nettement plus nombreux pour ce deuxième jour de festival. Peut-être la présence de noms plus connus comme Hollywood P$$$ Stars y est-elle pour quelque chose ? Les organisateurs avaient cependant le droit de faire la moue en enregistrant 600 entrées la veille. Ce samedi, ils ont été récompensés de leurs efforts, l’assistance ayant presque doublé. Et l’ambiance n’a pas reculé d’un cran…
Attagirl est le titre d’un album de la formation batave de britrock Bettie Serveert. C’est également le nom d’un quatuor issu de la région de Tournai qui a notamment reçu le prix des Francofolies de Spa en 2007. Un combo au sein duquel milite Maxime Leclercq à la basse, musicien qui apporte son concours aux drums auprès d’Yves Ghiot. La formation manque encore de planches, mais possède de nombreux atouts pour faire la différence. De bonnes mélodies, une excellente voix, une section rythmique bien équilibrée et un guitariste plutôt doué (NDR : et bien équipé en pédales de distorsion). Maintenant, il faut admettre que leur patronyme est très susceptible de provoquer la dérision (NDR : ben oui, Attagirl qu’est ce qu’elle à ma g*****)
Tiens c’est marrant le chanteur principal de Love is Love possède une voix aussi enrouée que celle de Joe Cocker. On arrête ici les comparaisons, puisque cet ensemble dont le line up implique outre le drummer, deux bassistes, deux guitaristes et deux chanteurs, pratique une sorte de noisy très proche du post rock. Malheureusement, leur set a beau être correct, les compos semblent toutes construites sur le même schéma et manquent singulièrement de relief.
Formation locale, 20 Lousy Lumps écume les festivals régionaux depuis quelques années. Ils sont sympas, écrivent leurs propres compos, ne sont pas de mauvais musiciens, mais ne parviennent décidemment pas à passer à la vitesse supérieure. Leur set souffre d’arrangements approximatifs et le chanteur tente de pousser sa voix dans un registre qui ne sera jamais le sien. Ce qui est plutôt casse-gueule. Le groupe aurait décidé d’arrêter les frais. Ce n’est qu’une rumeur, mais elle inquiète certains organisateurs de festivals régionaux. Ben oui, le band comptait quand même de nombreux aficionados…
The dIPLOMAT est encore une formation belge dont le talent est unanimement reconnu. Alors que leur manque-t-il (NDR : oui on sait, à chaque Tour de France, Anquetil terminait toujours devant Poulidor) pour passer en division supérieure ? Une meilleure médiatisation, peut-être… Pourquoi ne pas faire appel à un diplomate ? Une chose est sûre leur pop/rock énergique, glamour, mais aux mélodies contagieuses et sophistiquées a fait mouche lors de cette édition du D’Hiver Rock. Les musiciens sont loin d’être des manchots, la bassiste, Sophie Chiaramonte, est plutôt jolie et le chanteur/guitariste, Fabrice Dubard, assez beau gosse. Et il le sait ; surtout lorsqu’il invite une jeune blonde pour le rejoindre sur scène afin de danser. Ce qu’elle ne parviendra jamais à faire. Elle doit d’ailleurs se demander ce qu’elle foutait sur les planches. Grosse acclamation néanmoins pour leur prestation d’excellente facture.
Willis Drummond nous vient du Pays Basque, en France. De la région de Bayonne très exactement. Un quatuor qui pratique une sorte de noisy rock davantage américain que britannique. Leur gros son, mélodique et rageur évoque même parfois le grunge ‘seattlenesque’. La maîtrise des larsens semblent être leur dada. Et parfois les trois musiciens (les deux guitaristes et le bassiste) font face à leurs amplis en même temps pour conjuguer leurs sonorités stridulentes. Pas mal foutu, mais un peu daté quand même…
Mutiny on the Bounty : franchement, parfois on se demande si l’extravagance ne guide pas de plus en plus les artistes pour le choix d’un patronyme. MOTB est un quartet luxembourgeois (NDR : d’Esch sur Alzette, très exactement) qui pratique une musique quasi-instrumentale (NDR : honnêtement après un quart d’heure, il n’y avait toujours pas eu la moindre intervention vocale). Le résultat d’un mélange entre post, math et noisy rock. Le combo revendique d’ailleurs des références qui oscillent d’At The Drive In à The Mars Volta, en passant par Pelican. Beaucoup d’intensité dans leur solution sonore sensée reproduire des climats épiques, sombres ou encore tragiques. Mais pas assez de créativité pour leur accorder plus de vingt minutes d’attention, lors d’une longue journée de festival…
D’autant plus que The Display Team nous a réservé la surprise de cette édition 2007 du D’Hiver Rock. Un collectif issu de Londres qui pratique du pronk, c'est-à-dire un mélange de prog, de punk et de ska. Hormis le saxophoniste (il remplace provisoirement le trompettiste), les cinq autres membres du groupe (un tromboniste, deux guitaristes, ainsi qu’un batteur et un bassiste répondant respectivement aux surnoms de Chuckles The Clown et d’Ozrick Testicles) chantent. Et très bien, d’ailleurs. Même si le lead vocal est assumé par le drummer. Des vocaux aussi soignés et polyphoniques que chez Chumbawaba et surtout Gentle Giant ; alors que leur musique semble née d’un cocktail subtil et énergique opéré entre Madness, Mad Caddies, Frank Zappa et les Cardiacs. Tout un programme ! Un groupe à suivre, c’est une certitude. Responsable d’un unique Ep à ce jour, alors qu’il milite déjà depuis 2000, The Display Team se prépare à sortir son premier opus. En attendant, s’il passe près de chez vous, ne les manquez surtout pas !
Des Suédois qui causent aux théières ! Quatuor suédois, Talking To Teapots pratique une sorte de garage/rock inspiré notamment par Weezer et Supergrass. Mais en plus impétueux. Encore que dans ses moments les plus lents et complexes, la musique peut évoquer Pavement. On aurait pu créditer leur prestation d’excellente si le son avait été moins pourri. D’autant plus que le vocaliste est un excellent showman qui n’hésite pas à monter sur les retours de scène ou à descendre au beau milieu du public. Appréciant apparemment la fantaisie, il joue la plupart du temps en portant des lunettes de soleil sur le nez (NDR : peut-être est-ce parce qu’il imagine que c’est ‘les thés’), un peu comme John Kay de Steppenwolf ; et au début du concert, agite une étoile de papier montée sur un bâtonnet. En outre, il se sert, pour un morceau, d’un casio miniature.
Sonic Boom 6 était manifestement une des formations qui valait le coup d’œil. Si elle s’est déjà forgé une solide réputation, chez eux en Angleterre(NDR : ce sont des Mancuniens !), elle n’est pas encore bien connue de ce côté-ci de la Manche. Il est même amusant de lire ‘Tournai-Belgium’ sur la ‘tour list’ de leur website, au milieu de dates prestigieuses de concerts programmés à l’Astoria ou l’Underground de Londres ou encore annoncées lors d’une tournée au Japon et aux USA. Il y a donc fort à parier que leur punk-ska déjanté pourrait faire recette bientôt chez nous. Leur petite chanteuse est plutôt sexy (n’hésitez pas à aller mater notre section photos) et son look un peu juvénile évoque une certaine Gwen Stefani. D’ailleurs une partie de leur show lorgne du côté des No Doubt originels, à moins qu’il ne s’agisse de King Prawn. L’énergie punk est assez proche de groupes comme No Fun At All. Sans oublier la petite touche de hip-hop inoculée dans l’esprit de The Go! Team. Mais en mettant toujours en exergue la voix douce et tendre de la frontwoman. Pas étonnant qu’un fan ose jumper sur scène afin de rejoindre la chanteuse pour la saluer. Laquelle, fort sympathiquement, accepte de lui faire la bise. C’est qu’on lui pardonnerait tout à cette petite Anglaise. Même un set un peu trop ‘ado’.
Hollywood P$$$ Stars s’était déjà produit en 2004 et en 2005 au d’Hiver Rock. La première fois, il avait laissé une excellente impression, alors que la seconde, il s’était un peu perdu, en fin de parcours, dans un trip semi psychédélique, semi métallique trop confus pour vraiment convaincre. Auteur d’un troisième opus beaucoup plus pop (« Satellites »), le quatuor liégeois semble aujourd’hui parfaitement maîtriser son sujet. Ce qui ne l’empêche pas de continuer à dispenser une musique savoureusement électrique et chargée d’adrénaline. Simplement le sens mélodique beaucoup plus présent se mue parfois en feeling hymnique et semble dompter naturellement la rage, l’énergie et la fièvre. Ce qui permet de mieux apprécier également le timbre acidulé du chanteur. Et la qualité du son y est sans doute aussi pour quelque chose. Le groupe est au sommet de sa forme et communie instinctivement avec les spectateurs. Encore que la descente du guitariste dans la foule semble un peu préméditée ; et lorsqu’il refile sa gratte à une personne du public pour jouer sur le podium, le résultat est tellement bon, qu’on est en droit de se poser des questions. Bref, H.P.S. a accordé un set rafraîchissant, puissant, terriblement efficace, et manifestement le plus professionnel de tout le festival.
Et comme c’est de coutume lors de ce D’hiver rock, changement de salle, et radicalement de style en compagnie de Banane Metalik. Anecdote amusante : à l’heure d’écrire ces quelques lignes, j’essaye d’aller faire un tour sur leur website. Mais mon filtre parental bloque l’accès au site, en le cataloguant dans la rubrique ‘violence’. Et manifestement, leur show devrait presque être interdit au moins de 16 ans. On se replonge vite dans l’ambiance trash des bons vieux films d’horreur série B des années 80. Ou quelque part entre le clip « Thriller » (qui refait surface) et Evil Dead (tiens, c’est vrai les films gore reviennent aussi à l’affiche). Musicalement, on navigue en plein punk/trash. Les quelques vieux punks présents dans la salle en profitent pour lancer de lourds pogos devenus rares. Mais un peu comme leurs compères de Punish Yourself, c’est surtout le visuel qui capte l’attention. Et Banane Metalik sait comment s’y prendre. Quelques couteaux de cuisine bien taillés à la Marilyn Manson, du sang un peu partout (dont ils parlent dans un de leurs titres), un décor glauque. Mais aussi une danseuse fétichiste (voyez aussi notre section photo) qui met un peu de baume dans le décor. Quoiqu’elle semble trahir des penchants SM, quand même. Au final, on retiendra surtout le jeu de scène, et la grande sympathie de ces Français, malgré les apparences de morts vivants ! (S.L.)
'Non mais t’as vu la chanteuse/guitariste ? Quelle poule!' (NDR : encore une, c’est le jour) C’est la réflexion que me faisait un copain dans la salle. D’abord, ce n’est pas une poule, mais une des Suprêmes Dindes. Et c’est vrai que ses traits sont fins. De jolies jambes. Peu de poitrine quand même, comme Jane Birkin. Sexy. Remuant bien le cul et une très belle voix. Mais est-ce un mec ou une fille ? Serait-ce un androgyne. Tout au long du concert, on se posait quand même des questions sur la nature de son sexe. Elle (ou il) assure quand même sur les planches. Et se fait appeler Jacqueline Bonjon. Il y a bien une fille dans le groupe. Pas le(a) bassiste, c’est sûr, mais la guitariste soliste. Le cas porte moins à confusion. Enfin, il y a un vrai mec derrière les fûts. Un moustachu. Mais les trois autres portent talons aiguilles, combinaisons, colliers de perles et maquillage outrancier. Les Suprêmes Dindes se moquent de la société et de l’establishment. Elles cultivent l’autodérision. Leur accoutrement caricatural, c’est aussi, leur façon de dénoncer les préjugés. Tout comme leurs textes, particulièrement engagés. Sorte de Wampas kitsch, elles propagent la même énergie que Dionysos. Mais au fil du set, on finit par oublier leur look totalement extravagant et leur jeu de scène détonnant pour mieux en apprécier leur punk sauvage mais contagieux. Et ce n’est pas parce que le(a) bassiste a cassé une corde que le show en a pris un coup : le groupe possède suffisamment de planches pour retomber sur ses pattes. Et un musicien participant au festival lui a même prêté son instrument ( ?!?!?!) Sympa ! Un groupe à revoir, c’est une certitude…
Le festival avait laissé une petite place au ska punk festif en invitant Poulycroc. Ils sont jusque 11 sur scène dont cinq cuivres et s’amusent comme des fous. Le public présent aussi d’ailleurs. La couleur orange domine leurs accoutrements et même leurs cheveux. Pas de prise de tête, rien que des reprises, un peu de théâtre, du folklore et une communion incessante avec le public. Idéal pour sonoriser toutes les fêtes au cours de laquelle la bière coule à flots… Santé !
On vous le disait en introduction, l’ambiance est demeurée bon enfant tout au long de ce samedi. Quelques stands ont été ajoutés. Mais mon Dieu, on a évité le marketing de récupération qui nous est imposé lors des festivals traditionnels. Ainsi, pas d’échoppe bancaire casse-pieds destinée à faire souscrire des compte-jeunes ou à la gloire de boissons à la caféine ; mais plutôt des stands de mobilisation. Ou encore un emplacement réservé à nos sympathiques amis, les René Binamé (à l’affiche l’année dernière). Ils viennent déjà promouvoir la sortie de leur prochain album. A leur façon, c'est-à-dire dans le pur respect du rock alternatif et de l’auto-distribution. A noter qu’il y avait également une scène dans le bar où se sont produits des groupes de blues, de rockabilly et puis en clôture, Momo Lamana. Un duo tournaisien qui pratique une forme de punk/rock/garage minimaliste dans la lignée de Suicide, Alan Vega ou des Mummies. Une boîte à rythmes, une chanteuse/bassiste/claviériste (Momo), un chanteur/guitariste/claviériste (Lamana), tous deux vêtus de cuir noir comme les défunts et mythiques Ramones auxquels le groupe voue une grande admiration. Quoique revivaliste, on peut les créditer d’un set sympa, à défaut d’être original, même si on n’entendait pas trop la basse (pas de table de mixage). Mais vu l’heure avancée, il était temps d’aller au pieu pour roupiller…
Il y a bien eu La DK Dance, ABB et X Makeena, mais on n’a pas vu grand-chose. Juste l’intro des derniers cités. Une superbe mise en scène. Il y avait même des loupiotes au-dessus de leurs masques. Mais bon, même si on pourrait imaginer une version hip hop de « The lamb lies down on Broadway », c’était du hip hop ; et Seb s’étant éclipsé, il ne fallait pas trop compter sur Bernard pour donner son avis sur ce qu’il ne parvient toujours pas à assimiler…
A l’année prochaine !
Soirée en demi-teinte proposée ce jeudi 9 mai à l’Orangerie. Heureusement, la configuration assise de cette dernière nous aura permis de tester le confort des sièges. Des sièges presque aussi intéressants que la série de concerts accordés par Superflu, Seb Martel, The Kissaway Trail et Peter Von Poehl.
On pourrait se forger une réputation de mauvaise langue et se contenter de dire que Superflu, c’est un peu comme Dionysos si ces derniers avaient été chiants. Mais finalement, sur la longueur, ils nous ont certainement offert le set le plus enthousiasmant et le plus charmant de la soirée. Après un départ plutôt quelconque et au fur et à mesure du set, les Français ont trouvé leurs marques pour véritablement se révéler sur le très bon « 25 ans ». Dans l’ensemble, Superflu constitue donc une formation qui gagne à être revue sur scène ; mais dans d’autres conditions.
20 minutes plus tard, Seb Martel prend la place de Superflu. Et, à vrai dire, hormis l’ultime petite ritournelle en espagnol, seule à sortir du lot, le reste du set était carrément ‘borderline’, comme dirait l’autre. En d’autres termes, limite médiocre. Suivant…
Que le dealer du rédacteur qui a titré sa chronique de The Kissaway Trail « Les Arcade Fire du Danemark » se fasse connaître. Je veux la même chose. Et en 10 exemplaires, siouplé ! The Kissaway Trail a beau être composé d’excellents musiciens, et le bassiste avoir un petit air de Win Butler, la formation danoise est loin d’égaler le brio des Canadiens. Sur scène, comme sur disque, The Kissaway Trail a du mal à convaincre, malgré quelques bons morceaux, ici et là…
Enfin, place à la tête d’affiche de la soirée, Peter Von Poehl. Fort d’un excellent album (« Going To Where The Tea Trees Are ») et d’une tournée opérée en compagnie des Français de Air, le géant suédois ne s’est pas vraiment distingué. En cause, un set assez plat, entrecoupé d’interventions assez gauche du jeune homme (cette affreusement mauvaise anecdote !) Ce dernier ira même jusqu’à se lancer dans une atroce reprise de « Heartbreak Hotel », durant laquelle une petite partie du public fuira à toutes jambes. Von Poehl sauvera les meubles sur la fin de sa prestation, en enchaînant « A Broken Skeleton Key », « Going To Where The Tea Trees Are » et « Lost In Space ». Occasion rêvée de s’éclipser avant que le rappel ne vienne boucler cette soirée bien morne. On ne peut pas gagner à tous les coups...
Superflu + Seb Martel + The Kissaway Trail + Peter Von Poehl
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